读后感是对读完一本书后的思考和感受的总结，有助于我们更好地理解和消化所读内容。通过阅读下面这些读后感范文，我们可以从不同角度了解和感受同一本书的魅力。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇一
可追溯到二千七百多年前的周代，文献揭示了油画是中华民族民间古老的重要传统画种，它服务于宫室和民间，大到王侯的亭台楼阁建筑，小到日用器具的美饰。我们熟悉的“油画”、“油色绘”和“密陀绘”等称谓也早已存在于西汉及其后的史料文献之中。从一些考古发现推断，在实践中使用油彩绘画可能更早，甚至早到新石器时代出土的以油色所作的彩绘陶图案。油色绘在周代时就已经发展成完整的绘画形式。《周礼》中记有：“山国用虎节，土国用人节，泽国用龙节，紫檀木画其形象，御笔亲金书以赐重臣，碧油笼之。”这是迄今所见关于碧油罩明技法最早的文字记载。
十六世纪中期的明代《髯饰录》亦记载了有关古油画诸技法。《髹饰录》是一部总结中国古代髹漆工艺经验的巨著，总结了中国古代用漆、用油以绘制漆画、油画及漆器制作和各类装饰技法。其中记载:“金细勾彩油饰者”，“又金细勾填油色”，“油饰，即桐油调色也，各色鲜明”“描油，即油色绘也。其纹飞禽走兽、昆虫百花、云霞人物，一一无不备天真之色。如天蓝、雪白、桃红则漆所不相应也。古人画饰多用油，今见古祭器中有纯油色油纹者”“油清如露，调颜料如露在百花上，各色无所不应。见正色而却呈绘事也。”书中尤强调欲鲜彩图唯油画表现景物“各色无所不应”，而新鲜明净的浅色“则漆所不相应也”，因此“古人画饰多用油”，这样才能保证所绘图画色彩效果比用漆绘制色度高、鲜艳悦目。
另外，明代巨著《天工开物》中对胶彩画的弊端也有清晰的阐释，其认为胶彩附在木质器皿上易为木质纤维吸收而色彩会呈现粉浊，且附着力不强易风化脱落，更不适于在建筑木构、木板、门画、舟车、旌旗、帷幔和服饰彩绘上。因此，在古代中国服务于实用的胶彩画应次于“漆画”，而漆画的材料“漆”，本身是从富含树脂的落叶乔木所得，与空气接触后呈褐色，很难制作出鲜明的浅色颜料，“即漆工以鲜物采，唯入桐油调则显，入漆亦晦也”。因此，对于各种绘事中要求的新鲜明净的浅色“则漆所不相应也”。有关我国古代传统油画的记载，清代著名学者康有为在《万木草堂藏画目》之中曾记载当时京都的部分宋、元时的`绢、帛油画内容。康有为遍游欧亚画廊，对中西方的绘画有深刻而独到的鉴赏力，他的书中记载：“宋画：易元吉《寒梅雀兔图》，立轴，绢本，油画逼真，奕奕有神。赵永年《雪犬》册幅一，绢本，油画，奕奕如生赵大年弟，以画犬名者可宝。龚吉《兔》册幅一，绢本，油画。陈公储画《龙》册幅一，绢本油画，公储固以龙名，而此为油画，尤足资考证。以上皆油画，固人所少见。沈子封布政久于京师，阅藏家良多，面叹赏惊喜，诧为未见。此关中外画学源流宜永珍藏之。元画：高暹《马》，册幅，亦油画，与前各油画合册，写瘦马迫真，珍品。”并且进一步认为，由于欧洲15世纪之前没有油画，故而是马可波罗将中国的油画传到欧洲才形成今天的欧洲油画。对古代中国油画有很深研究的秦长安先生认为，古代中国的传统油画多为绢帛油画，今天却所见不多，而古代的绢帛画中，有不少佳作应该是中国的传统油画，只不过没有人去化验鉴定。他甚至很肯定地认为我国现存的战国帛画以及誉满中外的马王堆西汉墓出土的帛画，都是两千多年前的中国古代油画的珍品，是世界上最早的油画，只是这些绘于绢帛之上并陪葬在地下的画宝早已失去原油画表面的光泽，但是它们并非胶彩画，也非漆画，而是古代油画。
综上所述，我们认为中国古代最早发展的彩绘为油画，而从历史的角度看，一向被认为是中国传统绘画的山水画则是后来才形成的“新”传统。中国的古代文献不仅记载了中国古老的油画传统，而且对于所使用的油也有比较明确的记载，记载的油画用油主料为干性植物油(主要有亚麻仁油、核桃油、桐油)，这与现在的油画可油是一致的。一般而言，现在油画绘制中使用到的液态物质总的来说可分四类：松节油等挥发性溶剂;亚麻仁油、核桃油、罂粟油等干性植物油;达玛油、达玛上光油等树脂溶液，以及含有油和水的混合物乳液。其中，干性植物油是油画颜料中真正起媒介剂作用的。也就是说，干性植物油是油画的主要养料，其他都是配料。在古文献记载中，中国传统油画使用的干性油料主要为大麻油、荏油(又称紫苏油，含有丰富的a-亚麻酸)、胡桃油(即核桃油，人们原以为核桃是张骞出使西域带回的，非我中土原有产物，故称胡桃，但1972年距今约七千多年的磁山文化遗址出土的胡桃，修改了所谓汉代核桃为张骞引自西域的说法)、桐油和罂粟油等数种。据考，我国远古遍植桑麻，秦汉之先已多取大麻油、荏油彩绘。汉代《四民月令》、北魏《齐民要术》等文献中均有关于古代“油帛”、“油衣”的记载。“油帛”即泛指绢帛油饰。《齐民要术》称“茬油色绿可爱，为帛煎油弥佳。茬油性淳，涂帛胜麻油”。证明了古时用茬油、麻油调色涂绘于帛已甚为普遍。《北史》“列传”之《祖挺传》记载:“除挺寻迁典御，又奏造胡桃油。”“挺善为胡桃油以涂画，乃进之长广王。”后长广王即是祖挺，他能制作胡桃油，而且擅长胡桃油作油画，并将其画作进献给北齐武成皇帝长广王，此画应为宫廷绢帛油画。桐油原产于中国，它是一种优良的干性植物油，用途极为广泛，具有干燥快、光泽度好、附着力强、耐热、耐酸、耐碱、防腐、防锈等特性。桐油用于中国传统油画是从唐代开始的并延续千年，至今民间仍有以桐油绘门神、祠庙、渔船龙凤飞天及历史、神话故事。门画乃中国传统油画的重要形式，它延续久远且的群众喜闻乐见。唐代的彩绘门画主要是桐油彩绘，有直接在门板上画的门画，也有在贴于门板之上的麻布上绘制的门画，绘制手法有鲜明油色的厚涂，也有的是渲染与勾线结合，或配以贴金和描金工艺。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇二
油画是也有种类的，是分为写实油画，也是分为抽象油画。
写实绘画在艺术形态上属于具象艺术，是绘画的一种表现手法。艺术家通过对外部物象的观察和描摹，亲历自身的感受和理解而再现外界的物象，这种艺术作品符合观者的视觉经验，为观者提供感官的审美愉悦。
写实绘画源自西方，具有悠久的历史和深厚的传统。写实绘画在欧洲“文艺复兴”时期得以壮大，历经500年的辉煌，产生了许多艺术大师、巨匠和艺术史上的不朽名作。在20世纪之前，整个一部西方美术史就是写实绘画的历史，这一点人们从来就没有怀疑过。曾经有过这样的事：“照相机”和“摄影术”的出现，一度使人们对写实绘画的功用产生了怀疑。事实上，摄影并不能取代绘画，来自外部的挑战会迫使艺术自身更加“艺术化”，这是艺术的自律性决定的。
20世纪的西方美术打破了古典写实传统的`一统天下，尤其是现代艺术观念的诞生，大大拓宽了艺术的疆域，艺术界流派纷呈、多姿多彩，开始走向多元并进的崭新天地。作为绘画形式之一的写实绘画，仍然占有一席之地，同时也不乏优秀的艺术家和作品。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇三
画的流派分为两大类。第一类是以客观的再现为主的创造性作品;第二类是以主观表现为主的创造性作品。
