古典舞论文（热门18篇）

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古典舞论文（热门18篇）篇一

1.论五四前后文学激进主义和保守主义之争。

2.论鸳鸯蝴蝶派小说的艺术特征。

3.论鲁迅小说中的知识分子形象。

4.论鲁迅小说中的农民形象。

5.论鲁迅小说的“国民性改造”思想。

6.论《祝福》的艺术特征。

7.论鲁迅散文《野草》的象征主义特征。

8.论鲁迅杂文的艺术特征。

9.《故乡》与《春蚕》比较谈。

10.论中国现代文学创作中的“回乡”主题。

11.论胡适《尝试集》对中国现代文学的贡献。

12.论周作人散文的艺术风格。

13.论郭沫若《女神》的浪漫主义特色。

14.论郭沫若诗歌创作对中国现代诗歌的贡献。

15.论郭沫若历史剧《屈原》的浪漫主义特色。

16.论二十年代的乡土小说创作。

17.论五四时期的问题小说创作。

18.论冰心诗歌创作的思想与艺术特色。

19.论《新青年》对中国现代文学和文化传播的贡献。

20.论五四时期的报刊制度与中国新时期文学之间的关系。

21.论五四“女师大作家群”的创作。

22.郁达夫小说的感伤抒情特色。

23.论张资平小说的艺术特色。

24.论文学研究会对中国现代现实主义文学的贡献。

25.论叶绍钧小说的现实主义特色。

26.论朱自清散文的艺术风格。

27.论田汉早期剧作的艺术特征。

28.论欧阳予倩的讽刺喜剧。

29.论徐志摩诗歌的艺术特征。

30.论闻一多的新格律诗理论及其对新诗创作的贡献。

31.论朱湘诗歌的艺术特征。

32.论李金发的象征诗歌及其对中国现代新诗的贡献。

33.论左联对中国现代文学发展的历史贡献。

34.论蒋光慈小说对红色革命的表现。

35.论茅盾小说中的“时代女性”。

36.论茅盾小说中的资本家形象。

37.论茅盾小说《子夜》对上海都市社会的表现。

38.论茅盾小说的二三十年代中国历史的表现。

39.论巴金小说《家》中的高觉新形象。

40.论巴金早期的青春小说。

41.论巴金小说对新时代传统家族的表现。

42.论中国现代文学中的“多余人”的形象。

43.论老舍小说的人物描写艺术。

44.论老舍笔下的市民形象。

45.比较老舍与鲁迅国民性批判思想的差异。

46.论老舍小说的幽默艺术。

47.论老舍小说的京味风格。

48.论王亚平等人的武侠小说创作。

49.论曹禺戏剧的情境设置。

50.论《雷雨》的结构艺术。

51.论曹禺话剧中的人物形象(周朴园、周繁漪、仇虎、陈白露)。

52.论新感觉派小说的艺术特征。

53.论新感觉派小说对都市社会的表现。

54.论戴望舒诗作《雨巷》的艺术特征。

55.论戴望舒诗歌创作的思想和艺术变化。

56.论萧红小说对女性情感和命运的表现。

57.论萧红小说《呼兰河传》的艺术特征。

58.论丁玲早期小说的女性意识。

59.论林语堂散文的闲适特征。

60.论三十年代文学中的京派与海派之争。

61.论三十年代文学中的人性论和阶级论之争。

62.论梁实秋散文的艺术特征。

63.论沈从文小说的湘西世界。

64.论沈从文小说的乡下人视角。

65.论张恨水的言情小说。

66.论吴组缃小说对乡土的表现。

67.论田间抗战时期的诗歌创作。

68.论七月派诗歌的思想艺术特征。

69.论穆旦诗歌的现代主义特征。

70.论夏衍的话剧《上海屋檐下》的艺术特征。

71.论艾青诗歌意象系统及其意义。

72.论艾青诗歌忧郁风格。

73.论抗战后期讽刺诗的艺术特征。

74.论《财主的儿女们》的艺术特色。

75.论丁玲的小说《太阳照在桑干河上》的思想艺术特色。

76.论周立波的长篇小说《暴风骤雨》的艺术特色。

77.论艾芜小说的讽刺艺术。

78.论茅盾的长篇小说《腐蚀》的艺术特色。

79.论张爱玲小说对女性形象的表现。

80.论张爱玲小说雅俗共赏的艺术品格。

文本细读在现代文学教育中的地位与方法【2】。

高校现代文学教育应该通过坚持以人为本的原则，注重学生阅读的直觉经验，培养学生的问题意识，形成以问题为导向的阅读习惯;坚持审美批评和社会批评相结合，提升学生直觉阅读经验后的`理论深度;从外部创新课堂形式，树立学生课题中的主体地位，使学生在丰富多彩的课题形式中培养自觉阅读的习惯。

自1929年春，朱自清在清华开设“中国新文学研究”至今，现代文学教育走过了近90个春秋，并逐步形成了一整套以文学史为中心的学术体制和教学体系。

文学史教育在建构学生的理论体系、培养学生史的意识等方面，都起到了重要的作用。

但是也带来了一系列问题，主要体现在学生轻视文本细读，以至于学生文本解读能力下降，文学审美趣味减弱，进而影响到学术研究风气：“对于‘宏大阐释’和‘宏观把握’的热衷”，“喜欢制造宏大课题”，其害大焉。

因此，我们必须反思文学史中心论教学体制的弊端，重视文本细读在现代文学教育中的基础性地位。

一、文本细读在中国现代文学教育中的地位。

对于文本与文学史之间的关系，陈思和先生曾有这样生动的比喻：二者“类似于星星和天空之间的关系。

构成文学史的最基本元素是文学作品，是文学的审美构成天幕下一幅壮丽的星空图”。

2试想，我们如果天空没有星星，只有几个符号，说这是月亮、这是太阳，那么估计我们都没有看星空的兴致了。

因此，文本是文学史的内核，在以文学史为核心的现代文学教学体制中具有基础性地位。

其价值主要体现在：首先，文本细读是调动学生阅读兴趣最重要的手段之一。

兴趣是如果我们的课堂，一开始就是大谈文学史关于某段时期的基本概况，谈某位作家的基本特色，举几个老调重弹的例子，那么学生如听天书，不知所云，甚至会轻视现代文学，以为现代文学不过就是反封建，追求自由平之类的枯燥名词。

如《狂人日记》，按传统讲法，先分析鲁迅生平，揭示其思想是讲“礼教吃人”，艺术成绩，简单枯燥，理论先行。

但是，如果我们带着学生去读《狂人日记》让学生去体会，提出问题。

如“今天晚上，很好的月光”，“我不见他，已是三十多年;今天见了，精神分外爽快。”学生也许会问：为何见了月光，就爽快，觉得以前全是发昏?引发思考。

接着就是“我怕得有理!”为何?既有对过去的害怕，三十年来一直吃人和被人吃，也有对未来的恐惧，梦醒了，不知路在何方。

这恰是一个刚觉醒者的心理写真。

接着引导学生读吃人的意象演变，辩证吃人与封建意识形态的关系，将抽象的吃人变为丰富的审美的存在，从而引发阅读兴趣，调动他们课后阅读的积极性。

其次，文本细读是提高学生审美能力和学术修养的基础。

在当今社会，大学教育已经成为基础教育。

塑造学生健全的人格、高雅的趣味、理性的精神是大学特别是综合性大学基本功能，俗话说，“腹有诗书气自华”，那么怎么样才能提高学生的人格修养、审美趣味和理性精神呢?阅读是重要手段。

陈思和先生曾说：“在大学本科生阶段，甚至是硕士研究生阶段，能够指导学生细读文学名著，提升学生的艺术审美能力，通过文学名著的阅读提高他们对文学史的基本理解，要比言目的理论鼓吹或者死记硬背一些文学史知识有益得多。”现代文学是既具有文学的一般特性，也有其特殊性，即现代性，既是语言的现代性，也是“人学”的现代性。

如读宗白华的《流云小诗•夜》。

将自我瞬间的感觉融入宇宙中。

看似物我相融，其实早不是古典的意境，而是现代人的情怀，人不是自然的附庸，而是理性的存在。

情绪的瞬间变化，就在“星”与“宇宙”的意象的关系中得到转化，节奏虽情感而起伏跌宕。

如果我们带着学生朗诵体味，一字一句地分析，慢慢地欣赏，在这种体味到人的渺小与伟大，对于我们理性地看待自己，理性地看待社会，不是善莫大焉吗?亦能让他们分辨出诗歌的美学，提高欣赏的趣味，或许可以对网络语言起到净化作用。

二、文本细读的方法。

首先，以人为本，注重直觉体验，不断设问，追寻问题进行思考，形成以问题为导向的阅读习惯。

文学即是人学。

文学阅读是读者和作者之间的心灵交汇的过程。

因此我们在读文学作品时，应该直面作品，注重直觉体现。

特别是现代文学，写的是现代人的境遇，更容易与读者产生心灵的碰撞，碰撞之后，我们就会提出各种各样的问题，有了问题，就有了阅读的起点，也就逐步找到进入作品的切口，进而一步步观照作品，反观自身。

譬如说，读鲁迅的《过客》，我们现代读者第一印象就觉得这个人“在路上”，而且坚持“在路上”，那么他为什么要一直在路上。

我们也一直在路上，我们会是为鲜花而活吗?抑或是看到坟墓就不走呢?我们是否思考自己是谁?这些直觉体验后的思考，让我们一步步解开他所拒绝的事物的喻指，进一步思考“过客”的生命状态和人生哲学，鲜花是希望，放弃，坟墓是绝望，亦放逐，就连我是谁都不思考，只为“我还得走”的绝对命令而活着，这恰恰是最强大的意志力，在反复的疑问和解疑过程中，我们一步步切近鲁迅“反抗绝望”的生命哲学。

其次，坚持文史结合，坚持审美批评与社会批评相结合。

文本细读，要坚持论从史出，文史相合，坚持审美批评与社会批评相结合，切记陷入“新批评”形式主义批评的窠臼。

具体方法，我比较赞成王卓慈所言的“教师通过文木细读的教学方法，引导学生从文学作品的阅读中上升到理论思考，再运用相应的文学理论对作品进行剖析和评论”，“从而使其能够对接触到的文学作品有更深层次的理解。”具体说来，即先直觉体验，再结合文学史、作者生平及相关的文学理论使学生的阅读理论化，最后再回来文本，加深印象，方法，积累经验，指导今后的阅读。

如徐志摩的诗歌，我们先通过直觉读出《雪花的快乐》的欢快，《再别康桥》中淡淡的哀愁，《火车擒住轨》中发愤，我们在结合徐志摩的生平、思想，联系中国现代诗歌史，加深理解，会发现，这是徐志摩爱情、人生和思想一步步发展的写照，更是徐志摩诗歌从浪漫主义到现代主义嬗变的轨迹，然后我们再结合这些理论、知识读徐志摩诗歌，理解即更深刻。

最后，打破老师在教学中的中心地位，通过引导，使学生成为作品阅读的主体。

老师先示范，带领学生进入阅读的情景，引导学生设问，逐步深入思考，负责解释难点。

例如，我们在讲解小说时，可以让学生通过阅读体悟，将小说改编成剧本，并进行排演，改编的过程既是阅读深入以至再创造的过程，在此过程中，学生无论是对思想内蕴，艺术手法，都会作深入的思考，应用到实践中去;排演的过程，既是加深学生阅读理解的过程，又是陶冶学生人格、提升学生审美情趣的过程。

此外，还可以让学生来主导课堂，设计问题，分组研讨，集中评点，提升学生的阅读兴趣，增强学生分析问题、解决问题的能力。

总之，实现课堂形式的多样化，也是从外部培养学生文本细读能力的重要手段之一。

结语。

文本细读是调动学生阅读兴趣，提高学生审美情趣，培养学生学术能力的重要途径，在现代文学教学中具有基础性地位。

为了更好地开展现代文学教育，纠正文学史中心主义的现代文学教学体制，我们需要坚持以人为本的教学观念，重视文本细读中学生的直觉作用，在直接中设疑，建立问题意识，形成以问题为导向的阅读习惯;需要坚持审美批评和社会历史批评相结合的阅读方法，培养学生文本细读中的思辨能力和理论深度;需要通过创新课堂教学形式，打破老师的中心地位，引导学生成为文本细读的主体，自觉地在丰富多样的阅读形式中培养文本细读的能力。

古典舞论文（热门18篇）篇二

翻开一卷宋词，如打开千年前的纷纭的往事。许是萍水相逢，又或是命中注定，我且当做是一段与文字的际遇。它如一朵开在绝情谷的花，以绝色英姿吸引人们，让我们中了宋词的毒，其中情思，当真使人肝肠寸断，回味隽永。

盛夏时节，春光早已逝去，连一丝踪影也觅不见。可是连绵的青草，却没有过尽人间芳菲，铺撒在天涯各处，郁郁葱茏。每当我读这首苏轼的《蝶恋花》，脑中都会浮现出一幅清新动人的画。

蝶恋花苏轼。

花褪残红青杏小。燕子飞时，绿水人家绕。枝上柳绵吹又少，天涯何处无芳草！墙里秋千墙外道。墙外行人，墙里佳人笑。笑渐不闻声渐悄，多情却被无情恼。

绝代有佳人，幽居在庭院，这院门似乎终年落锁，墙上爬满绿藤，积累了经年的时光。她豆蔻年华，醉人风姿，无须轻妆，只是天然。她每日摇荡在秋千架上，风情而潇洒，全然听不见墙外熙熙攘攘的人流。她总是独自轻笑，却不知，那笑声已将墙外人惊扰。她累时，在亭内铺一张清香的草席，躺在上面，看风中飘扬的帐幔，为她独舞。她不知，她虽不见任何生人，她的芳魂却越过墙院，迷醉了赶路的行人。让墙外的行人，多情地止步，几乎忘记自己是个过客。甚至想要轻叩门扉，窥探院内的春光，和那倾城的佳人。写惯了豪迈豁达之词的苏轼，也常有清丽婉约之作，这一首《蝶恋花》写得生动婉转，意趣盎然，有一种遮挡不住的活力和生趣。“花杏残红青杏小”，他起句伤春惜春，可刹那就超脱这景象，笔锋一转，让人看到燕子飞舞，绿水人家绕。柳絮迎风飘飞，欲觉留春不住，一句“天涯何处无芳草”让画面跳跃，仿佛眼前铺展了一片没有尽头的绿意。这就是东坡先生词风的魅力之处，姹紫嫣红的春光在赶往夏天的路上死亡，他没有一直感伤，而是用积极的心态接受季节更替，看到更加苍翠的风景。

绿水人家，高墙之内，有荡秋千的佳人，发出愉悦的笑声。那笑声，似黄鹂鸣叫一般婉转清脆，让墙外的行人，不由自主地停下脚步。可是只闻笑声，却觅不到佳人的芳踪。一堵院墙，挡住了所有的视线，可是却挡不住佳人的青春美丽。心灵的眼睛可以穿越院墙，看到佳人绝色的容颜，和她在秋千架上轻盈翩跹的姿态。可当他为这生动的情景而痴醉不已时，墙内的笑声却已经听不到了。佳人就这样抛洒欢笑之声，飘然而去。那秋千，在风中空空摇荡，而墙外的行人，空自多情。

