读后感是读完一本书之后，通过文字表达对书中内容的感受和思考。下面是一些经典的读后感范文，希望对大家写作有所启发和帮助。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇一
前段时间想看看关于艺术方面的书，因为不是专业人士所以希望能找一本图文并茂，描述通俗易懂但又不是很低幼的书，这本艺术的故事很对我的胃口。
在买书之前我看了前几年大家对这本书的评论，包括桃子依旧与大家互动的一些回复，看得出大家对这本书的感情......
我还去了书店看了下前几年的版本，那个圣经版携带很方便但主要是字太小，不适合我。那个版本其实也不错了，一度想买，但发现今年已经有了新版，哑粉纸的，看之前大家关于对书的用纸的讨论和遗憾我感觉我是幸运的，所以果断的在网上买了这个版本，里面的插图印刷更精美，贵点儿也值了，很喜欢，买回来打开先闻了一下，喜欢这个味道......
刚开始看，对内容先不做过多评价，但有一点，我有一种停不下来的感觉，需要自己提醒自己先停一停消化消化......这可能就是好书的魅力吧。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇二
老师给我们推荐了很多艺术类的书，其中有一本叫《艺术的故事》，这本书很强大，被誉为艺术中的圣经。据说它被译成30种文字。把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。
读这本书的时候，我怀着毕恭毕敬的心情，本来计划用一个月的时间把这本无比厚的书给读完。因为我是一个没有耐性的人，以前看书只要超过400页我都没有看完，我一直以来都没有读书的习惯，看着那些密密麻麻的字，总是耐不下心来，把一本书给读完，更别说从中找到乐趣了。但是，这本书好像有巨大的魔力，每天早上都催促着我起床，把我呼唤到图书馆，那丰富的图片和那有趣的故事强烈的吸引着我，读那么厚的一本书突然变成了我的一种享受，每次读《艺术的故事》这本书就让我感觉眼前打开了一个崭新的世界，总会有一种喜悦的心情。其实能够让我这样着迷的是那些细节的阐述。《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》是大家最熟悉不过的了，一开始的时候，觉得不就是画了12个人而已嘛，但是读了《艺术的故事》关于《蒙娜丽莎》和《最后的晚餐》的描写，虽然篇幅不是很长，但会觉得妙不可言。引人注目的是蒙娜丽莎看起来栩栩如生，她真像是正在看着我们，而且她有着自己的想法。就在这里，作者水到渠成的开始介绍“渐隐法”并且很贴心的在旁边附上衣服蒙娜丽莎面部的大图，可以让我们更清楚的明白这个画法到底有什么独特之处。更让我佩服的是，凡是有可以做比较的参照物，作者都不会忘记表明这个参照物到底是在书本上的第几页，具体是什么地方可以对比或者反衬，我想这就是所谓的举一反三吧。这不仅是一个学习的方法，更是一种学习的态度。
在前言我被震撼了，看到了很多实话。作者骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”他还说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，作者谈到了原始人和古埃及人是画他们的所知道的东西，而印象主义者却是想画他们所见的东西。作者既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”，他认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。
读完这么一本厚厚的书，觉得《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以，这本书值得我们去读。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇三
接触《艺术的故事》这本书是挺意外的，因为研究生考试开始选的学校参考书目就有这本书。看之前总觉得像在应付考试，细读下来却对这本书有了些许敬意。
《艺术的故事》是贡布里希爵士编著的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。在这里若让我概述一下每一个章节多少显得有些不合实际。因此，我更愿意来总结一下诸如“透视的发现和在绘画中的应用”这样一个小的脉络。
“透视”这个词在我们看来并不陌生。甚至我们第一天学习美术画个正方体老师们就会给我们讲透视。可能在今天的人看来，利用透视营造真实的空间显得那么司空见惯，可在这些东西刚被发现时当时的人们该是多么惊愕啊！
《艺术的故事》这本书在3、6、10、12、13章中涉及到过透视问题。我大概有这样一个脉络，透视的发现和发展经过了4个阶段。
透视在没有被明确的提出之前被称为短缩法。最初发现短缩法是在比公元前500年稍早一些的一个希腊花瓶上。画的是辞行出征的战士，右脚仍然是继承了古埃及的“保险”画法，但是左脚已经是经过透视短缩了。我们看到5个脚趾好像一排五个小圆圈。也许这么小的一个发现不值得我们这么兴奋，但实际上这意味着古老的艺术已经死亡而被埋葬了。后来的希腊化时期和拜占庭时期的画中也出现过短缩法。当时的艺术家是把远处的东西画的很小，近处的东西画的很大。可是远处的物体有规律的缩小这条法则在古典文化时期还没有被采用。
乔托所画的《“信德”的拟人形象》中，我们看到了手臂的短缩法，脸部和颈部的明暗造型，流动的衣褶中深深的阴影。像这样的东西已经有1000多年之久完全不画了。乔托重新发现了在平面上造成深度错觉的艺术。
到了15世纪初期，布鲁内莱斯基发现了“透视法”。我们已经看到，尽管希腊人通晓短缩法、希腊化时期的画家精于造成景深的错觉感，但是连他们也不知道物体在离开我们远去时体积看起来缩小是遵循什么数学法则。马萨乔迅速掌握了这种透视手段并体现在画中。在他的《三位一体以及圣母、圣约翰和供养人》这幅壁画中，墙面好像被凿了一个洞。通过洞口人们可以窥视到里面的一座布鲁内莱斯基风格的新型葬仪礼拜堂。
到了15世纪后期，安杰利科修士的一幅《圣母领报》中，我们立刻可以看出透视技艺对他来说毫无困难。乌切洛更是全神贯注于透视研究之中。通过他所热爱的透视技艺试图构成一个真实的舞台，使他的人物在那个舞台上有立体感、有真实感。虽然乌切洛还没有学会怎样使用光线、明暗和大气来修润严格透视画法的刺目的轮廓。但他也体验到了透视法给他带来的新奇效果。
曼泰尼亚沿着马萨乔的路子走了下去。他的人物像马萨乔的人物那样动人，那样有雕塑感。曼泰尼亚意在使用透视法创造一个舞台，使他的人物好像立体实物一样站在上面活动。他好像一个高明的舞台监督那样，布列人物来表达这一瞬间的意义和事件的过程。
当然，对透视的探索仍在继续，只是艺术家遇到的问题更多的体现在其它方面了。《艺术的故事》这本书中涉及较少。希望以后能看更多的书籍，进一步总结透视发展的脉络。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇四
在上一周周五，语文老师带着我们全班同学走进图书馆，借阅自己喜爱的书!
