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最新电影艺术论文（实用21篇）篇一
音乐对于动漫电影是不可或缺的，它是动漫电影中不可替代的一部分。宫崎骏的动漫，让人联想到久石让的音乐作品，他的音乐赋予了宫崎骏作品灵性，二者的合作可以说是天衣无缝。宫崎骏的动漫作品之所以受到人们的好评，正是因为他将动画和音乐完美结合，用音乐和画面相结合的方式来表现内心的情感。
《风之谷》是宫崎骏的开山之作。在播出之后，受到了许多影迷的喜爱。这部作品也是久石让与宫崎骏合作的开端，从此开始了两人的合作路程。宫崎骏追求充满童趣、又能打动人心富含哲理的音乐作品。久石让创作出的音乐恰好满足了宫崎骏的这种要求。正是这次久石让与宫崎骏的合作，让久石让的名字开始走入了众多影迷的心中，从此他有了和宫崎骏大师一样的认知度。
《风之谷》动画电影中的两首歌曲一直受到年轻人的喜爱，它很好地赞扬了女主角的精神，表现了对美好生活的向往，并且多次被搬上舞台，经久不衰，使《风之谷》在动漫音乐史上占据着非常重要的地位。
《风之谷》创作于1984年，剧中，宫崎骏用他丰富的想象力打造了一个完全不同于现实的世界，却真实表达着生活。久石让片中配乐《风之谷》《风之妖精》“充满孩童的真实与梦幻，却又能够阐释哲理”，巧妙地渲染着影片。久石让的音乐，想象力与灵性共存。他一直是宫崎骏的音乐监督。剧中“用心捕捉心灵的音乐”，架起了人与人之间用“心”交流的桥梁，使宫崎骏的电影主题得到更完美的传递和诠释。
《悬崖上的金鱼姬》是一部人鱼爱情主题的动漫电影，影片表现孩童间质朴与纯真的爱情。电影开头的交响乐灵动而委婉，将海洋世界的美丽展现得愈发美好。在这部动漫作品当中，音乐和影片情感的完美结合是一大亮点，如片中波妞追赶宗介时所演唱的《波妞波妞》，完美的音乐将影片的情感表达提升到了一个新的高度之上。它时而舒缓时而激烈，让观众随着音乐的旋律仿佛置身在波妞和宗介的情感中，让每个人跟着音乐返璞归真。
《悬崖上的金鱼姬》对于久石让来说，实际上也是一种突破。了解久石让的影迷都知道，他的音乐作品多半舒缓平静，颇具春风拂面的感觉，然而在《悬崖上的金鱼姬》中，《海的母亲》《向日葵之家轮舞曲》的配乐作品却一改往日的风格，采用了轻松欢快的旋律，这样的绚丽更加加深了人们对于这部作品的印象，使整部动画更加充满质朴和纯真。
人们的精神家园在现代社会中逐渐荒芜，久石让的音乐和宫崎骏的动漫作品很好地反映了现代社会的这种问题：现代文明加速，自然环境被破坏，亲情友情单薄，拜金主义横生……这些问题笼罩着我们的社会，正如宫崎骏的《幽灵公主》《天空之城》等作品所体现的。久石让创作的《天空之城》主题曲和《幽灵公主》交响乐的组曲绝对是画龙点睛，帮助电影完美地表达了主题，树立了正确的观念。他认为，面对磨难，人类应该积极追求自己的未来，而不是停滞不前，他的作品当中这种积极向上的思想，曾经抚慰了许多人受伤的心灵。所以说宫崎骏动漫与久石让音乐作为一种文化产业，存在必然的意义。特别是在21世纪的前期，面对极速发展与创新的社会环境，低龄的儿童和孩子们的心中需要一种美好的艺术形式来影响其日后成长过程中的人生观和价值观，而《龙猫》就能不动声色地来完成这一引导。高速发展的经济下，只有孩子纯洁的心灵才能看到丰富的世界，引领人们回归初心。久石让的音乐《豆豆龙》《不要害怕》与孩子们心灵交流，用音乐营造的氛围无形中带领孩子们找到自我。它同样可以让生活在高度强压下的成年人缓解压力，舒缓情怀，而大部分的青年人则会从《千与千寻》这样的内涵动漫电影中，对即将面对的人生和生活展开向往和反思。我们不得不承认，在这些优秀的动漫作品中，音乐带来的力量是强大的，它跨越语言和国界的差异，来传递正确的社会与人文，优秀的久石让音乐必将在现今生活中花繁枝茂！
音乐是电影的灵魂，在动漫电影中也是如此。一段好的音乐，能把人随时随地带进电影之境，让人感受到电影中动人心魂的美丽。音乐加入到电影中间，让电影在画面感的表现之外，又多了另外一种美的表现形式。
虽然宫崎骏的动漫作品中，有不少强烈的现实意义，但是它们仍然是通过美好的画面来表达这一切。久石让的音乐，也很好地处理了现实的无奈和向往的美好这一矛盾。现实和梦幻，是艺术的一对翅膀。艺术和追求永远是向前的，就像人类的脚步。久石让的音乐使宫崎骏的动漫电影有了更深的沉淀和思索。
最新电影艺术论文（实用21篇）篇二
电影音乐是影视作品中非常重要的一项组成部分，离开电影音乐的影视作品是残缺的、不完整的，伴随着我国影视行业的蓬勃发展，电影音乐也随之获得了全新的发展并逐渐演变成一种独特的音乐艺术，在国内和国际上均为此专门设立了奖项。电影音乐的重要性可见一斑，本文将重点围绕基于电影音乐在影视作品情节中的作用进行具体的分析和论述。
（一）电影音乐的定义。
电影音乐，从表面上看是电影中的音乐，其实不光是电影，所有影视作品中的音乐都被看做是电影音乐。还有一部分人认为电影音乐就是作曲家专门为电影创作的主题音乐、插曲、背景音乐等形式的音乐作品。电影音乐从本质上来说就是音乐的一个具体分支，因此与音乐一样也是由音符、旋律、节奏等构成，但由于其身处影视作品的环境下，因此除却上述构成要素之外往往还有和声、色彩等等，电影音乐所展现出来的视听效果必须与影视作品中的画面和情节相匹配[1]。
（二）电影音乐的特点。
抒情性是电影音乐最具代表性的特点，由于受到影视作品情节和画面的限制，因此电影音乐在叙事方面略显不足，需要利用器乐演奏与人声合唱来帮助完成叙事，这也决定了电影音乐与影视作品密不可分的特性。影视作品的题材、风格、具体情节等均决定了电影音乐最终呈现出的视听效果，除少数玄幻、童话类题材之外，大部分影视作品以表现现实生活为主，因而电影音乐也展现出强烈的现实色彩。另外，影视作品中经常会出现大量的台词对白，因而电影音乐的另一大特点就是能够与对白、画面和音响效果紧密融为一体，利用不同感情基调的电影音乐提高影视作品的完整度。
（一）促进作用。
电影音乐作为影视作品中的一项重要组成部门，其本质就是服务于影视作品，帮助影视作品将情节表述和展现的更加完整，因此电影音乐能够有效促进影视作品情节的发展。首先，电影音乐能够将某一特定情节中人物的内心活动、情感变化等一一展现出来，生动刻画出人物的情感。比如说在《赤壁》中周瑜与诸葛亮在抚琴中从开始的内斗转化成最终的惺惺相惜、心灵契合，这一情节没有一句对白，但古琴音乐足以表达周瑜和诸葛亮之间的内心变化，周瑜在与诸葛亮一同抚琴的过程中已经向观众暗示二人达成抗击曹军的共识。其次，电影音乐能够改变电影情节的节奏，将情节中人物的情感推向高潮。比如说在《泰坦尼克号》中当男女主人公泡在冰冷的海水中进行最后诀别时，《我心永恒》的旋律一响起配合着生死离别的画面，将男女主人公之间矢志不渝的爱情推向高峰，也令观众为之动容[2]。
（二）渲染作用。
电影音乐对影视作品情节的渲染作用主要表现在为其营造一种特定的背景氛围，从而加强视觉效果。例如在日韩或其他地区的恐怖片、惊悚片当中经常借由电影音乐和音响效果来创造出恐怖阴森的气氛，让观众仿佛身临其境毛骨悚然。此外，电影音乐能够对情节起到评价的作用，并且成为情节走向的重要提示。譬如说《西游记》唐僧途经女儿国时，配以女声独唱的《女儿情》，歌词“说什么王权富贵，怕什么戒律清规”和女儿国国王对唐僧痴心一片的情感相呼应，表达人物向往浪漫爱情的性格特点，在《女儿情》的烘托下，国王的一颦一笑显得更加娇艳动人。某些电影音乐与情节恰恰相反，而正是这样的反差凸显出情节的前后对比[3]。例如《指环王》中矮人佛罗德不想将魔戒扔进悬崖中毁掉，而他的朋友山姆则执意要毁掉魔戒，此时哈比国的小精灵出来争抢魔戒和佛罗德展开了激烈搏斗，画面情节紧张刺激动人心魄，然而此时的电影音乐却旋律婉转，与画面情节形成鲜明对比，在充分展现情节艺术张力的同时也给观众留下了难以磨灭的印象。电影音乐还能够将分散凌乱的情节拼揍成完整连贯的整体，并且利用其曼妙的旋律引发观众的遐想，与情节中的人物形成情感上和心理上的双重共鸣。比如说在电影《甜蜜蜜》当中，邓丽君的歌曲《甜蜜蜜》始终贯穿其中，在男女主人公相识、相知、相爱的时候《甜蜜蜜》为其营造了一种梦幻的浪漫氛围，而后男女主人公历经磨难与分离，两人再次重逢时又响起了《甜蜜蜜》，此时观众能够深切体会到人物心中的郁结苦涩，为其坎坷命运扼腕叹息。
（三）描绘作用。
电影音乐中的歌曲和独特的音响效果能够对影视作品中的动作性情节起到描绘的作用，也就是起到解释说明的作用。在描绘的过程中电影音乐内容与画面情节内容始终保持一致，在抒情性情节中起到渲染人物情绪的作用，而在戏剧性情节中电影音乐则能够起到加强矛盾冲突的作用[4]。比如说在《狮子王》中，彭彭、丁满在拯救辛巴之后教会他唱解忧歌hakunamatata,歌曲欢快动听的旋律、明朗活泼的节奏很快令辛巴忘却烦恼重新振作起来，帮助辛巴坚定为父报仇成为森林之王的信念。辛巴复杂的内心、纠葛的情感在电影音乐中得以充分展现，也使得《狮子王》这部电影获得巨大成功。
总而言之，影视作品在电影音乐的帮助下不仅凸显了鲜明的人物形象，将主题表达的更加清晰明确，表明作品想展现的风格特点、时间环境等等，更重要的是对影视作品情节起到了推波助澜的作用。在电影音乐的渲染下，影视作品为广大观众营造了一个美轮美奂的意境，连同情节的发展脉络也瞬间变得清晰起来，情节中的人物情感得到充分释放，为观众提供了一场无与伦比的视听盛宴，由此可见电影音乐在影视作品特别是在其情节中的重要作用。
[1]孙煜。《电影音乐，一段历史》—译介及其音乐美学相关问题的研究[d]。西安音乐学院，2015.
最新电影艺术论文（实用21篇）篇三
1.1艺术经验的沉淀期。
各类型尝试的自觉时期（1992-）这一时期张艺谋已经不满足于《红高粱》《大红灯笼高高挂》式的民族的、凄美的，甚至是悲凉的作品主题了。于是这一时期出现了人对自我权益觉醒的农村题材影片《秋菊打官司》；通过一个小人物的辛酸遭遇而反映整个社会历史风貌的《活着》；完全采用非职业演员反映中国农村教育现状的作品《一个都不能少》；讲述爱情、家庭、亲情的电影《我的父亲母亲》；京味十足的都市轻喜剧《有话好好说》；退休工人与盲女间真实的社会道德故事《幸福时光》等作品。这一时期的作品并没有完全脱离张艺谋艺术片的范畴，作品中还有艺术片的影子，但这一时期的张艺谋已经看到商业和电影的利益关系了，而且他也不满足于只有口碑而没有票房的现实。于是有了他各种类型电影的尝试，甚至是喜剧，他还试图通过《幸福时光》的网上选角，来尝试商业片的运作。
1.2艺术与商业的转折时期。
商业与艺术间的游移（-）抱着各大电影节的奖杯，戴着只有口碑没有票房的帽子，张艺谋开始拍摄《英雄》，这是张艺谋第一部古装商业大片，尽管大家对《英雄》的评价褒贬不一，但它却开启了中国的大片时代，而且张艺谋也从此摘下了只有口碑没有票房的帽子。接下来的《十面埋伏》、《满城尽带黄金甲》继续沿用《英雄》的成功套路：大制作+大牌演员，继续着张艺谋的商业大片，票房神话。这一时期骂张艺谋的人特别多，批评指责他只注重商业利益而弱化了故事的艺术内涵。张艺谋本身似乎也认识到了这一问题，所以他拍摄了《千里走单骑》、《山楂树之恋》，一个试图说明自己还能拍文艺片的作品。也许是时代的发展，也许是电影的发展，在《千里走单骑》、《山楂树之恋》中，我们还是能看到许多商业电影的影子。这一时期的张艺谋是矛盾的，他既想符合时代的潮流，又想坚持自己的信仰。所以在这个时期既拍了商业大片，又追求着自己梦想，拍摄艺术片。
2冯小刚的电影分期及转型。
2.1热力迸发激情洋溢的成名期。
平民视角下的黑色幽默贺岁喜剧时期（-）带着初出茅庐的勇气，带着对社会现象批判的心理。冯小刚用他那特有的“京味”语调，游戏似的情节安排，呈现给我们一个个含泪笑的狂欢式作品。这一时期的代表作品是《甲方乙方》、《不见不散》和《没完没了》。这种冯氏贺岁电影独特的魅力征服了当时挑剔的观众，冯小刚用他平民视角下的黑色幽默奠定了他在中国贺岁电影中的地位。
2.2内敛反思的发展期。
贺岁喜剧到贺岁正剧的过渡时期（2000-）随着《甲方乙方》、《不见不散》、《没完没了》的相继成功，冯小刚的黑色幽默喜剧风格逐渐被大众接受。冯小刚在贺岁喜剧电影取得成功之后，在他成为著名导演之后，开始反思自己电影的发展。电影内涵因素逐渐加大，从《大腕》开始，荒诞中开始引入更多的'黑色幽默，而且小人物的地位逐渐发生变化。从《甲方乙方》开始，冯小刚的贺岁电影大多以小人物作为关注对象，电影中的主人公，大多是一些没有远大理想、宏伟事业，说话经常没有正行，但心地善良的老百姓。而到了《手机》，虽然电影并没有刻画在历史和社会的发展过程中，起着重大作用的大人物，但影片中的主人公严守一，已经是中国正在壮大起来的中产阶级中的一员了，已不能被认为是一个严格意义上的普通百姓了。这些变化表明冯小刚的视野正在不断的开放，他正在跳出自己的市民情节，将电影的创作投向更广阔、丰富多彩的社会人生。
2.3探索困惑的转型期。
中国本土电影到世界电影的转型时期（-2013）伴随着名气的越来越大，冯氏贺岁电影已成为中国电影不可或缺的一部分。冯氏幽默的品牌已然确立。可这时的冯小刚已不满足自己电影作品在中国内地奖项、票房上的成功，更吸引他的是国际的认可。于是在冯小刚推出了自己有第一部古装片《夜宴》，但是结果却是，票房没有达到预期效果，口碑更是骂声连连。在这之后，冯小刚并没有停止他的探索，《集结号》不失时机地出现了，并且获得了一致好评，票房、口碑双丰收。之后更是创作了票房突破6亿元的《唐山大地震》，冯小刚终于在自己的转型中找到了自己适合的道路。
3殊途同归———艺术与商业的结合。
张艺谋的转型之路是艺术———商业———艺术与商业完美结合。冯小刚的转型之路正好相反，但结局却一样：商业———艺术———商业与艺术完美结合。通过这样的对比，我们似乎发现了新中国电影转型的必然结果，艺术与商业完美结合的影片才是观众欣赏的，市场需要的。张艺谋与冯小刚始终在电影的高地上积极探索———无论是在电影的主题、风格、演员使用等艺术性方面，还是在电影的商业化转型方面。不管是否在拍电影，张艺谋和冯小刚始终在不断地出新出奇，而他们的每一次探索都会留下当代电影转型的痕迹。两人在中国影坛的地位，还有他们异曲同工的电影变迁之路，都在证明着他们不同风格电影下隐藏着的共同内涵，对他们现代电影转型的研究，会让更多关注中国电影的人了解到,电影的成功之处是源于电影的内在理念而不是外在的表现。
最新电影艺术论文（实用21篇）篇四
［摘要］本文试从新时期中国体育电影的特点出发，为中国体育电影的发展指明方向，给中国体育电影的发展提供理论依据。纵观中国当代新时期体育电影，要想让全世界了解中国体育电影，首先体育电影要让全民参与进来，要回归艺术的娱乐性，要突出中华民族最优秀的传统美德，要彰显中国最璀璨的文化。
［关键词］体育电影；新时期；发展方向；体育精神。