每当读这首词，我就会想起那个影响苏轼一生的女人。他的结发之妻王弗，容貌美丽、知书达理，夫妻二人情深意笃，恩爱有加。可是在一起生活了十一年，王弗便病逝了，苏轼悲痛万分。他在埋葬王弗的山头，亲手种植了三万株松树以寄哀思。更让人深刻的是，十年后，他为亡妻写的那首千古第一悼墙里秋千墙外道。墙外行人，墙里佳人笑。笑渐不闻声渐悄，多情却被无情恼。然而，还有一个女子，她的名字，烙刻在我记忆深处。王朝云，苏轼的侍妾，他的红颜知己。朝云美丽贤惠，长于歌舞，陪伴苏轼颠沛流离,沉浮官场,历经无数艰难，承受无数打击，是苏轼至亲至爱的患难伴侣。在惠州，一日，苏轼与朝云闲坐，“时青女初至，落木萧萧，凄然有悲秋之意。”于是，苏轼请朝云歌唱《蝶恋花》词。朝云唱了几句，忽然歌喉哽咽，满目噙泪，苏轼问其故，答曰：“奴所不能歌的是‘枝上柳绵吹又少，天涯何处无芳草’也。”说罢禁不住潸然泪下，泣不成声，自此,朝云终日惆怅，不久抱病而终。真正是:一曲伤春词，肠断多情女。

我在想，朝云是在伤春，还是在感叹，苏轼如此豁达，是否在她离去之后，又会天涯海角觅知音。也许真的是宿命，这位小苏轼整整二十六岁的绝代红颜，竟然先他而去。朝云逝后，苏轼终生不复听此词，并且一直鳏居。也许是，垂暮之年的他，再也禁不起任何的生离死别了。苏轼将朝云葬于惠州西湖孤山南麓栖禅寺大圣塔下的松林之中，并在墓边筑六如亭以纪念，撰写了一对楹联：“不合时宜，唯有朝云能识我；独弹古调，每逢暮雨倍思卿。”

这首词的上阕重在伤春。春花凋零，残红落地，青杏初现。春燕在绿水环绕的人家低飞。柳絮飘飘流落远方，哪里是它栖身的芳草呢？一切只是正在逝去的春景；心中唤起的却是年华流逝伤春之情。想到和苏东坡流浪漂泊，朝云怎不伤心落泪，难抑悲情？苏轼却笑曰：“吾正悲秋，而汝又伤春矣”。悲秋伤春同样反映出深沉的时间忧患的恐惧，联系苏轼作词时的背景，可体会到苏轼当时壮志难酬，对时间流逝的叹惋；历经磨难，如同那残红败絮，朝云悲凉甚至于绝望的心境可以想见。

下阕重在伤情。苏轼巧妙地抓住生活中的一个细节，创作了一幕富含理趣的悲喜剧。“墙”犹隔也。墙内佳人，墙外行人，一墙之隔。佳人笑语，行人动情。笑语者不知墙外有人，动情者但闻笑声不见人。笑声渐渐远逝，多情的行人却凭空生出无限的烦恼。这种哀怨缠绵的情感，从作品表层看，似乎是描写生活中邂逅的恋情；从深层次揣磨，却是反应了苏轼密州生活时政治上抑郁的心境。朝云的绝望也许正是这种隔而生出的悲剧。

佳人杳去，蜡炬成灰，自古多情，总被无情恼。不禁想问，究竟是苏轼多情，还是这二位女子多情？这一切，似乎不重要，因为他们曾经相处过、拥有过。好过那墙内佳人，只给墙外行人，留下缥缈难捉的笑声。其实，每个人，都只是过客，没有谁，可以陪伴谁走到人生的终点。

独自上路吧，天涯何处无芳草！

古典舞论文（热门18篇）篇三

唐诗。

龙凤意象研究。

关于「结构」一词用法及使用状况的历史变迁。

译者主体性在中华传统文化传播中的体现。

《全唐诗》中的“眉”意象研究。

作为女性文学代表的塔·托尔斯泰娅创作的诗学特征。

《孙子兵法》两个英译本中文化负载词翻译的比较研究。

高中英语阅读课教学中学生的文化交际意识的培养。

英国拉斐尔前派特征研究。

民俗文化视阈下的刘绍棠乡土小说。

传统与现代的结合。

从功能对等视角析《红楼梦》三个英文全译本中回目修辞格的翻译。

唐诗典故英译对比研究。

古典舞论文（热门18篇）篇四

“中国古典舞”在经历了几千年的变革发展过程中，并没有形成一个明确的'概念，对于“中国古典舞”的解释，比较众多说法，比较完整的论述是指古代中国舞蹈文化中具有代表性与典型性的舞蹈和现代人以全新的视角与观念创造的具有古典风格韵味及审美意向的舞蹈。“中国古典舞”具有两层含义，一个是特指中国古代遗留下来的舞蹈，是从古代舞蹈中选出来的、提升上来而又流传下去的，古代舞蹈是“中国古典舞”的母体;另一个是特指当今中国发展的有古典韵味的舞蹈，它们之间既有区别又存在必然的联系。“中国古典舞”概念产生是在建国初期一门全新的舞蹈学科。中国古典舞首先要具有本民族精粹文化的持久性与独一性的特质，提取传统舞蹈中长期积累典型性的舞蹈美学，结合当代审美特征和技术特点，又经过现代人的发展创造，收集多种文化，这种舞蹈是借助中华文化母体孕育而生，表达了当代人对传统的一种重新诠释与审美追求，也体现了当代人的创造精神。

中国古典舞蹈艺术有一个漫长的演变，并且在戏剧的基础上形成戏剧舞蹈，之后又经历了中国古典舞和学院派古典舞三个阶段。古典舞继承了戏剧舞蹈的动作，经过演变形成自己独特个性，又给学院派古典舞提供了发展基础。

戏曲舞蹈是中国戏剧的重要形式与中国古典舞之间有很深的渊源关系。中国古典舞初建阶段，吸收了戏剧舞蹈的精髓，承接戏剧舞蹈的文化精神和舞蹈动作，加快了古典舞的发展步伐，为其建立起到了不可或缺的重要作用。

1950年中国古典舞正式命名，并且脱离了戏剧舞蹈的称谓，以自己独特的艺术特性向前发展，也为学院派古典舞发展打下基础。学院派古典舞是在前两个阶段基础上进行完善和发展，也赋予了其新的内容，产生了比较典型和有代表性的作品。回顾中国古典舞的历史经历，我们不难发现，古典舞的发展历程中观念不断变化。

中国古典舞传承着中国的历史文化，延续和保存了中国传统文化的血脉，在过去的半个世纪多的发展历史进程中有着明显的变化，却具有强烈时代感。中国古典舞通过不断创新和探索成为当代舞蹈艺术体系一员。但是中国古典舞不可能离开中华民族传统的文化底蕴。否则将造成古典舞的精髓大量流失，失去本来面目。中国古典舞首先要弘扬中国传统民族文化，继承传统民族审美特质。因此未来中国古典舞的发展之路是对民族传统文化的认知与返璞。为了更加适应现代社会的需要，古典舞也要取其精华弃其糟粕。中国古典舞学科继承与发扬传统舞蹈中的风格特征，更深刻的认识传统艺术的精髓。同时中国古典舞也可以吸收外来因素，完善中国古典舞。

中国古典舞在当代的舞蹈创作中，很容易直接“引用”现代舞技法，造成了大量古典舞剧目内容相似。忽略了古典舞要表现的人物思想和特征，甚至个别编导直接吸收西方舞蹈，减少了传统民族文化和传统美学中的审美特征，古典舞的艺术价值大大减弱，弄得中国古典舞千疮百孔的。

中国古典舞艺术要传承民族文化，坚持民族化的审美，在面对异域文化冲击时，守护好自己的文化疆域，必须坚定自身的优势，才能在未来的道路上求发展。

3.1整合中国古典舞语言。

语言是一个民族的象征，中国古典舞创作语言有其独特的审美特征。完善与丰富中国古典舞的语言体系才能为古典舞的未来发展提供传播的基础。整合中国古典舞语言非常必要，并且在此基础上进行巩固以及再提炼，是传承的要求。中国古典舞蹈语言具有古典舞审美特征的经典语言，加强和完善语言系统，形成自身独特性，特别是中华民族悠久文化和广漠的土地上，给中国古典舞提供了全新的素素材。在传承与整合中，要抱有谨慎的探索精神，挖掘出古典舞语言最精粹的素材。同时在如今的大量古典舞作品之中，许多现代舞、当代舞语言词汇已经渗透进来。中国古典舞不断传承和发展变化，才能承载时代赋予的使命，克服重重困难，为创建古典舞学科打下基础。

3.2继承与开拓创新。

中国古典舞蹈艺术未来发展，不仅需要开拓创新，更需要进行有效的传承，重视传统文化，寻找一条属于古典舞自己的独特的道路。中国古典舞要与时代紧密接轨，只有在不断地发展演变中，把立足点构置于现当代，建立中国古典舞学科，我们后来者要继承他们的衣钵，通过不懈的探索与实践，发现新问题，解决新问题，让中国古典舞继续辉煌在舞台上。

3.3“和谐”发展中国古典舞原则。

“和”是中国传统文化精神的品格，是中国文化中的整体体现，是自然与人的审美境界合之为一，它深刻影响了古代审美体验与生命体验。在当今社会，中国古典舞遵循“和谐”发展的原则，建立在中国传统审美基础上，代表中国古典的形象。目前，中国古典舞学科正处于不断构建完善的状态，需要我们以“和”的态度，开放式的思想，接纳新的元素，反复试验，最终为我所用。

3.4“融合”优秀的古典舞素材。

现代中国古典舞艺术要长远发展，要保持持久而旺盛的艺术活力。面对当今西方强势文化的冲击，如何面向世界，如何与国际完全的接轨，如何以独特的民族性独占鳌头都是我们要探索的问题。中国古典舞走向世界之前，要保守住古典舞自己的文化概念和文化形态，结合中华民族优秀的传统文化之后充分研究西方文化，取其精华，并去其糟粕，筛选辨别，才能形成两文化的完美融合。在西方文化进入国门时，同样震荡与冲击着中国人传统文化的审美观念和审美意识，引起了国民在审美享受和审美取向方面的变化，中国古典舞蹈也受到了不小的影响。西方芭蕾舞传入中国，在中国古典舞的训练中芭蕾的训练体系和内容被大量吸收与借鉴。但中国古典舞并没有盲目的照抄照搬，更不是简单的复制，取芭蕾本身所具有的科学、系统的方法论去总结和吸收，形成科学的训练方式与方法。中国古典舞不能因为学习或借鉴了其他舞种就否定旧体系的一切，而是在强大的历史背景下，拥有了自己的审美观念和与众不同的展示方法，也形成了独特的传统风格。学习或是借鉴时代的优秀舞蹈文化是继承或是发展所必须的。闭门造车式的发展会封闭中国古典舞发展的思路。借鉴本身就是一种“融合”，并不仅仅是一味的加法，把中华民族传统文化的精髓与芭蕾的优点相结合，芭蕾的科学性与中华民族的风格特征融合，保留自身“灵魂”的基础上，博取众家之长，吸收各个舞种的精华，开辟一条中国古典舞独特的发展道路。

总之，中国古典舞在未来中国的发展之路是光明的，它是建立在深厚的中华传统舞蹈美学基础上，充分体现了中国古典舞蹈的民族特征与个性，有悠久的中华传统文化丰富底蕴，大胆创新与借鉴时代发展精髓。随着中国古典舞坚持不懈的发展和发扬，呈现在全世界的舞坛之中必将是全新的、辉煌的面貌。

古典舞论文（热门18篇）篇五

现代仿古家具，更多是对古典家具造型的仿制，缺乏对现代人生活方式的思考，若一味仿制古代家具，必然造成其在现代生活中的使用困扰。其次，市面上流行的仿古家具，更多是采用黄花梨木、紫檀木等红木家具制作，制作选料单一，其造价成本高，且由于现代化工业的发展，红木资源愈加匮乏，为新型仿古家具的大批量制作造成困难，更是不利于仿古家具的对外出口，对中国传统文化的继承与传播造成不利。对于古典家具，如何开发出适用于现代人使用的家具是个值得思考的问题。一方面，当代家具更多注重简约，实用性以及舒适性。基于古典家具在国内的使用现状，我们将新料新作的仿古家具模式进行深层次的挖掘，开发出一款符合现代化使用的新型古典家具。在当代家具设计中，形式上提倡非装饰的简单几何造型，且设计出来的成品须符合人的身体结构、人机工程学等。因此，本设计对多功能拼装组合式家具进行了探索开发。

2.1新型竹材的特点。

我国竹材资源丰富，竹材的加工应用技术已浸入工厂与企业。竹材工业在国内得到足够重视，且已取得一定成果，目前我国已成为世界上最大的竹制品出口国。新型竹集成材或重组竹是基于竹子开发的新型材料。将此类材料运用于古典家具中，有效解决了木材资源匮乏经过调研、走访、研究，以及深入了解，可知竹集成材或重组竹具有如下优良特性：第一，其造型丰富，可变换不同形式，用于家具加工中尤为便捷；第二，竹材结构相对实木家具更轻巧实用，在家居使用中更便捷；第三，新型竹材或重组竹纹理通直、优美，其部分物理性质可与紫檀、乌木等优良木材相媲美，在使用过程中，具有高程度的观赏性；第四，处理后的竹材板材防虫蛀，不会开裂、变形、脱胶，其高品质的物理特性确保家具能使用更长时间，更利于其完整性。新型竹材十分利于家具的生产，其轻便性、美观性、以及高品质的物理性能都预示着，新型竹材将在家具行业开拓出自己的领域。竹集成材作为一种新型的家具基材继承了竹材物理力学性能好，收缩率低的特性，具有幅面大、变形小、尺寸稳定、强度大、刚度好、耐磨损的特点。同时，竹集成材十分适用于大批量的'生产，为中国家具市场出口海外提供可能。在充分考虑国内外消费者的居室结构和审美观后，开发出一款多功能拼装组合式家具是十分必要的。

2.2组合式竹集成材家具设计案例分析。

经过深入探讨，本设计最终确立组合式竹集成材家具设计方案。该设计采用中国传统书法小隶体，以字形“宝”字为灵感来源。整体设计通过对宝字的抽象变形，设计出一个大书柜的家具。采用传统书法字体，将古典书法的韵味融入书柜中，与书本中透出的书香气息相辉映，同时体现了中国古典文化的古朴、沉静。整个书柜的材质采用竹集成材，单个零部件简单、大方，适合批量化生产，同时更具古典气息其中书柜的两侧可进行拆分，将其拼装后，即为古代案几仿古家具，其简洁的造型，具有明式家具的高雅、洗炼，不仅具有高观赏性，在当代生活中，其实用性更具吸引力。

3.结语。

中国传统家具崇尚质朴精雅的大风格趋势，组合式竹集成材家具在承袭前人优势的同时，也对现代家居进行了探索。它不仅为现代家具行业提供了一个新的探索方向，其功能性、实用性以及对传统家具的传承性具有深远意义，同时是对现代家具的设计新道路的思考。

古典舞论文（热门18篇）篇六

古代社会对女性的价值标准和审美取舍,不只注重外在美,更重要的是看她们的品德修养。中国自古以来就注重外在美与内心善的结合,因此,《诗经》爱情诗中纯洁善良的女性人物无形中带着宝贵的内在美。

（一）大胆、真挚、热情。

若用“清水出芙蓉，天然去雕饰”来形容历代女性，《诗经》中的女性可谓是当之无愧。最原始的便是最天然的，诗经时代最接近原始，生活在那个时代的女性具备着人类最原始的良好品质和美丽。在那个少有封建约束的时代，她们的身心沐浴在大自然下，随心随性地活着，思想甚是纯洁、真挚。面对爱情，《唐风·有杕之杜》中的少女呼出自己的渴望，不扭捏不羞涩。《卫风·木瓜》中的少女面对馈赠的定情信物，更是当场回赠，并唱出“匪报也，永以为好。”的承诺，足以显示她的热情真挚的一面。