在第一类中如文艺复兴后出现的巴洛克、洛克克、古典主义、学院主义、浪漫主义、现实主义、写实主义、照相写实主义、印象主义都是以再现自然为基础，表现画家不同的思想与目的。巴洛克派——巴洛克流行于17世纪至18世纪。“巴洛克”一词原意有不整齐、扭动、怪诞的意思。推崇运动的扭曲，形体的丰腴与量感，其艺术语言强烈、夸张、动、浮华，这是巴洛克派绘画的特点，其代表人物为鲁本斯。
——“洛克克”原意是指贝壳的形状，其艺术风格为繁琐、精巧、纤细、甜腻、流行于18世纪，其代表画家有华多和弗朗索·布欧等。
——古典主义是以尊重古希腊、罗马的审美原则，构图上对称、均衡，气势上庄严、辉煌、崇高向上，技法精湛，刻画深入。这也是学院主义的奉行的原则。正如学院派奠基者法契诺所讲“美是所有艺术品的最高目标，它是事物的一种客观性质，由秩序、和谐、比例、规矩所组成”。其代表作家有拉斐尔、安格尔等等。
——浪漫主义起源于法国19世纪初期，其代表作是籍里柯的《梅杜萨之筏》，在此作品中的构图、光线、色彩、动态、表情都表现了艺术家丰富的想象力，它打破了古典主义的构图中的水平与垂直，光线的柔和与均匀，使画面产生了一种激情。这也是浪漫主义绘画的重要元素，注重感情的宣泄与表达。
——现实主义绘画指19世纪中叶，以米勒为首的画家主张用忠实于对象的手法去表现正常的视觉形象，反映生活的本质。其代表作有米勒的《拾穗》等。
——写实主义就如它的创始人库尔贝在1885年所讲的：“象我所见到的'那样，如实地表现我这个时代的风俗，思想和它的面貌。一句话，创造艺术就是我的目的。”
照相写实主义是对生活以一种照片式的形式搬上画面，如克洛斯的《约翰像》。它绘制作品要先拍成照片或幻灯片，再把它以比真人大十倍的比例精细地放大到布上，更细腻、更逼真地表现出对象的细节，如脸上的每一丝肌理和每根汗毛等。印象主义——印象主义是19世纪的画家们走出了自己的画室，去探索自然界中光与色的瞬间变化，打破了传统观念上固有色的概念，如树是兰绿色、阴影是黑色，它把周围的环境色对固有色的影响进行了客观的绘制。其代表画家有莫奈、修拉、塞尚、雷诺阿等。
下面所介绍的第二大类，即后印象主义、野兽派、立体主义、未来主义、抽象主义、超现实主义等，它们不再是对客观对象的真实描绘，而是根据画家的主观意图进行自由创作，它们大多出现在20世纪以后。
——后印象主义画家强调表现自我感受，注重色彩的对比和事物的内在结构，其代表画家有凡高、高更等。这个画派对现代西方绘画产生了深远的影响。
——野兽派以夸张的造型、强烈的色彩、粗犷的线条表达内在激情，马蒂斯是这一画派的创始人。
——立体主义画派，画面的视点已不再是一个方位，而是对事物进行全方位的表现，使物体还原成几何形体。其创始人是西班牙画家毕加索和法国画家布拉克。
——未来主义画家以抽象的形式，运用色彩、线条表现运动速度、力量及其组合与分隔。
——抽象主义是依靠线条、块、面、色彩，进行无具象的抽象进行组合，其代表画家为荷兰画家蒙德尔安。
—— 达达主义对后来的超现实主义、活动雕刻、波普艺术直到后现代主义都有一定影响。
——超现实主义画派受柏格森的直觉主义及弗洛伊德的潜意识学说的影响，主张表现人的潜意识和梦幻。代表画家有西班牙画家达利、米罗。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇四
一幅油画如果保存得当，可数百年不变颜色，反之，则可能发生色层的龟裂、脱落和变色。那么，怎样保护你的油画免受损坏呢? 下面是小编分享的油画的保护技巧，一起来看一下吧。
一、可在画布背面薄薄地涂上两层预先溶解在松节油中的天然蜂蜡，能完全防止潮湿空气的.浸入而造成损害。
二、油画要避免阳光的长期直射，因为紫外线对色彩的破坏性很大，会造成褪色和变色。
三、储存油画的屋子要注意通风和防潮，尽可能离洗澡间、厨房远一些，注意防止灰尘、油烟对画布造成的损坏，房间内应保持一定的温度与湿度。受潮的画一定要慢慢阴干，切忌暴晒，否则画面容易脱落。
四、油画切忌将两张画面对贴。避免气温升高使画面粘连，导致油彩脱落、画面受损。
五、卷油画时要使画布朝里，画面朝外，外面卷一层纸筒，然后再用塑料布裹上，防止画裂。
六、墙上挂的油画如果落上灰尘，可以用微湿的干净布轻轻地擦。如果油上面有油烟，可以用淡一点的肥皂水和清水轻轻地试着擦洗，然后迅速拿海绵把画面上的水吸干，再拿电风扇轻吹油画表面。如果遇到年代久、有龟裂的油画，一定要少用水，局部干擦即可。如果用专业的上光油为油画保养，在喷上光油之前，要用干净的布把画面擦干净。
七、一般油画可以保存二三百年，但随着时间的推移，有些油画在几十年后就可能出现龟裂。如果收藏品较多，可以把油画用塑料布包起来，放在木箱里，防止硬伤。
油画的前身是15世纪以前欧洲绘画中的蛋彩画，后经尼德兰画家扬·凡·艾克(jan van eyck)，(1385年-1441年) 对绘画材料等加以改良后发扬光大。后人因扬·凡·艾克对油画艺术技巧的纵深发展做出独特的贡献，誉其为“油画之父”。近代油画多用亚麻子油调和颜料，在经过处理的布或木板上作画，因为油画颜料干后不变色，多种颜色调和不会变得肮脏，画家可以画出丰富、逼真的色彩。油画颜料不透明，覆盖力强，所以绘画时可以由深到浅，逐层覆盖，使绘画产生立体感。
油画逐渐成为西方绘画史中的主体绘画方式，存世的西方绘画作品主要是油画作品。随着时间的发展油画逐渐生活化，其中最著名的就是《蒙娜丽莎》表现的一个普通妇女并广为流传。19世纪后期，由于科技发展，许多新材料应用于油画领域，如丙烯颜料，油漆等。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇五
我们的生活中蕴藏着许多细微的声音，也许它们不如真正意义上的声音喧嚣，但是，如果我们用心聆听，就一定能够发现那些藏匿的声音。
那是一个炎热的午后，我百无聊赖地漫步在美术馆中。一幅幅艳丽或淡雅、张扬或朴素的油画在我眼前掠过，我也只是漫不经心地走过。美术馆时不时传来人们惊叹的低呼，在我的耳边也是聒噪。
这时，我突然停下脚步，驻足在一副油画前。那幅油画颜色淡雅素净，画中有女人紧紧地抱着一个婴儿，她的身后是一片混沌的灰暗。我注意到那女人的眼睛，一双明亮的似乎无忧无虑的眼睛，里面闪烁着什么我却读不出来。
“你对这副油画感兴趣？”我的身后传来一个幽幽的'声音。我诧异地转身，一位慈祥的老人却自顾自地继续说道：“有人说这个女人是无忧快乐的，我却不这么认为。”我像是被人识破一般，心虚地说道：“可是她又不会说话，您怎么知道呢？”老人微微一笑，指着女人身后的一片灰暗：“这里——向我传达了声音，它上面的油墨又深又厚，跟整幅画都不符，难道你不去想想看这是为什么吗？”
我屏住呼吸，再认真地凝视那片灰云。直到我看见一双黑色的眼睛似乎若隐若现，老人继续说道：“这是《圣经》中的恶魔，这个女人愿意同魔鬼做交易，用自己的生命换孩子一世无忧。”
我惊愕地睁大双眼，再望向那个女人的眼睛，那种明亮的光辉中却深深地镌刻着无悔，她慈爱地注视着怀中的婴儿，神情中带着一丝祝福与不舍，她似乎在轻轻地呼唤着婴儿：“不要担心，我愿意把我的祝福给你。”声音绵延回荡在我的耳畔，那是一种我从未听过的低语。
“我想你听到了油画里的声音。”老人的笑中蕴藏着智慧，“因为你用心聆听，你将她的情感带进你的世界。此刻，你就是她，她就是你，是相同的情感将你与她交织在一起。”