这次我借阅的书是《中外名人故事》。这本书让我读得如痴如醉，使我手不释卷，甚至废寝忘食。
当我翻开这本书的目录时，定睛一看。哇!不是很多，是非常之多咞!眼睛快速地扫描了一下，天咞!每一篇都讲了一个名人，绝对没有重复的!我数了一下，一共有61篇，也就是说我可以认识61位名人呢!而且书名叫《中外名人故事》，顾名思义，这本书不仅是中国历代名人，还有外国历代的名人故事!
看完这本书只需要5天而已，剩下的时间我用来重复看一遍，因为每一次反复看时，都会有新的收获。
整本书最让我印象深刻的当属苏轼和爱迪生了!
苏轼出生书香门弟，一直由母亲程氏教育。自幼就天资聪颖的苏轼却经不起赞扬，骄傲地写下：“识遍天下字，读尽人间书。”终于在一个老先生的开导下做一个谦虚好学的人。
爱迪生虽被后人称为“发明大王”，但他的一生非常坎坷，因为小时候专问一些古怪的问题，被校长赶出校园，也从此开始了自学成材的道路。使他一生拥有1000多项发明，获得伟大的成就!
从苏轼和爱迪生身上，我学到了做人要谦虚好学，在生活中保持好奇心和钻研的精神，找出生活中美丽的闪光点!
这本书里的所有名人都是靠自己的勤奋获得成就，天下没有不劳而获的事情!让我们通过自己的努力成为一名为社会服务的人，成为一名国家栋梁!
我看了一本以《中外名人故事》为题的书，里面写的都是名人们一个个精彩的故事。
我被高尔基的认真和贝多芬的坚持深深感动了。高尔基是一个苏连作家，他的剧作《耶戈尔。布雷乔夫和其它的人们》正上演时，导演在没经过他同意就擅自将结尾处改成布雷乔夫死了。观众们很激动，谢幕达二十三次，但高尔基却硬是要导演改回去，原因是布雷乔夫根本没有死。导演没办法，只好改回去。这样以来，效果差多了。但高尔基很满意，因为他尊重了事实。读完这篇文章后，我感触很深，明明结尾耶戈尔。布雷乔夫死了的效果更好，高尔基为什么要坚持自己的剧本，硬要导演改回去呢?也太认真了吧!但我又反反复复地读了几遍，改变了对高尔基的看法。如果人们都为了利益不分黑白，颠倒是非，那世界就是虚伪的了。
读了《中外名人故事》后，我明白了这样一个精神：不管做什么事情都要认真，要有毅力。如果每个人都能有这种精神，那世界将会变得越来越美好。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇五
寒假中我饶有兴致地阅读了房龙先生写的《地球的故事》一书，这本书非常有趣，它告诉了我很多地球的故事。有地球在宇宙中的地位、地球的年龄、各个大陆的位置、气候的形成和各种自然景观、生物的起源等等。它让我了解这个世界是多么的神奇、奇妙和美丽。斯堪的纳维亚半岛的形成、发现亚洲和地球的奇妙令我惊讶。很多故事在我们的生活中看得到或感受得到，于是我更加深醉其中。
其中特别神奇的澳洲引起了我的好奇。澳洲是澳大利亚的简称。虽然澳大利亚没有什么优势，内陆地区几乎都是沙漠。可是，正是因为它“与世隔绝”的地理环境，因此对当地的植物、动物产生了影响，让澳大利亚成了一个“活化石博物馆”!在植物中，如金合欢、贝壳杉、桉树，对于科学研究都有很大的价值。在动物中，袋鼠和鸭嘴兽可以算是这里的'“招牌”了!袋鼠属于有袋目课目，它十分可爱，是一个慈祥的母亲，经常把宝宝放在自己的育儿袋里。而鸭嘴兽则属于单孔目动物，属于低等生物，不过也挺可爱的!
在这本书中，我最喜欢丹麦，因为它是童话的王国，从小听着《安徒生童话》的我们有着不小的吸引力，“美人鱼”铜像是丹麦的标志，也是我们心中童话的标志。但在《地球的故事》中，我看见了不同的丹麦。脱掉了童话外衣的丹麦在现实中也是耀眼。丹麦人的智慧，使得这个仅有1.6万平方英里，但缺乏自然资源、陆军、海军、矿山和山脉，但却能与一打面积大、人口众多、有军事野心的国家匹敌。他们有着理性的生式方式，时刻保持着警惕，这个小国家在过去的时代曾经进行过一些艰苦卓绝的战争，但它现在却自愿解散陆军和海军。
通过这本书的阅读，使我深刻认识到人们是怎样来适应自然、利用自然以及改造自然的。人类虽然可以利用自然，改造自然，可是这样，环境就会被破坏。如果地球上每个都让自家的烟囱不分白天黑夜地冒烟，那么用不了一个星期，地球就会变得混乱不堪，无法居住。地理环境会影响人类的生存，反过来人类生活又会影响地球的环境，人类应该与地球友好相处，否则就会受到自然界的惩罚。
《地球的故事》，这本书不仅开阔了我的视野，增长了我的知识，还了解了许多鲜为人知的关于地球家园的知识。我觉得我们要和平共处，共同呵护地球家园，共同享受美丽的地球家园。这样一个独一无二的世界的社会文明才能迈进一大步，地球才能更加美好。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇六
《艺术的故事》是贡布里希爵士编的，书中概括地叙述了从最早的洞窟绘画到20世纪前半叶的实验艺术发展历程。里面的内容很多，绘画、雕塑、建筑均有所涉及。倘若是其它艺术史类的著作，六七百页厚的书籍细看下来多少是需要些勇气的。还好本书通俗易懂，简明晓畅的语言就能表达严肃的题目。与一般美术史不同，这本书既不是简单地罗列史实，也不是用一些抽象难懂的“主义”来概括美术史，而是描述了一系列的“问题情境”。贡布里希认为艺术的发展是在艺术家不断解决由社会和艺术传统自身所提出的问题过程中形成的。在导论中，他就骇人听闻地说：“现实中根本没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”当然，当我们大致读过他所讲述的历史，再看到他说艺术的故事是“各种传统不断迂回，不断改变的故事”时，就会真正明白他的意思。