当今社会国家与国家之间的经济往来、文化交流与合作是必然趋势，社会发展要求国家与国家之间一体化、多元化和开放化。体育作为社会文化中的一部分，也是如此。新时期，中国的优势项目更加明显，这些项目的教练经常被世界大国请去指导该国的项目。同时，外国的教练也常被请到中国来指导中国体育的弱势项目，达到共赢。在这样的局势下，中国更应该保持自己的优势项目更优，让自己的弱势项目更强。体育电影作为一种传播和成就人类文明的一种传播工具，我们应该借鉴外国的电影创作经验和电影商业动作的优点，充分使用特技和3d等视觉技术，体现中国体育大国的风范。过去的几十年，我国的体育电影取得了辉煌的成绩，但还是没有形成自己有特色的叙事、表达和运行模式。没有充分使用现代高科技给电影带来的便利，也没有将我国的体育精神很好地融入中国的体育电影中去。当今社会任何艺术形式都成了社会精神文明的一种附庸，包括政治、宗教、教育，等等，体育作为一种社会文明，也不例外。本文试从文化的层面来探析新时期中国体育电影的发展，为创作出更多优秀的体育电影作些理念探索。
主要以女性或青少年为表现对象。中国体育电影的表现对象和外国体育电影的表现对象有本质的差别，外国体育电影的主要人物以男性为主，中国的则以女性和青少年为主，这是有中国特色的，具有中国属性的方式。女性作为弱势群体的表现对象在我国长期存在，所以表现女性体育精神的影片往往具有比较大的优势，更具有说服力。以举重为例，观众在影片中看到女性举重时，往往会更加聚精会神，每次的艰难举起都会在观众心里激起波澜，引起同情。在女运动员完成比赛的时候，“更高、更快、更强”的体育精神便能起到潜移默化的.作用。不向困难低头的这股劲能对观众起到激励的效果。以青少年为题材的电影也非常多，这是中国体育电影的特色之一。青少年代表明天，代表希望，是祖国的花朵，是民族的希望。实现民族的伟大复兴，还要靠青年一代。青少年朝气蓬勃，充满活力。我们的祖国自改革开放以来，体育电影得到了一定的发展，但站在世界的角度，中国还很年轻，这和青少年的状态很相似。《国球女孩》《棒球少年》等影片是代表。除此之外，青少年处于长身体的阶段，充满活力，精力旺盛，运动的实践者大部分都是青少年，体育电影的最大消费者也是青少年，在这点上，青少年具有非常大的优势。主打青少年的电影往往能被市场所接受。青少年单纯天真，没有成人世界的世俗。新中国成立初期的电影作品――《小足球队》就是典型代表。在特殊的时代背景下，将中国人不怕苦、不怕输的体育精神发挥得淋漓尽致。
体育发展到了今天，除了具有体育本身的性质，传达体育精神外，更能反映中国的政治状态和经济基础。体育除了具有身体素质的体现外，兼具了政治、经济和文化的功能。例如中国的“乒乓外交”，它可以在国际关系比较紧张时缓和与其他国家的关系。印度的“板球外交”通过板球联谊两国高层领导。体育赛事在带有经济效益的基础上，促进两国的友好关系及民间往来。
（一）体育电影要全民参与。
体育运动的参与是需要大众的。当然，过去一段时间，中国体育电影以一种病态的方式来满足人们一种猎奇的心理。体育电影的主题经常性选取那些人们不经常参加的项目，像高尔夫、保龄球，等等。从人类的发展史可以看出，体育运动是人类本能的一种反应，在远古时代，人类在与动物或人类本身的优胜劣汰的过程中，为了获取到更多的食物，为了能生存下来，经常要本能地锻炼自己的身体，要做一些类似投掷、奔跑等运动。现代奥林匹克精神代代传继，提倡全民参与的重要性，这也要求中国体育电影需要全民参与，体育电影的主题要围绕着全民参与这个共有性进行。体育电影中的主人公是虚构的，但又是来源于社会的，他（她）只是社会大众的替身，他帮助人类实现他们的愿望，唤起普通民众的运动热情。换句话说，中国体育运动是需要普通大众的参与才能壮大起来的。体育运动只有迎合了大众的关注才能流行起来，这也是体育电影的大众性。今天，无论哪一部体育电影，或无论哪一项体育运动，一旦有普通老百姓的参与，一旦被普通老百姓关注，那这种参与或关注的程度会急剧地增加，这就是观众对于体育电影的强大号召力，这就是体育电影的大众性。
（二）体育电影需回归娱乐本性。
纵观体育的发展史不难发现，体育其实是一种娱乐，原始社会时期体育是一种自娱自乐的娱乐方式，现代社会体育逐渐走向娱乐大众。远古朝代，人类最初的“跑、跳、掷”运动逐渐转化成游戏活动，这种活动不是以生存或劳动为直接目的，带有了一定的娱乐性，它是一种最基本、最散漫、最自由的消遣和放松方式。其实，这也正好从另外一个方面体现了体育在发展之初就有娱乐的成分在。直到今天，体育给观众带来的身心愉悦那是用语言无法表达的。想想看，你欣赏到花样游泳时的感觉，全场观众观看足球比赛的心情。
现代的体育似乎脱离了娱乐，更大程度上关心金钱，中国的足球也不例外。体育电影也是如此，始终保持体育电影的娱乐性。中国和西方体育电影的娱乐价值差异性比较大，西方体育的娱乐价值是潜在的，而中国的娱乐价值是比较显现的。体育电影所具有的娱乐性更大程度上应该表现在体育运动的可观赏性，这样才能迎合观众的口味，才能适应产业社会的需要。产业社会的背景下，娱乐不再是一种娱乐行为，更不是一种为个人服务的娱乐方式。现代观众更想要一种能适应节奏，表达情绪的全新娱乐方式。只有符合大众的娱乐，才能表达大众的情绪，才能吸引大众，才能在大众的心目中常青。
（三）体育电影要突出民族特色。
近几年，体育的商业运作取得了非常显著的效果，票房也是一浪高过一浪。但电影的商业成功跟电影的文化底蕴没有产生任何冲突，也没有与具有中国传统文化的民族体育相抵触。相反，全世界很多有民族特色的体育项目得到了全世界人民的承认和传扬。像印度的瑜伽、日本的相扑和柔道、中国的武术和围棋、韩国的跆拳道，等等，这些都体现了体育电影的民族性和世界性的统一。最具有中华民族特色的体育运动项目就是中国功夫，虽然武术还不算是一个全球意义上的体育项目，但中国功夫对于中国体育电影或中国体育运动发扬光大的功劳是不可磨灭的。武侠片给中国电影或中国体育电影提供了一种突出民族特色的模式，将这种民族精神传播到世界的各个角落。像《卧虎藏龙》《新少林寺》《天龙八部》等，没有一部不是很好地展现中国的民族精神。任何一个民族的艺术必定是这个民族的民族精神的一种表现。它的内在精神特质，是由这个民族的民族精神或民族本性所决定和赋予的。所以体育电影要保持民族性，更能体现中华民族品格和性质的。
（四）体育电影需彰显文化精神。
越来越多的导演青睐体育题材的电影，这不仅是电影本身吸引人，更是为体育电影蕴含的体育精神能起到激励鼓舞的作用。随着越来越多的人将目光对准世界级的比赛，如奥运会、世界锦标赛等，这些顶级的赛事不仅精彩纷呈，让无数体育迷为之狂，为之醉，更是给各国及运动员向世界展示自我水平耀我国威的平台。运动员参加各种赛事，不只是运动员个人荣辱问题，往往具有更深的含义。运动员必须展现一个国家的水平，一个国家的精神风貌。体育所代表的意义不能仅仅局限于体育本身，都说民族的就是世界的。体育本身所要展现的是本民族的精髓。不是每一个人都能站在高高的领奖台看着国旗冉冉升起，电影人通过电影这种特殊的艺术表现形式，将这样的梦想，这样的体育精神完整地表现出来。《一个人的奥林匹克》就是一个很好的例子。
《泰坦尼克号》风靡全球的真正原因就是这部电影中推崇一种人人都向往的爱情。体育作为一种全人类无差异的肢体语言，不管是东方人还是西方人，任何肤色的人都喜欢运动。这种是体育电影的本性。但从东西方体育精神的传播来说，还是存在差异的。在全球性的今天，中国的包容性越来越好，东西方文化的差异性也越来越逐渐淡化，西方的文化和价值观念不断渗透到中国，中国的本土文化体现得越来越整合。但中国文化向发达国家的传播却是一种不平衡的情况。这就要求中国体育电影秉持中国传统体育精神，理应他国体育文化理念，将中国体育的精神传播到世界的每个角落。
三、结语。
当今社会国家与国家之间的经济往来、文化交流与合作是必然趋势，社会发展要求国家与国家之间一体化、多元化和开放化。体育作为社会文化中的一部分，也是如此。纵观中国当前新时期体育电影，要让全世界了解中国体育电影，我们需要的体育电影要让全民参与进来，要回归艺术的娱乐性，要突出中华民族最优秀的传统美德，要彰显中国最璀璨的文化。体育电影很大程度是宣传一个国家的形象，宣传国家的政治意识，倡导中国当代的社会精神面貌，弘扬主旋律价值观念。本着体育电影的社会属性，体育电影与政治意识等就从一而终了。体育精神本身就是要超越社会制度、意识形态、国家、种族、肤色和文化，通过体育促进人类的融合，体育电影的目标也应如此。体育作为人类社会和活动现象，随着社会经济文化的发展不断发展，体现了人类文明的不断进步。
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最新电影艺术论文（实用21篇）篇五
目前我国的电影产量不断增加，院线和影院快速发展，影片类型越来越丰富，票房过亿的影片越来越多，电影票房收入水涨船高。但是和国外电影业相比，还存在一定的差距：虽然我国电影产量和票房总量增多，但是平均票房收入较低；中国电影的市场规模较小，观影人次不多；我国电影海外影响力较小，竞争力不强；我国电影投入产出低，盈利水平不高等。
电影产业是文化产业的一类，是一种典型的大众文化娱乐消费市场。电影产业建立在知识和信息的生产、分配和使用之上的经济产业，它目前从单一的产品制作走向产业化生产，并形成一个消费产业循环圈，各因素相互作用、彼此牵制使这种循环圈有效地加速运行。这就需要对我国当前的电影产业进行较为全面的梳理和分析。
从到，我国电影市场产量不断增加：20电影片只有88部，但是20全国电影故事片达到了526部，增长了498%。票房收入也是不断增加，从年的全国票房收入只有8。7亿元，到年全国票房收入达到101。72亿元，年平均增速达到了35%（见表1）。
从6月我国全面推广院线制开始到2010年，我国院线公司得以快速稳定发展：从的32家，发展到2010年37家。与此同时，影院数和银幕数也发展迅猛：20影院数只有1045家，到2010年发展到1993家；银幕数年只有1923块，到2010年银幕数达到了6256块（见表2）。
在影片产量、院线和影院得以快速发展的同时，国内票房过亿的影片也越来越多。当年《英雄》以2。5亿元的票房创下了当时国产片的票房之最，到2010年，票房过亿元的国内影片达到17部。而且影片的类型也逐渐丰富，从原来的武侠和历史片，现在有文艺片、历史片、纪录片、动画片、搞笑片、言情片、武侠片。
而在20到2010年期间，中国引进外国电影总数为143部，进口电影总票房为127。01亿元，平均每部进口电影的票房收入为0。888亿元，是进口电影的平均票房收入是国产电影平均票房收入的13倍（见表3）。
与北美相比，我国观影人次增速较慢，电影市场规模相比较小。，中国观影人次为0。95亿次，2010年为2。5亿次。这5年间总的观影人次为8。55亿次，而北美五年期间总观影人次为68。94亿次，是中国观影人次8倍。如果以平均票价比较，中国电影平均票价为31。19元，而美国电影平均票价为7。20美元，汇率划算之后，平均票价差不多。但是如果跟工资相比，中国电影的平均票价就远比美国电影的平均票价贵多了。
中国电影海外影响力较小，竞争力不强。从20到2010年5年期间，中国电影海外票房收入占北美电影总票占比平均为26%，而进口电影在中国的票房收入占中国电影总票房收入平均为42%，可以看出，中国电影的海外影响力较小，竞争力不强（见表6）。
中国电影投入产出低，盈利水平不高。从20到2010年中国国产43部票房过亿元的电影，其中大部分电影是亏本的，真正能够实现盈利的影片并不多。
考虑到影片片方对外公布的制作成本大多存在“虚高”现象，实际实现盈利的更少。
电影产品本身是内容产品，所以首先必须要抓住这个核心，也就本身产品质量要过关，从影响电影产品质量的因素为主要抓手，首先电影故事内容是影响电影质量的核心要素，电影剧本必须要有创意，必须具有吸引力；其次，演员演技水平对剧本中人物的演绎起着重要作用，选择大明星、大导演对电影的质量起着一定的保证作用；第三，电影的制作技术是影响电影产品质量另一重要要素。目前电影制作技术越来越成为电影产业新的刺激点，将技术变成电影欣赏的内容，给观众消费者带来全新的体验效果，比如《阿凡达》把技术和电影内容叙事做到和谐统一，通过3d技术增强剧情对消费者心灵的冲击力，带来了全新的消费满足效果。
以市场为导向，满足观众的需求特点，扩大电影市场规模。从某种意义上讲，现代已经是体验经济的时代，观众不满足于做旁观者，被动进行消费，而是积极主动地进行各种体验活动，获得最佳的满足消费。现代都市人生活工作节奏紧张，休闲时间较少，看电影的机会成本较大，消费者观看电影主要为了休闲和放松。而电影产品是文化产品，是满足人们精神需求的产品。所以必须以市场为导向，抓住观众的消费需求特点，提高首轮票房收入，获得较好的口碑，使得后续观影人次得到增加，电影后期产品有效开发，延伸电影产业链，扩大电影市场规模。
将中国文化与外国观众的审美需求进行有机结合，提高中国电影影响力。电影产品也是媒介产品，能够传播文化和思想观念。但是要将中国的文化与外国观众的审美需求进行有机结合，对中国的文化资源进行深挖掘的同时，进行电影制作时还必须符合外国观众的审美需求特性，从而提高中国电影在外国市场的影响力，只有这样，中国电影产业才能得到内涵发展和提升。
最新电影艺术论文（实用21篇）篇六
[摘要]人们看电影，是源于内心需求和精神渴望。正因为这样，电影最本质的流行元素是其精神性。在中国电影市场之下，我们所能感受的电影精神的元素在日渐消融，一些电影过度追求娱乐至上，搞笑为王，只追求票房收益，只讲刺激眼球;一些电影急功近利，内容肤浅，以恶搞、戏说、低俗、媚俗为噱头。中国电影市场虚浮下，到底是经济磨损了电影，还是市场决定了意识。
[关键词]精神;中国电影;商品价值;电影市场。
电影，是再现和反映生活的一门艺术，而生活，在很多时候给予我们浓厚的创作欲望与灵感，但有些时候，也会在不经意间成为模式化的负担。中国电影从诞生至今，经历了无数次的发展与演变，随着社会、经济、科技的发展，各时期的中国电影都呈现出各自的模样。然而，回望我们所能窥见的中国电影市场，每一年层出不穷的各类国产影片充斥着眼球，各色导演也显露神通般的将某些题材叠来折去，仿佛不折腾个十万八千里就对不起中国的电影市场。可当我们在正视中国电影时，依然需要感叹的是中国电影不应该失去一些精神的东西。看电影，有时就像是在看一个时期、一个社会，甚至于说，更像是能触探到一些人文心态的媒介体，你能从中感受到的不仅仅是一时的市场需求、文艺价值，或多或少的，还能感受到社会群体的心态情感。所以说，电影在中国的市场占据的不仅仅是消费空间，更多的是精神层面的衍射。可惜的是，这样的市场环境下，更多人看重的却是商业价值与经济效益。不可否定，电影原本就是作为一种生产体系，一次性文化商品的制作，在影片的商业操作系统中，它便要遵从大众化、通俗化、商业化的操作规则，不能过多地片面地强调主体个人的艺术爱好和追求，相反，倒需要将主体的艺术爱好和追求服从于大众的商业文化的创制规则与要求。然而，这却让我想到了韩小磊先生所提到的当下影视创作中的流俗心态，《电影导演艺术教程》中有这样的描述：“流俗心态在其影视创作中呈现为：作品思想的肤浅、粗俗、僵化和老化;对低下的世俗文化需求的曲意迎合;卖力地图解权力话语符号等。”中国电影市场中，这种流俗心态虽不是整体状貌，却仿佛有了一种时代性的趋势，就像一种潜意识中的蔓延。我们不禁要问：“中国电影市场除了票房、经济收益，还需要看重些什么?”
