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优质中外美术史心得范文（18篇）篇一
这学期我学习了中国美术史的读书摘后中感受，通过这段时间对中国美术史的学习和认识，了解了祖国灿烂、悠久的美术史，并有了很深的感触与心得。
中国是一个具有悠久的历史文化古国，作为四大文明古国之一，在中国传统美术源远流长，从远古到今留下了丰富的艺术文明。
远古时代即旧石器时代和新石器时代他们艺术的体现在石器的运用和陶器的产生，总而言之远古美术的产生是艺术与实用功能的完美的结合。如当时人们劳动的工具生活的工具都是劳动的产物，可以说是来源于劳动的。在新石器时代其文化发源于黄河流域那便是彩陶，其类型有半坡型彩陶，庙底沟型彩陶其最著名的是青海大通孙家寨出土的《舞蹈纹彩陶盆》其主题其唇部及内外壁均有彩绘：主题纹样由三列相同的舞蹈场面组成。每组五人，手拉手跳舞，排列整齐，动作协调，面向左侧，两腿略有弯曲，呈踏歌状，下体的尾饰甩向左侧。场面欢快热烈，描绘简略稚拙，却又清晰动人。除了彩陶山东的黑陶也有着别具一格的灿烂文明!
从殷商时期由于青铜器的产生便进入了奴隶社会，青铜器在商代最为鼎盛，青铜器的用途大致是：乐器、武器、煮饮工具还有是礼器，礼器是青铜器最主要的功能，因为它象征着皇权，所以当时有些成语“一言九鼎”等。青铜器由于具有礼器的性质，所以在造型上和纹上显示特别的狰狞，其用意是体现皇权的威力与至高无上的政治特征。最著名的有《司母戊大方鼎》其重875公斤，也是我国历史上最重的青铜器。
在平列式构图中对人物关系的处理体现了人的情思及精神状态，其画法与画理均体现了现实主义的美学特征。其代表作品有《洛神赋》《烈女传》《史女箴图》。
五代十国周文矩，顾宏中等。
宋代时文人画的苗头开始探出苗头，其最著名的有风俗画作品张择端的《清明上河图》。
苏轼，方同等。
元明清时期是文人画发展的最高峰时期其形式是诗书画印，诗情并茂!
纵观关于形中国美术史发展中国画中对于山和水的描绘并不是基于客观真实的.首先它没有光影效果,实际上就提出了画面的客观立体感.其次,没有焦点透视,空间表现依靠主观的散点透视和纯艺术的形式把握.山的走向,树木怎么长,长在什么地方,石头用什么质地的表现,都是主观抽象的.既然失去了光影和焦点同时法则,失去了西方风景画的空间关系,那么,山和树和水的表现也就变成了一种符号.在中国传统绘画教学传统中,临摹是主要手段《芥子园画谱》便是把各种物体做了最为主观最为抽象的概括,使之程式化和符号化,山石的皱法有荷叶皱,披麻皱,斧劈皱等不同形式,树叶有"个"字点,圆叶点.都是具有中国传统精神的符号系统.后人学习就从这些符号开始,在符号系统内进行再创造.
关于色中国画没有应用科学的色彩分析法,讲究主观壅塞,大多数就是单色黑白关系.但是这种黑白关系有着很强的新联诗,“运墨而五色具.”“五色”说法不一,或指焦、浓、重、淡、清;或指浓、淡、干、湿、黑;也有加“白”,合称“六彩”的.实际乃指墨色运用上的丰富变化.清代林纾用等量的墨汁，放置在五个碗内分别加以不等量的清水，用以作画来区分浓淡，理解不免机械。所谓墨分五色,即黑白关系蕴藏着丰富而抽象的色彩关系.即使青山绿水画也是极为主观的用色而非真实的用色.就连最为写实的工笔画也只是描绘物象的固有色,而不是科学的光影环境色,从理论上说仍是主观的.墨彩中的清而有神.是由其它深浅不同的墨彩衬托出来的.换句话说,也就是在一幅画的空白部分,画出某种事物的清淡影子,而这清淡影子,在这幅面面上却具有极其重要的表现价值,它反映着某一时间空间的特点,使看的人深入画里,想像着这些影子里,埋藏着许许多多的事事物物.所以我们对这种画,认为是有余不尽,耐人寻味的(如图二).这样的墨彩画完全符合我们对好的抽象画的理解和要求.