（二）善良、勤劳、贤惠。

善良是最美的品质，温柔善良之于女性则更是美丽的。《诗经》爱情诗中的女性周身都散发着善良的气息。《诗经》开篇《关雎》中让君子“寤寐思服”的“窈窕淑女”即具备这样善良的品质。马瑞辰《毛诗传笺通释》：“《方言》：秦晋之间，美心为窈，美状为窕”，再有“淑”，善，好。可见诗中让君子“寤寐思服”的女子是一位内心纯洁善良的女性。《邶风·静女》中活泼可爱的“静女”也同样善良，其情人歌唱她时称其为“静”。“静”，善也。这样可爱又善良的女子，男子怎么会不喜欢呢？勤劳，是上古社会对女性的基本要求，之前提到的《关雎》是君子追求采荇少女的诗，“参差荇菜，左右流之。”君子眼中劳动的少女不停歇地随着水流采集荇菜，正是其勤劳的表现。弃妇诗《氓》中的妇女“三岁为妇，靡室劳矣。夙兴夜寐，靡有朝矣。”日夜操劳，努力劳作，任劳任怨，足见她的勤劳之处。《卷耳》中的妇女亦是在劳作时思念未归的丈夫。贤惠的女性亦可见于《鸡鸣》《君子于役》《谷风》等解说中。善良、勤劳、贤惠不仅仅是当时女性所具备的品德，亦是当时社会对女性的要求。

（三）情感坚定、专一。

通观《诗经》中的爱情诗，这群女性提到感情时多情意绵绵，深情坚定，令人敬佩。专一感情，是人之常情，专一中才会见真情。《王风·大车》中的女子因某些原因暂时未能与情人在一起，她对着情人发誓“活则异室，死则同穴。谓予不信，有如皦日。”这句话暗示大家，女子定要嫁给文中的男子，即使无法与情人在一起，女子也不会另嫁他人，可见文中女子对爱情的忠贞和专一。她们的形象犹如田野中的蒲公英，率性自然，敢爱敢恨，在文学的天空下绽放自己纯真个性，成为后代文学作品中女性形象的典范。

《诗经》与汉乐府爱情诗女性形象之比较（节选）鄂川秀。

一、主动求爱化为曲折求生。

鬼神的女子形象实为屈指可数。低下的地位使她们泯灭了天性,丧失了人格。“时代的弃妇”已成了汉乐府时期爱情诗里吟唱的主人公,不论是《有所思》中初起果断、继而忧伤失望以致无奈的少妇,还是《上邪》中惊世骇俗、气指天地的大胆女子,抑或是《白头吟》中毅然决然、发誓“愿得一心人,白头不相离”的女子，以及“举身赴清池”、以死抗拒封建家长制的刘兰芝,都难逃弃妇的命运。社会和家庭的双重压迫已使妇女们无法改变自己的命运,只能在长期沉默中忍受痛苦的折磨。

从《长恨歌》到《长生殿》（节选）谢柏梁。

从悲剧的角度来看,《长恨歌》的戏剧冲突主要集中在事件冲突和情感冲突两方面。„„。

在情感冲突方面,从君王掩面救不得开始,皇帝就陷入了深深的自责和茫茫的无奈之中。从此,恩情常在而美人不再、风景尚在而物是人非,“未亡人”尚在而人鬼永隔,都成为老皇帝情感冲突的诸多波澜。马嵬坡下的泥土不语,皇宫中的池苑依旧,太液宫如面的芙蓉,未央宫如眉的柳叶,一土一池,一花一草,哪一样不见证着妃子的娇态,哪一样不伴随着昔日的合欢?哪一处没有留下帝妃俩携手双行的足迹?昔日的回眸一笑在哪里?华清池凝脂娇飞在哪里?春宵苦短日高起的酣睡不醒又在哪里?承欢侍宴无闲暇的热闹繁华,何处可以寻觅?眼下,只有寂寞相伴,只有失眠长随;“夕殿萤飞思悄然,孤灯挑尽未成眠。迟迟钟鼓初长夜,耿耿星河欲曙天。鸳鸯瓦冷霜华重,翡翠衾寒谁与共。”长夜既然如此落寞,人间既然如此孤寂,那就拜托道士神仙们到天上去寻找爱妃的魂魄去吧。

最为美妙的结局,不仅在于找到了爱妃的下落,还获知其“玉容寂寞泪阑干,梨花一枝春带雨。含情凝睇谢君王,一别音容两渺茫”,两地相思,一样的孤寂,从此便有了踏实些的牵挂。这一牵挂又以钿合金钗作为依托的信物,寄寓着“天上人间会相见”的美好明天。

当然最为美妙的是爱情的永恒,美好瞬间的定格,幻化无穷的相伴相依,比天地还要长久的情感遗恨。“七月七日长生殿,夜半无人私语时。在天愿作比翼鸟,在地愿为连理枝。天长地久有时尽,此恨绵绵无绝期”。这一浪漫主义的情感升华,使得全诗的情感冲突,有了绵延不断的高潮,也具备了悲剧的崇高、圣洁和穿越时空的大美。

白朴的《唐明皇秋夜梧桐雨》,极写了命运对天子的挟持和凌逼。唐明皇在与杨贵妃的朝歌暮舞中,竟又把会跳胡旋舞的安禄山收为干儿,且演出了一段洗儿会“私事”。此事终于引起了国舅杨国忠的警觉,奏请皇帝遣派安禄山为渔阳节度使。当唐明皇与贵妃在长生殿乞巧盟誓,两下里情浓意浓,“愿世世生生,共为夫妇,永不相离”之后,于御花园中赏玩秋色之时,渔阳鼙鼓却敲动起来,惊破了皇帝与贵妃的美梦。他们亲手培植下的祸害根芽终于结下了恶果,安禄山兵临城下,唐明皇仓皇逃窜。马嵬坡前,唐明皇不得不接受命运的安排,着妃子自缢以谢天下。事虽如此,皇上却如何经受得了这生离死别的惨痛:他是朵娇滴滴海棠花,怎做得闹荒荒亡国祸根芽?再不将曲弯弯远山眉儿画,乱松松鬓堆鸦。怎下的碜磕磕马蹄儿脸上踏,则将细袅袅咽喉掐,早把条长搀搀素白练安排下。他那里一身受死,我痛煞煞独力难加!大敌当前,杨贵妃确实怨不得唐明皇的绝情。噩运临头,唐天子的王位比皇妃的红颜贵重,唐王朝的命运比长生殿的盟誓金贵。就国势言,明皇无法挽救;就军情论,玄宗亦难于控制。杨李之间的爱情悲剧,体现出现实的严酷性。国将不国,君将不君,何暇去顾及帝妃间的儿女之情?自唐代白居易的《长恨歌》和元代白朴的《梧桐雨》之后,文学史和戏剧史上最负盛名的李杨爱情题材的代表作,当然得数清代洪昇的《长生殿》传奇。就写生死不渝的纯粹爱情而言,洪昇作品的影响当然还要大得多。

一部《长生殿》,大抵在“情”字上做文章。唐明皇与杨贵妃的情爱,固然因纵欲侈心而酿就了安史之乱的苦果,引出了“呈侈心而穷人欲,祸败随之”的山河易代和国破人亡的兴亡之感,但剧本并没有停留在这里。下半部《长生殿》,仍然浓墨重彩地渲染了李杨情的变化和发展。从人鬼之恋到人仙相会,虽然处处不脱血泊离乱的阴影,但也时时显出两情弥坚、哀感天宇的光彩。最后连神仙也为他们执着的情感所动,使唐明皇和杨贵妃同赴忉利天宫。一点真情两心同,死生幽明的界限都能于顷刻打破;为爱情而生死相系,最终获得了永不分离的权利,这正是《长生殿》与《牡丹亭》异曲同工的地方。

举动自专由。

——刘兰芝、焦仲卿爱情悲剧原因探析。

陈灿。

感、不满情绪。以上种种说法笔者还是不敢苟同。不可否认,这些原因也都是造成刘兰芝、焦仲卿爱情悲剧的前提,单人们往往忽略了另一个重要因素,那就是刘兰芝的“举动自专由”，这才是导致其爱情悲剧的真正原因。

教育心理学领域有一句经典名言:播下一种行为,收获一种习惯;播下一种习惯,收获一种性格;播下一种性格,收获一种命运。焦仲卿、刘兰芝爱情悲剧的真正原因也恰恰在于此:即刘兰芝的性格与行为所致。焦母为何执意要“遣”兰芝?从诗中我们可以找出答案,那就是“此妇无礼节,举动自专由”。婆婆为何说她“无礼节”?恐怕“自专由”就是其依据。诗中尽管刘兰芝也一再强调:“奉事循公母,进止敢自专?”“处处适兄意,那得自任专!”然而,她做事真的没有“自专由”或者说是“自任专”吗?我们先来看一下文章开篇之处刘兰芝的自诉:十三能织素,十四学裁衣,十五弹箜篌,十六诵诗书。十七为君妇,心中常苦悲。君既为府吏,守节情不移,贱妾留空房,相见常日稀。鸡鸣入机织,夜夜不得息。三日断五匹,大人故嫌迟。非为织作迟,君家妇难为!妾不堪驱使,徒留无所施,便可白公姥,及时相遣归。

从这段自述中,我们可以看出,刘兰芝是满腹怨气。她自视才高,心灵手巧,却事事不顺心。心中常苦悲的原因有二:一是夫妻分离,不能长相守;二是辛勤劳作,婆婆却不满意。由此可见,婆媳间确实存在着矛盾,但还没有达到不可调和的地步,婆婆也没有说要休她。然而,刘兰芝却忍受不了了:君家妇难为!妾不堪驱使,徒留无所施,便可白公姥,及时相遣归。她自作主张,主动请“遣”。对于焦仲卿来说,他可以理解妻子的苦衷,但对于婆婆来说,却是极大的羞辱:自己还没说什么,媳妇却要回娘家,是媳妇不愿再跟她儿子过日子了。在她看来,刘兰芝这样做,简直是大逆不道!因为在封建社会里,婆婆对于儿媳有至高无上的权威,是说一不二的。对婆婆的话,不管对错,媳妇都要绝对服从,这样方显家长的权威。而刘兰芝却不是一个能忍的人,她不是那种“嫁鸡随鸡,嫁狗随狗”的人,她骨子里有种叛逆的刚性,正是这种刚性让婆婆大为不满。刘兰芝深深地爱着焦仲卿,但因为婆母对自己不满,于是不等对方开口就主动请“遣”,这一举动的结果是彻底激怒了婆婆,坚定了婆婆驱逐她的决心:阿母谓府吏:何乃太区区!此妇无礼节,举动自专由。吾意久怀忿,汝岂得自由!东家有贤女,自名秦罗敷,可怜体无比,阿母为汝求。便可速遣之,遣去慎莫留!显然,刘兰芝的这次“自专由”才是遭“遣”的导火线。主动请“遣”,是其“自专由”的表现之一。再看刘兰芝回到娘家后的情况:还家十余日,县令遣媒来。云有第三郎,窈窕世无双,年始十八九,便言多令才。

阿母谓阿女:汝可去应之。

阿女含泪答:兰芝初还时,府吏见丁宁,结誓不别离。今日违情义,恐此事非奇。自可断来信,徐徐更谓之。

有人上门提亲,对方条件相当不错,母亲也满意。但刘兰芝并没有按照母亲的意愿去应允,而是一心想着府吏,想着二人之间的誓言、约定,所以不嫁的态度很坚决:自可断来信,徐徐更谓之。婉言拒婚是其“自专由”的表现之二。

过了不久,又有人来提亲。从文中可以推断,兰芝起初并不同意。这时:阿兄得闻之,怅然心中烦,举言谓阿妹:作事何不量!先嫁得府吏,后嫁得郎君,否泰如天地,足以荣汝身。不嫁义郎体,其往欲何云?本不想嫁人,当哥哥说出“不嫁义郎体,其往欲何云”时,刚性又立刻占据了刘兰芝的灵魂,那种凛然不可犯的尊严感在她心底升华,所以她“仰头”回答,很快应允了:兰芝仰头答:理实如兄言。谢家事夫婿,中道还家门。处分适兄意,那得自任专!虽与府吏要,渠会永无缘。登即相许和,便可作婚姻。

己。在这种情况下,她还是可以推托,可以委曲求全的。但是,在未与府吏沟通的情况下,在府吏浑然不知的情况下,在自尊心的强烈驱使下,她作出了嫁人的决定。赌气允婚是其“自专由”的表现之三。

再看故事的高潮部分:二人双双徇情。徇情的决定出自谁?是焦仲卿还是刘兰芝?看一看二人相见时的对话及死时的情形便可明白。相见时,焦仲卿对刘兰芝说:贺卿得高迁!磐石方且厚,可以卒千年;蒲苇一时纫,便作旦夕间。卿当日胜贵,吾独向黄泉!刘兰芝对焦仲卿说:何意出此言!同是被逼迫,君尔妾亦然。黄泉下相见,勿违今日言!从对话中可以看出,焦仲卿说的“吾独向黄泉!”显然是气话,他并不是真想死,只是在跟刘兰芝赌气。面对焦仲卿的冷嘲热讽,刘兰芝因负言而羞愧难当,在自尊心的驱使下,她想一死了之,她说的“黄泉下相见,勿违今日言!”显然是发自内心,她说得干脆,态度坚决。自杀时,刘兰芝是“揽裙脱丝履,举身赴清池”。死时,她毫不迟疑;而焦仲卿则是“心知长别离,徘徊庭树下,自挂东南枝”。其中“徘徊”二字揭示了他内心的矛盾。临死之时,他内心极不平静,还在犹豫不决。他并不是真心想死,只是无奈。所以说,二人殉情的决定也是刘兰芝最后作出的。面对兄长她曾说过:/处分随兄意,那得自任专!但结果又如何呢?她并没有按兄长的意愿嫁人过日子,而是按照自己的意愿赴黄泉。由此可知,果断徇情是其“自专由”的表现之四。

综上,导致刘兰芝、焦仲卿爱情悲剧的根本原因并非是封建礼教或其他因素,而在于其本人刚强而自尊的性格以及与此紧密相连的“自专由”的举动。在诗中,尽管作者也极力写刘兰芝的善良和温顺,但在善良与温顺中别有一种掩盖不住的具有反抗意味的刚性,这种刚性广泛地体现于兰芝的全部行动细节里,与刚性紧密相连的是自尊,二者结合,便有了“自专由”的举动。而这种“自专由”既是造成婆媳矛盾的根本原因,也是她人生悲剧的内在因素。

古典舞论文（热门18篇）篇七

摘要：文章以古罗马时期和洛可可风格两种性别倾向明显的家具风格为例，对比分析了西方古典家具性别化的历史背景，并从造型要素、形式美法则和装饰方法等方面探究了其性别化的具体表现形式及意涵。结合目前我国家具设计的现状和趋势，提出可以通过借鉴西方古典家具性别化特征来实现现代家具造型设计的个性化，为现代家具设计的创新提供思路。