有资料显示，20，中国电影总票房26.2亿元，按平均票价30元计算，共计8700万电影观众。而20世纪80年代初，电影票的平均票价是0.1元，全国每年有297亿观影人次，票房收入近30亿元。20多年的时间里，电影票价上涨300倍，票房却缩水近1/3。北京平均每人每年的观影次数是0.78次，这个远高于全国平均水平的数字与美国(平均每人每年5.5次)、韩国(平均每人每年2次)相比，差距实在太大。看电影的人太少，看电影的频率太低，这是中国电影产业面临的一大困境。而导致看电影的人太少的一个重要原因是：能被观众喜爱和接受的国产电影太少。全国政协委员、中国电影文学学会会长王兴东认为，中国电影必须走出“原创疲软、形象匮乏、精神溃疡、侵权盗版”四大困境。而我则认为，这些困境最为根本的原因则是：中国的电影市场需要摆脱经济利益营造出的虚浮感，打破票房数值所带来的虚假满足空间，中国电影人应该认真反思自己所创作出的电影作品到底能够给观众带来些什么?如何能够从中国本土找到更为值得借鉴和推崇的电影题材。这样的市场能够孕育的是真正的电影，而非那种片面迎合的视觉影像。观众的价值取向，在某些时候也是中国电影目前状况所造就的，所以说市场、电影、观众群体本身就是相互牵引与制约的。时代在变化，观众与市场的需求同样也在变，面对海外各类电影作品的冲击，如若没有对中国电影的远瞻与开拓，中国的电影市场将会停滞不前，甚至盲从。年，票房过亿元的国产影片有17部，但是，在超过100亿元的城市票房中，进口影片就占了44.38%的份额。如今，纵观中国电影市场，我们从中不难看出，一些电影过度追求娱乐至上，搞笑为王，只追求票房收益、只讲刺激眼球;一些电影急功近利，内容浮浅，以恶搞、戏说、低俗、媚俗为噱头。试想，中国如此庞大的电影市场，在巨资的轰炸之下，竟然找不到几部让观众侧目的好电影，实在是一种讽刺味极重的幽默。我们不难发现票房雾障之下，中国电影匮乏着：精神。
好莱坞电影有他们的商业精神，欧洲电影具有他们的艺术精神，日本电影具有他们独立的情感精神，香港电影具有地域精神，哪怕是韩国电影都具有他们上进的一种精神。每一个人都是独立的个体，每一部电影也都是独立的个体，好莱坞有好莱坞的特色，它似乎更关注人性，它以美国——这样一个全球经济大国的眼光关系着人类的生存，就像华语电影宣扬民族精神一样。日本电影有日本电影的特色，熟悉日本动漫电影的朋友很容易发现，日本人热衷于宣扬一种坚持，仅从这一点来说，是可贵的。影视作品很大程度上反映一个民族的价值取向，只是彼此的方式有所不同罢了。“精神”一词可能是我们从小就在学习的一个词汇，也是在各种报道舆论中使用率比较高的一个词汇，然而在我们的环境之中仿佛越是见得到、听得多的词，越是最快地被人遗忘!正因为很多人都遗忘了什么是精神，所以我们的社会才渴望和谐，恐怕现在要牵连到的就不仅仅是电影这一个行当，因为大面积的人群忘却了精神，所以才诞生了我们今天看到的琳琅满目的精彩的跟不精彩的社会新闻。庸俗本身并不可怕，相反，大众喜闻乐见的文化娱乐都属此列，可怕的是以庸俗为美，做着庸俗之事业，却大言不惭地辩称高雅，这就成为恶俗。就拿广告而言，广告的终极目的并非宣传品牌，更主要的是构造商品特质和升华品牌精神。电影亦然，即便它仅仅是娱乐产品，快速消费品，也须得拥有些许的精神诉求。一部电影不一定能够百分之百地具有厚重感，但是它一定会有属于自己的特色和精神，这些特色和精神让电影饱满，有血有肉，让观众能够从多个角度品味出不同的东西。
最新电影艺术论文（实用21篇）篇七
在我国社会经济的发展中，电影行业的发展成为社会各界关注的焦点之一。在现代电影行业中，放映技术水平的高低决定了影片的播放质量及电影院的经济效益。从我国电影行业的总体发展趋势而言，放映技术是在不断进步和发展的，但是与一些发达国家相比，我国在电影放映技术方面缺乏自主研发，而多是引进外国的先进技术理念和放映设备，从而严重制约了我国电影放映技术的发展前景。因此，在我国电影行业的今后发展中，必须加强对放映技术的研究和创新，从而实现与世界国家电影行业的进一步接轨。
1.我国电影放映技术发展历程回顾。
自新中国建立以来，随着我国社会经济的快速发展，人民群众在物质生活水平不断提高的背景下，对于精神文化生活的需求日趋强烈，从而为电影放映事业的发展创造了有利的外部环境。1951年，我国自主研发了第一台专业的电影放映设备——“松花江”牌电影放映机，从而改变了我国电影放映设备完全依赖进口的困境。同时，在国内高等院校中，相继开展电影放映专业教育，为我国输送了大量的电影放映技术人才。1970年以来，随着国内大中城市电影院的改造与扩建，以及电影放映设备的不断更新，我国的电影放映技术进入了崭新的发展时期，并且逐步攻克了超高压短弧氙灯、开关电源、放映银幕、放映碳棒、高保真放映镜头等技术难题，从而有效提升电影放映的图像质量。
在电影放映中，影院声音问题长期困扰我国放映技术人员。经过不断的钻研与试验，我国经历了电子管扩音机、晶体管扩音机、光学立体声、录音立体声、数字立体声的发展过程。特别是在20世纪80年代以后，我国成功研发了大功率播放器、立体声处理器及系列配套扬声器等影院声音处理设备，促进了我国影院声音质量的提高。
进入21世纪以后，随着现代电子技术的不断发展，我国的`电影放映技术也迈入了快速升级换代的发展时期，最具代表性的现代化电影放映技术主要有：1）数字锁相环技术；2）放映机开关模块化电源技术；3）影院红光还音技术；4）放映机处理器的计算机控制与处理技术；5）高亮度增益放映银幕。随着各类新型电影放映技术的应用，促进了我国电影行业的快速发展。同时，随着国际电影放映新技术的不断引入，有效缩短了我国电影放映技术的更新周期，为电影行业的发展创造了良好的契机。
2.数字立体电影放映技术的创新发展。
20008年开始，数字立体电影正式登陆中国，随着《阿凡达》、《堂吉诃德》、《变形金刚》等影片的广受欢迎，对于促进我国数字立体电影放映技术的创新发展具有重要的意义。但是从我国电影放映技术的发展现状而言，对于数字立体化电影放映技术的研究相对较少，而且缺乏先进的放映设备和专业技术人员。目前，我国正式上映了十余部外国优秀的3d影片，广受观众的好评与热议，为数字立体电影放映技术的发展提供了良好的外部环境。
针对我国在数字立体电影放映中存在的技术问题，我国广电总局提出了规范数字立体电影放映技术和示范影院建设的“十五”规划。在，我国电影科学技术研究所对国内数字立体电影放映技术进形了跟踪调查，并且在广电总局、电影管理局及中影集团的指导与协助下，积极开展与外国公司进行技术研发合作的模式，在国内成立专门的数字立体电影放映技术研究试验室，逐步进行了技术理论、系统试验、演示试验与制片试验等研究项目，为我国放映技术的创新发展提供了强劲的支持。在20，我国自主研发了《35mm电影放映画面检验片》，并且在参照国际相关标准的基础上，对检验片进行调整与完善，从而促进了我国数字立体电影放映技术的标准化发展。同时，在《35mm电影放映画面检验片》的实际应用中，充分结合《变形宽银幕画面检验片技术标准》、《光学声带检验片技术标准》等国内最为专业的放映技术标准，主要应用于35mm电影放映机的调整、检验与鉴定，从而对成像质量进行综合的评价，是数字立体电影放映技术创新发展中必不可少的定量检测工具。
由于受到数字立体电影放映技术的影响，我国的数字影院建设也正处于研究与探索阶段，其他配套设备与技术也缺乏完善性。
为了促进数字立体电影放映技术的科学发展，我国电影行业必须认清数字影院的基本概念。从专业技术角度进行分析，数字影院主要是指采用电子显示技术代替传统的胶片载体进行数字立体电影的放映，并且形成规范化、专业化的电影放映技术体系。国内在数字影院的建设中，必须具备35mm胶片级的图像与声音技术质量，从而满足现代化数字影院共享式欣赏的基本要求。另外，针对国内在数字立体电影放映机制造方面存在的问题，必须构建以市场需求为导向的网络化研发与制造模式，新型电影放映机的研发与面市是数字立体电影放映技术创新发展的先决条件，所以一定要迅速缩短我国在电影放映机制造中与先进国家的差距，进而促进我国数字立体电影放映技术的国际竞争能力。
3.结束语。
电影作为现代社会先进文化的主要传播途径之一，对于其发展问题的关注是十分重要的。在我国电影行业中，放映技术与国际最高水平之间的差距是不容忽视的，这个问题是客观存在的。因此，我国在电影放映技术的进步与发展中，必须充分利用现代电子和计算机技术，并且在积极吸引和借鉴外国的先进技术经验的基础上，加强国内技术自主研发和实践的力度，从而形成具有中国特色的现代电影放映技术体系，为促进我国电影行业的发展提供必需的条件。
最新电影艺术论文（实用21篇）篇八
我国是多民族的国家，不同的民族有着不同的独特音乐风格体现，其中民族歌曲就能很好地体现出一个民族的文化，具有浓厚的地方特点。在中国的民族音乐中，可以将它分为两种音乐风格体现，一是北方音乐，它具有豪放、激昂特点，给人带来一种阳刚的感觉；二是南方音乐，它比较婉约、柔顺，让人感觉到一种阴柔之美。在一部电影作品中，可以合理地加入一些具有地方特点的音乐，通过这些带有民族风格的歌曲生动的表项出该地区的风土人情和文化特征，增强作品的生活气息和艺术感染力。例如在电影《嘎达梅林》中，就是通过利用多种民间音乐素材，让人们看到了当地人民的生活，其中包括的赞美歌、短调、盅碗舞等音乐，这些都充分的体现出了一个地区的文化特点，进而创造出了一个个形象鲜明的声音形象，通过民间音乐让人物形象变得更加生动。
（二）民族乐器。
民族乐器以独特的形式体现了民族风格，将它运用到电影音乐的配乐中，可以增强电影作品的艺术设计特点。如在电影《卧虎藏龙》中，音乐就具有鲜明的特点，它充分地将东西方音乐进行完美的结合。在这部电影音乐中，以西方的大提琴为主，同时又加入了二胡和马头琴等具有中国特色的民族元素，所以在电影作品中，西方音乐为电影增加了磅礴之气，而具有民族风格的音乐为电影增添了具有民族色彩的清新之气。另外，在影片《十面埋伏》中，该作品中主要使用的是中国传统乐器琵琶，从影片的最开始就响起了琵琶曲，随着婉转曼妙的琵琶声，电影场面就拉开了乐坊里男女嬉笑调情的情节序幕，采用曼妙的琵琶曲很好地渲染和烘托了乐坊中纸醉金迷生活的气氛。
（三）戏曲。
戏曲是具有中国传统特色的一种特殊艺术表现形式，具有很强的民族艺术代表性。在戏曲中，注重“眉目传情”“字正腔圆”“声情并茂”，尤其是在京剧中，它作为国粹，在中国的戏曲艺术当中具有很强的典范效果，它促进了中华民族音乐的进步与发展，在新型电影作品中，将传统的戏曲融入其中，为电影作品增添了一种独特的传统韵味。如在《霸王别姬》中，戏曲音乐的应用就为电影艺术表现增添了一大亮点，在该影片中很好地将戏曲元素运用到其中，以京剧为主线，这是作品构思中独特的地方。在该片的音乐构思中，恰当合理地应用了戏曲京剧，当京剧戏曲声响开始，电影中的人物也开始了与京剧有关的情节故事发展，其中的戏曲音乐充分的表现出了他们的命运变化，渲染了电影氛围，深刻地体现出了电影的主题思想，同时，也使电影音乐具有了浓厚的民族特色。
（一）体现中国特色。
民族音乐可以充分的表现出一个国家的艺术氛围，进行音乐的交流从而促进国际间的艺术文化的交流，从音乐表现中可以更好地理解各国的文化特征，从而增加各国之间的了解。民族音乐是中华民族艺术表现的重要组成部分，其他国家和民族通过了解中国音乐从而更好地认识到中国。当中国电影走出中国国门时，中国音乐也会一种走出去。当中国电影音乐具有鲜明特点的民族元素时，也会使我国的电影音乐更添神韵，让中国电影音乐更具代表性。因此，创作出具有民族特色的音乐，以此来体现出现代生活影视音乐，能够让人们对中国有更多的了解，从而更好地欣赏中国的特色艺术。
（二）体现民族蕴涵。
任何一种艺术要想在世界艺术的舞台上屹立，就必须具有独特的艺术风格，中华民族艺术就具有独特的民族风情和无穷的民族艺术魅力。如今在中国虽然有大量的外来艺术在不断地涌入，但这些艺术大多数也会受到中国艺术的影响，融合大量的中国传统文化元素，从而形成具有中国特色的艺术表现。电影音乐是电影作品的重要组成部分，在表现电影的时代特征、民族意蕴和地域风格都具有非常重要的作用。民族音乐能够很好地表现出一个地区的艺术文化和社会风情人情。优秀的民族音乐是社会思想与艺术高度发展的历史沉淀，它能够客观地的体现出人们的要求和愿望，是人们生活中非常重要的精神伴侣。这一特征使得民族音乐更加内在，更加纯洁，能够直接与人的心灵相通，体现出一种耐人寻味的艺术美，也是一个民族魅力的艺术表达形式。
（三）烘托气氛。
电影音乐能够能在影视作品中渲染出一种特定的背景气氛。主要表现在时代气氛、环境气氛、民族特点和地方色彩等，从而增强电影的艺术感染力，引起人们对情节、人物、环境的想象。尤其是在一些影片中，所要叙述的内容就是民族本身的体现，这时就必须利用电影音乐来渲染当地的文化习俗，让人们通过对当地的民族特色的了解，体会到一种内心的震撼。如在影片《丝绸之路》中，通过利用民族乐器葫芦丝，描绘出沙漠中的幻象，随着故事情节的向前发展，音乐也在不断地变化。音乐以独特的乐器音色、风格来表现出时代特征，民族风情，强化影片的特定基调与气氛。
（四）抒发情怀。
电影音乐在影片中可以塑造出鲜明的人物性格，体现出人物的内心活动，心理特征、感情表达等，从而使观众能够更加的了解人物，使人物的形象刻画更加鲜明、生动。影片中的电影音乐中具有很多的抒情元素，它不仅可以体现出人物内心的喜怒哀乐等情绪时，还可以刻画出一些不能用语言表达的情感表现。因此，在刻画电影的艺术情感时，影视音乐起着不可缺少的重要作用。影视音乐的优势就是可以将人物内心的细腻情感高度概括地体现出来。利用音乐来抒发人物的内心情感，是电影表现更加具有艺术表现效果。在中国电影音乐中，民族风格在进行抒情时总会在不经意间给人带来意想不到的效果。
总而言之，电影与音乐都是艺术的体现，将两者相结合所产生的电影音乐，为电影作品的剧情发展、人物形象刻画、背景烘托等提供了补充和辅助的效果，从而使电影艺术表现达到做好效果。中国电影音乐源于民族音乐，是在民间音乐的基础上创作而来的，民族风格是中国电影音乐的灵魂也是亮点。本文中通过对民族元素在电影音乐中的表现和作用进行具体分析，从而促进具有民族风格的中国电影音乐的发展，进而促进电影事业的发展。
最新电影艺术论文（实用21篇）篇九
新世纪新形势，体育信息和体育理念的传播传遍了大江南北，包括各种各样的媒介，影视、报纸、网络，等等。体育纪录电影是这些传播媒介中非常独特的一种，通过用电影来记录体育，从而反映国家的体育、社会文化状况，反映该国的经济文化实力。
21世纪随着我国体育水平在世界体育水平的地位逐渐上升，我国的体育纪录电影数量和质量都在上升，中国的体育纪录电影发展迎来了一个崭新的春天。本文运用电影学和传播学的理论，分析我国体育纪录电影的现状，从体育传播与社会文化的角度提出我国体育纪录电影的发展策略，为中国体育纪录电影建言献策，为体育精神的传播提供有力保证。
一、体育纪录电影。
电影的雏形就是纪录片，通过真实生活、真实人物、真实事情的挖掘，通过艺术加工，搬上银幕，进一步引发人们的思考，这就是最早的纪录片。中国纪录电影最早出现于19世纪末20世纪初，当时的中国正处于水深火热之中。纪录片一词可以追溯到1926年，纪录电影大师格里尔逊评论弗拉哈迪的《梦阿拿》时引出“纪录片”这个概念。格里尔逊说《梦阿拿》正在记录着波利尼西亚青年的日常生活和工作，具有非常珍贵的文献价值。这是最早的从概念上提及纪录片，其实任何影像记录都起到了纪录片的作用。在纪录片基础上，产生了新的类型电影，包括故事片、科教片和动画片，等等。体育纪录电影也叫体育纪录片，为某项体育运动或某个体育明星或某个体育赛事而专门拍摄的电影。
国内外对于体育纪录电影的发展格外关注，中国的体育纪录电影的发展伴随着中国体育运动的发展。早期我国体育电影研究者基本上都是研究外国体育电影的发展、特点以及外国体育电影对我国体育纪录电影的启示。20世纪80年代，我国急需用体育精神来鼓舞民众，我国的体育赛事发展进入了一个高峰时期，体育运动员的捷报频传，中国的体育纪录电影也进入了最辉煌的时期。不过这一时期的纪录片项目比较单一，基本上都是与我国体育强项相关，像排球，素材比较单一。
到了90年代，我国的体育纪录片开始走下坡路，这与这一时期的政治色彩比较吻合。我国开始走向全面经济生产时代，已经不再需要用体育来鼓舞人们的士气。进入21世纪，中国的体育纪录电影又进入一个新的高峰，奥运会要在中国北京举行，我国人民齐心协力要办出最好的东方体育盛会，我国要在全世界65亿人口中树立起最强大的经济和体育实力。由顾筠导演拍摄了一部反映我国奥运会筹备的体育纪录片，这部纪录片将我国体育纪录电影推向了历史的最高点，也是迄今为止我国最有影响力的一部体育电影。获得了第26届国际体育电影电视节的特别大奖和纪实纪录片单元最高奖。