关于标准中国画强调纯艺术的,合乎法则的生机勃勃的美,而不是所谓逼真的美.“六法者何?一气韵生动是也,二骨法用笔是也,三应物象形是也,四随类赋彩是也,五经营位置是也,六传移模写是也.”这种标法主要是根据唐代美术理论家张彦远《历代名画记》的记述:“昔谢赫云：画有六法：一曰气韵生动，二曰骨法用笔,三曰应物象形,四曰随类赋彩,五曰经营位置,六曰传移模写.”“气韵生动”或“气韵,生动是也”,是指作品和作品中刻画的形象具有一种生动的气度韵致,显得富有生命力.气韵,原是魏、晋品藻人物的用词,如“风气韵度”、“风韵遒迈”等,指的是人物从姿态、表情中显示出的精神气质,情味和韵致.这也正说明了它应用抽象绘画形式的一面.如说“气韵有发于墨者，有发于笔者”,“气关笔力,韵关墨彩”.这已不是谢赫原意，而是后代艺术家、理论家根据自己的体验、认识对气韵的具体运用和新的发展。气韵与传神在说明人物形象的精神特质这一根本点上是一致的,气韵则更多的指人物的全体尤其姿致谈吐所传达的内在情性,或者说内在情性的外在化.在谢赫时代,气韵作为品评标准和创作标准,主要是看作品对主体表现的因素，气韵就指的是作为主客体融一的形象形式的总的内在特质了.能够表现出物我为一的生动的气韵，至今也是绘画和整个造型艺术的最高目标之一.。
我们常常为中国悠久的文明、精湛的艺术感到骄傲.诚然,祖先智慧与经验的结晶,是我们宝贵的财富,但不应该成为艺术创作的禁锢.宋人为躲开唐诗这座高峰的阴影,独辟蹊径——作词;元代文人更抛开诗律与词牌——制曲.循规蹈矩或许不功不过,但久而久之,便会使原本鲜活的艺术僵化.“创”，是艺术领域里永恒的话题.
优质中外美术史心得范文（18篇）篇二
第一段：引言（介绍美术史的内容和重要性）。
美术史是一门介绍人类艺术创作的学科，它不仅是了解艺术历史的重要途径，还可以锻炼我们的审美能力和对艺术作品的理解和欣赏。美术史介绍了从远古时期到当前的艺术作品和流派，以及这些作品背后的文化和历史背景。在研究美术史的过程中，我深刻认识到艺术对人类文化和历史的重要性，也学会了更好的欣赏和理解艺术作品。
第二段：艺术与文化的关系。
在研究美术史的过程中，我意识到艺术是一种文化表达。不同的文化传承不同的艺术风格和流派，并展现出不同的审美标准和价值观。例如，在罗马帝国时期，雄伟壮观的建筑和雕塑体现了帝国的权力和统治。而在中国唐代，绘画和陶瓷制作精湛，反映了社会和谐和人们的美好生活。了解不同文化的艺术表达可以帮助我们更好地理解世界，并通过它们学习和欣赏不同文化的美。
第三段：艺术的价值和意义。
美术史的学习让我更加深刻地认识到艺术的价值和意义。艺术作品不仅是文化和历史的记录，还可以展现出艺术家的个性、情感和观念。每一幅作品都是独一无二的，它们通过色彩、构图、线条和形式表达情感和思想，给人留下深刻印象。艺术作为文化的重要组成部分，可以传达人类的共同价值观和情感，激发我们的创作和思考，也可以让我们以不同的视角看待世界。
第四段：欣赏和理解艺术的方法。
学习美术史可以锻炼我们的欣赏和理解艺术的能力。通过对艺术作品的研究、分析和比较，我们可以更深入地了解艺术家的创作思路和风格特点。此外，了解艺术作品的历史和文化背景也可以帮助我们更好地理解和欣赏它们的价值和意义。通过欣赏和理解艺术，我们可以培养自己的审美能力，更有敏锐地感受世界、享受生活。
第五段：结论（为什么美术史很重要）。
总之，学习美术史可以帮助我们理解和欣赏不同文化和历史时期的艺术作品，深入了解艺术家的思想、情感和文化背景，也可以培养我们的审美能力和思考能力。美术史不只是一门学科，更是一种与文化、历史和生活紧密联系的艺术体验。它让我们更全面地了解世界，也让我们感到生活和艺术的美妙。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇三