关键词：西方；古典；家具；性别化；设计。

纵观西方家具发展史，一些特定时期如古罗马、哥特式风格、仿罗马式、洛可可风格和新古典风格时期等的西方古典家具，在造型上能够显著体现出男性化和女性化的特征。为了更深入地理解西方古典家具性别化造型特征的意涵，本文以古罗马和洛可可时期为例对其历史背景、造型要素和装饰方法等方面进行对比探析，从而为借鉴西方古典家具性别化特征来实现我国家具的个性化设计提供新思路。

1造型性别化形成的历史背景。

1.1古罗马时期。

罗马是意大利半岛中部西岸的一个小镇，经过长期的发展，从一个闭塞之地逐渐崛起成为地区间的强大国家。古罗马（公元前6世纪-5世纪）时期重视军事力量，崇尚暴力和杀戮，具有英勇无畏、崇尚荣耀的特质[1]。在这种精神力量下其建筑和家具造型也具有明显的男性化特征。尤其是铜质家具和石材家具具有坚厚凝重的特点，显示了一种男性化的风格，表现了罗马帝国尚武好战精神。

1.2洛可可风格。

洛可可风格家具盛行于法国路易十五时期（公元17-18世纪），路易十五皇帝当政，受宫中女宠影响，这时期的家具在造型上呈现明显的女性化特征，放映了他们的爱好与情趣。家具整体尺寸较小，容易搬动，适合在较小的闺房中使用，造型纤细、弯曲尖腿是腿部造型的唯一形式，整体轻巧，丰满柔润，宛如妇女体态（图2）[2]。

2造型性别化的表现形式。

2.1造型要素。

2.1.1点线面。

在点线面方面造型性别化特征表现是由方、圆或曲、直来产生的。如方形的点相对于圆形的点，曲线相对于直线，平面相对于曲面，皆是前者具有男性化倾向，而后者更具女性化特征。古罗马时期家具的挺拔、强健，单纯、简朴，厚重的特征，体现了男性的统治地位。对比代表极端享乐主义时期洛可可风格家具的造型是反对直线的，大量的非对称的s型c型曲线大行其道。不规则曲线婉转曲折，优美、轻快、流畅，富有柔和优雅之感，体现了女性风格的主导地位。

2.1.2质感。

不同性别对质感的偏好有着较大差异，坚硬和柔软等同于阳刚和阴柔的对比。都在传递给人某种视觉和触觉的感官判断，或阳刚或阴柔，或阴阳相济。古罗马时期的家具，除了木质家具外，铜质和石质家具的成就较大，主要材质是黄铜、大理石和石灰石等，能充分表现出厚重的男性化艺术特征。相对于坚硬、冰冷的材料，洛可可时期的家具倾向于更加温和的质感，木材多用温润的胡桃木，加之硝基漆透明的漆膜给人有温度的肤视感。

2.1.3色彩。

从色彩心理的角度，不同的色彩具有不同的性格与表现力。古罗马时期，铜质和石质家具呈现的是材质本身的色彩，表层贴面的珍贵木材多为暗色，体现坚厚凝重的艺术特征。洛可可家具的装饰上以青白色为基调，模仿西欧上流社会妇女的苍白肤色，以示高贵[3]。此外，在胡桃木本色基础上镂刻优美的曲线，通过金粉涂饰或彩绘贴金，最后再以漆膜罩光，使整体产生富丽豪华之感。体现了新王朝女权高涨形势下，上层社会女性的爱好。

2.2形式美法则。

2.2.1比例与尺度。

在家具造型中，合理的比例能够使家具外观造型更符合人的生理和心理的需求从而产生和谐之美的视觉感受，因此优秀的家具设计大都具备良好的比例关系[4]。西方古典时期的罗马家具和洛可可式家具各自独特的比例关系是展现其风格特征和内在意涵的重要方面。男性权利为主的古罗马时期家具尺度偏大，通过夸大来表现雄伟的气势。与此相反，洛可可时期的家具采用亲切的尺度，家具的尺寸变小了，满足了当时上层社会女性沙龙生活中方便交际的需要，同时也反映了女性生理和心理的特点。

2.2.2对称与均衡。

对称与均衡决定着家具的功能特点、结构特点以及形式布局。几乎所有的西方古典家具都是对称的结构，尤其是具有男性化倾向的家具，是一种等量均衡。而女性化倾向的家具，在构图上也常采用动态均衡，即在求得不失重心的原则下，虽然中心线两边的形态和色彩不相同，但通过各组成单体家具或部件之间疏密、大小、明暗以及色彩对比来实现均衡。如洛可可式家具，打破形式美中的对称和均衡的艺术规律，弯曲造型采用非对称的s型和c型和涡卷形曲线，追求运动中的纤巧与华丽，更加多变，具有变化、活泼、优美的特征，形成了具有浓厚浪漫主义色彩的风格。

2.2.3节奏与韵律。

在家具造型设计中，将家具的形体结构和零部件的体、形、线等要素，进行连续的排列组合与分割，产生曲直、起伏和大小等有规律的重复和交替，便形成节奏感的艺术效果，若再进一步深化表现出抑扬婉转和运动方向的连续变化，便给人以韵味无穷的律动感。如具有男性化倾向的仿罗马时期家具反复使用建筑上的连环拱廊和成排的车制的杆件，都使得其外部形式产节奏感。韵律之于节奏，更适于表现女性的柔婉。如洛可可家具风格采用多变的曲面和复杂的波浪曲线，创造了富有流动感的柔美的女性风格。

2.3装饰方法与图案。

2.3.1装饰方法。

古罗马时期家具的装饰手法有雕刻、镶嵌、绘画、镀金、贴薄木片和油漆等。木质家具往往以名贵的木材或金属作贴面和镶嵌装饰，在石材上雕刻主要采取立体感的、浮夸的`做法，各个细部的雕刻深度较大，来强化男性的力量感。女性化倾向明显的洛可可式家具，主要手法是在木材上雕刻和髹漆，但是雕刻的手法是精细纤巧的雕刻装饰，配以色彩淡雅秀丽的织锦或刺绣包衬，高贵瑰丽的视觉效果。

2.3.2图案与纹样。

家具的图案和纹样是围绕着特定的风格而设定的，是家具精神特征的强化。具有性别倾向的家具风格其装饰纹样反映了其内在意涵的需要。古罗马时期家具装饰图案和纹样的题材主要有：王冠、叶饰、狮头、飞禽等，还有战利品雕饰武器、盔甲、花环和贝壳等[5]。这些装饰内容无不与权威、力量、王权有关，对男性的英雄主义的表现淋漓尽致。而洛可可式风格家具，雕刻装饰的图案主要有：狮、羊、猫爪脚、“c”形、“s”形、涡卷形的曲线、花叶边饰、齿形饰、叶蔓与矛形图案、玫瑰花、海豚、漩涡纹等。包括东方装饰图案，如中国园林中的假山和岩石、喷泉等，这些题材给人带来的是女性的轻松、浪漫和随意之感。

在人们生活方式和审美情趣不断提升的背景下，家具产品的创新设计显得尤为迫切[6]。今天的人们都在追求自我存在的价值，最大限度的展现自我，必然产生个性化需求。个性化追求已经形成了家具市场消费的主流导向，满足个性化的消费者已成为家具企业的一个发展趋势[7]。个性化追求是独特性、非大众性，从而表现与众不同。在造型创新方面，要把握古典家具的神韵和风格，综合思考传统文化精神和当代审美意识的融合方式[8]。以西方古典家具的性别化特征为鉴，可以将家具造型性别化作为个性化的一个切入点，尊重人在生理和心理等方面的性别差异，根据不同的性别特点来对家具的造型、材料、色彩、地域等进行定位和设计，是一个富有人情味并充满人文关怀的创新设计思路，并能体现“以人为本”的设计理念。（图3）所示连衣裙造型的现代家具，体现了女性化特征。为了适应个性化的消费需求必然导致了家具定制化运营模式。而如何既满足用户的个性化定制需求，又能批量化生产，有效的利用资源，尽可能的减少成本，是定制家具模式发展所要解决的现实问题[9]。可以根据性别对同类产品的不同细分市场的第一层次，进而面向个性化细分市场。这需要对不同性别倾向的家具在功能、外观、结构、尺寸、材料、工艺等方面进行分析总结，归纳出产品或其零部件在设计、制造的过程中的相似性质，以尽可能的减少产品内部多样化，扩大产品外部多样化，同时又能体现个性化，解决个性化定制与大规模生产之间的矛盾[10]。从而达到主流消费者所追求的平价化和个性化的平衡。

4结语。

任何创新都可来自于对传统的继承和发展，正如西方千百年来的家具设计，始终都没有超出古埃及家具创造者的想象。除了古罗马家具的男性化和洛可可式家具的女性化，典雅的新古典家具和古希腊优雅的克里斯莫斯椅等，无不反映出造型设计性别化特征的脉络。随着我国社会的发展和物质的极大丰富以及标准化生产带来的日益凸显的大众化问题，内在的精神需要越来越显得重要，成为现代家具设计的主要诉求之一，并形成一种明显的发展趋势。因此，西方古典家具造型设计性别化特征可以是现代家具设计的创新源泉之一，当加以借鉴为现代个性化家具设计提供思路。

参考文献：

[1][英]彼得弗兰科潘.丝绸之路[m].杭州:浙江大学出版社,.

[2]陈于书.家具史[m].北京:中国轻工业出版社,.

[5]许美琪.西方古典家具史论[m].北京:清华大学出版社,:165.

[7]郑哲.谈个性化家具设计的切入点[j].艺术与设计(理论),,(08):129.

[9]刘佳.为满足个性化需求家具企业营运模式的研究[d].北京:北京林业大学,.

[10]叶芳.大规模定制家具设计方法研究[d].昆明:昆明理工大学,:3.

古典舞论文（热门18篇）篇八

开始接触古典音乐，是因为耳熟能详的贝多芬，他苦难中创作的史诗般的交响曲和崇高的灵魂把我引入古典主义音乐殿堂；渐渐喜欢上古典音乐，是柴可夫斯基，强烈的感染力和充满激情的华美乐章让古典音乐融入我的生活；而真正爱上古典音乐，是巴赫，他用上帝的语言诉说，华美高雅而不做作，“好似清泉流淌过心灵的音乐”让感情在你还没反应过来时就已驻扎心底。

约翰·塞巴斯蒂安·巴赫，他的一生命运多舛，而天才往往在苦痛与磨难中诞生。巴赫的一生中，贫困和死亡像魔影般紧紧相随，9岁便因为父母相继去世而感受到死的阴郁。成为父亲后，又眼睁睁看着自己的11个孩子走进坟墓。巴赫为医治眼睛而进行手术，不仅没能重见光明，却击垮了自己的身体，在1750年离开人世。然而，在这样的生命中，他却从未放弃过对美好生活的追求，他秉承着人道主义崇高信念，创造了一首首富有人情味而生机勃勃的乐曲。

也许，是因为他是一名虔诚的基督教徒，上帝与他同在，他才没有被苦难击垮，他的音乐为教会服务，他的大多数作品都是宗教音乐。他始终认为音乐是“赞颂上帝的和谐声音”。然而正如法国音乐评论员所说“巴赫的创作并不是为后代人，甚至也不是为他那个时代的德国，他的抱负没有越出他那个城市、甚至他那个教堂的范围。”相比亨德尔，巴赫内向、安静，在音乐形式上他无意创新。这导致他在他逝世后的半个世纪里，他的音乐几乎无人问津。随着新的音乐风格的不断发展，巴赫的“旧式”乐曲曾一度声消音灭。然而，巴赫虽然没有形式创新，却谙熟当时那个时代的所有音乐形式，并对其中任何一种都能运用自如，达到炉火纯青。他在艺术上的旋律组合法的运用精通程度堪称前无古人后无来者，管弦乐作品变幻多样、感人至深。因此，1800年以后，在非宗教的时代里，人们开始重拾巴赫的乐曲，门德尔松指挥演出了他的《马太受难乐》后，巴赫开始在近一个半世纪名声大噪，他的音乐也受到了广泛的推崇。一直至今，巴赫作品结构的深刻性和复杂性总能给大家带来更多的魅力，也许这才真正的达到了古典音乐的高度，能跨时代的引起共鸣，而不是倏忽即逝。

巴赫的音乐如同上帝之语。歌德有段对巴赫音乐的评论十分精辟：“就如永恒的和谐自身的对话，就如同上帝创造世界之前，在心中的流动，我好像没有了耳、更没有了眼、没有了其他感官，而且我不需要用它们，内在自有一股律动，源源而出。”没错，巴赫的音乐揭露了创造性智慧无上自由的游戏。聆听巴赫，就会在内心深处开拓一条寂静的道路，让我们通向上帝的心。那是音乐与心灵的交互。最外与最内的结合，最宽广与最隐秘的结合，天与心的结合。

作为一名业余的音乐爱好者，我至今也不能区分一首曲子属于康塔塔、受难乐，或是前奏曲、幻想乐，亦或是协奏曲。提到c小调、g大调、咏叹调、赋格更是如同身在云雾。然而，正是这样作为一名纯粹的听众，才拥有对一支乐曲最直观、最中肯的感受和评价。

最早听巴赫的曲子是《g弦上的咏叹调》。当门德尔松在钢琴上把《g弦之歌》演奏给歌德听时，歌德说：“开头是这样的华丽庄严，使人可以想到一大群显要人物沿着长长的楼梯鱼贯而下”。也许，这是最接近神的感受，那份庄严肃穆，涤荡心灵。乐曲浓郁深沉，开始时速度缓慢，随着长音渐强，心随音动，如同轻声咏唱，仿佛上帝在倾诉。第二段声音起伏较大，迂回曲折，音调不断上扬，乐曲更加撩拨心弦，让人屏住呼吸，接受神的洗礼。最后再回归宁静，仿佛声声祝福，让人坚定信念，倍感希望与美好。听着听着，渐渐理解了《七宗罪》用《g弦之歌》作为配乐的别有用心。这首曲子是宽恕、是希望、是上帝之博爱。

接着，开始听小提琴协奏曲。其中，《a小调小提琴协奏曲》是最爱。第一乐章果断、有力，如上帝开天辟地。第二乐章旋律起伏如四季更替，时而狂风骤雨，时而细雨绵绵，时而电闪雷鸣，最后像经历了种种磨难后的超脱，终于回归平静。第三章，活泼而生动，成功的塑造了乐观、朴素、雅致而又虔诚的如巴赫般教徒的形象。整首曲子，折射出感性与理性、人与天、阳与阴、方正与曲折的辩证关系，最后回归巴赫本心。经过查阅资料，发现巴赫的曲子巧妙运用了复调手法。难怪如此回旋波折，前呼后应，让人来不及喘息，却撩拨人心。

如果说最好听的合唱是什么，我会毫不犹豫地选择巴赫创作的《b小调弥撒》。不得不说，这是一部有血有肉的史诗般作品，也是巴赫神学作品的重要体现。当那华美的乐章配上那灵性十足的声音，给人的震撼感无以复加。独唱和合唱间的强烈对比，男声与女声间的区分和配合，声部之间的交相呼应，直击人的心扉。其中让人印象深刻的要数《credo》那部使徒信经了。“简直像光辉的太阳一样，普照大地，听起来好似大自然，人类，星球和全宇宙都在歌颂上帝”。整部作品恢弘、庄严，它正是人类追求永恒真理时真实体现。

有人告诉我这么去听巴赫：先听通俗的小提琴协奏曲、大提琴奏鸣曲，找到他的音乐特点；再去听他的结构，如《意大利协奏曲》、《哥德堡变奏曲》；再听《平均律》、《六首组曲》这样的顶尖作品，体会自然中的情致。我觉得，听音乐并没有什么章法，打动人心的就去听，该体会的自然会体会。我不是一个宗教信仰者，但我热爱生命、热爱自然、热爱我所在的世界，我愿以乐观、平和追求世间的美好。巴赫的作品让我体会到了，所以我喜欢他的作品。仅此而已。