用心去倾听油画中的声音，它不仅仅是情感的交集，更是一个心灵对另一个心灵的低语。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇六
油画依托的材料较为多样，有软性底材与硬性底材之分，硬性底材分别是木板、石板、金属板、纸板、纤维板等，软性底材主要是画布，将画布绷在画框上作画大约出现在15世纪，那时意大利著名的.水城威尼斯的画家们首先将船用帆布用于绘画，到16世纪威尼斯画派达到鼎盛时期的时候，画布被广泛使用，后来，画家们将受空气湿度影响变化大的帆布改为几乎不受湿度变化影响的亚麻布。如何在画布上制作底子成为当时画家们研究的问题。
油画底子的制作方法有很多种，一些人错误地将很多底料配伍在一起，甚至坚持认为底料的成分越多越好，更有甚者，我们周围的一些人干脆将白油漆刷在画布上代替底料，实在是令人啼笑皆非。大多数画家几乎不注意底子的重要性，错误认为在什么样的底子上作画并不重要，然而，底子不仅对作品表面的亮度，而且对作品以后的寿命和颜色配伍后相互间的作用都有着很大的影响。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇七
印象油画：印象派最注重的是光线。其作品有代表作《日出·印象》，印象派较为出名的画家，莫奈、马奈、塞尚、高更和梵高等。
印象派是19世纪下半叶在法国兴起的一个画派。印象派绘画是注重于绘画色彩造型的变革，将光与色的科学观念引入到绘画之中，革新了传统的固有色观念，创立了以光源色和环境色为核心的现代写生色彩学。树立了色彩形式的独特审美价值，新颖的形式为现代艺术的产生奠定了基础。
印象派的命名出于印象派画家莫奈的一幅画《日出-印象》在“落选沙龙”中展出，引起了许多评论家的嘲笑。革新画家们就以嘲笑词“印象”为画派的名称，这也正契合了印象派的理念：注重瞬间光色印象，捕捉对景物的真实即时印象，用绚丽大胆的色彩来表达。
产生的原因
艺术的追求，就是不断创新不断变化的追求，19世纪西方美术的中心在法国，主宰法国画坛的仍然是有势力的官方学院派。19世纪下半叶法国画界有一部分青年画家反对官方学院派艺术的墨守陈规，由于自己的创新作品不能在官方沙龙展出而强烈反对官方的审查制度，他们要求艺术上的革新和创作自由，经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆自由交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。
西方绘画在发展历程中，画家总是将当时的科学成就引进艺术创造之中。由于光学和色彩学研究成果问世，后来又经查理士·亨利把光和色彩直接与美学相结合，运用到艺术法则上，这使追求创新的`画家们深受影响和启发，他们尝试着纯粹的“外光”的描绘，以及新的色彩关系分析，并把这种自然科学的法则和他们的艺术观点结合起来进行创作。他们认为自然界的一切物体都是光的照射作用，才显现出它的物象；而一切物象又是不同色彩的结合，太阳光是由七种原色组合而成。如果离开了光和色彩便没有这个世界。他们还认为：画家要认识这个世界，主要是从“光”和“色彩”的观点上去认识，“光”为“色”之母，有光才有色，世界上任何具体的物象和事件只是传达光和色彩的媒介罢了，它本身的意义是次要的!这种艺术观念成为他们的主导思想，从而支配他们的创作活动。
由于官方学院派的压制，这批年轻画家的探索创新作品不能在官方沙龙展出，于是他们共同于1863年举办了一次“落选沙龙画展”，遭到学院派古典主义的猛烈攻击。年轻画家们没有灰心，又埋头奋斗10年，于1874年在巴黎的闹市区举办了震惊画坛的“无名艺术家、油画家、雕塑家、版画家协会”展览。在这次画展中展出莫奈的一幅风景画，题名《印象·日出》。有位叫勒罗瓦的作家发表一篇小品文评论这次展览，题为“一次印象主义的展览”。“印象派”由此而得名。1876年举办第二次展览，有20位画家参加，这次展览干脆打出了“印象主义画展”的旗号，从此印象派登上了法国画坛，扩及欧洲，影响世界。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇八
油画入门教程本次介绍写生人物油画的技巧，写生人物油画和人物半身像的基本绘制方法大体一致，当初学者能够完成一幅人物半身像油画的时候，实际上初学者已经在很大程度上具备了写生人物油画的表现能力。关于这方面的内容,小编整理了一些相关资料给大家参考，觉得有用的话就快快收藏吧。
但是写生人物油画毕竟是油画基本写生中难度最大的一个课题。首先它较之头像和半身像写生而言，表现的内容已经明显地增加了。由于构成一幅写生人物油画的基础是全身的人体运动，因此初学者除了应该具有相应的色彩知识和色彩处理能力以外，同时还应具备严谨、完备的全身人体解剖知识。
在画写生人物油画时，要多加注意人的下肢与脚部的表现和处理。由于前一阶段初学者已经在人物头部和上半身花了较长时间去研究和学习，可能会对这方面的表现显得轻车熟路些。
另外人们审视事物时也常会习惯性地将注意力集中到画面的上方(因为下肢在画面上往往是处于中心以下的位置，常常会为画家和观者的视线所忽视)。同时，由于下肢，特别是脚的处理对初学者毕竟是一个新的课题，因此如何协调好它与人体其他部位的相互联系与准确处理其本身的解剖、透视关系，都需要初学者花很大的力气才有可能解决。
五官和头部的细节刻画在一幅写生人物油画上更不再有造型上的决定性意义。在一幅写生人物油画上，初学者常常可以通过人体本身的运动，特别是头、颈、肩的运动关系来表现人物微妙的内心活动和表情。
由于写生人物油画具有更大的信息容量，因而它就可能包含有更多的创作因素。这就要求初学者在设置和处理这组写生人物油画时尽量考虑多从这些因素出发而不仅只是考虑它的表现技巧。如何加强画面的整体构思，从而使画面更具有某种深度和完整性，是初学者进行训练的'更高的出发点。
注意整体对于所有的有关油画写生的写生都是一个共同的要求。这既体现在处理好色彩的整体关系，同时也体现在处理好画面的黑、白、灰的强弱对比，越是造型因素复杂的画面，初学者越要注意协调他们彼此间的主次关系。同画静物与风景一样，多画一些关于写生人物油画的小幅色彩速写，仍然是初学者能够熟练掌握和驾驭有关艺术表现的种种方法的重要捷径。
在初学者学习油画的过程中，临摹大师的优秀绘画作品可以直接的吸收大师作品的精华，体验优秀油画作品的奥妙，是一条快速进步的捷径，尤其是身边缺乏专业老师指导的学习者，临摹的意义更是重大，请相信笔者的忠告：“在临摹优秀作品的过程中仔细体会，总结心得，远比去自学一些所谓的理论和方法要直接有效的多。”
油画的光与色读后感（模板16篇）篇九
当学习如何画画时，几乎每个学生都开始害怕，并被油画中不可原谅的性质所淹没。但是通过使用一些简单实用的绘画技术，可以使过渡到油更加顺畅。下面是油画的构成技巧，为大家提供参考。
构思，着重于线、面、色调的定夺。
构成更多是考虑画面内各种大关系的走势、韵律、动势、协调、以及组合构思的`结果。
构思和构成的实施原则：对照和对比上要平衡，鲜活的画面来自于明亮的颜色，暗沉的颜色带给画面浓重的感觉。
起稿阶段，将画面分解为3到5个形状和3到5个颜色。用素描的方法完成起稿的步骤，不深入到细节部分。
多部分同时刻画利于把握大关系和整体感，而不是先把某一部分完全画完(推着画)。