一般公众已经安于一种观念，认为艺术家就应该创作艺术，跟鞋匠制作靴子没有多大差别。这种观念等于说，一个艺术家应该创作他曾看见过被标名为艺术的那种绘画或雕塑。人们能够理解这个含糊的要求，但是遗憾，那正是艺术家唯一做不到的事情。以前已经做过的东西不再出现任何问题，也就没有任何任务能够激发艺术家的干劲。但是批评家和“博学之士”有时也有类似的误解之过。
实际上根本没有艺术其物。只有艺术家，他们是男男女女，具有绝佳的天资，善于平衡形状和色彩以达到“合适”的效果；更难得的是，他们是具有正直性格的人，绝不肯在半途止步，时刻准备放弃所有省事的效果，放弃所有表面上的成功，去经历诚实的工作中的辛劳和痛苦。
贡布里希的讲述完美而亲切，平易近人的作品，艺术理论被以通俗的方式叙述出来，作为例子的艺术品的选用真的很合适。读者和作者也可以取得较好的互动。他所要阐释的是人们不是为了响应某种潜在的“精神”的呼召去改变传统，而是情境的改变使其不得不然。例如说到具有强烈世俗倾向的荷兰绘画，他认为是由于经过了宗教改革，从而使新教统治区内的艺术家已经没有什么自由再画祭坛画了。无论哪种社会，贡布里希所关心的是艺术家所面临的“问题情境”。不是一个统摄一切的“时代精神”，而是许许多多切实需要解决的问题吸引着艺术家奉献他们的才智与精力。我们应当感激各个时代的艺术家，正是靠他们的辛勤劳作，解决了审美领域中那些潜在的问题而汇成了我们今天看到的艺术世界。
读完了这么厚厚的一本书，看了上万言的东西，露出的却只是冰山一角。越学习就发现自己的无知,我看到了自己的严重不足，整个人不像以前那么浮躁了，也学会了从不同的角度去看问题。《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。这本书非常值得深入一读。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇七
我们对艺术的起源不甚了了。过去对绘画、雕塑、建筑的态度不仅仅是纯粹当作艺术品，而是当作有明确用途的东西。如果不了解过去艺术必须服务的目的，也就很难理解过去的艺术。上溯历史越远，艺术必须服务的目的越明确，越奇特，如原始人的艺术，接近人类起源的状况，出于实用的目的，施行法术，对抗大自然和超自然的力量。
这种“原始”的东西在我们身上还有，例如对相片，还有一些迷信的残余。原始人对于实物与图画的界限更不清楚。
猜想原始人对于图画威力的普遍信仰，留下了最悠久的古迹，如拉斯科洞窟壁画。一些原始部落能佐证这个猜想。
艺术家的工作就是运用他们的全部技艺和知识为行施法术提供能发挥作用的作品。身边依然有这种事情，国旗、婚戒。
然而即使礼仪和习惯已经规定好，也还是给趣味和技艺留下了选择和活动余地。
原始艺术作品按照预先规定而行，但艺术家仍然留有自己气质余地。原始艺术，并不意味着艺术家对技艺仅仅有原始的知识。例如新西兰的毛利木雕，技艺精湛。当然，一件东西难于制作不一定就能说明它是艺术品，但原始部落的技术水平足以证明他们的手艺很好，他们与我们不同不是由于技艺，而是由于观念。“整个艺术发展史不是技术成熟程度的发展史，而是观念和要求的变化史。”
部落艺术品何以看起来生疏，涂鸦的实验告诉我们，原始艺术家用自己喜欢和顺手的形状构成人物或面孔，或许不大像原物，但能保持pattern的统一与和谐。
原始艺术家创立了一套套精细方法用这种装饰性的样式去表现各种人物与图腾。以北美印第安海达部落酋长房屋的图腾柱为例。
原始艺术往往需要理解其目的，才能理解艺术家倾注的感情和劳动。也许不理解其寓意，但仍能欣赏其周密的手法。艺术在其奇特的起源时期，不应该用现在的观念去对待，以为其目的是开心或装饰。那时的文明，观念与我们大不一样，所以作品显得生疏而不自然。以古代美洲为例，阿兹特克、印加、玛雅。
早期文明的制像不仅跟法术和宗教有关，也是最初的文字形式。虽说对神秘起源所知有限，但可以想想书画同源。
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最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇八
这本书讲述了喜剧巨星卓别林，雕塑大师罗丹，印象派画家的始祖莫奈，咏唱生命之歌的柴可夫斯基，全能天才达芬奇，与命运进行抗争的强者贝多芬和音乐神童莫扎特。我在这些人中发现了一个问题，他们大部分人的家庭式不完整的。比如柴可夫斯基。
他原本有一个很完整的家庭，可是由于他父亲的差错，他的父亲和母亲路混了，这对小柴可夫斯基的`打击是很大的。但是不久，他回到了他所痴迷的音乐中，让音乐抚平自己的伤痛。在音乐学院，他不断的创造出优美的曲子，他的曲子在毕业大会上取得了银牌奖。
此后，他就在音乐学院教学，这件事情耗去了他很多的创作时间，但是他对教学还是充满着热情。此后他接二连三的创作作品，热别是天鹅湖和睡美人，一直都在演奏着。在他创作完第六交响曲之后，这个伟大的音乐家就跟这个世界说了再见，把许多美丽的曲子留在了世间。
他的故事告诉我，一个人不经历一些风风雨雨，是不可能成为像柴可夫斯基那样的伟大的人物。其实不仅仅柴可夫斯基，还有贝多芬，他在面对着降临在自己身上的苦难时，他的“我要勇敢扼住命运的喉咙”振聋发聩。我觉得大家都该来看看这些名人的故事，当我们遇到一些困难和挫折的时候，想起他们的故事会给我们力量。
书读完了，但是书中的那些人和那些事都已经深深的刻在我的大脑里了。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇九