131、瓷器最苑泅现于（商代）。（宋代）制瓷业空前繁荣，并有了（钧窑、汝窑、官窑、定窑、哥窑）五大名窑。
132、青铜器的两个鼎盛时期分别是（商代晚期）和（西周早期）。
133、中国画从表现内容上分（花鸟画、人物画、山水画），从表现形式上分（写意和工笔）逐渐形成（诗、书、画、印）结合成一种独特风格。
134、文艺复兴时期绘画三杰是指达芬奇、拉斐尔、米开朗基罗，浪漫主义绘画的代表除了法国的席里柯和德拉克洛瓦外，还有西班牙的弗朗西斯哥·戈雅。
135、现代艺术设计的基本原则是（适用，经济，美观而又适合生产）。它相对于传统工艺美术，在生产中体现出（机械化和批量化）。
136、饕餮纹与夔龙纹是商周青铜器中应用最广泛的一种装饰纹。
137、《游春图》是已知年代最早的独立山水画作品。
138、古代人物画中默写的典范作品是五代顾闳中画的《韩熙载夜宴图》。
139、被罗丹称为“古代的神品”的是古希腊雕塑《米洛斯的阿芙罗狄特》。
140、顾闳中，南唐著名人物肖像画家。曾画过后主李煜的肖像。《韩熙载夜宴图》是他唯一的传世作品。
141、《思想者》是法国著名现实主义雕塑大师罗丹的作品。
142、《血衣》是画家王式廓所作.这幅作品人物形象典型，刻画细腻，活生生地刻画出封建制度下中国农民的命运。
143、朱耷，明末清初卓越的大画家，字(_zi)雪个，又字八大山人等。
144、《雅典学院》是佛罗伦萨著名画家拉斐尔作于1509---1511年间的壁画。
145、文人画是中国传统绘画中重要的风格流派，自元代兴起，明、清朝以后成为中国画坛的主流。它在创作上张扬个性，强调诗、书、画、印等多种艺术的结合。
146、油画作品〈父亲〉的作者是罗中立。
147、青铜是铜与锡合金。
148、常用的美术字体有黑体美术字、宋体美术字、综艺体美术字以及？？？？美术字。
149、美术的社会功能主要体现为：教育功能、认识功能、审美功能、娱乐功能。
150、木偶有三种（布袋木偶）、（杖头木偶）、（提线木偶）。
151、“颜筋柳骨”中的“颜”和“柳”是指：（唐朝）的（颜真卿、柳公权）两位大书法家。
152、北京2008年“申奥”标志的颜色有红、绿、黄、黑、蓝，这五种颜色。
153、卡通画综合了（漫画、连环画）的一些特点，形成了特有的表现手法。
154、中国结象征团结、和谐的人际观系，主要有（基本结）和（变化结）两类。
155、在我国传统画论中对于五官位置：有（三停五眼）之说眼在头高的（二分之一）处。
156、“文房四宝”泛指中国书法绘画常用四种工具笔、墨、纸、砚。
157、《韩熙载夜宴图》是五代画家顾宏中作品。
158、《千里江山图卷》是北宋时期王希孟的作品。
159、西斯廷教堂里的大型壁画《创世纪》是米开朗基罗的作品。
160、古代人物画中默写的典范作品是五代顾宏中画的《韩熙载夜宴图》。
161、立体派风格的《哭泣的女人》是西班牙画家毕加索的作品。
162、美术根据艺术门类可划分为：绘画、工艺、雕塑、建筑、书法等。
163、美术又称造型艺术视觉艺术空间艺术。美术的社会功能主要体现在教育功能认识功能和审美功能。
164．色彩千变万化，但归纳起来主要有三大要素，分别是色相、明度、纯度。
165、用笔，中国画技法名。在技法上，笔不是指毛笔，而是指勾、擦等方法。中国画用墨的方法大体上可以分为泼墨法、破墨法等方法。
166、雕塑以其不同的表现形态可以分为圆雕与浮雕。米开朗基罗的作品《大卫》是一件圆雕作品。
167、“六朝三杰”指顾恺之、陆探微、张僧繇。
168、“五墨六彩”干、黑、浓、淡、湿，黑、白、干、湿、浓、淡。
169、画史上“吴带当风，曹衣出水”分别指的是唐代画家吴道子和北齐画家曹仲达所独创的宗教图像样式。