电影是多种艺术的综合体，电影的娱乐性、艺术性和商品性是本质属性。体育纪录电影是众多电影门类中的`一种，体育电影也要回归电影的娱乐属性。电影艺术的综合门类包括音乐艺术、拍摄艺术、动画艺术、声音艺术和建筑艺术，等等，吸引众多艺术门类达到多元融合是电影的最终目的。体育纪录电影从选材到目标观众分析都要考虑娱乐性这个属性，仔细分析体育电影与娱乐的结合，将娱乐元素广泛应用于体育纪录电影。体育纪录电影将惊险的动作、离奇的故事、荒诞的情节和恶搞的场景掺杂在一起，增加电影的娱乐性。当然娱乐性的广泛使用过程中，不要忽视电影的最终目的———体育精神的弘扬，不能只强调观赏效果而弱化国家意志和国家形象。娱乐性还会体现在数字化技术的参与，许多新奇的娱乐元素的加入，使体育纪录电影变得更加丰富。
(一)引导体育纪录电影上了一个台阶我国现阶段的体育纪录电影无论是数量还是质量都不能满足人们的需要，基本上都是公益组织为了某项体育赛事制作得非常简单的纪录电影，这些电影制作周期非常短，投入经费比较少，没有专门的电影公司运营，产生的商业价值和社会效应也是非常有限的。实际上我们的体育电影观众并不缺乏，我国的电影观众呈现上升的趋势。尤其是最近几年，奥运会、亚运会、世界大学生运动会都在中国举行，民众关注体育的情绪特别高涨。虽然最近有些体育纪录电影出现，但还是不够的。我们应该引导体育纪录电影上个新的台阶，积极借鉴外国体育纪录电影的运营方式和制作方法，丰富我国体育电影理论。这种新的运营方式要大胆些，力度大些。要建立起专门的机构来引导体育纪录电影的发展，专门的风险基金来投资，从商业的角度挖掘体育纪录电影的价值。进一步挖掘体育的内在精神，用精神士气鼓舞民众，让全民爱运动，喜欢看体育纪录电影。
(二)丰富体育纪录电影的关注内容我国体育纪录电影一般都过多地关注我国体育强项，像20世纪的女排、女足，现在的女子跳水，或刘翔的跨栏，或姚明的篮球等，没有承担体育本身应该承担的社会现实作用。体育纪录电影的内容也比较单薄，只是记录运动员的训练场景或社会生活细节，没有上升到一定的理论高度。我们应该丰富体育纪录电影的关注内容，选题上就要关注整体体育项目，不仅仅是竞技项目;群众项目或非参赛项目都要关注。电影内容要从单个运动员或单个运动项目的小环境转向整个社会的大环境，通过大环境下的社会折射个体的体育精神。
(三)增强体育纪录电影的竞技性中国传统文化强调礼让、谦虚，要求人们做事做人都要低调。这些传统文化都使中国体育纪录电影缺乏竞技性。体育比赛中强调友谊第一，比赛第二。体育纪录电影中也是仅仅关注体育人的内心世界或体育精神的培养。我们应该增强体育纪录电影的竞技性，回归运动的本质，大大加强体育竞技的表现能力。电影创作者要将体育竞技的激烈感和速度感表现到体育纪录电影中去。通过竞技性表现体育项目，进一步展现体育运动的真正魅力，通过体育的运动美挖掘体育的内在美，通过体育运动员的表象进一步表现体育的精神。
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最新电影艺术论文（实用21篇）篇十
电影音乐发展至今已有近百年的历史，电影是一门综合艺术，随着电影艺术的发展，音乐已成为这门艺术中不可缺少的一个重要组成部分。音乐因其强大的抒情叙事功能，在揭示电影内涵、推进电影节奏、表现人物心理、弥补情节之间的空缺等方面起着重要作用。当它与电影画面相结合，便给画面营造出全方位立体感。本文叙述了电影音乐的表演如何配合影像本身来表情达意，，构出电影立体感，并从电影《天堂电影院》中抽取片段加以分析，以期说明电影这门综合艺术现如今如何将视觉与听觉融合的冲击力震动观众的内心世界，接受渐渐铺垫出的电影内涵。
电影音乐；电影；画面；电影节奏；旋律特征；电影内涵；视觉；听觉；天堂电影院；观众。
音乐是一门有强大的抒情叙事魅力的艺术，电影音乐这门艺术则是从20世纪新出现的，是依据电影剧情发展创作出来的音乐。电影音乐是体现影片叙述构思的音乐，其在叙事和结构上起着重要的作用。尽管观众在看影片过程中，大部分精力放在情节上，容易忽略音乐的存在，但是音乐却从听觉上增加了画面乃至剧情所传递出的信息，从而影响了观众所体会到的影片含义。美国已故著名电影作曲家赫尔曼曾说：“音乐实际上为观众提供了一系列无意识的支持。它不总是显露的，而且你也不必要知道它。但它却起到了应有的作用。”音乐与电影关系密不可分的，并且有着相互作用的规律。
百年电影史中，电影在其诞生之初就与音乐结下不解之缘。在无声电影时期，为了满足观众视听一体的感受需求使其适应无声画面，另一方面为掩盖放映机发出噪音，一种现场乐器即兴伴奏的形式应运而生，因而最早的电影配乐也就产生了。然而这种电影音乐与电影情绪不符，与电影本身脱节，只是一种外在的结合。1908年，法国作曲家圣桑率先为无声片《吉斯公爵被刺》谱曲，此后有更多的作曲家陆续为某部无声片作曲。这种专门为电影而谱写的音乐，已经做到配合画面的情绪与节奏，扩大了电影艺术的表现力。1927年10月美国第一部有声电影《爵士歌王》公映，不仅标志着音乐片的诞生，也是音乐成为电影的有机组成部分。电影音乐成为一种高度专业的音乐形式是从40年代后开始的，电影中的音乐追求更加符合电影艺术的特点和形式，不仅用来渲染气氛营造意境，更主要的是用它来刻画人物形象内心心理体验等。如今，电影音乐在很大程度上更是实现了质的突破，对整部电影意义非凡。同时电影艺术的发展，技术的提高，使得音乐与画面的接洽更加完整。
音乐的的艺术魅力在于音符旋律乐器排列与组合之中所蕴含的强大的潜在力量，其自身跌宕起伏的情思极具穿透力，往往能够穿进人类思想精神的根部。正如贝多芬所说的：音乐是比一切智慧、一切哲学更高的启示。而电影中的音乐则运用其多节奏的功能与同样节奏多变的电影达成统一。电影中的节奏比如主观节奏、客观节奏、导演心理节奏和观众心理节奏等等，与音乐本身的旋律节奏情感气氛不谋而合，两两相交使得电影的抒情性戏剧性得以凸显。演奏电影音乐的各种乐器声音各有特点，也可从不同的音质表现不同情节、景物、人物的特征。有了音乐的伴奏，电影画面的意境将更为立体地展现在观众面前。
电影配乐是电影音乐的一部分，配乐有两种极端而相对的观念：一种是尽力溶入电影的结构中，如配音般地令人不易察觉；第二种是尽量突出，令人强烈地感受到，这两种观念只要能够与整部电影的结构做巧妙的配合，都必能够产生很大的力量，配乐的真义就在这个配字上。而配乐的方式分为题曲式的配乐和乐剧式的配乐。通常情况下，一部电影中，主题旋律会不断在特定情节中响起。而乐剧式则有着主导动机，随着片中情节及人物心理而发展转变。
在一部电影中，用恰当的乐器以合适的节奏演奏出的乐曲往往有助于诠释出电影的美。那么音乐是如何有机地为情节与画面服务的呢？让我们进入《天堂电影院中》，品味音乐对电影本身的衬托。
1988年的经典电影《天堂电影院》是意大利导演朱赛贝·托纳多雷(giuseppetornatore)所执导的一部电影，影片讲述了主人公托托一个成长在意大利西西里岛詹卡多村庄中小孩子的故事。本片以一种怀旧的基调叙述浓缩在西西里小镇的意大利社会的历史变迁，电影自身的盛衰沉浮，以及托托这一个新生力量的成长，这三个层次的交织使得电影某种记忆深处的轻快纯真温暖的东西被不断翻出，告诉人们面对起迅速发展起来的经济，我们追求的应该是最初那份纯粹的自由。
本片的配乐大多出自目前最多产的电影配乐大师埃尼奥·莫里康内之手，其笔下还有同为朱赛贝·托纳多雷所导演的作品《海上钢琴师》的配乐。影片一开始，画面停留在一个看得见海面的阳台上，白色的全封闭式的阳台围栏与波光粼粼的海面以一比二的比例分布在整个画面中，而围栏的最高点也就是围栏的中轴上放着一盆正在成长的盆栽，微微海风吹过，吹出生命的气息，盆中的幼小生物似乎正长在一片禁锢的土地上努力地成长，希望有一天能离开这儿，去到海面上广阔的天空中翱翔，追逐他的梦想。这是开篇画面所传达的信息，它预示了着影片得一部分内容和主题。伴随着画面的出现，片中著名配乐《cinemaparadiso》响起，乐声从钢琴开始拂起一番水面波澜，主旋律则由小提琴与口风琴交织而成，叙述着一个幼小生命欲从一个窄小闭塞的空间内奔如大海之外的渴望。主旋律委婉曲折，在高音区与中音区之间来回旋转，一方面描绘了在高空飞舞的渴望，另一方面则体现成长的生命对生根的地方的依恋不舍。画面停留半分多钟之后，镜头开始向室内移动，此时主旋律的演奏乐器由小提琴转为短号，这一转变似乎真的勾起了过去的些许回忆，这回忆有关于小托托生根的家，也就是以镜头中以昏暗的房间为代表的西西里岛小镇。曲中多种管弦乐器共同伴奏，为画面营造出多层次的情思，暗示着主人公、电影业以及社会艰难复杂的成长过程。在这组镜头中，画面由外向内移动的节奏也与音乐的节奏吻合，共同引导着观众跟着画面节奏接收下一步的信息，增加观众思考容量。开篇的这首配乐交代了本片将不断往返于现在和过去温馨的记忆之间，也给之后影片所讲述的故事定下了亦悲亦喜的基调。
西西里小岛上宁静生活下一步一步向前走去的过程，及其身后温暖而纯粹的人文情调，尽在不言中。
同样，也是这首《cinemaparadiso》，在最后天堂电影院被炸毁的时刻响起。画面中，承载无数欢笑悲伤热爱痴狂的影院孤独得立在广场的一边，影院陈旧的外观使其被车来车往的广场遗忘，唯有曾经和她一同成长的人们心里藏着她得灵魂。然而一声巨响过后，年久失修的围墙顷刻倒塌，影院的“孩子们”心中的回忆也被震得零落不堪。倒下的影院掀起了巨大的尘埃，一张张熟悉的面孔将尘烟凝聚成悲伤，风中的尘烟久久不散，却终究要散，她是一份记忆，也是一份追不回的纯粹。巨响之后，配乐《cinemaparadiso》便以小号声开启，小号声就像一堵摸不透的惆怅，这一点与就不散去的烟雾一致。曲声如烟一般无力地奏响，每个音符都奏起了人们内心的无奈，它勾起了过去太多关于影院的美好回忆，而她也跟随着影院的倒塌迈着无力的步伐。此时此刻，音乐与画面所体现的哀思节奏相近，人们内心中深深地痛伴着乐声缓缓输出，也勾起观众对过去的一切的深通思考。
本片中最令人难忘的事小托托与老放映员阿尔弗莱多的忘年友谊，而本剧在表现这段友谊方面则有一首配乐《totoandalfredo》，这首配乐在阿尔弗莱多教小托托如何使用放映机放电影时响起。乐曲主旋律及伴奏皆由小提琴组成，主旋律以一种轻快地方式在空中飞扬，好比托托追逐自己热爱的事物的步伐，而伴奏则为其引导着快速的节奏，好比阿尔弗莱多如父爱一般的悉心教诲。托托学习使用放映机那段，音乐伴着输片齿轮的旋转响起，伴奏的节奏将滑轮的速度通过听觉传进观众脑海里，而阿尔弗莱多与托托的对白颇为干脆，两人的教学进程和亲密关系也随着这份节奏迅速发展，而托托正经历着的电影业的似乎也是以这种速度在奔跑。同时主旋律一定程度上将所有切换的画面以同一节奏连接，令观众对许画面背后更多欢乐回忆进行更立体的遐想。这首配乐可以说是专为表现托托的成长步伐而设，其实在托托放映电影的过程中，影片不断将镜头投向影院的大银屏，电影也想这首配乐所叙述的一般快速地前进，同时这首曲子也而它也常分布在影片中描述小镇人文情况的片段中，从某种层度上说，《totoandalfredo》与画面切换节奏搭配，推动了整个电影三大寓意层次的发展。
影片的最后，成年后的大导演托托孤身一人坐在先进的小型影院里观看阿尔弗莱多留给他的一捆胶卷，胶片的内容是曾经在宗教禁锢下电影中被要求删除的片段。这一段充满对情爱的追求的古旧片段，原来正是阿尔弗莱多不希望小托托回到闭塞小镇的真正原因，在还白画面中我们似乎看到了很久很久以前，人类与禁欲主义做的一系列斗争，看到了社会巨大的进步。本段的配乐为影片主题曲《lovetheme》，这首曲子一开始便从满在过去徘徊之意，将观众迅速引进黑白画面的时代中，而曲中悠长的长笛音将黑白影片中对自由执着的追求表露无遗，而短号与提琴的合奏将这份执着衬得更加义无反顾。黑白的画面、托托所处的彩色时代、忧伤而又温馨的乐曲，搭配出人们最初的梦想，如今早已被人所遗忘的纯粹记忆就在这组镜头中蕴藏着，可那才是我们应该去寻找的自由。
画面和音乐这两种分别通过视觉与听觉被人们接收的信息，在电影中若将而这巧妙结合，不但可以为画面天上它本身难以言尽的情感色彩，还可以用更强大的力量将信息储存在观众脑海中，促进观众对情节内所蕴藏地深层内涵的理解，进而引发观众对电影所讲述的道理以及对人生的思考。
最新电影艺术论文（实用21篇）篇十一
摘要：电影是一种融合了听觉、视觉的现代艺术形式，其中融合了幻灯放映技术、活动照相技术，是一种连续的影像画面。在现代电影当中，声音是一个至关重要的元素，电影中的台词、音乐等，对于电影故事情节的发展和情感的衬托，都具有重要的意义。因此，在电影创作当中，后期声音艺术创作是一项重要工作，对于整部电影成功与否，会产生直接的影响。基于此，本文对以声音元素的选择与组合为视角，对电影后期声音艺术创作的思路进行了探索。
关键词：电影后期；声音艺术创作；声音元素；选择与组合。
电影艺术是当前一种十分常见的视听艺术，融合了声、光、影等多种元素。在现代电影中，传统意义上的录音概念，经过不断的延伸和发展，已经形成了电影声音艺术创作。电影声音具有十分广泛的内涵，包括了客观的物理特性，以及欣赏主体在心理、生理上的感觉。其中，声音设计和技术制作都是重要的工作。相比于一些电影技术较为发达的国家，我国在电影后期声音艺术创作方面，由于发展起步较晚，因而仍具有较大的发展空间。声音元素的选择与组合，使电影后期声音艺术创作的重要途径，对于电影的整体艺术性也有着重要的影响。
一、电影的主要声音元素。
人声、音乐、音效，是现代电影中最主要的声音元素，在声音艺术表现当中，三种元素相互交错，共同构成了电影的听觉艺术，在电影后期声音艺术创作中，对这三种元素进行主观化选择，并进行有机的结合，共同形成电影声音艺术。
（一）人声。
在现代电影当中，人声是最主要的声音元素之一，主要包括了独白、旁白、对白，以及表达人物情感的各种声响。从概念性的方面理解，人声指的是演员通过发声器官，发出包含感情信息、描述意义的声音，除了具有表意功能之外，也能够对人物的个性特征进行塑造。具体来说，独白通常是画外音的形式，以第一人称的口吻，对剧情进行叙述，能够对角色潜在思想活动进行过主观表达。旁白也是采取画外音的形式，以第一人称或第三人称，对剧情进行叙述，主要是以理性、冷静的角度，表达对人物、事件的态度。对白是最主要的人声表现形式，通过人物之间的对话，对剧情、思想进行表达，推动剧情发展。
（二）音乐。
在电影画面中，音乐的存在形式可以是无源音乐，也可以是有源音乐。其中，无源音乐，指的是在画面中无法找到声音来源，通常是在电影后期声音艺术创作中，由作曲家原创的音乐，是一种直观化的声音元素，主要作用在于对人物内心进行刻画，对情绪情感进行渲染，对场景分为进行烘托。例如在经典电影《角斗士》、《红河谷》、《天堂电影院》、《教父》等影片中，就大量运用了无源音乐，在观众脑海中留下了深刻的印象。有源音乐指的是能够在电影画面中找到来源，例如电影中的酒吧、戏院、电视、留声机等演奏或播放的音乐。例如，在《肖申克的救赎》中，用监狱广场喇叭播放莫扎特的《费加罗婚礼序曲》，衬托人性的可贵。
（三）音效。
电影中的音效主要包括了拟音效、动效、环境音效等类型。其中，拟音效、动效等，通常在电影后期声音艺术创作中，对声音进行自然采集或人为添加，再进行变形处理，得到需要的音效，能够对声音的艺术真实进行体现。环境音效则是在电影背景层面上，社会环境、自然环境发出的声音，能够对地域特征、时代特点、时空关系进行表达，带给电影更高的真实感和现实感。电影中的音效，具有可感、具体等特点，通过合理的选择和应用，在影片叙事中进行纳入，让观众感受到更加真实、自然。
二、电影声音的主要特性。
电影声音具有较为广阔的涉及范围，同时也具有明显的特征，其中主要的包括了物理反特性、心理特性等。物理属性是电影声音自身具备的特征，合理的进行运用，对于电影艺术效果有着良好的烘托和营造作用。观众在观看电影的过程中，通过接受不同的声音，会产生不同的心理反应，进而更好的进入和理解电影剧情。
（一）物理特性。
从物理学的角度来说，电影是由声波、光波相互交织形成的。声音实质上是声波，是一种机械波，由振动所产生，声波的性质，则是由振动的周期、幅度、频率所确定的。在介质当中，声音的能量传递形式是波，在单位时间内，声波通过垂直方向单位面积的声能越大，就会产生越高的声强，传递能量对声音强度具有决定性作用。在介质当中，声音的传播具有独立性、方向性。在一定条件下，还会发生衍射、干涉、反射等变化。因此，从物理学的角度分析，声音不同的振动频率、频率组合，是以波的形式向人传递，人们感受到声音的.音色、音调等，都是有声波振动的传播特性、频谱特性、频率大小等决定的。因此，在电影后期声音艺术创作当中，对声音元素的这些传播规律、物理特性进行理解和掌握，并进行合理的选择和运用，能够进一步提升电影的艺术效果。
（二）心理特性。