除了超写实、古典油画等追求精细的画种，越多细节，越没意思。
好的画面包含：一个空间感、块面必须是看起来是一体的、有力量感就要有轻柔的部分。
平衡对应夸张、理性对应情绪、和谐对应扭曲，想让画面均衡，一定不能是以上特点的极端构成。
任何间隔、任何体块，色彩上没有差别、形状上就需要有变化。
最后一点，非常重要，让每个构成部分都对画面有意义，否则就需要去掉。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇十
肖像油画应该跟用油画画其他主题一样，对画面构图、颜色等方面多加考虑。一幅肖像画要具有它自身的特点，将人物的个性描绘出来，所以你就必须要考虑，怎样构图才能够将对象的个性表现出来。
首先，必须要规划出头和衣服的位置，还有人物的躯干要在画面上出现多少(你可以只画到肩膀，或是继续画到手的位置)，以及画面的背景和其他一些物体。
要能够发现你的对象身上与众不同的气质。通常开始画一些你熟悉的人，会比较容易抓住这种感觉，因为在你们之前的交往中，你已经自然而然地对他做出了这些观察。大多数人都有他们自己特殊的头和手的摆放位置，并且也有他们特定的坐姿。他们无法通过你的指示来摆成这样，但是如果你让他们放松下来，他们会逐渐形成自然的姿势并且能够保持。
为你的肖像画画面选一种色彩组合，但是要记住，通常最好让背景和衣服的颜色相对地缓和，这样它们才不会跟脸部的色彩产生对抗，从而让脸部处于画面焦点的位置。尝试各种不同的光源，确保阴影的投射方式在某种程度上能显示出对象面部的结构特征。总的'来说，最好避免非常刺眼的光线，因为它会让对象看上去憔悴苍老，并且还会使暗部失去色彩。
上图这幅肖像油画中，窗框在画面中形成一个背景框，突出了精心绘制的头部，远处花园中的绿色灌木用来强调画面“新生”这个主题。人物倾斜的头部和放在婴儿身上的手，既传递出入物那种平静慈爱的心情，也使得画面构图看上去具有动感。
这幅肖像油画证明了笔触在整个画面中的重要性。在这里，画家以明确的笔触沿着头发的轮廓、宽松的上衣、手臂和椅背画出来，然后又继续在画面中上升，围绕在背景的墙面上。画这些旋涡式的笔触的一个最主要的目的，就是突出窗框的垂直感，并且让窗框笔直的外形和黑色的调子跟椅背那种大胆的外轮廓线形成对比。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇十一
古典透明画法的方法是怎样的，我们不妨来看看。以下仅供参考！
光泽度类似玻璃般的油画表面易产生反光，往往给观赏者带来诸多不便，亚光颜料与亚光油就是为解决这一问题而发明的。但亚光颜料中含有大量的香精油，而结合剂脂油的含量相应减少，因而颜料较脆，粘附力弱，耐久性也随之降低。
为保持作品的耐久性，画家往往在完成的油画作品表面涂一层亚光油，达到无光泽的效果。过去常用的亚光油大多是煮过的'工业用油树脂，但它的透明度不太好。现在人们使用蜡来减弱光油的光泽度。通常用两份蜡（白蜂蜡最佳）加五份达玛上光油，再加一份松节油稀释。亚光的程度是根据用蜡的比例来决定。个人配制时，需要用试验的办法改动配方，以便获得最佳效果。
作画时若用松节油或精制汽油调色也能产生非常美的亚光效果。
与平滑、有光泽的画面相比，无光泽画面显得粗糙、色调较灰暗，无“湿润”感。因而大多数油画家并不采用纯无光效果，而是追求半亚光效果。而且多用于明快的、装饰性较强的油画作品中。传统的油画作品仍采用上光油。
现代画家使用丙烯颜料绘制无光泽或半亚光作品，亚光油画颜料被取代。
扑粉法又称刺红扑粉法，它是最古老的转印方法，即将所要绘制的作品图形（素描稿）转印到画面上的拷贝手段。具体方法是：
（1）用较薄的透明纸（现代用硫酸纸）将所要描绘的图形（素描稿）以白描的形式描一遍。
（2）用针尖沿线条刺成紧密相连的小孔（间隔约1厘米左右）。
（3）将刺过小孔的稿纸覆盖于底板上，用碳粉或铁红粉沿小孔铺洒一层。古代画家通用装着粉子的小布包，在画稿上沿孔线拍打，使粉末透过针孔落在底板上。
（4）将稿纸轻轻拿起，底板上便留下粉点组成的虚线。最后，画家再根据这些虚线描出图形的轮廓。
古代也有一些画家直接将铁红粉在稿纸的背面涂一下，再将画稿覆盖于底板上，用硬笔沿稿线描画一遍，完成后拿开画稿，底板上就会留下淡淡的红色线稿。
现代画家更多地使用复印、投影等方法进行拷贝。扑粉法这一古老的拷贝术，留给后人的是对古代画家聪明智慧的遐想。
热画法与冷画法是欧洲最古老的蜡彩画技法，它们以使用蜡媒介的手段来区分。
适合于绘画的蜡主要是蜂蜡。商店里出售的蜂蜡呈乳白色饼状或块状，柔润细腻，加热至60℃时能融于松节油、高级汽油和水中。蜡彩画适合画在木板等硬支承材料上，也能附着在画布上。画布底子一般采用胶质底子，也可以不做底子，但不能画在油质底子上。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇十二
1.歌声余音绕梁，三日不绝，细细听来，一种深沉却飘然出世的感觉会理科占据认得心头，仿佛一切尘嚣都已远去，只有这天籁之音。
3.人不可有傲气，但不可无傲骨。徐悲鸿。
5.彼岸的花夜间盛放的海棠京都岚山上的漫天红叶被春雪点妆过的樱花枝。这都是极美而又哀伤的。
6.细细品味画家的这幅巨型国画，一个突出的感觉是它的“气韵生动”。气韵生动是画面表现出来的“生命的节奏”或“有节奏的生命”的视觉形象，就是一幅画中各形式要素间有机联系形成的“一气贯通”、“浑然天成”的感觉。请看，画面中每一种景物都在动，云蒸霞蔚是动，旭日东升是动，山势挺拔是动，城市拔节是动，瀑布飞流是动，鸟语花香是动，但所有这些的“动”都在帮衬高架上动车的“动”。
7.然而，能成就艺术的，并不是东京的风景，而是风景中的我。是艺术欺骗了我，还是我欺骗了艺术呢？最终得出的结论是，艺术即是我。
8.我们先来到了第一个景点五彩滩，抬眼望去，一望无际的大海，碧波粼粼。再看脚下，沙滩上的石头，有很多种颜色，仿佛是用画笔涂画出来似的。所以才叫xxx五彩滩xxx。
9.一张画纸，画得满满当当不留一点儿空白，是西洋油彩画。一张画纸，寥寥数笔丹青于白宣之上，是中国画。凡·高浓墨重彩成为惊艳传世之作，齐白石水墨丹青也是画界传奇。西方的热情，中国的素雅。一张五彩，映出的岂止山水草木？那其中，更有处世的方圆之道。中国画的最高境界，在于水墨留余白。中国话的最高境界，在于话音留三分。
10.艺术有独立的生命，正和思想有独立的生命一样，而且完全按照艺术自己的种种路线向前发展。
11.美是艺术的最高原理，同时也是最高的目的`。
12.嫩江县的第一本书画作品集，在“点燃激情，传递梦想”的北京奥运火炬传递过程中，为人们捧出一片春的绚烂。尽管这绚烂未免来得晚些，尽管这片北国的春色中难免有去秋的败叶枯枝，然而，毕竟在书画界同仁的共同努力下，她仍然是目前黑河这片寒地黑土上暨各市县中最先绽放出的第一本美术之花。
13.有人说艺术家有一种“创造宇宙的想象力”。当他内心充满艺术的狂喜时，他可以跨越梦境与现实的藩篱。年轻的艺术天才诺瓦里思曾经说过：“人生变成了一场梦，而梦境成为现实。”
14.绘画，让我掌握了绘画技巧，给我的生活增添了欢乐；绘画，让我多次获奖，给自己添加了许多光荣；绘画，让我幸福快乐地度过每一天！