170、北宋画家王希孟的《千里江山图》，全图长1119.5厘米，高51.5厘米，是我国古代绘画中最杰出的作品之一。
171、马蒂斯被称为是野兽派派别的画家。
172、饕餮纹又称兽面纹纹，它是商代代青铜器的代表性纹样。
173、毕加索是西班牙籍的画家、雕塑家、版画艺术家，是立体主义画派的主要代表人物。
174、吉州窑的窑址在江西省的吉安，它鼎盛于那肺时期。175、原为组塑的一部分.是罗丹用以象征但丁的形象.176、1990年，凡高的《加歇医生的肖像》创下了艺术品拍卖价格的世界最高记录，一直保持到现在。
177、李苦禅，现代画坛大写意巨匠。原名李英，《荷塘牺翠》为其作品。
178、在中国画中，凡以人物为内容的绘画统称为人物画。
179、《音乐课》是１９世纪英国画家洛德·莱顿的作品。
180、〈吹短笛的男孩〉是法国印象派画家马奈于1866年创作的。
181、《年青人》是著名版画家黄新波作于1961年的一幅版画。
182、在我国，中国画简称为：“国画”，古称“丹青”。
183、竹与松、梅被称为“岁寒三友”，历来深受人们的喜爱。
184、被称为“新中国美术史册第一篇章”的著名油画《开国大典》。
185、长信宫灯出土在河北省满城县，它以青铜制成。
186、“颜筋柳骨”中的“颜”和“柳”是指代颜真卿、柳公权两位大书法家。
187、北京2008年“申奥”标志的颜色有红、黄、蓝、绿、黑？红这五种颜色。
188、中国结象征团结、和谐、温暖的人际观系，主要有平结(基本结)和盘长结(变化结)两类。189、在我国传统画论中对于五官位置有三庭五眼之说眼在头高的二分之一处。
190、南齐谢赫的著作《古画品录》中的六法论，其内容是：气韵生动、骨法用笔、应物象形、随类赋彩、经营位置、传移摸写。
191、雕塑雕、刻、塑三种制作方法的总称，是用固体材料制作的占有三维空间的艺术品。按其形态，一般可分为圆雕和浮雕两大类。
192、泥塑常用的制作技法有：塑、捏、贴、刻、划、彩、雕、挖等。
193、在中国建造体系中，园林建筑是综合性最强，艺术性最高的重要门类。大约可分为私家园林、皇家园林、山水园林和？？？？等四种类型。
194、色彩的三大要素是，它分为有彩色和无彩色两大系列。色彩的搭配方法有对比色、邻近色、互补色？。
196、中国画常用的墨法有：积墨法、破墨法、泼墨法等等。
197、平面构成的基本方式有重复、近似、对比、发射、渐变、特异、密集、对比、肌理等。198、中国画的形式美因素包括：形象之美、笔墨之美、色彩之美、章法之美。
199、石窟艺术以壁画、雕塑和建筑三位一体的表现形式，直观而形象地诠释佛教经典，弘扬教义的佛教艺术。
200、透视包括平行透视成角透视散点（倾斜？）透视等多种类型。
201、美术，是运用一定的物质材料，通过造型等手段，创造出的具有一定空间和审美价值的形象的艺术。
202、“六朝三杰”指顾恺之、陆探微、张僧繇。
203、中国画的“四绝”是指诗、书、画、印；在中国画中墨色变化的观键是水，墨的“五色”是指焦、浓、重、淡、清。
204、京剧有四个行当（生）、（旦）、（净）、（丑）。
205、浮雕是雕塑的一种，按表现凸出的厚度不同，有高浮雕和浅浮雕之分。
206、三原色是指（红）、（黄）、（蓝）这三种颜色，其中（红）色和（蓝）色混合能调出（紫）色；（黄）色和（蓝）色混合能调出（绿）色；（红）色和（黄）色混合能调出（紫）色，被调出的这三种颜色称为三间色。
207．中国画在表现形式上有立轴、横轴、斗方、册页扇面等多种，中国画中的墨分五色分别指焦、浓、重、淡、清。
208．欧洲文艺复兴时期最具代表性的三位画家是达芬奇、米开朗基罗、拉斐尔，他们的代表性分别是《最后的晚餐》、《大卫》、《西斯廷圣母》。