人通过耳朵接收声音，进而会引起人们相应的心理变化，因此可以认为，电影声音也具有一定的心理特性。不同的观众由于具有不同的经验体验，同时在传播条件、传播客观规律的影响下，人们可以产生不同的心理效应。对声音的心理特性进行了解，对于电影后期声音艺术创作具有重要的意义。录音师通过对各种声音元素进行主观的创作，对观众的情绪需求进行满足。在电影后期声音艺术创作当中，需要了解和熟悉鸡尾酒会效应、掩蔽效应、多普勒效应等声音常见的心理效应。人们在日常生活中，当同时存在多种生源的时候，人们会有意识的听某个特定生源，从而对其它声音进行忽略。有时人们由于一种声音的存在，另一种声音会变得模糊或消失。当观察者静止不动的情况下，声波从声源向观察者靠近或原理，音调也会相应的变高和变低。如果声源静止不动，观察者移动，也会产生相同的效果。在电影后期音乐艺术创作中，对这些心理效应加以运用，能够有效的提升电影效果。
在电影声音艺术创作当中，主要包括了前期阶段、同期阶段、后期阶段等不同阶段。其中前期阶段主要是抽象的构思与设计，同期阶段主要是客观的记录与还原，后期阶段则是主观的选择与创造。后期阶段是电影声音艺术创作的重要阶段，也被称为组合阶段，在这一阶段，声音、影响通过良好的组合，共同形成了电影完整的艺术形态。
（一）前期阶段。
前期阶段主要是一个准备过程，以抽象的构思为主。录音师和导演开始对声音艺术进行构思，并进行记录。从总体上把握声音设计的线索和影片故事背景相符合。部分类型影片的声音创作从前期准备阶段就已经开始，例如很多影片中所使用的非语言声音，在人物设定成型之前，声音的创作就已经开始。
（二）同期阶段。
同期阶段主要是拾音的过程，以客观的记录为主。录音师选择相应的麦克风，通过合理的角度、方式、麦克风数量等，对现场声音进行真实、客观的记录，确保得到最优的收音质量，为后期的声音制作提供依据和基础。同期阶段的主要特点是通过客观的记录，对现实进行还原，在这一阶段，对电影录音技术性含量具有很高的要求。
（三）后期阶段。
后期阶段是电影声音艺术创作中最为重要的一个阶段，要对同期阶段获取的声音素材进行选择和加工，同时需要主观的选择非同期的人声、音乐、音效等声音，并巧妙的进行组织。对于一些电影的制作来说，后期声音创作阶段，甚至要比拍摄阶段更长。后期声音创作，通常在粗剪阶段就已经开始，后期人员对声音进行收集和录制，从声音数据库中选择相应的声音素材，或是针对电影创造独特的声音。在将要完成剪辑的时候，录音师、导演、作曲家针对画面对音轨进行建立，对声音元素进行组织。在电影声音制作当中，后期声音创作阶段是最终的环节和步骤。在这一阶段，需要录音师、作曲家、导演之间实现良好的配合与合作，通过声音元素的合理选择与组合，创造理想的声音艺术，从而对电影的气氛进行营造，对情绪进行渲染，对人物刻画，推动电影叙事进展。
四、电影后期声音艺术创作中声音元素的选择与组合。
在电影后期声音艺术的创作当中，声音元素的选择与组合，是一个十分重要的手段和方式。通过对各类声音元素特性的充分了解，根据电影情节发展，对不同的声音元素，进行科学、合理的选择与组合，从而使电影达到更好的艺术效果。
（一）声音元素的选择组织方法。
人们在看电影的过程中，生理及心理活动与电影之间具有实时的联系，在电影主观化设计的艺术真实刺激下，又会发生动态变化，与观众自身主观性的认同、感受、选择相关。在电影后期声音艺术创作中，通过创造处的艺术真实，带给观众真实感，具有重要的意义。在电影后期声音艺术创作中，声音元素的选择组织是一项重要工作，主要包括了声音特写、声音变形、声音喻示、声音转场、声音静默等。在声音特写中，主要是对人声、音效进行处理，例如在《杀死比尔》的片头黑画面中，利用女人哀鸣、连续、急促的喘息声，体现出女主角愤怒、痛苦、顽强的情感。在音效特写中，选择相应的音效进行突出强调，体现电影故事规定情景和人物心理动作。在声音变形处理中，根据人们对观影经验的认识，遵循类似律的听觉趋向原理。通过主观化的合理变形处理，使画面时空关系更加活跃，主要包括了对人声、音效的变形。声音喻示，通过运用技术与创意，对某一段音乐、人声、音效进行选择或创造，对电影剧情的发展或剧情内涵进行暗示，同时体现出人物思想、性格的变化。对声源进行合理的取舍，和人物的动作、情感之间建立联系，对观众的听觉感知进行引导，让观众能够对剧情的深刻含义进行体会。声音转场是对人声、音乐、音效的自身剪辑，和电影画面的剪辑形成同步或异步的关系，主要的方式包括声音叠化、声音延留、声音先现等方法。声音静默也是一种重要的声音元素选择组合方法，根据电影剧情的需要，适当的进行声音缺失处理，引导观众对电影故事情节的内涵进行深刻的体验和感知，对情绪情感的进展进行促进，对电影当中人物的内心世界、主观思想进行融入，常用的声音静默包括声音停顿，静默无声，相对静默等。
（二）声音元素的综合组合运用。
电影艺术融合了声、光、影等元素，是一个三维立体空间，在电影试听表意系统中，声音是一个十分重要的子系统，在横向、纵向上，由各种声音元素相互综合组合运用，形成声音总谱。各类型的声音元素相互叠置，但具有一定的规律。从理论上来说，声音是可以无限循环、叠加的，能够使声音艺术更具艺术表现力。对此，在电影后期声音艺术创作中，要对声音元素进行合理的综合组合运用。在水平方向，随着时间的运动，声音、画面相互交织，对电影发展进行推进。在垂直方向，声音、画面处于相同时空，利用不同组合模式，对场景进行展现。根据数学模型能够得出，声音元素的组合模式可以有8种，包括了单个声音元素、两个声音元素、三个声音元素的组合，此外还有静默这种特殊的声音元素呈现方式。对于人声、音乐、音效的声音元素，可以分别在不同层级进行分析，主要包括情绪渲染、意情提示、情节描述等层级。情绪渲染层级，主要是声音元素与事件叙述空间相脱离，利用声音元素的自身特质，对任务情绪情感、心理活动等进行表达，为特定场景，进行特别气氛的烘托。意情提示层级所指的是声音元素和画面事件不再相同时空，利用声音元素自身表意功能，对画面无法展现的感性思维、理性思考进行挖掘。情节描述层级，主要是在电影声音架构中，从叙事时空获取声音元素，和画面事件之间，具有同步的关系，在电影叙事声音层次中直接参与。在声音元素的综合组合运用当中，常常具有一定的规律，因此在电影后期声音艺术创作当中，要对声景律、置换律、承续律、等规律进行遵循，从而确保声音元素综合组合运用的有效性。电影后期声音艺术创造中，对声音元素的选择与组合具有一定的复杂性，因此，需要对声音元素的组合模式、架构、规律等进行细致的分析，从而取得更为理想的艺术效果。
五、结论。
在现代电影当中，声音是一个非常重要的组成部分，对于电影的人物、情节等，都有着重要的影响。电影后期声音艺术创作，是电影制作当中的一个重要环节，直接关系到电影的成败。对此，在电影后期声音艺术创作中，要对人声、音乐、音效等声音元素进行合理的选择与组合，根据电影需求达到相应的艺术效果。
参考文献：
最新电影艺术论文（实用21篇）篇十二
电影音乐有助于渲染烘托画面场景的气氛和情绪。在特定的时间、地点和人物中，音乐和画面的有机渗透与结合，可以把人带入不同的情景和意境当中。如喜悦、伤悲、恐慌、苍凉等等。音乐深化了视觉效果同时深入了人心，增强了人们内心深处的感受，使画面更加形象生动了。“音画同步”是电影艺术中常用的音乐与画面结合的描绘手法，常常将电影中不同身份和地位的人物出场用特定的音乐和音响效果给以展现。例如阴谋家或是坏蛋的出现常常会伴以十分诡异怪诞的音乐；美丽优雅的公主出场总会伴以优雅美妙的旋律与音调；小丑的出现总会常常伴以诙谐而又幽默的音乐。诸如此类，音乐似乎成了人物身份的象征。
电影音乐的节奏的舒缓与紧张同样能够给人一种强烈的内心感受。节奏的舒缓给人感觉仿佛一叶扁舟，自由安详的飘荡在平静辽阔的江面，感觉十分惬意，人的呼吸也随着小舟的节奏一摇一摆，心情简直放松极了。紧张的节奏往往暗示着情形的突变或者是故事的高潮到来，使人的心一下子提到嗓子眼来，精神也跟着故事情节和音乐节奏的变化而紧张起来，随着音乐节奏的紧张与加快，人的心跳似乎也像是绷在弦上的箭，紧紧的。呼吸也随之加快了，内心更产生了一种强烈的情感。当音乐再次舒缓下来的时候，人的内心也渐渐地恢复了平静。可见，音乐对于深化人的内心感受起着很重要的作用。
音乐在揭露人物内心深处的情感方面起到了极其重要的作用。人内心的情感有的时候是很微妙的，好的电影音乐能够深入而细腻地刻画人物内心的情感。在许多电影里，一般在人物内心的情感发生变化起伏的时候，就会用音乐来烘托和揭示。好的电影音乐是渗透在情感里的，音乐一响起，我们就能够感觉到情感的流动。就像《泰坦尼克号》中的主题音乐一奏响，立刻就表达出了男女主人公彼此心中对对方的那份火热和真挚的深爱，同时我们一听到这首音乐的响起，内心深处也引起了强烈的共鸣，一股爱情的暖流在心中奔腾翻滚，又带着一缕淡淡的忧伤。
再比如美国经典电影由斯蒂文斯皮尔伯格导演的《拯救大兵瑞恩》，片头长达4分30秒的画面和背景音乐，更是深刻地揭露了人物内心的情感。在画面中老年的瑞恩在家人的陪伴下来到了烈士陵墓，悼念当年为救自己而牺牲的战友们，电影在这段时间里，没有任何对白，我们只能看到瑞恩怀着悲伤的心情和凝重忧郁的神情走在家人的前面。这时的背景音乐深情而又极富感染力，揭露了瑞恩内心对战友的无限怀念与感恩之情，此时千言万语都显得那样的苍白，只有心中默默的哀伤和内心最深处对战友之间真情的无限思念与感怀。由此可见，电影音乐在揭露人物内心的情感方面起着不可忽视的作用。
最新电影艺术论文（实用21篇）篇十三
摘要：昆曲作为中国古典艺术的代表，2001年被世界教科文组织评为“人类口头和非物质文化遗产代表作”。
如今这种美妙绝伦的戏曲艺术成为人类共同的瑰宝，本课题正是出于对这种传统文化的珍爱，对昆曲审美特点予以探讨，让读者更深刻了解昆曲这一艺术界的国宝。
关键词：审美特点;戏辞;音乐;表演程式;舞蹈;意境幻化。
“良辰美景三生梦，姹紫嫣红六百年”，昆曲之美，在于六百年沧桑岁月积攒的点滴。
它孕育、诞生、兴盛到衰弱曲折迂回长达几百年。
昆曲之美，在于岁月穿梭几百年留下不灭的记忆，它的美已经深入民族骨髓，成为一种不朽的印记，今天再聆听和观赏这种美妙艺术时依然能触摸到历史走过的温度和岁月充实的厚度。
当代昆曲研究者周秦在《苏州昆曲》中说到：“昆曲艺术之所以雄踞中国戏曲最高典范的至尊地位，不仅是因为明中叶到清中叶的全盛期苏州戏班曾经盛行京都，风靡天下，也不仅是因为清中叶到近代的衰变期在全国络绎形成了众多的昆曲支派”。
他把“而是……”留给了我们，于丹将昆曲之美归纳为：深情之美，梦幻之美，悲壮之美，苍凉之美，诙谐之美，灵异之美，风雅之美。
本文却从昆曲组成部分来分析它的审美特征，再来领略一次昆曲感人的魅力。
一、戏辞美。
从文学上看，戏剧文学应该属韵文学的延续。
中国文学从《诗经》，汉赋，到唐诗，宋词，元曲的沉积，历史大浪淘沙般将最精华的部分流进了元明的戏曲和传奇，昆曲借中国传统经典剧本将自己打扮得如此大家闺秀，戏剧凭借昆曲的演绎更是将尘封在线装书里古老唱词鲜活成人们美好而永恒的记忆，据焦《剧说》中记载，明代名伶商小玲因自己心有所属而事不得通，每演《牡丹亭》时投入感情太多，被里面唱词感染而不可自拔，终在一次演出唱到“诗打并香魂一片，阴雨梅天，守的个梅根相见”忽然之间，泪流满面，气绝而亡。
这是故事经过精到的唱词表现，将感情夸大，把演员感染，产生强烈共鸣的结果。
昆曲唱词里，有数不清的佳句广为后人传颂，汤显祖《牡丹亭》中“原来姹紫嫣红开遍，似这般都付与断井颓垣。
良辰美景奈何天，赏心乐事谁家院……”“遍青山啼红了杜鹃，那荼蘼外烟丝醉软，那牡丹虽好，他春归怎占的先……”“则为你如花美眷，似水流年……”这些或因化用前人诗句，或因表达剧中人感情有功，或因推动情节发展，或因服务人物塑造，但终因美，因包涵那道不清的幽怨，那淡淡却永恒的忧愁而感染了人，把人间情，世间情演绎得万分缠绵悱恻。
《西厢记》中“碧云天，黄花地，西风紧，北雁南飞。晓来谁染霜林醉?总是离人泪……。”更是一首戏剧版的《雨霖铃》，演绎“杨柳岸，晓风残月”的孤寂和悲凉。
一出《送别》引的是宋人范仲淹《苏幕遮》中的句子，表的是崔莺莺那对恋人不舍的情怀。
《长生殿》中李龟年的唱词“唱不尽兴亡梦幻，弹不尽悲伤感叹。
抵多少凄凉满眼对江山!俺只待拨繁弦传幽怨……”。
长歌当哭，唱的是历史的沧桑，国破家亡的沉重，人生无常岁月无情。
《牡丹亭》每出结尾用了四句诗，一共用到二百二十首前人诗篇里的句子来总结剧情。
这种包罗千万，驾驭材料的能力非一般文化修养之人能够办到。
最新电影艺术论文（实用21篇）篇十四
一、营造和谐的教学氛围，是兴趣激发的前提。
众所周知，良好的教育环境对教育的影响是不可低估的。传统中的声乐教学以传授知识、训练声乐技能为主要教学目标，以教师为中心，孩子大多处于被动的地位，天性被抹杀。所以，音乐教学成功的前提和关键因素是建立融洽、和谐、民主、平等的师生关系，要做到以情激人，以情育人。一方面，教师必须尊重、关爱每一个学生，尊重学生人格，理解学生情感，用亲切的眼神、和蔼的态度、热情的语言来缩短师生心灵间的差距，把学生视作共同学习的伙伴，建立民主、平等、和谐的师生关系，并及时赋予他们积极的评价和鼓励，善于发现学生的点滴进步，不断增强他们的自信心和进取心。另一方面，教师还要热爱自己所教学科，深入挖掘教材和研究学生的心理发展状况，利用多种方法引入新知识。有丰富的知识和精湛的授课艺术来吸引学生，满足学生的道德要求和精神需要，使他们对学习新知识充满浓厚的兴趣。其次，教师要善于创设问题情境等方法引入新课，以激发他们的主动思维和求知欲。让学生处于一种“心求通而未得”的最佳心理状态，并自觉地以高昂的情绪投入学习，从而极大地发挥了学生的主动性，从而有效地提高学生的学习兴趣。
二、巧设有效教学情境，是兴趣激发的重点。
情境，是指听觉环境和视觉环境，以及二者之间的和谐。多年的教学实践告诉我，情境创设的好坏往往直接影响一堂音乐课的教学效果。创设音乐情境可以为成功的音乐教学起到重要的作用，甚至可以成为一种有效的潜在教育手段，它是将生活世界中的真实音乐场景以多种形式再现到音乐课堂教学之初，运用生活素材来扩充教育教学内容，创设自然的艺术氛围，使学生情不自禁地进入角色之中，在充满情趣的生活情境中进行师生间交互性积极性对话，在情境对话中激发学生的学习兴趣，达到情感的碰撞与共鸣。
例如，三年级在欣赏《龟兔赛跑》时，我们将龟兔赛跑的故事用动画片的形式制作成课件，配以《龟兔赛跑》的音乐，先让学生聆听，学生在视、听结合的情况下，非常容易理解音乐所表现的内容；然后将乐器的形状、音色、表现对象等图像和声音相结合的形式进行对比，学生很快就认识了单簧管和大管这两种西洋乐器以及它们的音色特点、表现对象。
再如，在教唱《童心是小鸟》这一歌曲时，我运用多媒体flash中一年四季的场景，使学生仿佛置身于大自然的怀抱中，再加上音质很好的教学磁带，使学生对四季之美有了感性的认识，激发学生对大自然的热爱之情，为歌曲学习奠定了良好的基础。
三、开放式教学是兴趣激发的。
新课程改革倡导“以学生发展为本”的理念，提倡通过建立自主、合作和探究的学习方法，使学生真正体验到学习的成功与愉悦，体会音乐与生活的联系，感受音乐的乐趣，有效促进学生健康地成长。就能更好地激发学生学习的主体和创造的积极性。我在课堂上经常鼓励那些性格内向的学生大声说、大声唱、大胆演。加之激励性的语言，树立学生学习的信心，让学生在宽松友好的学习氛围里感受学习的快乐。
（一）创设舞台，展示自我。
在音乐教学中要改变传统课堂教学的人际关系，坚持以学生为主的学习方法，教师通过适当点拨、引领发挥主导作用，从而发展学生的聪明才智和个性，使学生的更多的参与，合作过程中提高学习能力。我在音乐课上设计了“小小舞知识感觉是最乏味的，让学生认识枯燥的力度标记时，采用了分组进行抢答，表演的比赛形式来争夺红旗，从而营造了一种愉快、和谐的教学氛围。”这一教学活动，把整个课堂营造的喜悦气氛推向高潮。
（二）以“赛”激趣促学。好胜心强是小学生的主要性格特点之一，让学生在激烈的比赛氛围中，来激发学生的兴趣。如教学中让学生在课堂上进行“表演唱”的比赛实现教学目的。在表演中学习知识增强兴趣。我上音乐课时总是创造条件激励学生上台来表演唱，教学效果事半功倍。这样教学中学生学习音乐的信心也更浓厚了。
四、用积极评价鼓励学生，是兴趣激发的保证。
积极的激励性评价是一方对症的好药，几乎所有人都喜欢被人夸奖的，对小学生更是如此。教师在教学活动中，要及时肯定、鼓励学生，激发他们学习音乐的信心。首先、注重课堂评价中学生的参与。学生成为课堂主体的前提是调动学生的主观能动性，使学生有意识、有兴趣、有责任参与教学活动。评价是调动学生主体性的有效机制，通过教学评价激起学生的主体参与，让学生在课堂谁体验成功的喜悦，获得进取的力量。其次、突出课堂评价中发展的观点。突出评价的发展性功能是学生评价改革的核心。发展性评价考虑学生的过去，重视学生的现在，更着眼于学生的未来，追求的不是给学生下一个精确的结论，更不是给学生一个等级分数并与他人比较，而更多地体现为对学生的关注和关怀，通过评价促进学生在原有水平上的提高，发展学生的潜能，发挥学生的特长，应该适时的鼓励并给予最大的帮助，只要学生有一点的进步便给以肯定，帮助学生认识自我，建立自信。