也许追根溯源，还要回到古典音乐的本质:那些具有优美或者奇特的旋律、具有崇高的情感力量或者神秘情感的激发能力、能给听众带来愉悦或者引发思考的经久不衰的作品，才能称之为古典音乐。作为非古典音乐原发地的我们，对古典音乐的追求，并不是因为它们的高大上而盲目的接纳，更多的应该是思考后的融入。

古典舞论文（热门18篇）篇九

摘要：音乐是人类富有精神价值的文化艺术，它和人的生活情趣、审美情趣、语言、行为、人际关系紧紧相连。它是表达人们思想感情、反映现实生活的艺术，它是人们的精神粮食，在社会中是不可缺少的。作为音乐中的瑰宝，古典音乐也在人们的生活中充当了重要角色。它集聚了大师们的思想和灵魂，凝聚了他们的辛勤和汗水。倾听古典音乐，就像是在抚慰我们的灵魂。时代在前进，但历史留给我们的珍宝也不能丢失。因此现在的人们需要重温古典音乐，让古典音乐不会因时代的改变而被抛弃。

中世纪（1450年前）。

这一时期主要是罗马天主教会所保存的在教堂中广为演唱的单身歌曲集。大多用于两种礼拜仪式：一是弥撒，歌词为纪念基督最后晚餐及其献身事迹，这是教堂仪式的中心；二是日课，就是修道院每天咏唱的八课圣事，主要以诗篇为主。

巴洛克时期（约公元1600—1750）。

这一时期的音乐是现代演奏会的先河。作曲家手下的巴洛克音乐带有显见的特性：华丽、复杂、藻饰、扭曲，着重于超现实和雄伟宏奇，这些特质都能彼此融会贯通。如果说文艺复兴时代（以及后来的古典时代）代表着井然的秩序和澄澈的表现，那么巴洛克时代（及后来的浪漫时代）就代表着骚动、不安和疑虑。四声部的和声，以及加上文字指示和弦的数字低音都产生与巴洛克时期。同时旧的教会调式消逝，大小调音阶系统和沿用至今的相关调性崛起。另外节奏思想也在这个时期萌芽。

古典主义时期（约公元1750—1820）。

浪漫主义时期（约公元1820—1900）。

也许有的人会说我不是不喜欢古典音乐，而是觉得它太深奥，自己不容易懂，因此就不会静心去听，慢慢地也就不会去听了。是的，古典音乐是大师们心灵与肉体的结晶，它具有高深层的含义，也许正是由于它那高深的精神境界让我们远离它。因此有的人不敢接受，许多愿意尝试接受它的人却又不知道该如何去欣赏它。

另外，古典音乐的曲目和演奏形式都太单调，又都太强调严肃性，也许是因为古典音乐需要一个严肃的氛围，但音乐本身就有严肃性，那么再加上它的宣传方式，那不就加大了古典音乐和人们的距离。当作曲家的经典作品像出土文物一样被开发出来时，就会被众多乐团和指挥大师们翻来覆去地演奏了一百多年，纵然经典作品数量众多，但毕竟还是有限，当一部作品被大量乐团演奏了无数遍，当一部作品被听众欣赏了无数遍之后，需求的减少也就成了必然。然而和其相比流行音乐曲目风格不断变化，数目也无限制，表演形式也多变化，正迎合了人们的兴趣。还有如果想要获得一张古典音乐会的门票是多么的难，也因为其票额高让很多人在音乐会场前止步。

还有随着社会的进步，古典音乐也受着商业化浪潮的冲击，但由于其不论是内容还是形式都不能迎合商业化浪潮，它也不会有利益可图，因此在商业化浪潮面前它是力不从心的。但怎么能因此将古典音乐逼向绝路。在诺曼。莱布雷的《谁杀了古典音乐》中指责音乐明星利欲熏心，经纪公司幕后操作，唱片业主唯利是图，从而联手将古典音乐推向死路。

其次，人们对音乐的欣赏还停留在表面，只听旋律而不感受其他的，因此那些欢快旋律的，朗朗上口的流行音乐便成了人们的挚爱。总之从外在的表征观察，古典音乐听众的老龄化，市场份额缩小；就社会支撑而论，体制运转不畅，财政危机四伏；以内在机制来说，曲目普遍保守，新作缺乏冲击。

四解决问题的办法。

在的古典音乐进入了转折关头，那么我们又该采取什么手段来保存我们宝贵的历史文化财富，我们该付出什么努力来拯救古典音乐。首先，就其本身而言古典音乐应该从宣传方式上减少它的严肃性从而缩短与人的距离。它可以用多样式的宣传方式来宣传，并且要用更加贴近大众的姿态来展示自己。另外，在拥有其本身的精髓的基础上，古典音乐应该努力与时代“合拍”，不仅仅与其他音乐进行沟通，而且也与当代的形式、技术、和生活发生联系。这样古典音乐也跟上时代的步伐，缩短和人们的距离。

其次，对于人们来说不仅仅要去聆听古典音乐，还应该从深层次上去品味，欣赏它，体味其内在的寓意。因此我们要加强古典音乐的欣赏的积极性，主动了解古典音乐，多听古典音乐，找出自己喜欢的类型，此外，自己除了在家聆听外还可以走进音乐会场感受真正的音乐盛宴。另外，对于青少年的古典音乐素养还要加强，在音乐教程中多加古典音乐曲目，在教授过程中要求学生明白基本的古典音乐知识点，学会聆听并自己对其内在的精华进行品味形成自己的思想。还应该从小培养儿童的古典音乐素养，这样日积月累对古典音乐进行正确的认识有很大帮助。

另外，在现在商业化浪潮的冲击之下，政府应该给予更大的支持。这样在便可以同那些古典乐迷一起保护这一文化。

让古典音乐重新焕发光彩不仅仅是乐音工作者的任务，每一个普通公民都有责任去拯救属于我们自己的灿烂文化。如今的社会繁华，喧闹，然而当耳朵里响着古典音乐时，闭上眼你会感受到一个纯净的世界，在这个世界里你会远离城市的喧嚣，烦恼，这就是古典音乐的魅力。古典音乐是心灵的音乐，因此我们要齐心协力将它带回现代生活，让它走进大众生活，让它重新绽放光芒。

参考文献：

古典舞论文（热门18篇）篇十

古典诗词如幽梦，携着皎皎月辉，向我走来。“明月几时有？把酒问青天。”苏轼的月是豁达的，他知道“人有悲欢离合，月有阴晴圆缺，此事古难全。”他用开阔的胸襟，容纳了他的月亮，发出了“但愿人长久，千里共婵娟”的美好祝愿。若说苏轼的月亮是一轮圆圆的满月，大气，那么柳永的月亮就是一弯细细的娥眉月，娇美。在“暮蔼沉沉”时，词人朦胧的身影出现在江边，他“执手相看泪眼，竟无语凝噎”，然后，词人发出了“杨柳岸，晓风残月”的感慨。一弯残缺的细月静悬空中，散出了孤独凄冷的光。

古典舞论文（热门18篇）篇十一

内容摘要：在东方“同情观”的影响下，形成了“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，二者深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。文章就这两个方面论述东方“同情观”对中国古典音乐审美思维的影响。

关键词：东方“同情观”中国古典音乐审美。

一、东方“同情观”对审美思维的影响。

“万物有灵观”是东方原始自然宗教的核心，是先民对外界自然物原初的看法。他们相信万物是有灵魂、灵性的，灵魂是不死的，人的灵魂在千变万化中可转变为各种动植物。因此，先民们认为，整个宇宙的万事万物是一个相互依赖、相互联系的统一体，动植物和人的生命在本质上是一体的，是同情同构的，是相互感应、彼此渗透沟通的，甚至是可以相互转换的，这就是东方的“生命一体化”观念。原始初民在深信各种形式的生命在本质上是一体的基础上，把客观存在的自然物、自然力加以拟人化或人格化，赋予他们以人的意志和生命，把他们看成是同自己一样的具有相同的生命和思想感情的对象。他们认为，那些活动量愈大的对象，物活感愈强，生命力和情感也愈充分。既然自然事物同人类的生命现象和感觉思维有相似之处，原始初民就以一种特别的眼光去看待外在自然，以一种特别的情感和心理去体验外部的世界。因此，他们不是孤立地、片面地看待外部事物，他们以己度物，以类比的、拟人的眼光去想象、猜测其他生物的活动，对植物与动物产生了“互渗”的、生命交感的“物我同一”“物我不分”的情感。这种“以同情同构、物我交感、物我互渗”的“同情”的结果，形成了自然物与人之间“生命一体化”的生命“同情观”。这种“同情观”影响着东方的原始初民审美观的形成，因此，在“万物有灵观”的支配下，根据万物的“同情观”，形成了东方的审美思想。

由于东方审美“同情观”就是东方审美的基础，所以，在“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，也就是说，东方审美最核心部分就是天人合一，关注人的生命，以旺盛的生命力的形式为美。这种人本主义的美学思想，同东方人本主义的宗教观念、东方人本主义的伦理观念一起构成了东方哲学思想的精髓。由此导致了东方民族无一例外地以生命为美，以生机盎然的动物、植物的形态为美的特点。埃及美学思想力求表达生命永恒的理念。印度美学中的“梵我如一”的人生理想，正是对人的生命无限延伸的渴求。印度大量性感的雕塑人像，也是表现性力崇拜和对健美的富于性感的肉体的赞美。日本美学可以说是森林美学或植物的美学，植物的生命状态成为日本音乐表演的基本姿态。中国美学中更是具有生命美学的特征。钱钟书在早年的美学论文中就认为，中国美学是人本主义的美学，它是“通盘的人化或生命化”。中国美学从生死崇拜的艺术造型到龙的意象；从建筑的飞檐到山水花鸟画；从民俗画中的枣子、石榴、莲子等意象到诗歌中的桃花、青松等形象，这些都象征着生命力的旺盛或生殖力的强劲。中国美学范畴中有许多范畴是以人体或植物的生命状态来命名的，如肌理、体性、气、气势、风骨、性灵、心、姿、形神等。可见，天人合一，以生命为美，以生机盎然的生命形式为美的观念，就是东方“同情观”影响下的东方审美思想。

二、东方“同情观”对中国古典音乐审美思维的影响。

在东方“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。

1.“天人合一”的和谐观念，影响着中国古典音乐中音乐结构的审美。

在东方“同情观”的影响下，古代的东方民族都强调人与天和谐相处，都追求“人与天调”，人与大自然和谐统一，即“天人合一。”而人生最大的理想就是自觉达到天人合一的境界。从《周易》到儒家、道家、释家都认为，人和自然，你中有我、我中有你，彼此都相融而无真正对立。他们或主张泛爱自然万物，或宣扬回归自然，都追求人与自然的和谐融洽。这种追求人与天调、亲爱自然的观念，对艺术审美有着非常深刻而强烈的影响。比如，关于音乐的构成，《礼记·乐记》曰：“感于物而动，故形于声，声相应，故生变。变成方，谓之音。比音而乐之，及干戚羽旄，谓之乐。”比如，庄子在《齐物论》里说：“天地与我并生，而万物与我同一。”

在中国古典音乐中音乐结构的审美，也体现着这种“天人合一”的和谐观念。受东方“同情观”中“天人合一”和谐观念的影响，中国古典音乐更多地借助其结构来表现天地自然和生命意识的一体化，更多地呈现出一种“游心于万物之初，天人合一”的思维方式和宇宙观念，由此而塑造着传统音乐家随机开放的以时空意识为先导的艺术思维品格，从而形成一种象征生命运动的主体文化心理的乐之随心结构范式。他们常常运用一种即兴性的自由变化的反复，主体的情感与心理变化随机发挥而又统一于结构之中，注重整个音乐进行过程中的感受与体验，故能给人一种浑然一体的整体美和自然性结构美的印象。所以，中国古典音乐一般是一种散体性的结构，它不追求内在的一种张力，而更多考虑的是一种自然的融入，注重对宇宙自然一草一木、一事一理细细嚼味的生命领悟和情感体验。它的结构犹如水墨画的长卷构图，自由而松散，虽然没有一个严格的整体布局，但却错落有致，通过音乐速度与节奏的疏密变换、对比与统一来体现其对音乐的合理组织，即所谓贵在意到情适。比如，《十面埋伏》琵琶古曲，曲式结构采用多段体和变奏的原则，但是音乐之间又有密切的联系，具有传统戏剧及章回小说的叙事特色。这种联系，不是靠逻辑和结构来进行整合的，而是自然的一种发展和变化，也就是我们通常讲的是情感的需要，变化的需要。

东方民族在“同情观”影响下，形成了“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观。这一特点在东方所有的审美形态上都表现出来，东方民族所产生出的经验性的审美范畴，几乎都染上了以健旺的生命形式来类比、象征地表达的色彩。比如，东方民族人体美的观念就是健康、性感、生动、姿态优美、服饰艳丽。对山水之美的要求是雄壮、气势、葱茏的植被；森林宁静而深沉，充满深意。最根本的是，在艺术表现自然与人的时候，无论是对对象的性质、形态还是其他形式因素方面的展现，都以旺盛的生命力和物活感为基准，来传达生命力之美和崇拜这种美的感情。

正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的'观念的支配下，才使得追求对生命本质的完美表达，对生活中生命情趣的自我表现，成为了中国古典音乐的重要精神内涵。因此，中国古典音乐均是通过身体与心灵的内在体验的方式去构建或接触音乐世界，以生命直觉体验去发现和把握音乐的内涵。所以，中国古典音乐重视情感和体验，重视从音乐结构到意境要体现艺术家用“心”去完善自身体验的心理过程；重视把“人”作为中心来加以强调的深层体现。中国古典音乐美学思维遵循的不是理性的逻辑思维程序，而是情感的、意愿的、欲念的趋向。在古代士人的观念里，音乐是心灵世界的直接产物，“音者，心声也”的说法就曾得到历代士人的拥戴。从对听者心灵的攫取来说，音乐由于是发乎人心，比语言要显示出更多的优越性，所以孟子说：“仁言不如仁声之入人深也。”也就具有普遍的代表性。可见，中国古典音乐就是由声构成音，由音构成乐，由乐表现为音乐的整体艺术。正如《礼记·乐记》中的《乐象篇》曰：“是故情深而文明，气盛而化神，和顺积中，而英华发外，唯乐不可以为伪。”这段话揭示了音乐极为丰富而又高尚的境界，它无疑是一种特有的文化内涵及人的生命力的表现，昭示着人类灵魂之真。《天闻阁琴谱》所记载的古琴曲《流水》，之所以被演奏者钟爱，就在于作者的内心世界对自然的静穆观照，以及同宇宙自然相与悠游所产生的体验境界，它所激起的不单纯是情绪变化，更是生命之道的超升。所以，乐曲虽然表面上是对景物的描述，而实质是借景抒情，体现着一种坦荡阔大的胸襟以及百折不回、勇往直前的精神境界。正如康斯坦丁诺夫《音乐美学原理》所言：“音乐拥有极完美的手段，以精确地组织音乐能够广泛引起那些情绪、感受和情感，并在那些情绪、感受和情感中反映特定时代的、社会阶层的、特定类型人所特有的复杂的人的态度。”正是在这种“以生命为美”“以生动生气的形态为美”的审美观念的支配下，中国古典音乐才走上了重神轻形，追求音乐中体现最高境界的精神内涵的道路。