209、《加菜义民》是法国雕塑家罗丹的作品，他另外的代表作有地狱之门。
210．巴黎圣母院位于法国，是典型的哥特式建筑。悉尼歌剧院则是澳大利亚国家的建筑，它的造型如贝壳（或者佰合）。
211、色彩的三大要素色相、纯度、明度。在色相环中成150度---180度的色彩为对比色对比，位于60度以内的为邻近色对比。
212、黄河流域半坡彩陶纹饰最多的是鱼纹。
223、秦汉时代表示威仪登第的建筑物是门阙。
215、我国第一部绘画断代史著作是唐朝名画录。
216、那肺时期以善画婴戏图著称的画家是苏汉臣。
217、现存最大的喇嘛式塔是妙应寺白塔。
218、“明四家”中以工笔重彩闻名的画家是仇英。
220、在苏州大型园林中具有代表性的园林是留园。
221、铜胎掐丝法郎的俗名是景泰蓝。
222、马王堆汉墓帛画描绘的主题思想是引魂升天。
223、已知最早的纸本绘画《地主庄园图》出土于吐鲁番晋墓。
224、描绘宫中嫔妃生活哀怨的作品是挥扇仕女图。
225、“昭陵六骏”浮雕中具有情节性的作品是飒露紫。
226、《潇湘图》的作者是五代画家董源。
227、首次提出山水画“三远”的论著是林泉高致集。
228、“元四家”中山水画章法稠密的画家是王蒙。
229、明代纯以彩色在熟纸绘绢上作写意的画家是孙隆。
230、清代从摹习古法掌握前人经验与程式入手的绘画教科书是芥子园画传。
231、与经享颐、何香凝共同组织“寒之友”社的画家是陈树人。
232青铜器：发端于黄河流域，是红铜加锡的合金。分礼器、乐器、兵器、工具及车马器等四大类。其中礼器是统治阶段用以区别尊卑等级的器物。其品种有鼎、豆、尊、盘、钟等。
233、瓦当：覆于屋顶檐际的一种瓦件。通指半规或圆形之瓦头。始见于周代，秦汉已趋流行。常见瓦当大多与简瓦连制一起，其瓦背断面作半筒状，上有各种动、植物或文字、云纹等图案纹饰。既有实用的功能，也富于装饰美。
234、圣像画：特指欧洲中世纪绘制于板上的基督教神明和圣徒的画像。题材受到教义的严格束缚和程式化规定。多以蛋彩形式画成。画中形象冷漠而呆滞，缺少生活气息和世俗风韵。
236、美术课程具有人文性质，是学校进行美育的主要途径。
237、《全日制义务教育美术课程标准》根据学生学习活动方式划分为造型表现设计应用欣赏评述综合探索四大学习领域。
238、文人画是中国传统绘画中重要的风格流派，自北宋兴起，元明清朝。
以后成为中国画坛的主流。它在创作上张扬个性，强调诗书画印等多种艺术的结合。
239、中国书法艺术创作的常用幅式有条幅、横幅中堂扇面斗方。
手卷等。
240、伦勃朗群像画《夜巡》，画面用一种舞台式的光线_把众多人物组合成一个。
完整的构图，油画颜料的_厚与薄的对比使物体质感得到完美的表现。
241、法国大革命以来西方美术史使我们对画家的个人风格留下了更为深刻的印象，19世纪的上半叶，享受当时社会最高赞誉的画家是安格尔，他精于以冷静清晰的线条和细腻、深入的描绘来营造出一种符合古典理想的美，而他的反对者德拉克洛瓦却相信在绘画中色彩的运用比素描法则重要得多，他一改古典派素描的表现手法，强调个性和情感，偏爱幻想的主观_世界，追求灿烂的色调。
242、中国美术的起源和萌芽时期是石器时代的美术。
243、青海大通孙家寨出土的《舞蹈纹彩陶盆》，堪称马家窑文化彩陶艺术之杰作。
245、我国先秦时代的青铜器，分礼器、乐器、兵器、工具及车马器等四类。
246、东汉时代的画像石以山东嘉祥的武梁祠为代表。
247、中国现存最早的砖塔是河南等封的蒿岳寺塔。
248、刘宋时画家陆探微创造了“秀骨清象”的清秀绘画形象，而张僧繇则因其创造的形象独具风格，被称为“张家祥”。
249、唐代画家王维以诗入画创“破墨”山水，书写文人情怀。王洽画松石山水则疯癫狂放，创“泼墨”之法。