“我们对艺术的起源跟对语言的产生一样不甚了了。”当然，这里的艺术主要指视觉艺术以及雕塑、建筑。
艺术是什么？如果只是画画画、塑塑像、编编图案、盖盖房子，那么艺术的起源可以追溯到太古；如果仅把艺术当作用于欣赏需要保护的奢侈品，那么艺术的历史应该并不长。
姑且放下这个令人头疼的问题，换个角度，简单的解构已有的被承认的艺术品，从艺术品的基本属性入手。每件艺术品或多或少都有实用性和美，这两种属性我现在认为应该是负相关性的，从原始艺术品到现代艺术品的特征可以佐证。原始艺术的第一标准必然是实用，因为当时的生产力极为低下。以建筑为例，修筑房屋首要的是构筑一个遮风挡雨的休憩之所，然后才会考虑看起来顺不顺眼，即所谓的合不合适。你建的大家一看就喜欢再好不过，但是如果你审美有限，有个窝也凑活。所以就原始艺术而言，实用性是第一属性。
原始艺术的实用属性满足两个方面——自然的和超自然的。比如建房躲避自然，雕像祈求神灵。满足超自然的方面，影响深远，至今保留在我们的日常生活中，有趣的是我们还不怎么能知觉。举个例子，如果有人拿着你心爱人的照片，当你面，用剪刀戳照片里的人的眼睛，你会有什么感觉？我会暴怒，我会有一种我心爱人也受伤的感觉，即使我知道那只是照片而已。艺术品能够实现超自然目的的原因，我认为是我们错误的将世界的联系无规律化，似乎只要能建立联系就能影响另一方，无论这种联系有多牵强，长得像能联系，名字一致能联系，拿点原主的东西也能联系，只有想不到没有联系不到。本着这样的精神，原始人创作了艺术史上极为重要的几幅洞穴壁画——西班牙洞窟里的野牛和法国洞穴里的马，他们相信将马和野牛画出来，然后鞭打折磨壁画，外面的马和野牛也会受到影响，以期收获满满。
所以，原始艺术家的首要任务，不是作品美不美观，而是作品有不有效。能不能让部落里所有人都认同你与某种东西建立了联系，并且这种联系是经典的，是某种约定俗成下的，是成败与否的关键。情形类似于春节时的春联，春联联系的是美好的愿景，大家约定必须用红纸来写，用其他颜色的纸写就不是春联，就不能建立联系。那么原始艺术家还有创作空间么？有！继续以春联为例，在红纸的基础上，各家可以选择汉字的颜色，一般是金的或黑的，可以选择汉字的字体，楷、隶、行、草······还可以选择背景花纹，在不影响主体字的情况下，选择红纸的花纹，选择空白地方的填充图案等等。每家的春联都能代表各自的审美，而这种审美，就是原始艺术家的创作空间。
提起原始艺术，特别是当看到“原始”两字时，总让人联想到长相寒碜，制作简单，恨不得就像《洛书》、《河图》一样几根线就能搞定的东西。这应该能代表原始时期的风格，但绝不能代表原始时期的技艺，原始时期的艺术家用简易的工具足以制作一件自然主义的作品，比如尼日利亚伊费的青铜黑人头像，栩栩如生（这才是栩栩如生和教科书里说某些器皿栩栩如生完全不同）；比如美国西北岸印第安海达部落酋长的房子，刻画的精细程度和《三国立志传三》有一拼。但是为什么我们看到的整体风格显得如此生疏？我们从观念的角度来解释，原始艺术家认为没必要，或者说描绘得太清晰了不利于脑补，构建不了联系；亦或可以从符号的方面入手，墨西哥阿兹特克时代的tlaloc，就是以响尾蛇作符号拼凑成的，据阿城老师考证，中国的饕餮纹，可能是青龙和天极神两大符号重合的产物，符号化的。东西无法自然起来，所以长成那样情有可原。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇十
今天，妈妈给我买了本《中外名人故事》，我这个小书虫接到书后便迫不及待地读了起来。书中有很多的名人故事，其中我最喜欢的是达·芬奇的故事。
达·芬奇是欧洲文艺复兴时期的著名画家，从小爱好绘画。父亲便送他到意大利的佛罗伦萨，拜名画家费罗基俄为师。老师要他从画鸡蛋入手，他画了一个又一个，足足花了一年。他觉得自己已经画的非常好了，便有些不耐烦。老师就对他说：“别以为画蛋很容易，在一千只蛋当中从来没有两只蛋的形状完全相同，即使是同一个蛋，只要变换一下角度看它，形状也会不同······所以，如果想准确地把它表现出来，非要下一番功夫不可。”达·芬奇明白了老师的良苦用心，从此刻苦练习，经过长期勤奋艰苦的艺术实践，终于创作出许多不朽的名画。
达·芬奇真了不起，竟然对着枯草的鸡蛋一遍又一遍地反复练习，正是这样，达·芬奇打下了良好的绘画基础。看了他的故事，我觉得十分惭愧，想想自己在寒假的时候制定的计划，每天写一篇日记，结果最后只写了几天就草草结束了。达·芬奇持之以恒、坚持不懈的精神值得我学习。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇十一
这本书中，作者站在欧美艺术史的角度，发掘自己的欲望，发展出艺术史的新脉络入口是创造成功艺术作品最佳途径，然后就是仔细经营。
如果国家可以用艺术来挣钱，那么艺术才会真的被重视吧。虽然说起来很恶心，但也是没办法的事情。
日本人就是一个可以把事情做到极致的民族，是可以把一些不起眼的细节都做到完美极致的民族，因为当年的武士道精神，以前做不出可是要切腹的，只有抱着必死的决心去做事情，才能有真正的发展，这就是日本人独有的觉悟。
每个艺术家都要面临如何将钱聚集到自己身上或者将钱从从自己身上剥离这个大问题，因为钱是人与俗世的连接点，因为钱的存在推进了村上隆的创作，对钱的欲望成了村上隆的创作动机，用艺术来聚集金钱成了村上隆的生存手段。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇十二