综上所述，在东方“同情观”的影响下，东方审美以自然万物对人的生命是否有益有害为美丑的判定标准，形成了“天人合一”“以生命为美”的审美观和“以生动生气的形态为美”的艺术表现观，深刻地影响着中国古典音乐的审美思维。

古典舞论文（热门18篇）篇十二

摘要：无论是外来的古典音乐还是中华文明遗留下来的古典音乐，都是我们今天不可再生的精神财富与资源。古典的音乐可以带给人们对命运和未来无限的向往，留下不可磨灭的精神，但受各种原因的限制，我们的古典音乐并没有起到它应该起的作用，学校的教育对古典音乐的学习有严重的滞后性。因此根据社会的现状，提出强化初中校园古典音乐教育的几点看法，希望古典音乐能在初中的音乐课堂中得到普及。

关键词：古典音乐知识源泉初中音乐课堂音乐鉴赏。

在初中音乐课堂教学中，发现学生对古典音乐的学习基本没有兴趣，甚至较为反抗，很多学生都是心不在焉的状态。初中音乐教学课本里所选择的作品都是经过相关专家进行评估挑选，选择最具有代表性的经典作品，但是学生并没有对中国古典音乐有所兴趣。如今世界日新月异发展迅速，给世界带来了太多的影响，如同快餐一样的音乐文化认识有所偏见，不仅阻碍了平稳的古典音乐鉴赏教育，还影响开展古典音乐的发展和学习，使得很多优秀的古典音乐作品都没有很好的发展和普及。教育学家贺绿汀曾经说过，“音乐可教育和塑造中小学生的修养和文化，思想境界和道德品质，可以影响整整几代人，不应该被认为是可有可无，或者微不足道的”。因为中国古典音乐文化的博大精深，所以我们必须要进行有关古典音乐的教学，对古典音乐进行深入的探索，对现状进行调查，从而提高初中音乐教学质量，具备古典音乐教育服务的教学质量。

由于中学生缺乏对古典音乐的兴趣，导致学生缺乏对古典音乐审美的价值，他们更倾向于现代音乐歌曲的节奏、新奇、摇滚和流行，所以发现其背后的根本原因，才能有效解决中学生缺乏对古典音乐兴趣这一问题。教学过程是一个认知的过程，这个主题是基于科学的认识论和辩证法唯物论作为其哲学基础，理性的认识并且依赖于感性认识和理性认识发展。用哲学的基本理论，探索古典音乐教学方法，这有助于中学生对古典音乐的理解，也是掌握古典音乐知识的有效途径。根据“注重理解和兴趣喜好理论是影响教学质量的关键因素”的心理学理论，在教学中正确使用多媒体，将课堂教学呈现出立体化、生动形象的`表现形式，可以很好的改善学生对古典音乐课的兴趣，加强中学生对音乐的创新思维。音乐心理学的研究更注重人的声音、音乐的记忆、想象的音乐和音乐的感知，根据人的声音感觉的四个要素：音高、音色、强度，时值，利用这些物理特性来加强理论与实践之间的关系的现状。利用这些教学方法，来有效解决对古典音乐缺乏兴趣的问题，从而树立学生的课堂主体地位。

在初中音乐课堂中，教师加强与学生的互动，增强初中学生对古典音乐的认知。古典音乐本身具有独特的艺术价值，可以增长自己的艺术素养，培养感请，有助于发展成一个充满活力、积极健康的人。怎样在这个流行音乐肆虐的时代培养初中学生对古典音乐的兴趣爱好，是一个非常考验初中音乐教师教学水平的问题。对于这个问题，教师要不断进行进修培训，联系自己的课堂教学，在培训中进行思考。还可以寻求互联网上正确有效的信息，在学习过程中，完成了对中学古典音乐课的反思，并对学生教学效果的情况进行自我评价。而且在教学的过程中重点需要研究中学生不喜欢古典音乐的重要原因，设计一个有效的解决方法来形成一个教学提案，通过基准教学的比较，表现出课程的有效性，鉴于具体的问题，可以积极研究具体方法并寻求更有效的对策。

从初中教师的角度出发，初中生学生因为什么不喜欢古典音乐、怎样才能提高学生对古典音乐的兴趣，我们需要对文献的大量阅读，找出培养中学生对古典音乐喜爱的方法，并能提供参考价值。而且在音乐教学课堂中要进行时效性的观察，掌握教学的基本情况，制定相关的教学计划。还需要用调查问卷的形式，让教师填写问卷，找出教师认为初中学生不喜欢古典音乐的原因。最后根据以往教师的音乐教学经验，总结和探讨学生不喜欢古典音乐的真正原因，并研究设计一个可以突破的教学方法，再将设计的课程与之前进行对比，通过对比教学，研究课程的有效性。教师还要为学生建立个人档案，通过观察、调查、比较等方法，在学生艺术能力的认知和情感发展的过程中进行有效的记录。最后，通过研究整个过程中进行深度的总结及反思，促使学生努力提高艺术欣赏能力和音乐评价的能力。

从初中学生的角度出发，做问卷调查时我们应该以座谈会等形式对全体初中学生进行调查，探究学生对古典音乐的理解程度，并对学生不喜欢古典音乐的情况进行分析和归纳，使得研究和评价有重要数据支持。班长和学习委员协助教师精心设计和组织各类校园文艺活动，从而引导初中学生理解古典音乐，促进对古典音乐的兴趣和爱好。

目前，标准的初中音乐课程是提倡以音乐基础教学为主，以教师的指导方针，提出课堂的教学内容，注重培养学生的独立思考能力和独立解决问题的能力。

在初中音乐课堂中，如果发现学生不理解古典音乐，不知道如何去鉴赏古典音乐，那么教师应该善于结合学生实际情况来创设教学情境，这样就可以调动学生的学习热情，使学生主动投入到学习活动中，使得每位学生都可以实现更好的学习。而且学生置身于教学学习情境中可以发现自己存在的新问题，提高自己的思维能力与发现问题的能力，同时也可以激发学生对古典音乐鉴赏的学习兴趣，提高学习的目的性。为了让学生能对古典音乐感兴趣，教师也应当做一些学习计划，比如每周让每个学生选择一首古典音乐进行鉴赏，有不明白的地方可以随时联系教师，也可以推荐优秀的古典音乐作品，让大家在课堂一起探讨和解读；在音乐课堂上仔细品鉴古典音乐，慢慢去感受和欣赏。通过使用这些方法，不仅可以取得了良好的学习效果，初中学生对古典音乐也会有质的飞跃和量的提高，对于流向音乐有所减弱，而在古典和民族音乐有很大的发展。从而扩大学生对古典音乐的喜爱，开阔了他们的视野。

生做好鉴赏工作，因为利用鉴赏，学生可以熟悉学习内容，发现自己不能解决的问题，在听n时才能具有较强的针对性。但因为学生对古典音乐的兴趣不是十分浓厚，需要教师及时引导学生掌握其鉴赏的方法，使学生意识到鉴赏的重要性，形成良好的音乐鉴赏习惯。才能使初中学生在音乐鉴赏的过程中不断提高自己的自主学习能力，学会独立思考问题，同时也可以激发学生的主观能动性，教师利用引导学生奖赏也可以为备课作好准备。初中音乐教师也应该树立目标意识，可以使自己的教学活动有着较强的针对性，不但可以提高学生的学习效率，而且也促使教师及时转变教学观念，创新教学方法，重视调动学生的学习积极性，真正将学生作为学习活动的主体，发挥学生的主观能动性，使学生主动投入到学习活动中，创建高效数学课堂。让他们感受到古典音乐的美，原意去享受古典音乐，在我和学生的共同努力下，更好地诠释古典音乐，在研究中可能会出现失误，但我会在今后的工作学习中努力查找不足。

[1]曹大华.初中音乐课堂教学兴趣的培养探究[j].科技视界，20xx（33）：2.

[2]郭新秀.提高初中音乐课堂教学效果实验的探究[j].学周刊，20xx（11）：3.

古典舞论文（热门18篇）篇十三

一直以来，古典音乐与流行音乐便是两个不同的音乐流派，各具特色与魅力，然而音乐本就是相通的，因此流行音乐和古典音乐也自然存在其相似之处，如果能将古典与流行相结合，便可以将两者之间的独特价值充分发挥，去弥补各自的局限，两者相得益彰，从而焕发出新的魅力。本文试分析大学音乐教学中古典与流行的结合路径，旨在为高校音乐教学的发展提供理论支持。

“古典音乐是一种音乐类型，通常我们认为是从西方中世纪开始至今，在欧洲主流文化背景下创作的西方古典音乐，创作技术复杂多样，承载的内涵厚重深远。流行音乐则正好与古典音乐相对，指那些结构短小、内容通俗、形式活泼、情感真挚，并被广大群众所喜爱，广泛传唱或欣赏的音乐类型。”［1］古典音乐与流行音乐的不同特点导致其出现了阳春白雪和下里巴人的局面。古典音乐格调高雅、品位独特，其鉴别与欣赏需要在音乐上具备一定修养或敏感度，且其结构复杂、技术多样，很难被传唱或演奏，因此受众有限；而流行音乐更符合大众的口味，所以传唱广、受众多，然而因为内容通俗，所以质量上往往参差不齐，难登大雅之堂。因此将古典音乐与流行音乐合二为一，可以各取所长、各补其短，两者相得益彰，避免了局限性，从而形成一种更为独特的音乐类型。目前这种尝试已然有之，然而大学音乐教学中如何跨越多方面隔阂，将两种音乐类型相结合，还处于尚未成熟的阶段，需要更多更好的结合路径，来促成音乐的融合。

（一）音乐类型过于风格化。

尽管音乐是相通的，但是音乐类型之间仍然具有极大的差异，而古典音乐和流行音乐在很多特点的表现上则是完全对立的。例如音乐格调，古典音乐传承经典，更具内涵，而流行音乐贴近生活，内容浅显，因此两者在结合时必须充分把握其相同之处继而进行有效融合，而不是一味地将古典音乐与流行音乐合并，那样只会破坏了其各自具有的艺术魅力，不能使之焕发新的生命力，导致乐曲不伦不类。独具风格的两种音乐类型想要结合，就必然要花费时间精力去摸索全新的可能性，当不同风格的音乐类型结合时才能产生出一加一大于二的理想效果。

（二）学生的音乐鉴赏能力不足。

无论是古典音乐还是流行音乐，在开展音乐教学时都无不考验着学生的音乐鉴赏能力，如果学生的音乐鉴赏能力强，就很容易分辨出音乐的类型、技巧、风格、情感内涵等，这其中，能够辨出音乐的情感内涵最为重要。古有钟子期于汉江边闻琴音，发出“巍巍乎若高山，洋洋乎若江河”的感慨，促成“高山流水觅知音”的佳话，可见，音乐作为情感的载体，需要学生从中体味出附着在音符中的“精神与灵魂”，大学音乐教学进行古典音乐与流行音乐相结合时，对学生的音乐鉴赏能力要求更高，然而目前我国很多大学的学生在鉴赏音乐方面还欠缺一定的悟性，没有良好的音乐基础和功底，导致在鉴赏音乐时难以把握音乐的美感，尤其不能分辨古典音乐，给两者的结合带来了一定的困难。

（三）大学音乐教师的教学能力不足。

想要结合古典音乐和流行音乐，就意味着授课教师要同时了解、熟悉甚至精通这两种音乐类型，并且能够找到两种音乐类型的共同之处，这样才能为其找到相融合的切入点，让两种音乐类型形成一种令人耳目一新的音乐形式。然而，目前部分大学在音乐教学方面设置的门槛较低，所以很多音乐教师的教学能力和专业素养并不强，有的老师往往只精通一种音乐类型，在进行音乐结合时会缺乏教学方法，有的老师甚至备课不精，对自己教授的内容不甚了解，使其难以把握古典音乐与流行结合的精髓，为课程的讲授带来了诸多不便，造成了阻碍。

（四）音乐设备不完善充足。

古典音乐与流行音乐的结合不能只停留在理论层面，而是应当有所实践，教师想要在大学音乐教学中渗透古典音乐与流行音乐的'结合内容，就必须带领学生进行操作。然而古典音乐与流行音乐都需要以乐器来磨合碰撞，其中最具代表性的便是钢琴、小提琴，然而这些乐器价格高昂，很多大学并没有为学生配备充足完善的音乐设备，往往只准备一架电子琴，这也给两种音乐类型的结合方式带来了一定程度的局限。甚至有的学校，教师干脆只采用讲授法为学生单纯传授理论知识，导致课程深奥、乏味，学生们逐渐失去了听课兴趣，更无法感受到音乐的魅力。

古典音乐与流行音乐各具魅力、韵味独特，如果想将两者结合到一起，必须所行得法，否则便是随意地将两种音乐类型乱掺一气，不仅导致两种音乐类型都丧失了原有的魅力，甚至会使其不伦不类。想要有效结合古典音乐和流行音乐，就需要从以下几个方面着手。

（一）完善学生对古典音乐和流行音乐的认知。

目前，就学生对音乐的价值取向来看，大部分学生比较认可流行音乐，无论是谁，都听过或能哼唱诸多流行歌曲，但很大程度上源于流行音乐脍炙人口、传唱率高，而只有一部分学生能够分辨出流行音乐的情感意蕴，其实很多流行音乐并非单纯的“口水歌”，而是能够传递出极为深刻的情感思想，很多歌曲抒发的对往日情感的追溯，以及对逝去时光的无奈感慨，实际上是每一个人都曾有过的感受，对生活细心的学生能够敏锐地去把握流行歌曲的价值，体味个中的滋味。然而缺乏悟性的学生就需要老师去引导启发，使之能够不断完善对流行歌曲从感知技巧到感知情感的过程。另一方面，古典音乐由于鉴赏门槛高，导致很多学生对其“欣赏不来”，认为“太无聊”“不好听”“不接地气”，其实这都是对古典音乐的错误认知，古典音乐更容易激发人们的情感共鸣，“比如经典曲目《回家》，当悠扬的旋律响起，人们的脑海中便马上迸发出回家的渴望，对于远在家乡之外的游子，更能产生与亲人团聚的热切期盼”［2］，这充分说明古典音乐并未因为格调高雅而脱离我们的生活，正相反，其与我们的生活是紧密相连的。所以教师应该完善学生对古典音乐的认知，使其对古典音乐报以端正的学习态度，更好地去挖掘古典音乐的魅力，继而将两者更好结合。

（二）教师不断完善个人教学能力，丰富教学形式。

正所谓“教学相长”，教师在面对新的教学挑战时，应该从几方面对自身的教学进行加强，首先，教师应该不断完善个人的教学能力，要想进行古典音乐与流行音乐结合的教学，就必须对两者的音乐风格、音乐特点、音乐起源、音乐典型、音乐发展、音乐演奏有所了解，并且不断深化精进，只有这样，才能娴熟地驾驭两种音乐，并完成两种音乐的结合教学。如果只停留于理论层面，那么所有的教学都将是纸上谈兵。其次，教师应该不断提高自身的教学修养，精心备课，在教学内容和教学形式上有所完善丰富。在准备教学内容时，教师应该与时俱进，充分了解学情，尽量避免用学生们生疏的曲目，而是选择大家比较耳熟能详的名曲，甚至在选择时可以“投其所好”，多选择一些当前学生们比较喜爱的歌星，这更利于学生去领悟和感受。另外，教师应丰富教学形式，将传统的讲授式课堂转变为丰富多彩的教学情境，利用多媒体、合作探究等为学生呈现活泼生动的课堂，消除学生对音乐学习的恐惧心理。不仅如此，大学音乐教师还可以通过校方的支持帮助，将课内教学延伸至课外，通过举办一些“当古典走入流行”主题活动比赛来让学生们自行创作表演，既能够激发学生的积极性，又能够提高学生的音乐水平，提高学生对古典音乐与流行音乐相结合的能力。