250、我国著名的四大石窟指的是敦煌莫高窟、天水麦积山、大同云冈和洛阳龙门石窟。
251、唐代工艺品中成就最为卓著的首推唐三彩，殉葬的俑和驼、马动物是其中的精品。
252、论者评宋初两大山水画家谓：“李成桩画，近视如千里之远，范宽之笔，远望不离坐外。”253、那肺画家梁揩擅绘洗练放逸的“减笔画”，开启了元明清写意人物的先河。
254、元代永乐宫三清殿壁画的作者是民间画工马君祥等，而纯阳殿的壁画构图则是采用了连环画的表现形式。
255、明代“派”的代表画家时戴进和吴伪。
256、明末画家陈洪绶19岁时创作的九歌图，其中以屈子行吟图为最佳。
257、清初“四僧”指的是八大山人、石涛、髡残、弘仁。
258、“扬州八怪”大致分三类，其中一类是丢官后来扬州的文人，如郑板桥、李鱓等人。
259、清代三大木板年画产地是天津杨柳青、苏州桃花坞、山东潍县杨家埠。
260、近代画家任伯年注重文人画与民间美术结合，创造了雅俗共赏的新画风。
261、“从来没有一个画家像他这么努力与绘写社会生活……”这是郑振铎对《点石斋画报》的主要执笔人吴有如的评价。
262、中国美术史上至今发现最古老的装饰品，是距今约年前峙峪人制作的一件石墨装饰品。
263、仰韶文化彩陶以半坡类型和半坡类型的彩陶艺术成就最为杰出。
264、龙山文化阶段，作为当时建筑质量提高的主要标志，一是普遍发现白灰面，二是出现了夯土台基。
265、湖北随县曾侯墓出土的大型铜编钟，堪称战国时代青铜器的杰作。
266、马王堆出土的汉代帛画，其主题思想是引魂升天。
267、被称为我国古代园林景观雕塑第一座丰鹎的是汉代昆明池石刻牵牛像和织女。
268、传为东晋画家顾恺之的绘画作品有三件，即《女史箴图》、《洛神赋图》、《洛神赋图》。
269、唐代画家周昉，创造了“水月观音”之体，他的佛画风格被称为“周家祥”。
270、杜甫诗：“薛公十一鹤，皆写青田真，……”道出了画家薛稷笔下鹤的高昂神韵。而“穷羽毛之变态，夺花卉之芳妍”则指的是边鸾的花鸟画。
277、北宋文人画家李公麟借鉴前代的“白画”发展为更具表现力的“白描”，其传世真迹有《五马图》。
278、突破“黄家富贵”这种宫廷花鸟画成规的画家是北宋中后期的崔白。
279、“(__)那肺四大家”指的是李唐、刘松年、马远、夏圭。
280、元代画家王冕以画梅著称。
281、“吴门四家”中的仇英，画法以工笔重彩闻名，代表作品是《剑阁图》。
282、提出山水画“南北宗论”的是明末画家董其(dongqi)昌。
283、清初“四王”派分为两种，即王时敏、王原祁为一种王鉴、王翚为一种。
284、“借古以开今”是清代画家石涛在其《苦瓜和尚画语录》一书中提出的。
285、清嘉道间两位著名的仕女人物画家是改琦与费丹旭。
286、近代“岭南画派”在艺术上主张“折衷东西方”。
287、吴昌硕的艺术道路与众不同，他从制印开始，又学习书法辞章，最后取得绘画成就。
288、中国新石器时代的绘画艺术，主要体现在彩陶的装饰纹样上。
289、在峙峪人和山顶洞人的装饰品上，呈现出成熟的钻孔技术，这在雕刻史上具有重要意义。
290、青铜器中的礼器，是统治阶级用以区别尊卑等级的器物。
291、秦汉时代的美术中，兼有绘画与雕刻两种特点的是画像石与画像砖。
292、《霍去病墓前石刻》被称为“汉人石刻，气魄深沉雄大”的杰出代表，其主体雕刻是《马踏匈奴》。
293、六朝三大家指的是顾恺之、陆探微、张僧繇。
294、世界上现存最早的敞肩拱桥是隋代的安济桥（赵州桥）。
295、画史上“吴带当风，曹衣出水”分别指的是唐代画家吴道子和北齐画家曹仲达所独创的宗教图像样式。
296、唐代画马的名家韩干、画牛的名家是韩滉。
297、“徐黄异体”指的是五代画家徐熙和黄筌的花鸟画风格。