在公司组织20xx年一月份总结大会的时候，记得王总说过这样一句话：干的多的人，出错就会多，挨批评也多，但是成长的也会很快。现在想想，这句话真的很切合实际。
很多时候，大部分人都会有事不关己，高高挂起的心态。为什么这么说呢？其实这跟上面的事情很相似，但是在看《说话的艺术》这本书之后，当中提到了这样的观点觉得很受用：一个人尽量不暴露自己的短处，那么其长处又能充分发挥无遗吗？如果自己的`长处发挥受到影响，无疑也会影响到别人对你的看法，其实，只要你认真地全力发挥，诚诚恳恳的把话说出来，不必踮高足尖来充内行，相信必会有不错的表现。引申到工作中也是一样的道理，不管做什么事情，只要认真的把领导安排的工作做好，或许这项工作不是你所学习的专业，没有把握做好，但是你要知道这样的一个道理——不管做什么事情，如果有把握之后再去行动，就什么事情也干不成。你在行动时随时都可能犯错误，但是却不能因此而放弃，我们每天都必须有勇气承担犯错误的风险，失败的风险和受委屈的风险。走错一步总比在一生中“原地不动”要好一些，要知道你一向前走就可以矫正前进的方向，使自己少走弯路。
尤其对于我们这些刚进社会的人来说更要有勇气承担各种各样的风险，也正因为年轻，我们才有各种各样锻炼的机会，也才有犯错误的机会，从而积累属于自己的经验，所以不要抱怨，要学会感恩。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇十三
从前，有一个猪棚，里面住着猪哥哥和猪弟弟俩。
猪哥哥和猪弟弟的生活很好，有棚子挡雨，在池子里喝水，有用，一日三餐主人供养，不过有一点不好，猪哥哥和猪弟弟动不动就大家，不止你骂骂我，我骂骂你，还用手打脚踢，常常打的脸肿腰酸。
一会猪哥哥要给猪哥哥讲一个好消息，猪弟弟以为猪哥哥在骗它，猪弟弟很不耐烦，用不想听的口气说道：不管什么好消息我都不爱听。但是猪哥哥还是讲了，猪哥哥说道：我在报纸上看到猪是很聪明的动物，我们甚至比狗还聪明，我们懂得人们的意识，并且稍加训练就会做很多动作，比如说：爬梯子，翻跟头甚至还会骑自行车呢.并且猪哥哥觉得这篇文章说的很对，觉得人类说猪这个动物是很笨的这个想法是错误的，而且对猪也不是很公平的。并且跟猪弟弟商量他们觉得人们觉得猪很聪明，所以他们觉得他们应该展示出猪聪明的一面，而且再也不跟猪小弟吵架或者打架，不久后，他们都睡着了，醒来后发现主人给他们准备了食物，但是他们又因为食物的问题打了起来，并没有意识到他们之前做的约定，最后呢还是不依不饶的再吵架和打架互不相让。
所以这篇文章告诉我，人要说到做到，并不能像猪小弟和猪大哥一样丢掉自己做出的约定，要做好自己约定好得事情。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇十四
教育是一门艺术，每个教师都是一个艺术家，学生就是我们教师的精心雕刻的艺术品，这是我读了《教育的艺术》之后的想法。
读了前苏联教育家苏霍姆林斯基的100个教育案例，感触颇深。这100个浸透着苏霍姆林斯基辛勤汗水，闪耀着其智慧光芒的教育案例，不仅让我们能从中发现苏霍姆林斯基独到的教育理念，而且使我们能和苏霍姆林斯基一起去思考如何培养孩子，如何爱他们而又严格要求他们，如何在他们当中寻求优秀的、独到的东西并展示他们的才能。
特别是读了对8岁孩子告密的思考，我就想到了自己班里的孩子，我常常把类似8岁孩子那样的行为看成是告密或者中伤别人，反而讨厌和厌恶这样的孩子，有时会认为这是小事一桩，将其弃置一边，现在我想在决定怎么做之前，我会像苏霍姆林斯基那样在头脑中多闪现几个问题，多思考一下。读了要让孩子知道生活的整个面貌----对一位家长的答复后，我想了很多。确实“可怜天下父母心”，我自己也是一个孩子的母亲，每一位家长都疼爱自己的孩子的。但爱的方法却大有讲究。总觉得孩子小，不忍心让他不安和伤心。千方百计不让孩子看到生活中困难和不幸的一面，这在本质上说是溺爱，在溺爱的环境中，孩子就成为娇生惯养的宝贝，而不能成为勇敢、坚强的人才。我想：今后我要让我的学生们看到生活的全貌，要学会“动心忍性”。
如何处理好和家长的关系，也是一门艺术。书中特别提到了如何和家长处理好关系令我受益非浅。教育工作中经常有这样的情形：老师因学生有这样那样的问题，把家长请到学校进行“道德训斥”，父母回家就用强硬的手段吓唬甚至打骂孩子，最终的结果是孩子和家庭都对学校产生了不愉快情绪，不但家庭教育成为空谈，学校教育力量也大大削弱。苏霍姆林斯基认为学校在巩固家庭的稳定上有重要的`使命，学校大多都忽视了让学生把愉快幸福带给家庭，这种美丽的联系是最细微和牢固的纽带。我从这些语言中顿悟出日常家校联系缺少的就是对学生、家长人性的尊重。于是每隔一段时间，就和家长进行沟通，首先把孩子在某方面喜讯告诉家长，和家长分享孩子进步的喜悦，同时与家长交流孩子的心理动向，以便关注孩子成长状况。一段时间后成效显著：家长和孩子共同语言多起来，孩子的抵触情绪渐渐消逝，家长的教育水平也在提高。收到如此令人惊喜的家校合作效果，我由衷感激大师的涓涓叮咛。
我对苏霍姆林斯基的教育案例，深为感动。非常佩服他的生动性、深刻性。但是在实际的教学中不能生搬硬套，但值得借鉴，从中吸取经验和营养，更好的服务于教学，要想书上说的把自己整个心灵献给学生，我认为这是教师的最高境界。你爱学生，孩子们就会爱你。爱是永恒的！
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最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇十五