15.绘画不仅给我带来了乐趣，也给我带来了好朋友似的安慰。在我开心的时候，用彩笔画下自己的喜悦；在我不开心的时候，用颜料画下自己的烦恼。绘画成了我生命中不可缺少的一部分。
16.应知天道酬勤，不叫一日闲过。齐白石。
17.我认为艺术家这个词最广泛的涵意，是指那些对自己所从事的职业感到愉快的人。所以希望在一切职业中都有许多艺术家。
19.各种艺术经常互相影响，彼此交流，或者由于自然演化而越出自己的范畴，侵入相近的艺术领域。
20.我用毛笔蘸上喜欢的颜色，按照老师的要求画点、线、面。我正画得高兴，一件意想不到的事情发生了，由于毛笔吸水太多，一滴紫色的颜料滴在宣纸上，我可真是城隍扑蝴蝶--慌了神。突然，奇迹发生了，那滴颜料慢慢地向四周扩散，居然变成了一朵美丽的小花，花瓣有深有浅、层层叠叠。我用这种方法画了许多美丽的图案，我时而轻笔细描，时而浓墨涂抹，一幅五彩缤纷的作品完成了。
21.美是到处都有的。对于我们的眼睛，不是缺少美，而是缺少发现。罗丹。
22.他画的奔马，笔墨淋漓潇洒，带着时代的风雷驰骋在画坛上，给当时的中国画坛带来了清新、有力、刚劲的气息。
23.高超的艺术能给人美的享受，能震憾人的心灵，但是，要想具有精湛的艺术，是要付出很大的代价的。它需要浓厚的兴趣，坚强的毅力，不懈的追求。
26.音乐当使人类的精神爆出火花。
27.美是艺术的目的和推动力。
28.每当我拿起画笔，我就很快乐，因为这是一种艺术的享受。它可以让你的心情很舒畅;也可以倾诉你的喜怒哀乐;更可以把最美的东西用最美的方式表现出来。
29.只有人越来越堕落，文学也就一落千丈。
30.在华夏广袤神奇的土地上，千千万万的河流东流入海，唯有这条发源于阿尔泰山南坡的河流，却是一个华丽的转身，默默地向北冰洋奔涌而去，那么潇洒飘逸，那么特立独行。它的名字就叫做“额尔齐斯”。眼前的额尔齐斯河水，清澈而舒缓，不由地想到它的源头—同样澄澈明净的喀纳斯河。它们从遥远的地方汇集在一起，源远流长，奔流而去，给这个世界留下它最美丽的身影。河心的沙洲上绿意葱茏，将蜿蜒的河道装点得生机无限。
31.水在宣纸上干涸后，它身后留下的痕迹，构成了一种完全“透明”的绘画，一种与西画截然不同的水的空白的绘画。
33.一个作家阐述的真理比别人更少，仅仅因为他讲述了更多的真实，这是永恒的规律。
34.自唐宋以来，画家对于国画的创新一直延续至今，在传承的基础上创新风格。到了明代群星闪烁的“吴门画派”不仅代表着明代绘画的最高水平，而且还在师古与创新的探索中，为后世开一新河。到了吴派后期，以张宏为代表的苏州画家在文人山水画方面另辟蹊径，创作出了富有生活气息的绘画作品。他们在继承吴门画派风格和特色的基础上，加以创新，并到大山里去写生，师自然造化，创作出了富有生活气息的绘画作品，在画中体现出超凡脱俗的精神境界。画面清新典雅，意境空灵清旷。
35.艺术就象一个全身针刺向外发射的仙人球，给人以万千感受，让灵魂受激。
36.整件工艺品的颜色都是棕色的，虽然这种颜色十分单调，但却是一种让人觉得有种神秘感……一只母马和一只骏马的脚下矗立着高山流水，山上繁花似锦，“哗哗”流淌的流水声、“叽叽喳喳”的鸟鸣声，构成了一道美轮美奂的风景线。
37.艺术是人们司空见惯的景象，路边的一草一木，一花一树，只要是顺其天然的天性而动，都可以是美的拥有者，都可以称之为“艺术”。人们生活中缺少不了艺术，即不会欣赏艺术的人亦不会生活。
39.科学掌管物质，道德宗教管辖意欲，而艺术即不归属于科学，也不归道德宗教统管。其实艺术是神的嫡系，艺术直接归神掌管。
40.艺术是生活的.镜子。
42.据说夕阳下的五彩滩最美，那时候的五彩滩，面向太阳的地方，各种颜色将会达到极致，红的透明、黄的透青，蓝的透白。而背着太阳的地方，更是色彩绚烂、娇艳妩媚。在钉凿其间的木质栈道上小心地穿行着，仿佛一下被带入一个造型奇特的天然雕塑馆。这里时而高峰耸立、时而平缓舒坦，疏密相生，相映成辉。既雄浑大气，又柔情似水，恢弘而又不失简约。
43.我用毛笔蘸上喜欢的颜色，按照老师的要求画点线面。我正画得高兴，一件意想不到的事情发生了，由于毛笔吸水太多，一滴紫色的颜料滴在宣纸上，我可真是城隍扑蝴蝶--慌了神。突然，奇迹发生了，那滴颜料慢慢地向四周扩散，居然变成了一朵美丽的小花，花瓣有深有浅层层叠叠。我用这种方法画了许多美丽的图案，我时而轻笔细描，时而浓墨涂抹，一幅五彩缤纷的作品完成了。
44.作为一位贵宾坐在这富丽豪华的游艇上，有人在为我跳舞，船夫在为我划船，带我去游览威尼斯这神奇的水上世界；让我观赏碧波荡漾的水道，一座座古典式的石桥；让我领略威尼斯古老灿烂的文化……这优美的舞姿，动听的音乐，使人陶醉了，就像作梦一般。
45.那千百朵笑脸迎人的鲜花，仿佛正在用清脆的声音微笑低语：春天来了!春天来了!
46.这就是我心目中的完美的艺术节，我相信一定会实现这个艺术节，这样的艺术节一定会举办的，一定会好看的！
47.离开了人民，艺术就没有了土壤。梁明诚。
48.没有思索和悲哀，就不会有文学。
49.在艺术作品中，最富有意义的部分即是技巧以外的个性。
50.自然往往在人们不经意的地方出现，想要捕捉的时候，它们又被虚伪给替代了，所以时间上的艺术家多是画静物，天性的美在他们眼中是十分可贵的。
51.艺术的可能性。艺术不是进化来的，而且它的产生方式很可疑。智障团体，天才儿童，神经病人，他们创造艺术，并得到常人的认同和震撼性的共鸣。
52.技法往往与人文情怀甚至宗教信仰是分不开的。一件好的艺术品往往是一种思想影响另一种思想。所以当你看到一张绚丽无比的作品的时候，首先是被震惊了，然后你发现画的其实是一坨屎的时候，你还是不能忍！
53.“艺术”这个词，乍一听起来好象离我们很远。总以为它是属于艺术家们的，是高雅者的研究对象，很难与我们这些寻常百姓套上近乎。可是，如果你真的留意一下生活，那些艺术，其实无处不在地存在于我们周围。
54.享受大自然不单是限于艺术和图画，显现于我们眼前的大自然是整个的，它包括一切声音/颜色/精神和气氛。人则以了解生活的艺术家的资格去选择大自然的精神，而使它和自己的精神融合起来。这是一切中国文人所共持刀态度。
55.人们生活中缺少不了艺术，即不会欣赏艺术的人亦不会生活。
56.有的菊花全开了，露出鹅黄的花蕊;有的菊花半开着，像位害羞的小姑娘，尤其是含苞欲放的花骨朵儿，在绿叶的衬托下，显得格外娇美。
57.牡丹花，所以被人尊为花中之王，是因为它富丽华贵;水仙花，虽无花王之尊，然而它却以它的纯洁芬芳，使人陶醉。
58.中国画的中国味最主要表现是笔墨线条，发挥毛笔、水、墨、宣纸、等工具灵活多变的特殊性能和画家个人感性及书法艺术功力，使中国画的线条具有千变万化的笔墨趣味，形成绝妙的韵味十足的艺术线条美。而不是像西方的传教士郎世宁那样画中国画，虽然把形象画得维妙维肖，就是缺乏中国味的线条美。
60.有一次，我从琳琅满目的书柜里抽出一本诗集，上面印有泰戈尔的引言：“用你手中的钱币买下一本诗集吧，它会使你的心快活得像一只小鸟，自由地飞翔在无限的空灵之中。”仅仅是看了一眼，我便如获至宝地买下了它。从此泰戈尔领我走向了一个缤纷的世界。我迷上了诗，正如我迷恋那深沉广阔的大海一样。
61.绘画愈像雕刻，映在我眼里愈觉得它是出色的作品，雕刻愈像绘画，我就愈觉得它是拙劣的作品；雕刻是绘画的火把，它们就如太阳与月亮的光，有天壤之别。