298、宋代瓷器生产的五大名窑指的是定、哥、汝、官、钧窑。
299、宋代文人画赋予梅兰竹菊以道德品格，号称“四君子画”。其后成为传统绘画中的独特门类。
300、元代肖像画家王绎，驰名江浙一带，著《写像秘诀》一书。
301、把写意花鸟推向新阶段的两名主要画家是陈淳和徐渭。
302、明代后期，在肖像画的发展中，以曾鲸为代表的墨骨敷彩画法，在当时的文人中影响很大。
303、“扬州八怪”大致分为三类：其中一类是厌弃官场的文人画家，如金农、高翔、汪士慎等。
304、明清时期我国著名的四大名绣是苏绣、粤绣、蜀绣和湘绣。
305、被视为“海派”名家，但未定居上海的画家，有赵之谦和虚谷。
306、天津泥人张被徐悲鸿成为“虽杨惠之不足过也”。其创始人是张长林。
307、奠定擦笔水彩画法，并用时装美女做月份牌主要描写对象的是郑曼陀。
308、人类最早的造型艺术产生于旧石器时代晚期，即距今三万到一万多年之间。309、古埃及雕刻程式在古王国时期就已形成，此后被当作典范沿袭下来。
310、希腊神庙建筑的两种基本柱式是多利亚(克)式和爱奥尼亚式。（璧山安学画室提醒大家：其实应该加上“科林斯”）。
311、创造人体比例为1：7的希腊雕刻家是爱奥尼亚，其理论具体体现在他的雕刻《荷矛者》中。
312、古罗马拱顶建筑的杰出代表是万神庙。
313、罗马式教堂是以巴西里卡式演变过来的，在封建割据的情况下，它也有封建城堡的特点。
314、文艺复兴佛罗伦萨画派的创始人是乔托，其代表作有壁画《逃往埃及》等。
315、意大利文艺复兴三杰指的是达?芬奇、米开朗基罗和拉斐尔。
316、欧洲第一个喜欢画农民生活的画家是尼德兰（国）的勃鲁盖尔。
317、十七世纪荷兰绘画创造的一种新的肖像画形式是团体肖像画，其代表画家是哈尔斯和伦勃朗。
318、西班牙十七世纪画家委拉斯贵支的肖像画基本上可分为三类，一类是宫廷肖像，一类是亲友肖像，一类是下层人民肖像。
319、法国“罗可可”艺术的主要代表画家是华多、布歇、弗拉戈纳。
320、法国新古典主义画家大卫的作品《马拉之死》，表达作者对遇刺战友的崇敬。
321、被称为浪漫主义狮子的德拉克洛瓦，其发出的第一声怒吼是他的作品《但丁之舟》，而他在一八二四年创作的油画作品《西阿岛的屠杀》则标志着浪漫主义盛期的到来。
322、法国巴比松画派的主将是卢梭，而另一位画家杜比尼，则被誉为“画水的贝多芬”。
323、漫画《高康大》的作者是法国画家杜米埃。
325、十九世纪俄罗斯最重要的画派是巡回画派，其组织者和思想领袖是画家克拉姆斯柯依，而代表着一画派现实主义艺术最高成就的则是画家列宾。
326、世界最著名的两处史前时期的洞窟壁画是法国的拉斯科和西班牙的阿尔塔米拉。
327、古埃及金字塔经历了一个从长方形石墓到梯形金字塔，最后到方锥形金字塔这样一个演变过程。
328、希腊瓶画的三种绘画样式是黑绘式、红绘式和东方式。
329、《掷铁饼》的作者是希腊雕刻家米隆。
330、凯旋门是古罗马的重要建筑，用来纪念战役的胜利。其有两种形式，即一跨式和三跨式。
331、巴黎圣母院是著名的哥特式建筑之一。
332、继承和发展了乔托的艺术传统的是意大利画家马萨乔。
333、文艺复兴时期的意大利美术在技法上的两大成就是透视学和解剖学。
334、德国文艺复兴时期最杰出的两位画家是丢勒和霍尔拜因。
335、十六世纪末十七世纪初，意大利产生了三个流派，即学院派艺术、巴洛克艺术和现实主义艺术。
336、《阿尔卡迪牧人》的作者是法国画家普桑。
337、法国“罗可可”画家华多的一生的转折点以其作品《舟发西苔岛》为标志。
338、法国新古典主义的杰出画家有大卫、普吕东、格罗（或安格尔）等。
339、法国画家籍里柯创作的《梅杜萨之筏》被视为浪漫主义的伪大誓言，而德拉克洛瓦创作的《梅杜萨之筏》，则是这位画家的想象力达到顶峰的作品。