为此，教师应重视创造条件让学习困难生在音乐课堂上获取成功，尝到成功的喜悦，从而激起他们的学习兴趣。我在教学实践中尝试了分层教学，经常让一些音乐水平较差的学生回答一些很浅显的、容易找到答案的问题，如果答对了、或者只是对其中的一部分，就立即加以表扬，表扬他进步了。然后逐步加大训练难度，提高训练要求，让学生在不断的训练中获取点滴的长进，体验成功的快乐。另外，还经常作出一些模糊的激励性评价。例如：“其实你很聪明，只要多一些努力，你一定会学得很好。”诸如之类的评价，不但承认了并强化了学生的进步，使学生由此喜欢音乐老师，也喜欢上音乐课。此外，这种激励评价不仅仅是在课堂学习活动上，也体现在学生的课外兴趣活动上。实践证明学生对音乐的兴趣还与他所接触到的音乐作品有极大的关系，好的音乐作品可以激起学生的学习欲望，所以，教师应该提供尽量多的优秀的音乐作品，扩大学生的视野，激发他们的兴趣。
总之，经过实践证明，教师在教学中采用灵活多样的教学方法，选用丰富多彩的教学内容，良好语言艺术的应用，把握好教材的重点难点，运用形式多样的评价方法，是提高学生上音乐课的兴趣的有效方法。
最新电影艺术论文（实用21篇）篇十五
在舞台美术设计中，背景色彩与主色彩的融合也是决定舞台表演成败的关键，一场好的舞台艺术表演往往拥有完美的色调搭配，所以在舞台美术设计的色彩搭配上，一定要注意强化主题的表现力，应结合不同的色彩对其舞台背景色彩进行不同阶层的搭配。如使用反差系数较大的色彩搭配的舞台，其可见度就往往要高过使用临近色调搭配的可见度。所以，在舞台美术设计中，应尽量采用简洁明快的色调，从而给人们留下深刻的印象。色彩是决定舞美设计效果的重要因素，在舞台美术设计中，色彩往往能够直接映入观众的视线，它不仅是舞美设计中最能表达情感的元素，同时也使舞美设计拥有了独特的韵味。
二、舞台美术设计中色彩的具体运用。
色彩是人们的情感和思想基调的表达。在舞美设计中，色彩的运用主要包括布景色彩、化妆设计色彩、服装色彩以及灯光色彩四种，设计者只有合理地运用了色彩，使其在舞台艺术表演中对观众产生了强大的视觉冲击力，才能够使得舞美设计达到理想的艺术效果。
1、布景色彩的运用。
作为舞台的表演形式之一，舞台布景在舞美设计中占有重要的地位，对布景色彩的运用直接关系到了舞台表演的好坏。舞台布景设计是以剧本的相关内容及导演的设计意图为指导，并配以各种道具材料的使用，采取平面与立体相结合的方法来使舞台的表演达到最佳演出效果的设计过程。而为了准确定义剧本所设定的环境，就必须依托色彩的调配来设计舞台的布景。布景的设置主要有背景图和道具两种，背景图应配合剧情需要进行舞台设计，同时还要注意与主色调的合理搭配。舞台布景的色彩通常需要体现不同剧本的不同风格，这就要求设计者应根据剧本的悲喜色彩和现实性来采用不同的布景色彩。例如在写实类的剧本表演中，布景色彩的设计就应该以现实生活素材为依据来合理地组成背景。如剧中如果要求有山和水的场景描述，那么舞台背景就应该使用青色的背景来表现；而在虚幻类的舞台表演中，就需要使用一些夸张的色调，如粉色的天空和黑色的群山等。只有采用合理的布景色彩，才能够使表演具有独特的神韵。除此之外，道具也是舞台布景设计中的一部分，其可分为随身道具、大道具和小道具三种。舞美设计者在使用这些道具时，应注意两个主要问题，一是要充分考虑到舞台的整体效果，将色彩巧妙融合于整体色调之内，而不是单一地突出某一件道具，导致舞台表演失去了整体的协调性和美感；二是要注意道具与布景之间的相互对比关系，通常深色布景下的道具应选择浅色类，而在浅色布景中则应该选择深色类的道具。如舞台布景如果以花色调为主，那么像衣柜、沙发等道具就要使用纯色。只有使背景和道具的运用与周围环境相协调一致，才不会给观众带来审美疲劳。
2、化妆设计色彩的运用。
化妆是塑造舞台人物艺术形象的重要手段之一，它要根据表演者所扮演角色的年龄、性格、性别等特点，来对人物进行装饰和美化。通过舞台化妆设计的妆容和造型，能够很好地突出表演者的独一性，使观众能够对角色进行准确地判断和分类，使表演者能充分发挥其最大的优势去给观众呈现其舞台表演的魅力，从而使其在艺术表演中获得个人潜力的升华。想要达到优秀的舞台表演效果，舞台化妆设计必不可少。由于舞台剧本不同，化妆手法也不同，因此所呈现出的效果也就会有所差异。通常舞台妆容都需要通过对各种工具的运用，并配合化妆设计的基本原则，采用合理的化妆技巧来对舞台表演者的五官及其他部位进行描画和大面积的渲染，从而使其妆容在配合舞台表演的同时能够强化表演的主题意象。化妆设计所使用的材料主要以色彩为主，所使用的色彩与图案不同，舞台人物所呈现出的特征也就不尽相同。如在戏剧舞台表演中，设计师就常常通过对人物脸谱色彩的刻画来突出不同人物的性格特征，如代表正直忠义的红脸关公和代表奸诈无常的白脸曹操等。作为一名合格的化妆师，理应正确地认识和把握色彩的使用程度，在设计舞台妆容和造型时，化妆师应充分利用色彩的错觉性来使演员的妆容达到完美的效果。例如在一些舞台剧的化妆设计中，化妆师通常会利用眼线和眼影的搭配效果来调整演员眼部的大小，或者通过面部的阴影描画来使演员的面部更加立体化等。舞台妆容不同于影视剧的妆容，在剧院中，观众席通常距离舞台有一定的距离，而为了突出演员的面部，化妆师就需要通过强烈的色彩对比来修饰演员的面容，以此来达到最佳的舞台效果。
3、服装色彩的运用。
对于舞台表演艺术来说，舞台服装就像是一块会动的颜色板，它需要被表演者穿在身上来展示出舞台剧的艺术魅力。好的舞台服装设计通常能使舞台的艺术审美得以充分展现，而一个好的舞台服装设计师，不仅要能够制作出适合舞台表演的服装，而且还要能使表演者在穿上这套服装时充分发挥出魅力，使台下观众感到身心愉悦。对于设计师来说，不同的服装色彩所表达出来的效果是不同的，为了使表演者的服装发挥出最大的效果，设计师们就应该合理地使用色彩这一重要舞台元素。色彩在服装设计中占有重要的地位，服装色彩的强弱能够很明显地表现出表演者所要表达的情绪和特质。例如红色代表自由奔放，蓝色代表包容温和、紫色代表神秘高贵等。合理搭配服装颜色，不仅能够激发出观众的情感，而且能够牢牢地吸引住观众的视线。色彩渲染了舞台的情感气氛，也创造出了各种类型的舞台角色，因此，在舞台的服装设计中，色彩的运用是非常重要的，设计师应该考虑到舞台剧本的内容和主题，并能通过不同的色彩表达来让观众明确区分不同人物的身份地位、生活习惯等基本资料。在运用色彩搭配服装时，设计师还应该注意色调与舞台布景的融洽性，不仅要均衡配色，而且要大胆地使用色彩创造线条给观众营造出强烈的视觉效果。如在舞台剧《智取威虎山》中，设计师就将暗色调和亮色调配合在一起使用，来表现主人公神勇的英雄形象，色调的合理搭配使演员在表演过程中富有了节奏感，也使服装和演员达到了一个贴合的效果。
4、灯光色彩的运用。
随着时代的进步和科技的快速发展，人们的审美需求也在不断的提高。在舞台表演艺术中，人们更希望欣赏到一些具有个性特色的灯光设计，在合理的灯光色彩运用下，观众的审美情感也能够获得一定程度的升华，所以，灯光色彩运用得好坏是舞美设计能否达到最佳艺术效果的重要标准。对于灯光师来说，灯光色调的强弱关系到了对舞台总体色彩的把握程度。柔和的光线可用来处理浪漫的舞台气氛，强烈的光线则可用来烘托紧张激烈的氛围。灯光色彩能够给人以美的享受，可赋予表演者极大的表现力，也给观众带来了好的心理体验。当前，灯光色彩的运用已经逐渐成为了舞台演出的常用技巧之一，色彩需要灯光的照亮，灯光也需要色彩的烘托，只有二者相互配合才能使舞台表演达到完美效果。对于色彩来说，邻近色彩的相似性容易影响到舞台表演，因为色调相近的色彩往往容易杂糅到一起，从而使表达目的变得模糊，界限变得不清晰。因此灯光师在设计灯光色彩时，不仅要注意色调的搭配，也要注意色调的变化，不同的灯光色彩能反映出不同时代的背景。例如一幕舞台剧中若需要体现新时代，就会大量使用类似于红色这种热烈奔放的颜色；而要演绎旧时代，通常就会使用青色这一类的暗色调来表现。除此之外，不同的灯光色彩也能够表现出不同的季节，如绿色代表着春天，黄色象征着秋天等。在现如今的舞台表演艺术中，已经有越来越多的灯光师喜欢用各种灯光色彩来体现和表达剧中人物的情感变化，所以，灯光色彩在舞美设计中的作用已经不可或缺，其强大的表现力，也使得舞台美术设计理念得到了更好地表达。
三、结语。
对于舞台美术设计来说，色彩运用的重要性不言自喻。其不仅能够在舞台上给观众提供一个直白的视觉感受，同时也赋予了舞台浓重的艺术特色，使舞台美术设计具有了丰富的艺术美感。色彩在渲染舞台气氛和突出表现人物形象时，通常能够起到推波助澜的巨大作用，因此，只有正确、合理地运用了色彩，才能使舞台的艺术设计达到最佳效果，给观众带来不同的审美感受。
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最新电影艺术论文（实用21篇）篇十六
摘要：研究动画艺术创作对萨满文化传承的重要意义，从作品入手，在研究萨满文化的起源和内涵的基础上，深入挖掘萨满文化的特点和精髓所在，把理论应用于实践，创作具有萨满文化内涵的动画原创作品，利用动画这种特殊的表现手段，研究和推广萨满文化，从根本上做到对萨满文化的延续和传承。
随着科技的发展和观众欣赏水平的日益提高，人们对于动画片的要求也日驱增高，目光不仅仅停留在影视作品的观赏性上，更追求于影片的文化内涵，所以各国的艺术家们，都开始立志于寻找既能提高作品的文化内涵，增加影片的娱乐性，且又能最大化增加影片的经济价值的方法。艺术家们发现，把民族文化融入到艺术创造中，不仅仅能够很好的宣传本国的传统文化，使作品有一定的文化背景，同时，又有坚实的观众群，降低了作品的推广难度，增加了其经济价值。如今，民族文化俨然成为了各国推广自己的名片，也成为了各种艺术表现的代名词，所有的文化产业都想以民族文华为基础宣传和推广自身品牌。影视作品中，萨满文化作为民族文化的一部分，对于艺术创作的影响是巨大的。把萨满文华融入到动画作品中也成为动画行业中重要课题。
一、萨满文化艺术的历史起源。
原始萨满文化艺术，是远古的先人们与大自然博弈时创作和积累下来的经验，更可以说是一种生存的智慧，是人类和自然共同生存和进步过程中的一种总结性的文化，是远古先民们特有的美感和灵性的文化遗留。在远古时代，先人们对于自然和宇宙的认知较少，对于自然灾害的抵御能力也较低，所以人们容易把把自己的个人意愿与信仰结合，认为生老病死和欲望的满足都依靠于神的旨意。在漫长的历史时期，人们信仰古老的文化宗教——萨满教。萨满被人们认为是北方民族的精神信仰，坚信他能将人的愿望与意志相互传达。人们借此来表达内心的愿望和期许，是一种精神上和感情上的寄托。
二、萨满文化的内涵。
1、萨满文化是原始文化和北方民间文化的共同产物原始先民们对于自然和宇宙所表现出来的敬畏之心，从而不断的探索和发现，形成了萨满教特有的文化观。从史学的角度看，萨满的一些唱词、神话记载了大量的民族起源、风土人情、文化交流的信息，在萨满祭祀过程中，音乐、舞蹈贯穿始终，用北方民间的音乐和舞蹈，通过自己的表达方式，表现对于神的敬畏之心和记录文化信息。2、萨满的观念传承北方民族精神之魂萨满强调集体意识，在过去时代北方民族的灵魂所在。那个时期大家都讲究集体意识至上、个人服从集体，弘扬了集体精神和顽强的生存意识。满族的先世女真族，建立渤海地方政权、建立金，最后建立了清代统一政权。是萨满集体意识的集中体现，所以我们说，萨满的观念是传承北方民族的精神之魂。3、萨满是人们崇拜大自然的一种集中体现北方人民在不断探索和发现大自然神奇奥秘的同时，把自己对大自然的喜爱和尊敬之情寄托在萨满文化中，把自然视做生命的起源，是人与物赖以生存的母亲。自然给予了他们光和热，给予了他们生活所必须的食物，他们对于自然的感情是向上的，故而萨满是一种正面且积极的文化体现。
三、原创动画短片《萨满鼓》中萨满文化人与自然的和谐共存。
萨满文化博大精深，但是其中的对大自然的崇拜和希望与大自然和谐共存的理念是萨满文化的主要精神支柱，是先人们对于自然的敬畏之心，是不断探索大自然以后，经验的总结，是人类智慧的升华。
(一)崇拜和敬畏大自然是萨满文化的核心。
人类作为大自然最优秀的产物，在不断的探索和发现中，人们认为，人类可以和大自然和谐共处，相互依赖且相互并存，以萨满文化中的崇敬自然的朴实的崇拜观念为基准，创作作品《萨满鼓》，作品中萨满神化身变作鹰、鹿、熊、鹿、鱼五位神灵，在人们遇到灾难时，为人们祛除灾祸，成为了人与自然的保护神。随着时间的推移，对于神的崇拜深入人心，更加依赖人们信仰的神明，是人类美好愿望的实现者。
(二)体现人们期望远离灾难，向往和平的美好愿望。
黑暗笼罩着大地，人们彷徨失措，此时，闪电闪过，飞鹰破空而出，萨满神降临，鼓声震天，萨满神伴随鼓声舞动，世界变得明亮而又温暖，人们开始高呼，一起舞动身体，之后萨满又化作一只雄鹰、野狼、雄鹿与海鱼后，拯救了自然灾难中的人类。驱赶灾难，是和平的象征，给人们带来安定。
(三)作品体现萨满的核心文化观念。
萨满艺术充满了无穷的神秘性，受萨满世界观的主宰，其中的动物和植物，是人类与自然沟通的使者，作品《萨满鼓》很好的诠释了萨满的世界观。
1、敬畏自然的力量作品《萨满鼓》源于旧石器时代，无可预测的自然环境，危险时刻发生，但是那时的人类生活和生产基本上都依赖于大自然，自然的馈赠人们无可替代，自然的灾害又不能避免。所以人们崇拜于自然的博大的同时，也更加敬畏它。当人们遭遇灾难时，会因为恐惧而变得手足无措，从而需要精神崇拜来支撑信念，萨满鹰神的出现，给予了人们想要的，赖以生存的能量，他舞动太平鼓，给人们带来了希望，人们有了这样的信念支撑，对于自然的崇拜，才能更好的和自然相互依存。
2、图腾崇拜图腾崇拜是原始人类在捕猎的情况下，见识了动物或者植物的能力，崇拜于动物或者植物的神奇力量，希望与它们一样，充满力量，无所畏惧，人们开始把这些动物或者植物看成自己精神的寄托，寻找能够代表本民族的图腾象征，希望自己可以与图腾上的动植物一样，变得勇猛无畏。萨满被看做是人类信息的传达者，是与神明传达自己愿望的使臣。鹰有高超的飞行技巧，拥有令人敬畏的外形和强悍的捕猎手段，所以萨满被称为鹰的化身，可以完成人与神沟通的重大使命。作品《萨满鼓》的故事背景来自于满族创世神话《天宫大战》，是阿布卡赫赫命令神鹰从天空飞来，用翅膀上的羽毛给人类带来的光和热，带来了生存的希望，最后鹰是萨满的第一护卫神。在萨满教中把鹰看做是火、光明、生命的象征，因此，满族有崇拜鹰的传统，并且把鹰作为民族的图腾文化加以崇拜。至今在满族萨满隆重的祭祀中，依然有鹰、熊、鹿等醒目的民族图腾作品，他们被人类看做是人类的信仰，是人类崇拜的具象的图腾文化，具有特殊的文化涵义。
四、运用动画这样的特殊表现形式促进萨满文化的传承。
(一)萨满为代表的传统民族文化融入动画艺术创作中。
萨满教是一种融合了戏剧、音乐、诗歌和寓言的神圣综合艺术。萨满文化中包含了品种繁多的萨满舞蹈和感染力极强的萨满音乐。在萨满祭司活动中，萨满舞蹈和音乐的结合，气势恢宏，有很好的渲染效果。通过动画的艺术形式表现萨满文化，是对萨满文化新的诠释，是传统文化与现代文化完美结合的产物，动画的表现形式多样，且不受环境和制作的限制，能够更为玄幻的诠释萨满神明的意境。
(二)通过动画特殊的表现手法，创作富有萨满文化的原创动画作品。
萨满教神话故事是人类社会初期阶段意识形态的产物，其中最为著名的创世神话《天宫大战》、《尼山萨满》等。这一类创世神话故事向我们展示了在宇宙中，是如何创造天地，创造人类的。讲述了宇宙开始，善与恶，真与假，生与死，明与暗的交叠。《天宫大战》中宏大雄阔的气势，天真质朴的想象，鲜活生动的语言，优美动人的情节，拥有着自己独特的艺术魅力。随着社会文明意识的提高，又有一系列的优秀作品出现，例如：《红罗女》、《两世罕王传》、《金兀术传》等。萨满的寓意明确，且具有很强的文化指向性，内容深邃，在萨满文化中有很多奇幻的寓言故事，可以把这些神话故事利用动画这种富有张力富有表现力的艺术手段表现出来，创造一系列富有萨满文化的原创动画作品。
五、结论。
萨满文化最为我国的一项传统的民族文化，在我国北方有着深厚的群众基础，是推动人类发展进步的信念支撑，是北方民族信仰的开始，是先人们对于自然和宇宙的不断探索的精神和智慧的结晶，是我们北方民族文化的重要组成部分。由此可见，萨满文化是一个民族的文化核心，其中音乐和舞蹈的表现形式，可以很好的融入到动画创作中，且动画的表现形式多样，制作的过程中受限的部分较少，利用动画的这一特性，将萨满文化和动画创作相结合，能够创作出不一样的艺术效果，是动画创作和民族文化相结合的全新尝试。
参考文献：
[1]王宏刚.于晓飞.《北方萨满文化》.四川文艺出版社，2007.3.161页.
[2]景超.萨满信仰的文化学诠释.满族研究.2007.32页.