62.挥翰成风、挥毫落纸、挥洒自如、活色生香、落笔成蝇、眉黛青颦、
63.这世上有两类艺术家，这一类并不见得比那一类好到哪里去。这一类艺术家反映的是迄今为止他的艺术史，而另一类反映了生活本身。
64.艺术是精神和物质的奋斗。
65.玫瑰花安盛开，紫罗兰安谢了。也草安蔓延，一丝沈压抑，却有品味。我沈默，不再离去。
66.是谁说过，艺术一定是一场高雅的音乐会一幅昂贵的世界名画呢？我认为，一句幽默的话语一片短小的笑话，它们都是艺术，艺术就在我们身边！
67.应从习作中寻求快乐。塞尚。
68.即使匆匆走马看花氏地逛完整个博物馆，也让我们花了将近四个小时，一直到闭馆时间才步出美术馆。
69.来到五彩滩，就像坠入一场五彩梦。五彩滩位于新疆北端，属阿勒泰地区布尔津县，距布尔津县城24公里，地处我国唯一注入北冰洋的额尔齐斯河北岸的一二级阶地上，海拔480米。中秋的傍晚，这里的西天边，依然斜阳高悬。阳光依然明亮，但照在身上，已十分柔和，没有了灼热的感觉。
70.绘画，不仅给人带来一种美的享受，而且每一幅画，都会让人如痴如醉于情境中。一副成功的作品可以使人领略到祖国悠久灿烂的文化历史、大自然的磅礴隽秀、精湛艺术的高超。使人看起来有种身临其境之感，仔细品味，便可以陶冶情操。这样不仅能培养我们的性情、增强我们的艺术思维，还能提升我们的审美理念，使生活更丰富。
71.艺术的真正职责就在于帮助人认识到心灵的最高旨趣。
72.艺术的第一目的是再现现实。
73.艺术家不相信科学，由于科学只是不完美的东西。诺尔德。
74.绮丽风光，一河两岸，南北各异。我不由感叹，大自然真是一个神奇的画师！没到过这里的人，再有丰富的想象力，恐怕也难以想象出，即使你是人间再好的画师——即使是神笔马良，用再神奇的画笔，再繁多的色彩，恐怕也难以描摹出这样神奇瑰丽，亦真亦幻的仙境啊！这样的境界，只能是想像的仙境，只能是浪漫无拘的梦境。搜肠刮肚，苦思冥想，我梦里也从未出现过这样的境界呀。
75.“雅丹”，地理学名词，维吾尔语“险峻的土丘”之意。激猛的河流冲击以及狂风侵蚀，形成了额尔齐斯河北岸悬崖式的雅丹地貌。由于河岸岩层间抗风化能力的强弱程度不一而形成了参差不齐的轮廓，又因为岩石中含有矿物质的不同，使这里的河滩异彩纷呈，因此得名“五彩滩”。(在线造句)。
76.视线转而向北，一座索桥横卧两岸，北岸苍远，南岸却是绿树葳蕤。北岸一幢简朴的木屋前一丛金黄色的芦苇，比我们在戈壁滩上看到的芦苇丛还要纤长、秀美。南岸成片伟岸而挺拔的白桦林，葱郁青翠。哈萨克人居住的小木屋，宁静、悠然，只是不知道它的主人此时去了哪里。目光越过近处蓊郁的树林，远方逶迤的山峦，蓝色的天际与戈壁风光一览无余尽收眼底。可谓“一河隔两岸，自有两重天”。
77.春秋，是时光、是岁月、是历史、是人生，是播种、是收获。而笔墨，则不仅仅是书画艺术本身，也是书写人生，记载历史，描绘时代，展示心灵。不管你是用墨笔还是彩笔，不管是淡雅的墨分五彩，还是厚重的油彩斑斓。
79.笔墨亦由人品为高下。方薰。
80.我爱画画，就像鱼儿无法离开水，绘画是我最重要的朋友，我也离不开画画。我想要用画画来表达我的所想，描绘世界一切美好的景色。
81.他在美术方面有很深的造诣，在美术界出类拔萃，是个响当当的大人物。
82.美是艺术的最高原理，同时也是最高的目的。
83.岩石颜色，大概是因为所含矿物质的不同，才会在落日时分的阳光照射下，幻化出五彩的颜色。岩石的色彩因此被称作“五彩滩”，并号称是“新疆最美的雅丹地貌”。而南岸，绿洲处处，绿草茵茵，绿树葳蕤，连绵成林。遥望远处，山峦逶迤，沙漠起伏。这一切与蓝色的天际融合，戈壁风光，尽收眼底。
84.我的造型法是由纯粹的形式和色彩构成，与自然的结构完全无关。瓦萨雷利。
85.他发现，要想在至关重要的皇家美术学院年度画展上争取到支持力量，只有标新立异，越引人注目、越生涩越好。
86.我喜欢画画，不仅仅是它可以使人忘掉忧愁，而且还可以陶冶人的情趣。当一个人沉浸在画海中，这是一件多么美妙的事情呀！当我们坐在画板前，描绘着花人景物时，心也不禁陶醉在这美妙的风景中……正是因为这样，才塑造了我遇事沉稳冷静的性格，我可真得感谢画画呀！
87.审美观没有什么好争论的。
88.是音乐课使我对音乐有了深一步的了解，是音乐能够陶冶我的情操！不仅这样，我还学到了很多很基础的音乐知识，所有的音符像一个个跳动的精灵，是多末的活泼可爱啊！小节段落，迂回的表达……真是让人爱不离眼，听不离耳！
90.艺术是德行的宝库。
92.但是我在用毛笔描线的时候总描不好，描到外边去。为了克服这些困难，我每天回到家，就在白纸上画一条直线，用沾有颜料的毛笔描。描完了直线描曲线，再描很复杂的线，手描得非常的酸痛。有时痛得汗水和泪水一块流，但想到不久后在我笔下可以诞生出十分美丽的画面，我就很快乐。
93.艺术乃德行的宝库。
94.他而今年过花甲，早期学画的条件很苦，起先是画中国画，后来转型画水彩，因此张老师的作品自成一派，国画里有西画的缤纷色彩与感染力，水彩画里蕴含国画的气韵和意境，后来张老师对抽象水墨画又有所研究，近期的水墨抽象是他自己比较得意的风格，他说他以前不懂抽象艺术，让他对当代艺术有改观的是看到台湾的赵无极老师的作品，让他激动万分，他说抽象画很有表现力，可以打动人。
95.看着身边的艺术画，我真想变成一朵花，假如我是一朵花，我会让风把我香味送到世界各地，让许多动物闻到香味，我会让雨把我浇的水灵灵的，让我时刻散发香味。
96.绘画不仅给我带来了乐趣，也给我带来了好朋友似的安慰。在我开心的时候，用彩笔画下自己的喜悦;在我不开心的时候，用颜料画下自己的烦恼。绘画成了我生命中不可缺少的一部分。
97.五彩河滩的尽头，有一座吊桥，即著名的“阿克吐别克钢索桥”，将对岸的绿色河滩谷地和雅丹地貌联结起来。落日余晖，斜阳残照，它在水中的倒影也如梦幻般迷离摇曳。西天边，燃烧着火红与金黄，奇丽壮观。彩霞映照下的五彩滩，更像人生的五彩梦。
98.艺术是生活的镜子，若是生活丧失意义，镜子的把戏也就不会使人喜欢了。
99.国画是我们老祖宗创造发明的，传承了数千年，从绘画材料、笔、墨、纸、砚，到绘画理论、技巧、审美观等，已经形成了完整的、宏大的、系统的、精妙的、甚至是超前的艺术体系。中国画要革新也只能在自身的艺术体系中寻求更完美，更适合画家个性的笔墨语言。
100.顺着五彩大道往前走，一垄一垄的岩层突兀出来。主要是红色、土红色，象一垄垄的耕地，边上稀稀疏疏地长着些类似沙漠地带的草，是骆驼刺。这里地处干旱多风地带，由于河岸岩层间抗风化能力的强弱程度不一，于是就形成了参差不齐的砂岩、泥岩及砂砾岩，原来平坦的地面就变成了陡壁隆岗，还有宽浅的沟漕相间的地形和陡壁险峻的小丘，这是大自然的鬼斧神工造就的。
101.绘画的宝藏中没有金银财宝，它只有绘画这颗小小钻石，别看它小，它不小，而是一个大空间。只是要你追踪它的痕迹，懂得它，你就懂得了“享受”这两个字的真正含义。心中总会有过不去的坎，那么就要学会绘画，来结开心中的结，才会舒坦。
102.有多少人就有多少审美观。
103.每当我拿起画笔，我就很快乐，因为这是一种艺术的享受。它可以让你的心情很舒畅；也可以倾诉你的喜怒哀乐；更可以把最美的东西用最美的方式表现出来。