我们对艺术的起源不甚了了。过去对绘画、雕塑、建筑的态度不仅仅是纯粹当作艺术品，而是当作有明确用途的东西。如果不了解过去艺术必须服务的目的，也就很难理解过去的艺术。上溯历史越远，艺术必须服务的目的越明确，越奇特，如原始人的艺术，接近人类起源的状况，出于实用的目的，施行法术，对抗大自然和超自然的力量。
这种“原始”的东西在我们身上还有，例如对相片，还有一些迷信的残余。原始人对于实物与图画的界限更不清楚。
猜想原始人对于图画威力的普遍信仰，留下了最悠久的古迹，如拉斯科洞窟壁画。一些原始部落能佐证这个猜想。
艺术家的工作就是运用他们的全部技艺和知识为行施法术提供能发挥作用的作品。身边依然有这种事情，国旗、婚戒。
然而即使礼仪和习惯已经规定好，也还是给趣味和技艺留下了选择和活动余地。
原始艺术作品按照预先规定而行，但艺术家仍然留有自己气质余地。原始艺术，并不意味着艺术家对技艺仅仅有原始的知识。例如新西兰的毛利木雕，技艺精湛。当然，一件东西难于制作不一定就能说明它是艺术品，但原始部落的技术水平足以证明他们的手艺很好，他们与我们不同不是由于技艺，而是由于观念。“整个艺术发展史不是技术成熟程度的发展史，而是观念和要求的变化史。”
部落艺术品何以看起来生疏，涂鸦的实验告诉我们，原始艺术家用自己喜欢和顺手的形状构成人物或面孔，或许不大像原物，但能保持pattern的统一与和谐。
原始艺术家创立了一套套精细方法用这种装饰性的样式去表现各种人物与图腾。以北美印第安海达部落酋长房屋的图腾柱为例。
原始艺术往往需要理解其目的，才能理解艺术家倾注的感情和劳动。也许不理解其寓意，但仍能欣赏其周密的手法。艺术在其奇特的起源时期，不应该用现在的观念去对待，以为其目的是开心或装饰。那时的文明，观念与我们大不一样，所以作品显得生疏而不自然。以古代美洲为例，阿兹特克、印加、玛雅。
早期文明的制像不仅跟法术和宗教有关，也是最初的文字形式。虽说对神秘起源所知有限，但可以想想书画同源。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇十六
你说你想变得更加有艺术感一点，那么来看看艺术的故事读后感，可以受熏陶的哦。下面是本站小编精心为你整理艺术的故事读后感，希望你喜欢。
“艺术”是个遥远而崇高的词。每当我在一瞥中恍惚所见“艺术”两字，便畏惧般地匆匆避开，深怕自己如赤子的无知引来对其的亵渎。在中国，艺术的发展自商周的青铜器墓室中的壁画至高山流水的音乐翩翩优雅的舞蹈及唐煮宋点明沏泡的茶道，而如今我们更多的是在追求对古时的悠远的怀想而非致力于创造新鲜的血液。所以怀揣着一个中国梦的我总是梦想，在我的中国我们的中国里，会涌现出一批又一批的伟大艺术家，创造出一代又一代的巅峰之作。
只因我在少时总是摒弃了对于艺术的亲近的念头，无论是童年时期的习画或是书法，总抱着一种敬而远之的态度，因此此类不成爱好便也只能草草了事。而如今当我真诚地怀着强烈的膜拜之心看那古今集大成者的书画杰作或是身边同龄人引以为傲的大笔一挥的作品，便又为以前的年幼无知后悔不已。身处中国，目光所及之处是遍地开花的书法国画古玩。面对市场上充斥的良莠不齐的作品，如何炼出一双火眼金睛至关重要。
但是敲开艺术领域的大门是件极其艰难的事儿，因为你永远也猜想不到这个圈子里的都是些什么物种。他们或孤僻或癫狂或神经质或敏感得要命(此皆艺术家们的独有特色)。书房里曾有摞成一刀的书画册，其中的仕女图我到如今也没看出有什么稀罕劲儿。然而读《艺术的故事》时我看见贡布里希说过：“事实上，左右我们对一幅画的爱憎之情的往往是画面上某个人物的表现方法。”这样的一句话打消了我对古代美女们丰满肥美的脸庞以及狭长细小的眯眯眼因不解而产生的反感。
当第一遍拿起书粗粗翻过《艺术的故事》，意料之中地看到第七章《向东瞻望：伊斯兰教国家，中国，2至13世纪》。中国作为四大文明古国之一，艺术史的发展理所应当地作为超前所在。但是在中国，艺术愈来愈作为高端高雅的象征，旨在人们并不是能够轻易地够到艺术的被拔的很高的高度。前段时间我的舅舅为我带来一幅喷漆画。他在意大利街头闲逛时看到一位街头艺人在现场作画销售。他花了十欧元买下一幅瀑布画并带回中国。显然在国外，艺术是件自由自在的事儿。艺人们可以无所畏惧生活来源，以自己的灵感及对艺术的热爱而轻松地活着。国内鲜少能够看到有谁能够坐在街头带有艺术家的漫不经心随意潇洒的气质售卖自己的作品。我看到的更多是流于形式的出现：那些梳着马尾的男人们。为此我感到深深的悲哀，不是与艺术有关的男人都要留起长发以此骄傲地向世人告知“我是艺术家”。所以我想，中国的艺术要脚踏实地实实际际，以此来真正的在品质上提升自己的高度。
最先接触这本书是一个艺术史的师兄推荐，他说，应该从艺术的角度去看看历史。后来上了徐老师的课，终于下决心阅读这本大部头。其实我有点混乱的是《艺术的故事》这本书究竟是在中国艺术史这门课还是公共考古学这门课上徐老师推荐的呢?我记得是在：“我们这个时代的克里姆”时提到过这本书。说起这两门课，总觉得老师在星期四晚上的课表情比较放松，在周五的课上，带着些许疲惫。好吧，回到公共考古学，学习公共考古学有什么用?首先我认为它有别于那些culture的课程。今天上了一个课，老师吐槽culture，认为中大在各种通识课程上加了个culture，希望学生们有点人文素养。公共考古学这么课究竟给我们带来什么?“作为娱乐的考古学，作为知识的考古学，作为表达的考古学”，我想我也很想像老师一样问一句，我们这个时代的克里姆呢?不过，在老师给我们说了这么多个故事，然后自己回到家乡走一趟之后，对待公共考古学，这一个“单一的、自上而下的、作为集体名词的“公共”，作为教育、灌输和宣传手段的公共考古学。多元的、自下而上的、将集体视为个性鲜明的个人的组合的“公共”，作为表达和斗争的公共考古学”倒是有了“理论这东西说多无益。理论再精细，还是不能替代实践。”