最新电影艺术论文（实用21篇）篇十七
通过水袖的教学，使学生扩展肢体的表现力，通过表演者的肢体实现不同力量、幅度的转换，挥运水袖展示无限的形态美。
锻炼学生身体内外各部分间的协调和配合的完美性。
让学生在学习中接受人文精神和意蕴的熏染，在挥运中展现自我，放飞梦想。
谈起水袖大家并不感到陌生，相传关于水袖的舞蹈源于汉而盛于唐秩于宋元，而后水袖成为中国戏曲艺术中一种特技，在传承两千余年的今天，水袖是中国古典舞中重要的表现形式，它的运用继承和借鉴了戏曲中独特的形态、鲜明风格的表现。
随着水袖自身的发展，其表现形式也逐渐脱离了戏曲表演的程式，更加注意水袖的舞动性。
在舞蹈语言中，水袖是舞者抒情达意的重要媒材，而今中国古典舞中水袖的运用在某种程度上已然凝结为中国古典舞的一个标志，使观者望而即知此舞为何。
所以，水袖的运用是舞蹈表现中一项重要的手段，对于教学而言也是一门重要的训练课题。
“翩若惊鸿，宛若蛟龙……仿佛兮若轻云之蔽月，飘摇兮若流风之回雪……”《洛神赋》中将飘逸清美的水袖特征一语点破。
这是水袖独具的艺术语言，就传承和发展这一部分而论，两个重要的要素不得不提——即肢体力和表现力。
肢体力是水袖挥运的作用力，挥运的形态美是独特的表现力，此两者相辅相成、相生相容，通过肢体力的运用才能施展水袖独特的表现力。
若水袖仅仅被局限于一种程式而言，这样舞蹈语言表现出来的节律美反而流于形式，丧失自然而然的韵致。
在对于肢体力的训练和表现力二者的关系而言，我认为，两者间相互承载密不可分，水袖语言性成于肢体之力而流露于表现力，艺术语言承载着肢体形态和思想情感。
就水袖的教学而言，京剧大家王瑶卿讲形体表现有三大要素：表情看眼睛、动作看水袖、身段看脚步。
由此可知水袖基本功是衡量表演者功夫深浅和艺术修养的一个重要方面。
虽说王瑶卿先生提出的观点是针对戏曲表演而言的，但舞蹈表演亦同样受用。
学校舞蹈基本功是培养艺术表演素养的重要途径，教师在教学中传授水袖的基本功能对学生日后成长具有十分重要的作用。
为此，在水袖教学中系统的教学方法能达到事半功倍的效果。
关于教学中肢体力的训练可以分为以下几点：
一、协调“三节”是外部力的转换。
所谓“三节”即是肢体关节的“起、承、转、合”的关系。
若以人体为喻，则头部为稍节，腰腹部为中节，脚足为根节;以臂膀为力，则掌指是稍，肘节为中，臂膀为根;下肢则以脚足为稍，膝关节为中，胯为根。
训练稍、中、根节三者协调是形体动作的根本。
“三节”的规律表现为稍节起、中节承、根节合。
重点训练中要求头、腰、脚三段力量均衡，其次是脚、膝、胯的协调统一。
再次是腕、肘、肩的承接。
教学中要掌握各个部分的主次、力量强弱、幅度大小等关系。
是通过以局部练习为“点”，各个点熟练协调成“线”继而成“面”。
水袖的教学方法是“由点扩面”、由简到繁的循序渐进。
二、“六合”是挥运的关键。
“六合”以内外“三合”为分，内“三合”指：心意合、意气合、神气合;外“三合”则是手脚合、肘膝合、肩胯合。
心、意、神、气的协调和交融是水袖的蕴涵，手、脚、肘、膝、肩、胯诸部的协调是展示水袖“长袖善舞”的韵美。
“六合”是相辅相成的整体，内外完美的协调是水袖自由挥运的关键所在。
三、律动是挥运的技巧“欲左先右、欲上先下、欲开先合”是诀窍，水袖挥运以律动来体现，律动体现为“相反而相成、相克而相生”。
“反衬劲”是修长水袖的用力点，逆向取势可以产生千态万状的动态美。
四、“字”是基本形态。
所谓“字”形态是水袖练习的基本动作形态，单一的“字”是掌握水袖的入门基础。
熟练掌握可以进行发展变化，不同角度、不同组合的训练可以达到千变万化的形态美。
总之，万变不离其宗，单一的“字”形态是丰富姿态的母体。
形态练习仍然体现了由简到繁、循序渐进的教学特点。
五、水袖的其它技法。
水袖除了掌握上述所论的基本要点外，还有撑、冲、扬、抖、挑、勾、拨、掸、甩等具体技法。
它们都是多种基本要点之间的相互协调、配合而产生的丰富性。
出袖、收袖、扬袖、绕袖、搭袖、撇花等技巧都要在教学中有所体现。
六、挥运的内涵。
个性是艺术的独特魅力，学生在训练水袖的灵秀、圆畅、飘逸、洒脱等方面感染性灵。
启发学生从性格情绪等特殊性中发现自己，喜、怒、哀、乐是水袖表达内心的重要语言。
教学训练中，重点强调“情”带“动”，产生“纤腰弄明月，长袖舞春风。”
通过上述的方法进行具体教学，能使学生全面的了解水袖的艺术语言。
教学训练让学生掌握水袖的技巧，利用水袖的基本功训练全面提升学生身体内外的艺术修养。
为学生进一步学习其他舞蹈打下扎实的基础。
闽剧早期经典剧目渊源流变简论【2】。
闽剧又称福州戏，起源于明末，诞生于古闽县、候官县，在福州十邑及宁德、三明、南平等部分县市流行，是福建五大地方戏曲剧种之一。
到如今已走过了四百多年的历程，一大批优秀的闽剧作家，改编传统剧目，编写新戏，使这个古老的剧种依然充满了生机。
下面试选取历史最为悠久的三部经典传统剧目，探寻渊源，考证流变，梳理其在现当代的重要改编本及演出情况，并加以点评，以小见大，展现古老的闽剧在新时期的传承与发展概况。
一、紫玉钗。
闽剧中流传最久最广的古典剧目之一。
作者相传是清代乾嘉年间一位翰林，但姓名难考。
而经《闽剧志》编辑部考证，疑为明末福州名士曹学佺所作。
故事取材于唐代蒋防所作传奇小说《霍小玉传》，继承了它的悲剧精神，延续了痴心女子负心汉的模式，以悲剧结局。
主要剧情为李益客居长安，与霍王庶女霍小玉相恋，结为夫妻。
后李益回乡探亲，另娶望族之女卢氏。
霍小玉相思成疾，耗尽积蓄，无奈遣婢浣纱典当定情之物紫玉钗。
义士黄衫客知悉，义劫李益至霍宅，霍小玉业已病笃，见李哭诉其负心后气绝身亡。
该剧批判了李益的负义，对无辜被弃的痴情女霍小玉以深切同情。
全剧情节人物都极其精简，主题突出，以唱为主，在唱词中叙事抒情，重点渲染了女主人公霍小玉在李益负心后的哀伤悲苦，曲词华雅，哀婉动人。
其“曲文乐谱，在闽剧中均居最上乘”“其乐调渊穆淡远，曲词悱恻缠绵，较乱弹实有过之无不及”。
邹有年有首题为《过石仓观剧》的诗，记载了该剧演出时情景：“声色传诗篇，具有风人旨，神明约昭旷，吐辞斯远鄙……作使皆名娟，携来亦佳伎，情爱苟适场，何悔鸡与雉。
”足见《紫》剧之优美。
从闽剧音乐上看，它包括了全部基本的逗腔曲调，是逗腔音乐的典型作品，“凡童伶初习儒林，都拿《紫玉钗》一剧开蒙”“学习闽剧的人无不把它奉为圭桌，作为必学的课本”。
清光绪二年(1876年)前后，儒林班首演此剧，之后平讲班相继开锣。
传本有两种，一是黄衫客先出场的福州集成堂本(1876年)和福州九庆堂本(1904年);一是洗纱先出场的折子戏。
最早为张晚青订正的龚礼逸《紫玉钗》参校本(1932年)。
后有陈鹤章的修订本(1944年)，及胡孟玺的.校订本(1949年)。
此外还有评话本《紫玉钗》流传。
嗣后，林步瀛参照福州评话本及折子戏唱词改编的全本戏(1926年)，由闽班旧赛乐演出。
1952年，福建省闽剧代表队按折戏排练，赴北京参加全国首届戏曲汇演，并为大会作展览演出。
1957年，剧作家陈启肃据明代汤显祖传奇《紫钗记》和闽剧传统剧目《紫玉钗》福州九庆堂本，重新改写成十二场全本大戏。
开头列表交代时间、地点和人物。
将痴心女子负心汉的模式改为才子佳人相爱的模式，男主人公李益由负心变为坚贞，但仍保留了悲剧性结局。
悲剧主因由李益的负心，变为卢太尉玩弄权势，强拆散李霍，主题也因此改为批判强权邪恶势力。
主要剧情变为唐高门才士李益，与寒门霍小玉相爱喜结良缘。
新婚之夜，官差报喜，李益得中状元，小玉担忧李益出外做官夫妻分别。
因此，李益为谋留京任职，请卢太尉帮忙，未料到卢太尉却看中李，欲招其为婿。
李婉拒后，卢太尉于是怀恨在心，公报私仇，计拆霍李，令李入赘卢府。
黄衫客侠义相助，李霍才得以相见并消除误会。
卢太尉遣人追至霍家并胁迫李回卢府，混乱之中久病的霍小玉悲愤吐血，香消玉殒，最终悲剧收场。
改编本1959年由福建省戏曲巡回团闽剧代表队排演，并赴京参加建国十周年献礼演出。
二、间祭。
闽剧传统剧目。
作者清咸丰生员邱庆禧。
根据郑丽生《明清两代福建戏曲作者考略》一文考证，此剧约作于光绪十二、十三年间(1886—1887)。
咸丰、同治年间的文儒班，演唱以《紫玉钗》为首的逗腔曲本，但唱词过于典奥，不够通晓，难以得到广大普通市民广泛接受。
针对此弊端，光绪初年，后起的达云霄、驾云天等12班剧组，改进唱腔，注重曲本的通俗化，《墦间祭》因此应运而生。
邱庆禧根据《孟子·离娄》里的一章“齐人有一妻一妾”编为戏剧，杂进“华周、杞梁之妻，善哭其夫而变国俗”一节，主要讲述齐人好逸恶劳，却常向妻妾夸耀他每日在富贵人家饮宴酣醉。
其妻怀疑，一日便跟尾随其至东郭墦间，见齐人向祭墓人华周妻、杞梁妻甚至向守墓的墓客乞食，愿为孙子，恬不知耻，丑态百出。
而齐人回家依然厚颜夸说，其妻羞怒万分，当面痛陈齐人丑相，劝诫其夫，令齐人幡然悔悟，誓言改过自新。
结局虽然有些仓促，流于俗套，但全剧不长，剧情集中紧凑，曲调以飏歌为主，唱词道白，多为福州方言，颇多警句。
剧中华夫人与婢女春香的八段盘关调唱词则雅俗共赏，清新明快，平仄和谐。
光绪十三年(1887年)在福州演出时，即深受欢迎，观众屡看不厌，历久不衰，成为民国间闽剧、清唱的传统剧目。
民国初长乐“汾溪鞠社”诗人刘仲珊、施子衡两位听曲行家观后赋诗称赞：“不向孟尝门下游，吹箫也自算名流。
须知暮夜潜踪者，狗盗鸡鸣更可羞”(刘仲珊);“富贵黄粱总一丘，眼前白骨昔王侯。
九泉涓滴容分惠，醉饱何须妻妾谋”(施子衡)。
福州著名文史学者、民俗专家、诗人郑丽生先生将《墦间祭》与《紫玉钗》并举，赞誉有加，称为“窗下”剧本力作。
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最新电影艺术论文（实用21篇）篇十八
论文摘要：在商业价值和大众文化潮流的双重动力的驱动下，涂鸦艺术在当代服饰设计领域可谓独领风骚。
涂鸦艺术作为一种街头文化，影响了当代服饰设计的潮流文化，并启迪着当代服饰设计的灵感。
本论题首先从涂鸦艺术的起源与发展入手，对涂鸦艺术进行历史的客观的评述，来寻求其艺术性与服装实用性结合的理论基础和文化心理需求。
其次研究最为一种文化的涂鸦艺术对于服装行业所产生的影响，再次结合大量图片从涂鸦与服饰色彩、服饰材料、服装款式的搭配等方面说明了涂鸦艺术在当代服饰设计中的应用，证实了两者结合后所产生的时尚性，能够对于流行更新，时尚变换起到推波助澜的作用。
第四通过知名的涂鸦品牌服装的案例分析凸显涂鸦艺术进入当代服饰设计领域后所产生的巨大魅力和商业价值。
另外，这篇论文，对于服饰设计的创新有一定的启示作用，能够启发设计师去寻找古老的艺术与现代艺术设计新的结合点，发现更多新的“古为今用”的艺术形式。
论文关键词：涂鸦艺术服饰设计应用品牌。
1.绪论。
1.1前言。
1.2涂鸦艺术在国外的发展。
1.3涂鸦艺术在国内的发展。
2........
2.1涂鸦艺术对服饰设计的影响。
2.2涂鸦艺术对服饰商业的影响。
3.........................
3.1涂鸦与服饰色彩的搭配。
3.2涂鸦与服饰材料的搭配。
3.2.1..................
3.2.2涂鸦在服装面料拼贴手法上的运用。
3.2.3涂鸦与装饰金属辅料的搭配。
3.3涂鸦与服装款式的搭配。
3.3.1服饰设计中的涂鸦图案分析。
3.3.2.................
3.3.3涂鸦与服装系列的搭配。
4.涂鸦艺术与现代服饰设计结合。
4.1涂鸦艺术在服饰设计大师作品中的运用。
4.2.......................
5.结论。
参考文献。
致谢。
相关阅读。
艺术教育与校园育人的融合。
艺术教育就是“美”的教育，在学校教学活动中通过艺术教育去影响学生的.思想和心理，培养学生敏锐的感知力、丰富的想象力、直觉的洞察力和创造力，培养学生发现美，感受美，创造美的能力。
柏拉图认为“艺术应成为教育的基础”;美国于20世纪90年代将“艺术”规定为中学生的必修科目，认为一个不懂艺术的人算不上是一个“完人”，本文探讨的就是艺术教育如何与校园育人融合。
一、艺术教育渗透课堂教学。
在实际课堂教学中，寓教于美，以美衬教，做到美育与智育的有机结合。
(一)视觉冲击，感官配合。
采用声像直观教具创设情景，实施直观教学手段，英语课上，在讲授koala、elephant、tiger、giraffe等这些不常见实物时，可以通过多媒体播放卡通形象或利用简笔画，化抽象为具体，所见即所得。
利用幻灯片、电子白板为学生创设出一种悦耳、悦心的英语学习情境，使学生怀着轻松愉快的心情，积极运用各种感官参与学习活动，在提升学生艺术修养的同时，调动学生的学习积极性。
(二)身临其境，切身体会。
从而提升学生的学习兴趣，培养学生的发散思维，让学生做到“登山则情满于山，观海则情满于海”，懂得如何欣赏美，融美于心灵。
(三)感人之心，莫先乎情。
仁爱之情，最是动人心田;语言之美，最能治愈乏味。
数学课上，教师以饱满的情绪，生动的语言触动学生的灵魂，在教学《钟表的认识》一课时，教师可以把儿歌“因为时针不爱动，所以长得粗又短;分针比较爱锻炼，长得细又长;秒针平时最爱动，所以长得最苗条。
”配上《小星星》的旋律，师生一起随着音乐互动，数学与艺术结合，教师以精致的语言，深入学生的心灵，化解数学的枯燥，达到“润物细无声”的教学效果。
二、艺术教育伴健康成长同行。
健康的体魄与艺术教育的关系是十分密切的，把艺术教育与学生体质训练相互渗透，让学生在锻炼中体味生活之美，在美中享受成长的乐趣。
(一)身心愉悦，自由成长。
身体是革命的本钱，而艺术带来的愉悦会使人心情舒畅，机体协调，提升有益于健康的情绪感知，从而增强体质、体能，提高健康水平。
体育课或者课外运动结合艺术的特点，可以化枯燥为乐趣，例如团体操的练习、花样跳绳等就可以让学生在运动中体验到艺术的乐趣。
(二)践行美育，美体结合。
将体育与艺术教育有机地结合起来，不但可以锻炼出学生健壮的体魄，而且还可以培养学生持之以恒的耐力，开阔他们的心胸，促进正确审美观念的养成。
三、艺术教育与德育相互交融。
美育和德育都是教育全面发展的重要组成部分，是相互交融而不是非此即彼。
(一)以善为美，以美树人。
可以培养和塑造学生健康、和谐、自信的人格，改善学生生活态度与生活习性，形成积极健康的生活观。
悲观的人经常听一些欢快歌曲，读一些艰苦奋斗终有所成的事例，就能逐步克服甚至消除他们个性中的怯弱悲观成分，变得开朗活泼起来。
(二)以美图德，以德传美。
美育的最终目的是道德的充实和新人的发展。
把德育寓于美育之中，心美引善，使学生在效仿榜样中实现道德教育，成为内外兼美的人。
由此可见，励志的读书演讲活动，课间积极向上的乐曲，都在潜移默化地用美引导学生走向积极和阳光。
早在1986年，国家教委就曾提出“没有美育的教育是不完全的教育”。
而在全面实施素质教育的今天，最能打动学生心灵的，无疑还是艺术。
把艺术教育融入到教育教学活动中来，以艺术促学习，以艺术强体魄，以艺术铸灵魂，必定会让教育成为苍穹之下最阳光的事业!
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最新电影艺术论文（实用21篇）篇十九
摘要：互动艺术是观众参与作品的一种艺术形式，以现代科学技术为支撑，结合艺术化的表现形式，呈现出多样化的互动艺术作品。互动艺术并不是简单的艺术与技术的叠加，而是更好的利用技术传达作品的理念，让观赏者从被动的欣赏作品到主动参与作品，体会作品。本文从分析互动艺术的特征出发，探究互动艺术的变化发展及如今互动艺术的发展现状和趋势，审视互动艺术特有的艺术魅力。
关键词：互动艺术；技术；交互。
1、认识互动艺术。
（1）什么是互动艺术。互动艺术是让观赏者亲身体验参与的艺术作品，是传感技术，电子艺术和互联网艺术相结合的多元化艺术。在互动艺术作品中，“互动”即为创作者、观赏者及作品中事物的互动。互动艺术的表现形式受到观赏者的影响，甚至观众也能成为作品的其中一个部分。互动艺术作品可通过感应器让参与者的行为动作使作品做出相应的回应。通过这种形式参与者便有了选择的权利，同时与作品有了对话交流的过程。
（2）互动艺术的特征。互动艺术的表现形式是多种多样的，它是创作者的创意及理念与现代科学技术相结合的产物。互动艺术最鲜明的特征就是交互性，强调观赏者与艺术作品相互沟通，共同参与。互动艺术最大的特征就是艺术与技术的结合，互动艺术以多媒体技术、电子技术、信息技术等现代科学技术为支撑，让观赏者通过走动、触摸、动作、发声等方式亲身参与到互动艺术作品中，不仅能够使观赏者更深刻的理解作品和创作者意图，而且能引起更多人的关注。
2、互动艺术的发展历程。
（1）思想转变推动互动艺术发展。从六十年代开始，人们不在满足于传统的艺术作品传递的精神交流表现形式，而是开始寻找一种艺术作品与观赏者能够更为活跃的联系，想要改变传统艺术主体与对象之间单向线性的传播方式，形成双向带有交互性质的整合传播艺术表现形式。早在1957年马赛尔·杜尚在他的书中就写到“一个创作活动不是由所有艺术家单独来完成的，因为观众会建立一种对于作品和外部世界在辨认上和他的鉴定解释上的联系，通过进一步增加他自身的想法继续促成创作活动”，“这是观众来创作的作品”。特别是1962年在于拜多·依考的著作中提出了“开放式的作品”这一观念，一种观众参与的意识逐渐开始苏醒。创作者开始希望作品离开展厅、画廊，同时也出现了能让更多的人接触到的街头艺术，并且以集体创作、共同参与的方式创作了大量的作品，是更多的观赏者逐步的参与到艺术作品中。并且，在六十年代初产生的激浪艺术阐释了另一种艺术思想，倡导抛弃传统的艺术观念，确认了互动媒介的重要存在，确认了观众和表演者的娱乐性而取代高雅的现代艺术的严肃性和神圣性，确认了日常生活中简单的和习惯性的事情和行为与艺术的内在联系。在同一时期出现的行为艺术也推动了交互艺术的发展，此时的艺术家以自己的身体为基本材料的行为过程中，通过艺术家的自身身体的体验来达到一种人与物、环境的交流，同时经由这种交流传达出一些精神内涵，营造出观者与艺术家的精神共鸣，他们讲求一种身体与精神之间的存在关系。这些新兴的观念与艺术形式与互动艺术都有着千丝万缕的联系。
（2）技术发展开拓互动艺术空间。从六十年代起，艺术家的创作引进了计算机工具，利用计算机技术所呈现的效果为艺术家创作增加了新的灵感，为艺术的设计创作打开了一种新的空间。艺术家利用计算机程序代替传统工具进行艺术创作，不断地探索技术所能为艺术创作带来的无限可能。艺术作品中运用静态与动态图像的结合，文字与声效配合等多种元素，运用装置或网络等多种方式来表现、发展、保存。九十年代后，随着新媒介、新材料的开拓和其他数字技术的发展，互动艺术逐渐被推到大众面前。数字技术的不断发展使互动艺术作品的形式更加多样化，观赏者参与互动的方式种类也越来越多。目前，互动艺术作品运用的主要技术是图像、声音处理的相关技术以及捕捉人体动作及相关信息的传感技术。互动艺术一直不断的运用各种新兴技术探索创新观赏者与作品之间的交流互动，使观赏者不断走入作品，从观赏者与作品的被动互动，到让观赏者按照自己的意愿选择某种途径探索作品的主动互动，最后使观赏者自己可以随意控制所加信息的适应互动，成为作品的参与者来完成与艺术作品的互动。正如比尔·维奥拉所说“技术构成了任一艺术性活动的一把钥匙。这同时是一种方法和一个障碍用以表达我们的创作想法。这种压力是完全地对任一件艺术作品至关重要的。”
3互动艺术的应用与展望。
互动艺术是借鉴了艺术和运用技术方法结合实践的综合体，同时体现了艺术蕴含的美和技术创造的美。但互动艺术并不是简单的艺术与技术的叠加，而是更好的利用技术传达作品的理念，让观赏者从被动的欣赏作品和虚无的精神享受到主动参与作品和身临其境的体会作品，借助高科技、新媒介、音乐等各种元素，既发挥了结合了艺术的优势，又创作出新的艺术表现形式。对于互动艺术的观赏与理解是视觉、听觉、触觉全方位的理解体验，这种更加直接的切身体验存在与人机互动之中，从而使人们在观赏交互艺术作品时获得更深刻、更强烈的互动体验，产生更加强烈的兴趣。如柏林艺术家sweza利用二维码做了一个街头卡带录音机项目。将手机扫过海报上收音机的二维码后，用户可以把自己的智能手机变成卡带机的一盒磁带，从一张录音机海报上演奏出音乐来。如今，更多的艺术家们现在开始利用最新科技让他们的作品变得更加互动，与周围的人和环境产生更多的联系。这些新的互动作品制造出更为复杂的互动关系，很多互动艺术存在于街道及人群聚集的地方，而正因如此，作品显得更加真实。如eyebeam涂鸦实验室（graffitiresearchlab）的作品，创作者利用数字投影与大楼互动，作品利用点绘画系统，通过亮起的窗户生成画作，观众可以在街道上观看作画的过程。又如来自lummo的作品lummoblocks将“俄罗斯方块”投影在公共广场的巨型屏幕上，玩家可以通过在广场上的走动来移动和翻转方块，路过的人们看到方块高垒起来，大概也会十分想要参与这项游戏吧。也有许多创作者让文件分享来到了街头，你可以在任何地方发现usb的存在，任何公共场所的洞和缝隙都成为交换文件的地方——mp3，你没写完的小说，艺术作品等，每个人都可以下载你留下来的东西。而这一切正是互动艺术作品内涵的高科技所实现的，是互动艺术与传统艺术表现上的最大区别，也正是互动艺术所特有的吸引力。然而互动艺术的美感并不是简单的靠技术来支撑，互动艺术作品是触及人们心灵的，延伸到参与者的意识与思想，互动艺术的美是涉及思想深处的，有不可预测的影响力，给人新的思考。互动艺术作品以装置硬件为基础，结合相应的技术所达到的特有的交互效果，使其在很多领域都有较为广泛的应用。如在各类展览中的应用、虚拟现实中的应用以及人工智能和网络传播等等。
随着科学技术的高速发展，互联网应用的不断更新必然会对互动艺术产生巨大的影响，互动艺术作品的创作也有了新的高度，呈现出更多的表现形式和交互功能，为艺术家的创作开阔了视野，同时也带来挑战。这就需要设计者运用其独特的设计思维和创作理念进行创作设计，相信更多的互动艺术作品能够在更多的领域得到应用。
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[6]周娉.互动装置的体验设计研究[d].武汉理工大学.2008.