104.我醉心于读诗，醉心于写诗。那一行行诗句是一只只飞翔的彩蝶，带我到美丽缤纷的大花园；那一首首诗又像是一只只萤火虫，“发出了微弱的光，但攒起来将是亮丽的光”。
106.在岸边搭建的观景台上，有好多摄影爱好者在静候日落时刻。我们一样兴奋的等待着。当落日时刻的太阳光芒将五彩滩洒上一层金光时，整个五彩滩绚丽中异彩纷呈，光芒万丈，美轮美奂！落日太快，很快太阳的金光被暗淡的天色取代，五彩滩也有些色沉暗了。我庆幸没有错过这瞬间的美妙，看到了最美的五彩滩。
107.音乐带着难得的自信和微笑在旋律中绽放，伴着电子琴曲风，每一个音符都像生命在跳跃。音乐赋予了我们太多的心灵悸动。曾经的`硝烟弥漫，过眼的春光烂漫，欢腾的青春畅想，都被它用干净的声线在清晨唤醒，快乐地行走在灿烂的阳光里。
108.品味是一种过程，是一种探索；是一种提升，是一种享受。它需要不断学习，不断认识；需要不断接受，不断消化。它需要不断探索，不断追求；需要不断提高，不断升华。如此，才能使品味艺术成为一种艺术品味，变成一种高雅艺术；才能使艺术品味变为一种高尚活动，形成一种崇高境界。
109.田野里，一片红艳艳的紫云英，像燃起的熊熊火焰。
110.我喜欢画画，每当我画出一幅优美的作品时，心里不禁就充满了成就感。还记得我曾在一次绘画比赛中，画了一幅《风中的文竹》，竟然得到了全市二等奖的荣誉，乐得我几天都合不拢嘴。
112.我已经有六年绘画的历史了，在这六年里，我学到了很多绘画技术。印象最深的就是刚刚开始画画的时侯，我总无法控制景致比例，大的大，小的小，后来通过我细心观察和老师的讲解，我才知道是因为我在画的时候没有做画面比例定位。认识到这个问题后，我就改变了自己的比例搭配，这样一试，嗨，画出来的画面比例适中，不大不小很有美感。
113.昙花开了!在海带状的绿叶上，一枝娇嫩的花蕾正在微微颤动。那白玉般的花苞，渐渐地裂了开来;雪白的花瓣从花托中间轻轻地探了出来，一片两片三片……美丽的昙花，以惊人的速度奇迹般地怒放了，悄悄散发着清香。
114.音乐用理想的纽带把人类结合在一起。
115.雕刻无须独创，它需要的是生命。罗丹。
116.那盛开的荷花挺着碧绿的茎杆，像一位亭亭玉立的少女眺望着远方。
117.自从学了葫芦丝，我感觉自己好像变了一个人似的，喜欢生长在有艺术气息的地方。可以说，没有艺术，我就没有乐趣。
118.有多少人就有多少审美观。
119.国画一词起源于汉代，汉朝人认为中国是居天地之中者，所以称为中国，将中国的绘画称为“中国画”，简称“国画”。主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。国画是中国的传统绘画形式，是用毛笔蘸水、墨、彩作画于绢或纸上。工具和材料有毛笔、墨、国画颜料、宣纸、绢等，题材可分人物、山水、花鸟等，技法可分具象和写意。中国画在内容和艺术创作上，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认知。
120.在油画的后面，跳动着画家的脉膊，在塑像之中，呼吸着雕刻家的灵魂。里尔夫。
121.艺术所具有的奥林皮克精神，其内容是无限的，探讨不尽取之不尽，这就是艺术本身最“美”之处。
122.美术老师教我们用彩泥做一个小泥人，我的同桌没带彩泥，只好东借一点，西借一点，七拼八凑，捏成了一个不伦不类的小丑娃娃，让人看了都捧腹大笑。
123.第一次学画时，我们画的是蜻蜓。可能由于没有接触过绘画，我画出来的线条歪歪扭扭的，根本不像一幅画--蜻蜓的翅膀一大一小，眼睛被涂成了墨坨儿；身子也歪歪斜斜的。当时老师每上完一节课，都要评论那些作品。当轮到我时，听着老师勉强的评价，我大哭着跑出了教室。下一节课是妈妈把我强行拉过来的，但是我说什么也不愿意再拿起画笔了。好说歹说，这才勉勉强强地完成了一幅画。如此反复几次，妈妈也厌烦了，就随我折腾去了。
124.“艺术”的力量远比“需要”弱小。
125.艺术提倡自然，天性，不伪装，这就是为什么外国著名油画经久不衰的原因。
126.绘画是一样很高雅的艺术，它可以陶冶人的情操。它现在会伴随着我走下去，我相信，以后也会，绘画会伴随着我的一生。
127.一簇簇丁香花，紫色的显得那么华贵，白色的是那样洁白无瑕，它们相互簇拥着，在微风吹动下，像一个花的摇篮。
128.生活是生活，艺术是艺术，不能也不必要完全一样。潘天寿。
129.绘画，不仅给人带来一种美的享受，而且每一幅画，都会让人如痴如醉于情境中。一副成功的作品可以使人领略到祖国悠久灿烂的文化历史大自然的磅礴隽秀精湛艺术的高超。使人看起来有种身临其境之感，仔细品味，便可以陶冶情操。这样不仅能培养我们的性情增强我们的艺术思维，还能提升我们的审美理念，使生活更丰富。
130.习惯一个人的音乐，一个人的音乐是心灵最深处地呻吟。也许只有自己才听得懂，可是却依然希望自己听的音乐能把周围和未来打动。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇十三
风景油画是一种广泛流传的艺术形式，通过绘画表现大自然的美丽和宁静，赋予观者想象空间和情感共鸣。在过去的一段时间里，我进行了一系列风景油画的创作和研究，深受启发和感受。在这篇文章中，我将分享我在风景油画创作中的心得体会。
在油画创作的过程中，观察和感知是非常重要的。在面对广阔自然风光时，我们需要调整自己的心境，静下心来观察细节。例如，当我绘制一幅宁静的湖水画时，我仔细观察湖面上水波的起伏、微风吹拂时树叶的颤动以及远方山峦的轮廓。通过观察和感知，我能够更好地理解自然中的变化和平静之美，将其转化为绘画的表现力。
熟悉使用各种绘画技法和工具也是必不可少的。风景油画中常用的技法包括明暗的对比、层次感的表现、色彩的运用等。例如，在绘制一幅山林风景时，我使用了明暗的对比来刻画山体的远近关系，通过层次感的运用来模拟远处大山的模糊效果，色彩的变化则用来表现树叶和花草的生命力。熟练掌握这些技巧和工具，使我能够更好地表现自己对自然美景的理解和感受。
创作风景油画需要有耐心和恒心。与其他绘画形式相比，风景油画往往需要更长的时间和更多的坚持。在绘制一幅风景油画时，我可能需要多次前往景点观察、拍摄照片，并在画室中反复修改和完善。这需要大量的时间和精力，需要我有强大的内心动力和耐心。然而，正是这份耐心和恒心，让我能够逐渐深入地理解风景的美丽，将其通过画笔传递给观者。
风景油画创作中的自由和想象力也是非常重要的。尽管风景油画的创作对象是自然界的实在物象，但我们并不需要完全照搬现实。相反，我们应该通过自己的创意和想象力来加入个人的情感和理解。例如，在绘画一幅阳光明媚的海滩沙滩时，我可能会丰富和加强色彩的对比，让画面更加生动鲜明。虽然与实际可能有些出入，但这种加入个人想象力的创作方式能够使作品更具艺术性和观赏性。
最后，风景油画的创作需要持续学习与实践。在过去的创作中，我不断尝试不同的风格和技巧，通过学习名家作品和参观画展，提高自己的画技和审美能力。同时，我也时常通过参加画室集体创作和展览，与其他艺术家交流和分享经验。这些持续的学习与实践使我得以不断进步和提高，更好地展现自己对风景的独特视角和理解。