（三）学校加大对音乐教学的投入力度。

大学校园如果想有效地开展古典音乐与流行音乐的结合教学工作，就必须充分认识到实践的重要性，如果只讲理论不去操作，那么音乐将难以发挥其所具有的功效，“音乐教学是大学生素质教育中的重要组成部分，通过对大学生音乐素质的培养，不仅能够实现其思想意识的提升，更能陶冶情操、健全人格，帮助大学生丰富情感，树立正确的价值观、人生观。”［3］因此音乐教学不能纸上谈兵，所以面对当前教学设备不足、教学场地窄小等情况，学校应该拿出全力支持的态度，首先完成各项硬件设备的补充，让教师和学生都能对古典音乐与流行音乐的结合付诸实践，其次，学校应该拿出重视的态度，在教学考核上加大力度，使学生们对音乐学习更为投入。（四）利用互联网信息技术进行强化“互联网信息背景下，所有的教学行为不再囿于学校课堂，而是遍及生活的方方面面，大学音乐教师应该做到与时俱进，充分利用现代化手段来强化学生的能力，充分做到将古典音乐与流行音乐相结合。”［4］首先，教师可以让学生灵活应用音乐编制app，在没有乐器的情况下使用音乐制作软件来进行操作，其次，教师可以让学生把完成的作品发布到各大社交平台，利用平台的交流互动功能来提高自身的音乐结合与创作能力。在老师的指导和帮助下，学生可以通过类似“抖音”一类的平台上传自己完成的古典音乐与流行音乐相结合的作品，平台全体用户都可以点开作品聆听并评论，学生可以在评论中发现有价值的建议和批评，继而在下一次尝试时有所改进。而点赞、转发、支持评论也可以激发学生的创作积极性，继而更好地投入学习。

“音乐是一种美的享受，是一种灵魂与灵魂之间的交流碰撞”［5］，无论是古典音乐还是流行音乐，都是内心真挚情感的映射，能够唤起人们情感之间的共鸣，只有用发现美的眼光和领悟美的心态，才能去体味这两种音乐类型的精妙之处，也才能将两者更好地结合。大学音乐教学中古典音乐与流行音乐的结合，对教师和学生而言，都是一种去感知音乐独特魅力的过程，只要采用有效的路径，就能让音乐拥有新的生命力，焕发新的光辉。

古典舞论文（热门18篇）篇十四

古典舞论文（热门18篇）篇十五

在这个学期里，我的选修课是罗伟老师所带的古典音乐鉴赏，当初选择这门课的原因，主要是在“鉴赏”二字，现在，我们大部分人都比较喜欢流行音乐，很少有人去听那些古典音乐，更不要去提及其鉴赏了，所以，我是带着好奇心与乐趣而选的这门课，通过学习，我收获了很多很多。

古典音乐就是欧洲从巴罗克时期一直到20世纪初期在欧洲文化背景下所创作的音乐。古典音乐主要有两个派别：古典主义（古典派）/浪漫主义（浪漫派）古典主义：这些音乐很严谨，大都是宫廷音乐。像莫扎特、海顿、勃拉姆斯都属于古典主义。在这之前的巴罗克时期，最有名的是巴赫。浪漫主义：不像古典主义那样严肃，演奏者可以根据自己对作品的理解去处理力度、时值等等。所以一千个人演奏可能就有一千个版本。肖邦、柴可夫斯基、施特劳斯等等都属于浪漫主义。再来看一下朗文辞典对古典音乐的解释：musicthatpeopleconsiderseriousandthathasbeenpopularforalongtime。可见，古典音乐是历经岁月考验，久盛不衰，为众人喜爱的音乐。如此看来，译成”经典音乐“的确更妥当一点。只是大家都说惯了，要改口总觉得别扭，还是称其为”古典音乐“吧，要怪只怪当时第一个翻译的人，怎么没想到“古典”会带来这么多的误解。还好，没有意译成”严肃音乐“，否则真的是要贻笑大方了。

在学习的过程中，罗伟老师主要以莫扎特，巴赫，贝多芬为例，来给我们讲古典音乐鉴赏。

莫扎特（1756年1月27日---1791年12月5日）出生于德国神圣罗马帝国时期（現在的奥地利的萨尔兹堡salzburg.），是欧洲最伟大的古典音乐作曲家兼演奏家之一，也是维也纳古典乐派的代表人物。莫扎特不仅是古典音乐的杰出大师，更是人类历史上极为罕见的音乐天才，有“音乐神童”的美誉，他的作品主要有唐璜、费加罗的婚礼、魔笛、安魂曲。

古典舞论文（热门18篇）篇十六

摘要：古典主义时期是欧洲音乐历史发展的里程碑阶段。

受启蒙运动的影响，古典主义的艺术大师们对音乐构思中的理性精神和逻辑进行了探讨，并使得情感在音乐中得到更加适度的表现。本文从当时歌剧领域和启蒙思想的理性精神两个方面，来探讨启蒙运动思想对欧洲古典音乐的影响及带来的变革。

关键词：启蒙运动；古典音乐；喜歌剧；理性精神。

古典主义时期是西方音乐史上的一个重要阶段，这个阶段深受欧洲启蒙运动的影响。发生在资产阶级革命时代的欧洲启蒙运动，引导着新思维不断涌现，它和理性主义等思想一起构成一个长期的思想革命和文化运动的主要内容。启蒙运动的影响覆盖了自然科学、文学、哲学、教育学、伦理学、政治学、经济学、历史学等各个知识领域。18世纪中期，随着工业革命和科学技术的发展和法国大革命的影响，欧洲的社会发生了深刻变革，英国资产阶级革命的胜利标志着欧洲进入资产阶级革命时代，当时法国是强大的封建集权国家，资本主义工商业发达，资产阶级队伍不断壮大致使资产阶级所需要的权利也随之膨胀，但是随着资本主义的发展资产阶级与封建阶级统治者之间的矛盾日益激化，资本主义只有打破封建制度的束缚与羁绊并冲破封建的藩篱才能找到出路，启蒙运动也正是这种社会局势在思想上的真切体现。

启蒙运动作为一场资产阶级的革命首先兴起于西欧，之后波及到欧洲大多数国家，最后影响到全世界，并孕育和推动了资本主义、社会主义的形成，是继文艺复兴以来的第二次大规模的思想解放运动。它反对封建制度与教会神权，比文艺复兴更强调“人”的作用，“人”的解放，它主张人的理性推理可以作为知识来源，高于并独立于感官感知，以“人”为中心，回归自然，追求共和、民主、权利、自由、平等、博爱，讲究普世性，推崇建立一个以“理性”为基础的社会，人的理性分析和推理成为分析问题、解决问题的主要途径。

音乐是一种文化，一种思想，它并不是空中楼阁，虚无飘渺。受到启蒙运动影响的音乐家也走出宫廷深院的大门，为新兴发展起来资产阶级构思创作，于是音乐的令人愉悦、容易理解和感情生动等品质，成为音乐美的准则，这是启蒙思想融入了音乐创作中的体现，如启蒙运动的代表人物卢梭等思想家的理论，会让我们更好的了解启蒙运动时期的音乐特质，更加了解这个时期的音乐家的创作与之前的巴洛克音乐和之后的浪漫主义音乐产生本质差异的原因。卢梭在政治上提出了“社会契约”论和“人民主权”说，猛烈抨击封建王权，认为统治者如果反对民意、侵犯人权、践踏人民的公共意志，人民就有权推翻他，政府应该着眼于个人权利的平等，而不是保护少数人的财富和权利。不管任何形式的政府，如果它没有对每一个人的权利、自由和平等负责，那它就破坏了作为政治职权根本的社会契约。人民的意识不仅在卢梭的政治思想中得到了深刻的体现，同时在他的歌剧美学思想中有着更加令人惊喜的体现。另外，法国著名的思想家孟德斯鸠提出的三权分立学说、天赋人权学说，明确的显示了他强调人民权利的思想。本文选取两个在音乐领域中最能体现启蒙思想影响的方面来探讨启蒙思想的影响在西方古典音乐中的渗透。

历史上著名的三次歌剧改革之争只有以瓦格纳为中心的改革与启蒙思想没有关联，而以卢梭为主要代表的喜歌剧之争和以格鲁克为中心的歌剧改革都与启蒙运动的思想有着密切联系。传统意大利歌剧在发展过程中，受贵族听众需求的影响，变得越来越偏重音乐性，尤其是在咏叹调等体现人声线美感的独唱段落中段落式炫技的性质不仅显示了歌唱家的高超歌唱技巧同时也极大的满足了听众的听觉感官。但是这种“音乐性”却发展为一个极端：歌唱家为了炫技而歌唱，不再真切抒发情感，不再有进入角色的表演，也不再注重体现音乐要表达的思想，使音乐逐渐失去了它应有的意义。这种极端的音乐表现形式过于僵化，缺少情感的音乐无异于缺少灵魂，于是听众对这种音乐也开始逐渐的放弃。于此同时佩尔格莱西的喜歌剧剧目《女仆作夫人》于1752年在巴黎上演，而这部喜歌剧剧目新颖、生动的特点立刻使已经疲惫的人民精神振奋，欣喜不已。在喜歌剧受卢梭和部分统治阶级以及广大民众的热烈拥护的背景下，西方音乐史上法国大歌剧派和意大利喜歌剧派著名喜歌剧之争便由此上演，为此，卢梭还自己创作了一部喜歌剧——《乡村卜者》。

“喜歌剧”是指18世纪上半叶在启蒙主义思潮影响根据意大利幕间剧的基础产生的，喜歌剧是反对意大利正歌剧的“装腔作势”并追求“自然”的歌剧体裁形式。喜歌剧的题材通常取自日常生活，音乐风格轻快幽默，这也就造就了喜歌剧的重要特质：喜歌剧不再反映王公贵族的生活而是以平时生活中的小人物、社会中下阶层为主要表现对象；表现人们熟悉的生活场景、细致描写人物的性格特点，具有喜剧因素，结尾往往是团圆或胜利；它的音乐轻快活泼，常用本民族语言表演，戏剧情节简单，人物精炼等；剧词幽默、口语化，音乐也十分生动多样，喜歌剧充分表现了人民的真实生活、人民的喜怒哀乐，更重要的是在这种歌剧的主题中，一般都会对小人物进行赞扬，赞扬他们聪明、热情、公正、智慧，拥有巨大的力量，总是能战胜邪恶势力，取得胜利。

卢梭的歌剧美学思想与喜歌剧的特质一致，他力图表现平民世界的美，所以在他创作的《乡村卜者》中的人物多数为穷苦的人；他在音乐风格、音乐语言上力求单纯、朴实、自然清新的`乡土气息；音乐旋律追求简单，朴实无华，没有复杂的对位与浓重的和声，平易近人，通俗易懂。他强调音乐要模仿自然的旋律，模仿语言声调和语气。“自然”不仅指自然界，还指自然人的本性，没经过文明社会污染的人的纯朴、自然的热情。音乐对自然的模仿就是对人纯朴的热情进行模仿，音乐的感染力也正在于用“热情的抒写激起我们的热情。”法国评论家圣。勃曾说：“没有一个作家像卢梭这样把穷人表现得卓越不凡。”启蒙运动思想就是这样清清楚楚在歌剧中有了它的体现，喜歌剧的内容、形式、所表达的情感，无一不说明启蒙思想对音乐的影响。

在18世纪的意大利正歌剧过份注重美声、炫技性而无视戏剧性的背景下，一些艺术家也开始思考对正歌剧进行改革。格鲁克是其中重要作曲家之一，他早年主要创作传统风格的意大利歌剧。18世纪50年代，受歌剧改革浪潮影响，他先后创作了《阿尔切斯特》《奥尔菲斯与尤丽狄茜》等歌剧，在这些歌剧的创作中他实践对歌剧改革的一些设想。他的观点主要体现为：在歌剧中，声乐要去除不必要的装饰，音乐必须随着剧情的发展，简洁自然地表现出来；太多的咏叹调，会破坏剧情的连贯性；歌剧序曲的基调应与整个戏剧的基调相吻合；歌剧音乐应该追求清晰和简洁的原则。而格鲁克歌剧取得的成功也证明了这些观点的价值，《奥尔菲斯与尤丽狄茜》中的咏叹调“我失去了尤丽狄茜”等唱段，至今仍被音乐界视为既富于美感又简洁明晰的佳作，奥尔菲斯下冥府拯救妻子的场景则以音乐和戏剧的浑然一体而动魄感人。格鲁克在18世纪70年代又创作了《伊菲姬尼在奥利德》《阿尔米德》和《伊菲姬尼在陶里德》等优秀的歌剧，这些歌剧的美学观点启发着后世许多著名歌剧作曲家的思考和探索。

理性主义精神是承认人的理性可以作为知识来源理论基础的一种哲学方法，主张人的理性高于并独立于感官感知。

启蒙主义者认为“理性”是人们思想和行为的基础，他们呼唤用理性的阳光驱散现实的黑暗，批判专制主义、教权主义，号召追求政治民主、权利平等和个人自由。启蒙运动文学家痛斥想象和飘忽无常的情感，认为凡是天生的事物总是符合理性的，是永恒并且真实的。在这种思想与主张的影响，西方古典音乐开始强调人类理性，并着重于反映资产阶级新兴市民的精神面貌，主张音乐要从宫廷、教堂走入平民百姓的世俗生活。音乐文化的发展在渗透人类理性的基础上也极大地受到了当时时期平等、自由、博爱，尊重科学、尊重人权、提倡个性解放等主导思想的影响。因此，在古典时期的音乐中最突出的特点之一是：在情感表达与理性的形式美中更注重后者，尤其体现在结构形式方面。古典主义时期，人们更多提倡清晰的主调音乐，逐渐不再喜欢复调那种繁复的音乐风格，这便更加突出了旋律与和声这两大音乐要素。对称的段落结构和清晰的音乐旋律句法取代了巴洛克音乐动机加变奏的装饰性旋律方法。古典音乐结构形式中，作曲家更加乐于运用带有抽象辩证思维的奏鸣曲式并使它成为几乎无处不在的音乐形式，独奏奏鸣曲、三重奏、四重奏、五重奏等音乐形式出现在私人客厅里；五人以上的合奏也作为宴会、婚礼背景音乐出现；小夜曲、嬉游曲也都在这个时期发展起来。当由庞大的管弦乐队演奏的交响曲从宫廷的娱乐转向了面向大众的音乐会时，它便融入了时代精神的内涵，器乐音乐的意义得到了升华。

启蒙思想认为理性是组织、分析的基础，同样，在音乐艺术中，古典主义音乐家的音乐创作也是如此，格鲁克、海顿、莫扎特和青年时代的贝多芬等音乐家对影月形式的理性与逻辑做出了探索，使作品更加完美地表现了情感。音乐大师海顿认为艺术的真正意义在于使人幸福，使人得到鼓舞和力量。他的这些思想也体现了启蒙主义中以大众为中心的思想，明显的体现出启蒙思想在其音乐创作主张中的渗透；莫扎特是是西方音乐史上最富有智慧的音乐家，从他笔下涌流出的音乐具有古典美，是艺术的一种升华，同时他以其多面的杰出才能推动了古典风格趋于完美；时代的音乐巨人贝多芬完善了古典主义风格，他的音乐充满时代斗争精神和高度个性，最终，他的音乐超越了古典主义精神，他也成为19世纪浪漫主义的引路人。