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最新电影艺术论文（实用21篇）篇二十
随着社会经济的迅速发展，人才作为一种可以增值的资源，在推动社会发展、提高生产力上起着至关重要的作用。从领导者角度出发，如何用好人、用对人，充分调动人才的工作积极性，则是领导者日常工作中必须考虑的问题之一。作为领导艺术中的一种，领导用人艺术是其选拔人才、使用人才的主要依据，同时也是做事成败的核心所在。换而言之，讲究用人艺术，能用人、会用人的领导者，才会胸襟开阔、不拘小节，以国家为重、人民利益为重，不计较个人得失，才会以包容之心，吸引广大贤能，才会真正重视和关心人才。
一.选“才”依据。
面对知识经济时代的迅速发展，人才与用人单位之间呈现出供大于求的局面，对此，如何选出“出类拔萃”的人才，主要取决于领导的选“才”依据，具体分析如下：
（一）爱才之心。
作为一名党员干部，在用人过程中，其根本前提在于具备一颗爱才之心，能够将党的事业与民族的千秋大业相联系，只有这样才能在用人中做到公正廉明、礼贤下士，吸引更多的人才为己所用。
（二）要知人善任。
作为领导用人艺术的最高境界，知人善任不仅关系着人才工作积极性的调动，同时还关系着下一步工作的顺利开展。领导者在“善任”前，首先要“知人”，即了解自己的部下、关心自己的部下，对他们的特长及工作能力做出科学、准确的评估，同时结合着岗位需求，对其进行合理安排，以此来达到事半功倍的效果。
（三）要有容才之量。
领导在选拨人才的过程中，应须知用才不易、容才更难的道理。任何一个人才都有自己的优缺点，优缺点的突出是成正比的。作为一名领导者，在用人时除了站在各个角度接纳不同的人才外，还要对不同性格的人才采取与之相符的领导方法，这就要求领导者要有海纳百川的胸怀，有求才若渴的意识，善于营造一种才尽其用、宽松和谐的环境，一种干事成事的氛围，团结一致，共同前进。
（四）要注重育人。
领导者要注重培养、教育现有的人才和潜在的人才。通过授权、增加工作难度、设定较高目标，给下属提供一个锻炼、施展才华的机会，可以增进下属的才干，有利于培养干部；通过重用年轻人，在他们身上适当压担子，使他们在实践中得到锻炼，早日脱颖而出。
（五）有效激励。
在调动下属员工工作积极性的过程中，有效的激励起着直接作用。一般来讲，在常用的激励方式中，可以将其分为精神激励与物质激励两大类，在实际应用中，精神激励与物质激励应呈现出相辅相成的关系，领导者要将二者有机的结合，才能充分调动员工的积极性、能动性与创造性，从而最大限度的发挥人才的能力与潜能。
（六）适当的表扬和批评。
表扬和批评运用的好，就能起到“表扬一个人，鼓舞一大批；批评一个人，教育一大片”的作用。运用的不好，就变成了“表扬一个人，打击一大批；批评一个人，灰心一大片”的作用。可见，正确运用表扬和批评艺术是非常重要的。这就需要领导者多动脑思考，注意表扬和批评的方式、方法、时机、对象、场合和环境，并发挥语言艺术，巧妙地进行批评和表扬。
二.用“才”艺术。
（一）选贤任能的艺术。
面对高等教育的不断普及，现代社会中人才济济、卧虎藏龙，领导者如何第一时间发掘这些人才，则需要具备选贤任能的用人艺术。首先，在日常工作中，要加强与下属员工的沟通，在了解其生活及工作状况后“知人善任”，在达到用人目的的'同时，还能有效的提高工作效率。
（二）用人之长的艺术。
清代诗人顾嗣协说：“骏马能历险，犁田不如牛；坚车能载重，渡河不如舟；舍长以求短，智者难为谋；生材贵适用，慎勿多苛求。”意思是只有用人之长，量才适用，才能发挥人的最佳效能。领导在用人时，应明确用人的核心在于“量才录用，取其所长，避其所短”，结合着人才的优势与岗位需求，将人才安排在合适的岗位上，真正做到因事择人、事得其人，只有这样才能做到“人尽其才，才尽其用，事尽其功，将能而君不御者胜”的目的，在充分调动人才工作积极性、创造性的同时，还能避免人才的浪费，达到人尽其才的目的。
（三）用人不疑，疑人不用的艺术。
任何一名员工在开展工作时，都希望得到领导的认可与信任。而领导在使用人才时，也要充分信任自己选拨的人才，真正做到以诚待人、推心置腹，以此来换取同舟共济、肝胆相照、共同进取。另一方面，古人常说“士为知己者死，才为知己者用”，从员工角度来看，领导的认可与信任，不仅能让自己的自尊得到满足，同时还能最大限度的发挥自己的聪明才智及工作积极性，在提高自己工作效率的同时，还能最大限度的实现自己的人生价值。纵观人类用人史，凡是豁达、高明的领导者，在开创一代盛世的过程中，都能做到“用人不疑，疑人不用”，领导在用人方面，也应如此。
（四）合理授权的艺术。
依据我国党章原则，任何党员干部在工作中，在没有经过集体讨论之前，是没有权利对其管辖范围内的重大问题做出处理决定，即便是在实行首长负责制的政府机构和企事业单位，领导人员也应结合着事件的大小，积极征询、搜集同级干部及下级人员的意见，在综合考虑后作出决断，避免个人专断的现象出现。然而针对一些紧急状况，在特殊条件下，需要领导授权给员工，使其能够面对突然问题时，第一时间做出决断，避免问题的扩大化。这就要求领导在授权时，能够处以公心，确保领导与下属员工的共同利益趋于一致，在明确各自责权的基础上，本着完成工作得原则，相互信任、彼此配合，最大限度的发挥自己的优势。与此同时，领导人员还应结合着下属的实际能力，对所有干部的综合工作能力进行科学分析与定期考察，在提高下属人员工作能力的同时，还能把适宜的权利与责任授予最合适的人选。这样做的目的优势主要体现在两个方面，首先，领导与员工在开展工作时，能够做到责、权、利分明，下属员工在具备一定权利后，能够增强自己的责任感与信息，工作效率可想而知；其次，可以把领导从杂务中解放出来，去考虑大政方针。这样，双方均可取长补短，相互促进。
总结：
综上所述，在体现领导高超的领导艺术时，其核心依据在于该领导是否精通用人之道、能慧眼识人的能力，只有具备这些能力，才能在众多人才中挑出真正为己所用的人才来辅助自己的工作。人才作为社会各个部门发展、前进的根本，这就要求领导者本着一切从实际出发的原则，从战略角度出发，最大限度的发挥全体员工的个人价值，使其能够积极的投入到今后的工作中。
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最新电影艺术论文（实用21篇）篇二十一
陶瓷绘画艺术从其本质上进行分析，其是在陶瓷这个载体上进行绘画而形成的艺术，陶瓷绘画与陶瓷装饰不同，陶瓷绘画主要是以陶瓷为载体，将绘画工艺呈现出来，陶瓷绘画主要是以线条、色彩为主进行图形的构造，与陶瓷工艺结合在一起，形成一种艺术，一种文化精神。中国陶瓷绘画的内容可以分为三种，第一，花鸟；第二，人物；第三，山水。在中国陶瓷绘画内容中呈现出来的这三种内容，在陶瓷绘画中，具有不同的涵义，例如在中国历史中的石器时代，花鸟等图案出现时期，将石器时代的神秘的宗教图腾精神呈现出来。山水绘画，呈现出来的是艺术意境，虽然山水画受到中国水墨的影响，但是在陶瓷绘画中，山水绘画也呈现出来了一定的民间意味，是人们思想情感的一种表达，是人们的自我意识，也是人们希望的寄托。从中国历史进行分析，陶瓷绘画在明清时期发展到了一个巅峰时期，陶瓷的制作艺术、陶瓷绘画艺术均得到了显著的提升和发展，这一时期，创造出了非常多精美的陶瓷艺术工艺品。从明清时期的陶瓷绘画艺术进行分析，明清时期产生的陶瓷绘画艺术品种类、花样繁多，其中最为主要有青花绘画、五彩绘画等。陶瓷绘画在明清两个时代中的发展，体现出了不同的特征，在明朝初期，陶瓷绘画已经发展到相对成熟的阶段，陶瓷绘画中的纹饰生动形象，在一定程度上是延续了元朝陶瓷绘画的风格，例如永乐宣德时期的青花瓷，纹饰纤细，以淡雅、沉静为主。明朝嘉靖时期，彩陶发展到巅峰时期，陶瓷绘画纹饰鲜明、多彩。清朝康熙时期，陶瓷绘画中青花瓷的绘画苍劲有力，在色彩上、工艺上更加的鲜艳夺目，此时的陶瓷绘画作品风格，相对的娇艳，但是又不失淡雅。乾隆年间的陶瓷绘画主要以奢华为主，陶瓷品上的纹饰线条柔和、规整纤细、精致繁缛。虽然陶瓷绘画艺术在不断地发展，不断的革新，但是在其发展的过程中，始终保持着对中华文化的发扬和传承，在陶瓷绘画发展中，民间艺术精神发挥着积极的推动作用。
2.1明清陶瓷人物绘画中的民间艺术精神。
明清陶瓷可以分为官窑和民窑，不管是官窑还是民窑，其陶瓷绘画中均体现着民间艺术精神。在明清时期，青花非常受欢迎，在陶瓷纹饰中以人物为主进行绘画的陶瓷工艺品非常少见，但是也有一些例如高士图、仕女图、婴戏图等。我们以婴戏图为主进行分析，婴戏图中的主要内容是对婴幼儿的嬉戏玩耍进行描述，将婴幼儿的天真烂漫体现呈现出来，婴戏图具有深刻的意义。明清时期，民窑陶瓷绘画中的人物简单而有神，表情生动，民窑陶瓷人物绘画，富有民间意趣，将百姓淳朴的生活真实的反映出来，同时又呈现出人们对美好生活向往的积极力量，这种民间自然和谐的艺术精神、思想精神，在官窑陶瓷绘画中非常少见。
2.2明清陶瓷花鸟绘画中的民间艺术精神。
花鸟绘画类型的陶瓷在明清时期非常的常见，在陶瓷花鸟绘画中，不仅有灵动的花虫鸟兽，还有代表地位、贵族气质的龙凤兽等。在明清时期官窑陶瓷绘画中，生产最多的是带有龙纹饰的陶瓷，龙是中华民族的图腾象征，将龙栩栩如生地呈现在人们的面前，死后人们对民族图腾的崇尚，也体现着民族精神。官窑陶瓷绘画中的龙纹来源于民间艺术，是百姓对生命需求的寄托，在官窑陶瓷中龙纹绘画，体现着富有创造性民间艺术精神。明清民窑陶瓷绘画中，花鸟的绘画，多体现在灵动、自由、活泼等方面，在民窑陶瓷花鸟绘画中，体现出来的是狂野的生命力，将最淳朴的民间艺术精神体现出来。在民窑中，动物题材的陶瓷非常多，龙凤是百姓最喜欢的动物，龙、风是生命力的象征，百姓的对龙凤的喜爱，也是百姓对生活美好、幸福的向往。在民窑陶瓷花鸟绘画中，体现着积极向上的民间艺术精神。
2.3明清陶瓷山水绘画中的民间艺术精神。
从明清两代陶瓷绘画的发展进行分析，人物绘画、花鸟绘画的发展相对较早，而山水绘画的发展起步较晚，所以明清时期的陶瓷山水绘画工艺品较少。在明清时期官窑中的山水陶瓷绘画主要在永乐和康熙时期，在康熙时期的发展，有较高的成就。明朝永乐时期产生的官窑陶瓷山水绘画代表作品有青花海水江崖纹三足炉，该件官窑中的山水绘画呈现出来的是翻滚汹涌的海浪，结合三足炉自身的特点，呈现出一种雄伟气魄的景象，具有雄视天下江山的寓意，将当时皇室的盛世、审美、精神需求等进行充分的体现。在康熙时期的官窑山水绘画，富有文人气息，山水景物的取景具有广阔的视觉，在皇室使用的陶瓷中，山水绘画图案，具有吉祥如意的意思，例如山石、海浪等，其代表着长寿多福，在官窑山水绘画中这些意象来自民间，体现了富有创造力的民间艺术精神。在民窑山水绘画中，山水风景是一种绘画装饰，是百姓对休闲、安逸生活的一种向往。民窑陶瓷上的山水绘画，是百姓对现实生活的一种映射，是百姓对自由生活的憧憬。民窑山水绘画发展较晚，而且大部分山水绘画是文人对自己情感的抒发，将其心声向往的自由世界呈现出来，也将民间艺术精神进行了体现。
中国有着上下五千年的文化历史，在悠久的历史长河中，民间艺术是重要的组成部分，是中国民族传统文化，包含着中国人民的智慧和文化底蕴。民间艺术它是一个多概念的词语，可以将其理解为劳动人们的美术，还可以将其理解为大众美术，民间艺术是有普通老百姓自己创造的一种美术。随着历史的发展，民间艺术在创作的过程中，不再是简单的审美，民间艺术的创作开始融入功利实用的动机，所以民间艺术作品大多为工艺品，而且这些工艺品在生活中，具有自己独特的不可缺少的实用性。民间艺术的实用性体现在两个方面，一个是精神实用，一个是物质实用。在民间艺术精神中，最为突出的有三点，第一，祈子延寿；第二、驱魔辟邪；第三，招财纳福。民间传统文化艺术精神是劳动者智慧的结晶，是其精神追求和期望，在长期的发展和时间中，逐渐地形成民间传统艺术思想，民间艺术精神是中华人们智慧的本质，是中国文化发展中，无法替代的一种文化精神，是劳动审美、艺术创作的内涵。明清时期的陶瓷绘画艺术，充分地展现了民间艺术精神，在陶瓷绘画中，不仅讲究绘画的工艺技巧，材料的表现性，还需要强调陶瓷绘画艺术的形式美、表达性，民间艺术精神在陶瓷绘画中的融入，呈现出了陶瓷绘画的不同艺术风格。中国拥有优秀的传统艺术文化和历史，明清时期的陶瓷绘画艺术中的民间艺术精神，不仅对中国传统艺术魅力的欣赏和学习，也是为了更好的宣传和发扬中国传统文化艺术。在中国传统文化艺术发展的过程中，民间艺术精神发挥着重要的作用，促进传统文化的发展，民间艺术精神，是中国传统文化发展的支撑，是中国传统文化艺术形式多样的重要影响，也是传统文化艺术形成的灵感源泉，发展传统文化艺术，研究民间艺术精神，在传统艺术文化传承的过程中，具有重要的意义。通过对明清时期陶瓷绘画艺术中民间艺术精神的作用、体现进行研究，也让我们认识到中国陶瓷艺术发展的民间艺术精神的重要性，让我们知道民间传统艺术在陶瓷护绘画中精神之美，知道中国民间文化艺术精神，在中国传统文化发展中存在价值和意义，让我们不断地传承和发扬中国传统民间文化艺术，发扬民间艺术精神，保护民间传统文化艺术。保护中国传统文化艺术。
民间艺术精神，在中国传统文化发展中，发挥着重要的作用，为陶瓷绘画的发展，带来了积极的影响。民间艺术精神不仅推动中国陶瓷绘画的发展，其中富有的丰富的文化底蕴，也包含了一定的知识和哲理，可以说民间艺术精神的发展、运用，促进人类向更好的方向发展，需要将其发扬和传承下去。民间艺术精神给人们带来的积极影响和意义，是其他艺术精神、文化精神所不能替代的，民间艺术精神是中国民族艺术以及价值观的体现，在陶瓷绘画中，民间艺术精神具有重要的价值。