总之，风景油画是一项需要时间、观察、技巧和想象力的创作过程。通过持续学习与实践，我能够更好地表现自己对大自然之美的感受和理解。风景油画不仅仅是一种表现技巧，更是一种传递情感和启迪思考的艺术形式，希望我的作品能够为观者带去美的享受和思考的空间。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇十四
“我们的工作就是让老古董和新技术嫁接在一起，这是让古典艺术向前发展的最好方式。”尼克说，“之前人们还担心为古典艺术插电会损害艺术本身，但是现在人们越来越愿意主动拥抱这项新技术了。”
为了赋予古典油画生命，卡特夫妇花了几年的时间研究。他们翻出了老安普罗修斯·博斯查多特的名画《窗内的瓶中花》，也找出了文艺复兴时期意大利画家乔尔乔内的名画《沉睡的维纳斯》，对这些名画进行分析扫描，跟视频效果公司合作，制作3d动画效果。这对梵高迷还将梵高的名画《向日葵》进行了3d打印，制作出跟画中一模一样的铜制向日葵盆栽。
“在博物馆里，人们平均花在一幅画上的时间只有6秒钟，我们希望观赏者能够慢下来，真正地去观察一幅画的.每个细节。”尼克说。
为了实现这个目标，他们让原本只是一动不动待在画纸上的鲜花开始随着时间开放，毛毛虫顺着花茎向上爬，蝴蝶从画框一侧飞进来，停在花瓣上扇动着翅膀。他们还改造了一幅画着刚刚死亡青蛙的油画，结合生物腐蚀相关数据，让它准确演示一只青蛙死亡后3个小时内的场景，展示在框在油画框里的屏幕上。
“为了让画中的场景活起来，我们这个团队需要仔细研究青蛙的每一个器官，这样才能真正理解和重现青蛙被腐蚀的整个过程。”尼克说，“每一帧画面如何开始与结束都需要反复模拟重现。这样才能在我们的油画里，重现一只青蛙的真实死亡。”
这种融入新科技的古典油画不仅重现了属于过去的生命，还解决了过去解决不了的问题。名画被窃一直是艺术收藏界为之烦恼的大问题，但是卡特夫妇说，这些重现生命的油画虽然存储在电脑程序里，但并不是一招“复制+粘贴”就可以偷走的，“每一帧画面都经过加密，画面中蝴蝶的每一次飞行轨迹都是不一样的”，“这些画是独一无二的，只有在特定的环境下才能运行，没有油画盗贼可以偷走它”。
就这样，在现代技术的帮助下，古典油画在英国的博物馆里呈现出了完全不同的模样——太阳照射着梵高画里的咖啡馆，随着时间的推移渐渐拉长影子；玻璃瓶中的鲜花渐渐开放，如果你凑得足够近，你甚至可以听到花开那一刹那的声音。
虽然不少人觉得将古典油画数字化是对于传统的干扰，但在我看来，站在几乎要裂开的画框里面瞅着梵高凝固的脸，我还是会希望有那么一瞬间，眼前的画面能够回到过去，画中的人物可以重获生命，带我们重回几百年前的生活场景，看到晒太阳的咖啡馆顾客，看到树下沉睡的维纳斯，看到梵高冲我们眨眨眼。
不过需要注意的是，参观之前要作好充分的心理准备。尼克常常站在这些新作品前看观赏者的反应，他说常碰到毫无防备的观赏者，边吃三明治边看展览，看到沉睡的维纳斯居然还在呼吸的时候，吓得一口噎住了，站在熟睡的美女面前止不住地大声咳嗽。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇十五
俄罗斯油画在世界美术领域占有极其重要的地位，尤其十八世纪“巡展画派”的兴起，出现列宾、希什金、斯维坦这样世界级的艺术家，将俄罗斯油画推向艺术颠峰。
俄罗斯油画有着强烈的民族风格，特别是描绘山川自然的风景画，看那些画总能感到一些静谧之气，画中的色调是调和的，就是我们通常所说的灰调子，还有一些装饰感，它描绘的阳光是一种淡淡的辐射，这也是俄罗斯油画典雅所在。
俄罗斯美术院校培养学生以扎实写实能力为最高原则，所以俄罗斯的油画家在创作中造型严谨，他们强调先深入生活体验，然后确定主题，在进行素描草图构图，满意后开始正式油画创作。
朝鲜油画则深受中国影响，同时又接受俄罗斯油画熏染。在浓郁的欧式画风中搀杂着法国印象派的美感，由于朝鲜画家基本上不直接面对市场，个人创作不带任何功利色彩，因此品读朝鲜油画可以深深感受到一种安详恬静的艺术特征。由于朝鲜国家的闭关锁国，使外界对其了解甚少，因此可以说朝鲜油画是世界艺术品市场上最后一块神秘的有待开发的处女地和宝藏。
朝鲜油画长于人物画像和自然风光。朝鲜艺术家们致力于创造具有民族形式和社会主义内容的`革命美术和人民美术，他们以平和的心态创作出具有很强写实风格和返朴归真意境的佳作，让我们看到一个民族的心路历程。
朝鲜油画以其写实的画风，独特的情感演绎，浓郁的民族风情，都体现了朝鲜人民固有和平愿望和宁静心态。人物题材创作则展现了朝鲜人民宏大的英雄主义和朴实生活、积极乐观的态度，让我们从画中看到一种最贴近心灵的真实与感悟的回归。在朝鲜画家中国（牡丹江）创作基地展示着许多精美的朝鲜油画作品，题材广泛，有山水河流，人物动物等，在这里通过朝鲜油画细腻的艺术感觉和高超的绘画水平，让我们感觉到强烈的民族意识以及没有一丝商业气息污染的真实质朴的情感，唤起我们对朴素艺术的感觉。
油画的光与色读后感（模板16篇）篇十六
风景油画是一种以大自然景色为主题的艺术形式，能够通过画家的笔触和色彩表现山川河流、林木花草的美丽景色，突显大自然的神奇和壮美。相比于其他艺术形式，风景油画的绘画技巧和表现手法相对简单，更易于理解和欣赏。因此，它受到了广大艺术爱好者的喜爱，并成为了绘画界中一个独具特色的门类。
第二段：笔触与色彩的运用。
风景油画中最为关键的两个元素是笔触和色彩。画家通过运用不同的笔触，可以表现出不同的材质和纹理，让观者仿佛能够感受到画面中的树叶、花瓣、水面等具体物品的触感。而色彩则是表达情感的重要手段，通过色彩的明亮与柔和、明暗的对比，画家能够表现出风景的不同氛围和情绪。在风景油画中，画家可以运用峰值笔触、斜线笔触、点画笔触等，创造出具有层次感和质感的绘画效果。
第三段：构图与透视的运用。
构图在风景油画中是至关重要的。画家通过在画面中合理安排元素的位置和比例关系，使画面更加有层次和平衡。同时，透视的运用也能够营造出视觉的深度和距离感，使观者仿佛能够走进画面中去。画家可以通过运用单点透视、双点透视等，将画面中的景物达到真实而立体的效果。构图和透视的合理运用是风景油画中的关键因素，它能够增强画面的观赏性，而不仅仅只是表达风景本身。
第四段：画家情感与观者思考。
风景油画作为一种艺术形式，不仅仅是对大自然的再现，更是画家情感的体现。画家通过自己内心的感受，将对大自然的喜爱和敬畏之情融入作品中，使作品更富有灵性和感染力。而观者在欣赏风景油画的同时，也可以在画家情感的引导下，深入思考大自然与人类的关系、自然环境保护等问题。风景油画不仅仅只是美的享受，更是一种启发和思考的媒介。
风景油画作为一种艺术形式，具有极高的意义和价值。它可以帮助人们更好地欣赏大自然的美丽，增强人们的审美力和情绪体验，从而提升人们的生活质量。同时，风景油画也可以通过表达画家的情感和思考，引导人们对自然环境的重视和保护。它在文化传承和价值传递中也具有重要的作用。因此，风景油画不仅仅只是一种艺术表现形式，更是对自然美丽的赞颂和思考的媒介。
总结：风景油画是一种独特而美好的艺术形式。在欣赏风景油画的过程中，我们可以感受到画家对大自然的热爱和敬畏之情，并从中汲取力量和美的享受。通过笔触和色彩的运用、构图和透视的呈现，风景油画能够给观者带来愉悦的视觉体验。同时，风景油画也引导着我们思考人与自然的关系和环境保护的问题。愿我们能够珍惜大自然的美丽，在风景油画中找到心灵的宁静和启示。