当我一个如此的门外汉在翻阅这部书的过程中，那过明或暗或书画或雕刻以及贡布里希言语精辟深入人心的评价无时无刻不让人有一种三步一跪三步一拜的匍匐朝圣之感。然而惊奇的是，我在合上尾页的时刻豁然有了一种君临天下之感。这种感觉我想同格雷诺耶制造出天堂气味的香水，同三毛高坐在撒哈拉沙漠租来小屋的沙发上漠视一切是同样的。我想到我要用艺术者的眼光看待这个我所生活了十六年的世界，我的双眼不能再在尘世灰蒙蒙的污垢缝隙间用世俗的眼光看待一切。“在入世中做着出世的梦。”我希望的目光能够越过千年的尘嚣穿透以光年为单位的距离，远远地眺望这整个，我所生活的平凡而伟大的世界。
前段时间在旅游时翻过一本《从风景到人文风景20xx》的现代画册，其中一幅《神灵守护鲸鱼》让我感动得几乎落泪。苍茫浩瀚的深蓝色大背景下，只有画页最下方偏右处有一头与深蓝色相衬成辉的洁白鲸鱼。而在剩余深蓝色的海洋中，作者画满了浅蓝带白的鲸鱼神灵，所有神灵或东或西，皆在为下方这头可爱的鲸鱼护航。我并没有深层次地妄想着去了解作者此画的意图，我只是单纯地一见钟情。贡布里希没有为我指出我这样无端地被感动是否因为我对艺术还是充满了虔诚的热爱。
就在昨天下午我抱着吉他听老师给我放钢琴版的《天空之城》。我热泪盈眶地扭过头去，声音哽咽地让老师暂停，继而若无其事地回过头来继续自己的练习。不得不说音乐美在这本书中并没有涉及，我想可能是音乐更多的需要的是耳朵的原因。有时艺术给我帕台农神庙的震惊感，其中根根巨柱顶天立地，音乐也是其中之一。好比听柴小协会让我不能自已，音乐就在那时倏的一声在空中绽开一束烟火。
我想我爱艺术。这是人类毕生无法拒绝的一件事儿，你会自然而然地对其倾心倾心再倾心。我爱中国，在我的中国梦中我期盼中国艺术能够茁壮发展。当隔着万水千山远远眺望的高度被脚踏实地的一步又一步向上所取代时，不由地心怀感激。我感激《艺术的故事》，我感激贡布里希，我感激所有对艺术做出贡献的人。我感激啊，没有艺术便没有如今的曼妙世界。
然而——。
“实际上没有艺术这种东西，只有艺术家而已。”
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇十七
做任何一项工作，如果能做到炉火纯青的地步，那基本上就是一种艺术了。因为在这极端和精致的背后，是对这项工作精准的理解，以及通过独具特色的方式进行的呈现，这本身就是“艺术”的特质。教育工作也是如此。
李希贵的《教育艺术随想录》，看上去是一篇篇短小精悍的教育教学、教育管理行为的琐碎记录，但其背后始终闪耀着先进教育思想的光辉，也是他的教育艺术的集中呈现。
教育要以学生的发展为本，教育要成就每一个孩子，这样的口号大家耳熟能详，但最为普遍的.情况是说的是一套做的是另一套，知行不一致的现象体现的特别明显。李希贵校长显然看到了这一点，并在这方面做了许多遵循教育规律的探索和实践。
让学生学会选择，让他们能够根据自己的学习实际确定课程层级，选修相关的课程，其价值不仅仅在为学生提供适切的学习上，更是为他们今后走上社会学会选择。教育观点：
1、对于教师，不是所有的事情都适合评先进，应尽量少评先进。许多时候，学校生态都是因为甄别好坏而被破坏的。
2、成为一名研究型的教师并不意味着必须会做科研课题，另一方面，研究型教师的成长也必然是一名教师自我发现、自我唤醒后水到渠成的结果。深谙于自己的教学，并在日常教学中学会反思，也同样是一种研究能力。
3、任何时候，我们都不能去统一思想，甚至试图统一步调，而应该统一目标，并鼓励先进、允许落后，允许不同的节奏、多元的方式，但指向共同的愿景，这应该是一种更健康的机制。
4、成熟的管理者不应该天天思考着“不许干什么”，而需要关注的恰恰是“应该干什么”。
5、凝聚老师和家长的力量，只有一个办法，那就是确立共同目标，以孩子的成长为唯一目的。当学校的一切工作都围绕这个目标的时候才能真正凝神聚力，教师、家长心情舒畅。
李希贵说：“成功的管理者不仅要对自己的指挥和激励能力坚信不疑，还必须能够传达出自己的高期望，这样才能从普通人身上得到超常的成绩。”这也是体现他教育艺术的一种信念。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇十八
这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术的学生来读的。该书被誉为艺术史中的圣经。据说它被译成30种文字。就是这本书把成千上万的人引入了艺术的殿堂。作者贡布里希是当代最有洞见的美术史家，也是最具独创性的思想家之一。生于奥地利的维也纳，后移居英国并入英国籍。任美术界最高荣誉——剑桥和牛津大学斯莱德美术讲座教授，以及哈佛等多所大学的客座教授，屡获欧美国际学术机构的特殊荣誉。他还有学术著作有《艺术与错觉》、《秩序感》、《艺术发展史》、《象征的图像》等。50年前《艺术的故事》刚问世时的一段书评说：“这部肯定被广泛阅读的著作将会影响一代人的思想。贡布里希的学问，尽管在这一领域工作的任何学者都不难察觉，但他却表达得不露声色，而且几乎在每个论题上都讲出了新意。他以寥寥数语就阐发了一个时代的整体气氛。”这段文字出自当时的艺术史权威博厄斯之手，半个世纪后被证明绝非溢美之词。《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。