通过分析此阶段的音乐作品笔者发现，在他们的创作中内含着严密的逻辑思维的运用和对结构的清晰安排。音乐上的奏鸣曲式在他们的笔下走向成熟阶段，直到现在我们还在津津有味的分析着这些作品的绝妙结构。古典主义与浪漫主义不同，浪漫主义的作曲家们更加有自己的个性，这种个性只是体现他一个人强烈的情感，这种肆意的宣泄、心理的瞬间变化，使他们创作时不可能再有一个完美、对称、均衡的形式，为了更能抒发情感，他们可以随意的打破秩序，音乐成为表达主观情感的工具。而古典主义音乐是在理性的控制之下来创作的，音乐家把音乐作品本身当作自身存在的客体，追求创作中思想逻辑的清晰，主题的明确和形式的完美，它的效果是明确客观的。他们注意旋律的优美、追求精湛的技艺和细腻的感情，讲求作品整体的秩序、协和、比例以及对情感表达的控制。准确地呈示、合理地发展、自然地再现，绝对控制着全局、种子动机的铺垫和一步步发展、戏剧性的冲突与矛盾的制造、高潮的到达、音乐的目标感都是作曲家主要考虑的问题，这些问题也充满了对理性的思考。

诚然，启蒙运动是一场思想上的运动，而音乐却也恰恰是思想的表现方式之一。于是我们看到音乐创作与启蒙之一思想紧紧联系起来，那个时期的古典音乐处处都能感受到启蒙思想的气息，体会到启蒙运动的精神和理性精神的光辉。

上面内容所说的只是启蒙运动思想和古典音乐的关系最具代表性的其中两个方面。当然，这只是在用文字进行分析，摆在这里看起来似乎很简单，但实际上却绝非如此！我们说喜歌剧体现人民的力量，说它接近人民，表现人民心声，这只是内容和经验的总结，至于它是如何地体现、怎样地接近，还要我们实实在在的去听那些至今闪烁着光辉的大师们作品、观看那些大师们作品，用心体会那些作品；我们说古典主义音乐曲式结构多严密、多清晰、多有目标感，也不能只是纸上谈兵，要想真真切切明白这一切，同样需要我们去听那些优秀的作品，分析那些旋律优美的乐谱，用“理性的精神”去认知、感受。

参考文献：

[1]于润洋主编。《西方音乐通史》。上海音乐学院出版社，20xx年版。

[2]修海林，罗小平。《音乐美学通论》。上海银与出版社，1999年版。

[3]朱立元。《西方文论教程》。高等教育出版社，20xx年版。

[4]朱光潜。《西方美学史》。人民文学出版社，1963年版。

[5]孙美兰。《艺术概论》。高等教育出版社，20xx版。

[6]李泽厚。《音乐美学史》，人民音乐出版社，1978年版。

古典舞论文（热门18篇）篇十七

音乐欣赏是音乐教学中的一个重要学习领域，在学校音乐教学中，音乐欣赏教学占有十分重要的地位。音乐是善于表现人们的情感，并能引起情感共鸣的艺术形式。音乐教学要创设与乐曲表现内容相适应的教学情境，激发学生的情感。综合教学有利于培养学生的艺术通感能力。

音乐欣赏是音乐教学中的一个重要学习领域，音乐是听觉的艺术，音乐的创作、演唱、演奏最终是为了听。在学校音乐教学中，欣赏教学占有十分重要的地位。各项音乐教学活动都是围绕着欣赏来进行的。

先进的科学理论和技术，是值得我们学习和借鉴的，但这并不能抹煞本民族文化的灿烂成就，相反，我国民族文化结晶也是世界文化宝库中的重要组成部分，也需要而且应当被我们后人所继承和发扬。培养学生热爱民族的音乐艺术，激发学生对民族的自豪感和自信心，这是音乐教育的目的之一。中华民族具有丰富多彩、悠久的民族音乐文化，在音乐教学的歌唱等活动中只能接触到其中的一少部分，音乐欣赏则可以让学生熟悉、了解民族音乐文化。音乐教师在这个传承与发扬的过程中，应该起到穿针引线的作用。

在音乐教学活动中欣赏中国著名的古典音乐《阳关三叠》、《渔舟唱晚》、《梅花三弄》时，我们采用情感导入、情境创设、艺术综合三种教学手段让学生理解、接受和喜爱民族音乐。

《音乐课程标准》明确指出：“音乐教育以为核心，主要作用于人的情感世界”，“在音乐教学中要把情感，态度与价值观放在首位，突出情感。”［2］可见，音乐是善于表现人们的情感，并能引起情感共鸣的艺术形式。教师应有立足于学生情感、以人为本的教学思想，真正寓美育于音乐教学之中。

学生对通俗、流行音乐有浓厚兴趣，课本上的内容已远远不能满足他们瞬息万变的精神需求，既然我们无法阻挡流行音乐对校园音乐领域的侵入，何不顺水推舟，用一些优秀的、适合学生的流行音乐，在课堂上进行交流、探讨，并教会学生选择健康的、适合自己年龄的音乐。对于校园流行音乐，与其进行适得其反的遏制，不如正面引导。

《阳关三叠》又名《阳关曲》、《渭城曲》，是根据唐代诗人王维所作的七言格律诗《送元二使安西》谱写的一首著名的艺术歌曲，原诗是：“渭城朝雨浥轻晨，客舍青青柳色新。劝君更进一杯酒，西出阳关无故人。”表现了诗人对即将到关外的朋友恋恋不舍的情谊，寄托了对友人无限的关爱之情。

本课的导引，我是这样设计的：

导引：播放通俗歌曲，周华健演唱的《朋友》。

师：你们怎样理解“朋友”这个词语？

生讨论并举手回答。

师：现在让我们来感受一下古人对朋友的情谊。

播放合唱《阳关三叠》，对比：古人和现代人对待友情的方式。

古人——劝君更进一杯酒，西出阳关无故人。

现代人——一生情，一杯酒。

古人一句“劝君更进一杯酒”既显出豪气，又道出对友人的不舍，如今的“一生情，一杯酒”，又是对友情的.一种感悟：朋友之情犹如杯中之酒，越久越浓。二者都把友情寄托在了酒里。

在本堂课中，我用学生容易接受的通俗音乐作为导引，为他们在古典与通俗间架起了桥梁。

音乐教学中的情境创设，是一个吸引的过程，良好的教学情境可以感染学生，使他们产生浓厚的学习兴趣，积极投身到音乐实践中去，促进情感体验。

新的音乐课程标准在《关于教学内容》的几点提示中指出：音乐教学要创设与乐曲表现内容相适应的教学情境，激发学生富有感情的表现力，调动每个学生参与的积极性，培养学习音乐的信心，使他们在欣赏过程中受到美的愉悦，美的熏陶。

如：《渔舟唱晚》可以用三幅画将整首乐曲连接起来：第一幅：湖滨晚景；第二幅：渔歌飞扬；第三幅：湖边月色。

教学过程：

1。结合三幅画听全曲，并为乐曲分段。

2。分段听赏，体会每段画面和情境的不同。

第一段：安静；第二段：热闹；第二段：安静。

3。用手里的乐器和模仿每段的音响效果。

第一段水声较弱，用报纸模仿水声。第二段学生可以自己设计船桨划水声，启发学生还会有什么声音，可以有人声，有很多船靠岸，船上人的讲话声。

4。用自己设计的音响效果和音乐。

用图画和音响让学生身临其境，理解曲中意境，对于学生来说，要理解中国古典音乐，这应该是行之有效的方法。

在教学中提倡综合教学法，把其他学科如文学，当然更少不了音乐的姊妹艺术如舞蹈、戏剧、影视、，有机融合于音乐教学中，“即以共同的要素实现各学科的沟通和连接，这种综合有利于培养学生的艺术通感能力，而达到超越种种感官的特异性而上升到相互沟通和相互替代，比如听到音乐产生视觉表象，看到形状色彩，产生冷热轻重的感觉”［4］。

诗、画、乐合为一体的教学，如：《梅花三弄》。

导引：

1。播放群舞《梅花》。

师：大家看出这段舞蹈表现的是什么吗？

生：梅花。

师：你们见过梅花吗，它有些什么特点？

学生接着会答出梅花的形态、颜色。教师再以梅花在冬季开放来引出梅花具有的坚韧品质。

2。出示梅花图片，学生在视觉上被梅花所吸引。

3。古今有许多以歌颂梅花为题材的艺术作品，如诗词：陆游的《梅花绝句》：“幽谷那堪更北枝，年年自分着花迟。高标逸韵君知否，正是层冰积雪时。”毛爷爷的词《卜算子·咏梅》：“风雨送春归，飞雪迎春到。已是悬崖百丈冰，犹有花枝俏。俏也不争春，只把春来报。待到山花烂漫时，她在丛中笑。”

师：让学生背诵王安石《梅花》：“墙角数枝梅，凌寒独自开。遥知不是雪，惟有暗香来。”

师：我们欣赏了这些表现梅花的艺术作品后，来听一段音乐《梅花三弄》，大家注意这首乐曲表现的梅花的高贵品质，并注意这首乐曲的主题。（欣赏）。

师：听赏完这首乐曲，大家来讨论一下梅花的品质。

生：不畏严寒，迎雪怒放，刚毅坚贞。

师：再听一遍全曲，注意主题反复了几次？

生：主题反复三遍。

师：对，这也是“三弄”的来由。

复听全曲，进一步理解曲中意境。

《红梅赞》是在江姐走向刑场所唱的，这首歌用梅花比喻共产党人的高贵品质：越是面临危险，越是信念坚定。《梅花三弄》的难点在于它是表现意境而非表现情境，前面之所以用了很长篇幅的两种艺术形式来导引，就是为了让学生先理解意境，再沿着这个方向听赏音乐。

其实在这三种教学方法中，都少不了应用其他姊妹艺术，如在欣赏《渔舟唱晚》时，可让学生先吟诵白居易的《暮江吟》。又如在欣赏《阳关三叠》时，可以让学生在课前准备一些表达友情的诗句，如：李白的《送孟浩然之广陵》、《赠汪伦》等。这些都可以和音乐教学融会贯通，帮助音乐教学更顺利更有效地开展。

参考文献：

［1］曹理，缪裴言。中学音乐教学论新编［m］。高等出版社，19xx。

［2］教育部司。音乐课程标准［m］。北京师范大学出版社，20xx。

［3］课程教材研究所。小学音乐教材六年级下册［m］。人民教育出版社，20xx。

［4］邓晓霞，杨宁。中国音乐欣赏与相关知识在教学中的综合与延伸［j］。儿童音乐，20xx，（4）：34—38。

古典舞论文（热门18篇）篇十八

中华文明源远流长，中国古典音乐算是中华文化圣境中的一朵奇葩，我们的祖先在不断抗拒自然界的威胁以及漫长的艰苦劳动中提炼出最早的音乐，早在周朝，就有了由政府设立的“大司乐”总管的音乐机构。《史记·五帝本纪》记载，尧命舜摄政，后舜任命夔为典乐，“教稚子”，“诗言意，歌长言，声依永，律和声，八音能谐，毋相夺伦，神人以和”。《史记·乐记》记载，“昔者舜作五弦之琴，以歌南风；夔始作乐，以赏诸侯”。

中国古典音乐经过千百年来的流传发展，形成了优美动人的曲调与层次丰富的多重美感以及丰富的情感表达。

（一）情境交融意境美。

中国古典音乐的创作中，精通乐律的创作者大多以文人雅士为主，所以中国古典乐与中国画有着共通的追求——意境美，力求将生活图景与思想感情融合在一起，使听众通过想象融入到乐曲中，在思想感情上产生共鸣获得身临其境之感。如《春江花月夜》这首名曲，清新优雅，其旋律婉转质朴，节奏流畅而富于变化，明快处若江水横流；静谧处若清风拂面，凡是听者都能融入其意境：江南春时，江畔泛舟，清风徐徐，明月初升，江两岸花影摇曳，使人沉醉。

（二）磅礴悲怆悲剧美。

悲剧的特殊效果在于引起人们的怜悯与恐惧之情，其内在往往蕴涵着激烈的矛盾冲突，给人以痛苦、悲哀的感受，使人产生悲悯之心，激发人们对现实生活的思考。这种感觉不仅仅只有戏剧可以带来，同样音乐也可以通过深沉、哀怆的悲剧性情感表达带给听者上述体验，观众可随着哀婉动人、如泣如诉的旋律感受到乐曲的情感表达。如古曲《阳关三叠》，该曲取材自王维的七言绝句《送元二使安西》，共分三大段，一个曲调变化反复，迭唱三次，故称“三迭”。整曲曲调淳朴而又蕴含激情，情真意切，苍凉沉郁，表达了挚友分别的无穷伤悲与深切关怀之心。

（三）气势恢弘壮丽美。

音乐的神奇之处在于，它可以凭借旋律就使人热血沸腾、人心激荡。也可以通过一件或几件乐器就描画出壮丽恢弘的大场面，琵琶曲《十面埋伏》描述了公元前202年楚汉战争垓下决战时的恢弘情景。用不同的演奏技法表现了出征前金鼓齐鸣、众人呐喊的激烈场面，乐曲有散渐快，调式的复合性及其交替转换，增加了乐曲的不稳定性。又以接连不断的长轮指手法和“扣、抹、弹、抹”组合指法，表现将士威武的气派。曲调时而宁静而紧张，意表现垓下伏兵；时而急促紧张，表现两君刀剑相向、短兵相接。其中有描述两军激战生死搏杀的场面，又有悲情壮丽败阵自刎的无奈。

服装表演中的音乐是指为配合服装表演而专门制作或选择的背景音乐，音乐的选择依据是要与服装表演的主题和编导的所要表达的意图而相合的。服装表演的音乐的作用就是要在表演过程中将服装、模特、观众三者联系起来，从听觉角度来调动模特情绪使之准确把握服装内涵、感染观众拉近观众与作品距离，从而补偿服装表演因表象性而产生的不足，深入观者内心，为观众提供情绪、情感等心理暗示并引导观众的.观赏思路，从而营造更好地表演氛围。

服装表演是舶来品，所以服装表演中常见的背景音乐多见现代流行乐或西方音乐，少有中国古典音乐现身其中，随着中国风火遍时尚圈，中国古典音乐作为不论是从任何一种审美角度都经得起审视的音乐形式，早应该褪去大众印象中的古板外衣而被融入进现代服装表演当中。近年来音乐工作者们也在为中国古典音乐现代化可重回大众视野做着不懈的努力，其中经过改良的中国古典音乐不仅没有失去其厚重古朴的特色反而变得更加时尚了，比如“十二女子乐坊”的新民乐就多见于服装表演的舞台之上，新改编的《茉莉花》、《春江花月夜》等乐曲经过新的编曲及配乐后时尚动感、节奏鲜明、旋律流畅、气质清新，更加契合了服装表演音乐的选择标准。改良后的中国古典音乐很适合做展示中国风格服装的背景音乐，这使得观者感受到的视觉美与音乐的美感能完全契合，形成一个“美的整体”。使舞台上具有中国元素的服装更加的贴近观众内心，模特的表演愈加鲜活。音乐的感染力與模特的表演相互呼应，整个表现过程顺畅连贯、丰富生动，不仅使服装的魅力得到了提升，更是赋予了服装生命。