《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说，“艺术为何会有一部历史”？作者以其特有的方式给出了回答。因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。
本书不因用语浅近而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。《艺术的故事》的心理学出发点正是这种观念，作者谈到了原始人和古埃及人画他们的所知，而印象主义者却想画他们的所见。通读全书，我们看艺术家如何从原始人和古埃及人的概念方法一步步走到印象主义的方法。尤其值得注意的是，作者在结尾写道：在印象主义的方案中也许有某种矛盾导致了再现艺术在20世纪的崩溃。因为实际上没有哪位艺术家可以抛弃所有的法规和程式，单纯地画他的所见。换言之，作者提出了所见与所知理论本身存在的一个巨大问题。从而把这个理论问题留给了他的更高深的著作《艺术与错觉》去解决。至此，我们可以进一步地说，《艺术的故事》不仅教给人们欣赏艺术，而且它还让人们欣赏了知识和智慧的魅力。所以，这本书值得我们去读。
读了这本书《艺术的故事》后，感觉它为我打开了一个崭新的世界，这也是我们学艺术讨论最多的一个问题——创新问题。《艺术的故事》从头至尾就是讲艺术怎样创新，艺术的风格怎样变化，一个新的风格怎样取代旧的风格。旧的风格是不是就完全死亡呢，不是，它还会有死灰复燃的时候。这本书讲了一个传统不断变化、不断延续，一个艺术创新的问题，就这点而言最适合学艺术来读的。
《艺术的故事》顾名思义不是一部高深的学术著作，作者开宗明义：本书打算奉献给那些需要对一个陌生而迷人的领域略知门径的读者。因此作者的任务是用浅近的语言，让读者用崭新的眼光去观看艺术作品。简而言之，这是一部通过艺术史来帮助人们欣赏艺术的通俗读物。
记得德国艺术史家温克尔曼在观看一件巴洛克雕塑时说的第一句话就是：“这是什么样的轮廓啊！”显然，艺术欣赏的首要问题就是形式问题。这也使我们想到了另一位伟大的艺术史家、形式分析的奠基者沃尔夫林，他在《艺术史的基本概念》中曾对形式分析的问题提出了五对概念，即线描性和绘画性、平面和深度、封闭形式和开放形式、多样性和同一性、明晰和朦胧。这五对概念影响深远，成了后来讲授艺术形式的出发点。然而在《艺术的故事》中，我们却看到了作者更简洁的手法，他只用构图设计的平面性和忠实自然的立体性这一对概念就完成了沃尔夫林五对概念所起的作用。特别值得注意的是，这种分析法也是作者贯穿全书的一个重要观点，我们在阅读时将不难发现。
本书作者的另一个重要思想，即作者在前言中所交代的一个观点：一方面，在艺术问题的解决上，某个问题的解决方案无论怎样激动人心，都毫无例外的在别处激起了新问题；另一方面，艺术发展在一个方面有什么所得或进步，都必然会在另一个方面有所失，主观的进步概念无论多么重要也不等同于客观的艺术价值的提高。正是由于这些原因，《艺术的故事》讲述的是各种传统不断迂回、不断改变的故事，每一件作品在这故事中都既回顾过去又导向未来，因为在这个故事中，哪一方面也不如这样的景观奇妙：即一条有生命的传统锁链还继续把当前的艺术跟金字塔时代的艺术联系在一起。换句话说，“艺术为何会有一部历史”？作者以其特有的方式给出了回答。因此，如果说《艺术的故事》有一种艺术史的模式的话，那就是艺术问题史的模式。它不仅不同于艺术进步史模式，而且尤其反对那种已成了陈词烂调的艺术是时代精神表现的模式。正是在讨论艺术问题的提出与解决时，作者建立了一个社会情境的模式，这个模式的主要内容就是艺术家所面临的问题情境。难能可贵的是，作者用简洁的语言把手中的问题表达得如此清楚透彻，真是一个了不起的贡献。本书不因用语浅近而降低理论的深度，正所谓“意深而文明”，使其写作本身就成了一种艺术。
西文艺术史的研究，从作为一门学科算起，已有一百多年的历史。它的研究重镇在20世纪上半叶之前，主要集中在德语国家，所谓的艺术史的语言就是德语的语言。从20世纪初，艺术史研究中出现了一种趋势，即要为艺术史找到一种科学基础，于是学者纷纷把目光转向了心理学，并产生了很多心理学式的艺术史研究理论。其中有一种可称为所见与所知的理论。这种理论认为历代艺术家坚持不懈地与妨碍他们精确描绘视觉世界的知识进行斗争。知道事物实际如何，例如知道人的面部是以鼻子为中轴线两边对称，就会妨碍人们对侧面像的描绘，要获得纯粹的视觉艺术就需要不带成见地观看这个世界，就是这场与知识的破坏力量的斗争，以及要恢复“纯眼”的决心，使艺术从埃及的完全“概念性的”艺术走向了印象主义的完全“知觉性的”艺术。
最热艺术的故事读后感（案例19篇）篇十九
艺术的魅力在于，它可以超越时空交流，是艺术家一种无声的永恒的传递。
当然艺术不是人云亦云，艺术也不是随波逐流，所有的作品都是有核心的。每个人都说《蒙娜丽莎》是世界名画，当你站在她面前的时候，你只是点点头，然后感叹地说：《蒙娜丽莎》果然是世界名画啊，达芬奇听到一定想出来抽你，因为那不是达芬奇想表达的。
艺术是一个鉴赏者跟艺术家之间沟通的方式，无论是品评一个建筑或是欣赏一幅画，你跟创作者能碰撞在某一点上，那一瞬间就像互相重叠在“十”字的中间，哪怕只是看懂了画中人的一个表情，一个姿势，一种眼神，一种意境，一种情感，这都是交流，也许重叠的那一“点”就是所谓的艺术吧！