340、法国写实主义绘画的旗手是库尔贝，其代表作品有《画室》、《奥尔南的葬礼》等。
341、十九世纪英国的两位杰出的风景画家是透纳和康斯太勃尔。
342、“印象主义”一词由莫奈所作的《日出?印象》一画的标题而来。该画派仔善于描绘舞女题材的是德加，而注重表现农民和农村景色的画家是毕沙罗。
343、在俄罗斯“巡回画派”中，以历史画创作著称的苏里科夫，其历史画的“三部曲”是《近卫军临刑前的苑强》、《女贵族莫罗佐娃》和《缅希科夫在贝留佐夫村》。
344、被称之为“原始的维纳斯”的著名代表作，是在维也纳附近的温林多夫出土的女性雕像。
345、埃及人相信“灵魂永生”，故宗教对埃及艺术产生了重要影响。
346、希腊雅典卫城建筑群中，主要建筑是帕特农神庙，而伊克瑞翁神庙则以有一组女像柱而著称。
347、提出人体比例为1：8的希拉雕刻家留西波斯，其代表作有《赫拉克勒斯》。
348、古罗(_guluo)马浮雕具有记事和写实的特征，其最突出的代表作是图拉真纪念柱浮雕。(shi4tu2la1zhen1ji4nian4zhu4fu2diao1_)。
349、拜占庭式教堂的典型代表是圣菲索亚教堂。
350、文艺复兴时期的意大利美术最早表现希腊神话题材的画家是波提切利，其代表作品有《维那斯的诞生》和《春》。
351、欧洲油画技术的革新者是尼德兰（国）的凡?埃克兄弟。352、文艺复兴时期威尼斯画派最著名的两位画家是乔尔乔内和提香。
353、欧洲“巴洛克”艺术在雕刻方面的代表是意大利的贝尼尼，在绘画方面的代表是佛兰德斯的鲁本斯。
354、17世纪西班牙画家穆立罗的作品可分为两大类，一类是宗教题材画，一类是风俗画。
355、在法国万事崇尚奢华的路易十五时代，画家夏尔丹那沉穆凝重的景物画愈显得醇美动人。
356、写出法国新古典主义画家大卫的三幅代表作：（1）《荷加斯兄弟的宣誓》、（2）《布鲁图斯》、（3）《马拉之死》。
357、代表着浪漫派色彩成就的《阿尔及利亚女人》，是德拉克洛瓦赴东方后所作。象征法国革命精神的则是吕德的雕刻作品《马赛曲》。
358、法国画家米勒以其质朴平凡的笔调深刻地表现了田间劳动者的生活面貌，最有代表性的有《播种者》、《拾穗者》和《晚钟》等。
359、在法国印象派仔，以画人物著称的画家有马奈、德加和雷诺阿；以画风景著称的画家又莫奈、西斯莱和毕沙罗。
360、在19世纪英国风景画派，具浪漫主义表现手法的画家是透纳，而另一位画家康斯太勃尔的作品，则被称为是现实主义风景画的典范。
361、法国立体主业美术的创立者是毕加索，其油画作品《毕加索》，被认为是传统美术与现代美术的分水岭。
362、课程的改革不仅是内容的改革，也是（教学过程）和教学方法的改革。
363、色彩的三属性包含（色相）、（明度）、（纯度）。
364、纯度是指色彩的（鲜浊程度）。
365、不同颜色的相貌、名称称为（色相）。
366、在色环中，互成（150°——180°）的色，为强烈对比。位于60°以内的色，为柔和对比。
367、（类似色）也叫邻近色，指（色相）比较接近的各种颜色。如紫红、红、橘红等。
368、国画中，用清水和墨汁调出的（焦）（浓）（重）（淡）（清）等不同墨色，可以使画面更加生动有趣。
369、凡.高是（十九）世纪的（荷兰）国家的画家，作品有《向日葵》等。
370、个体的心理发展受（先天）和（后天）两方面因素的制约。
371、东汉时代的画像石以山东嘉祥的武梁祠为代表。
372、近代画家任伯年注重文人画与民间美术结合，创造了雅俗共赏的新画风。
373、元代永乐宫三清殿壁画的作者是民间画工马君祥等，而纯阳殿的壁画构图则是采用了连环画的表现形式。
375、《掷铁饼》的作者是希腊雕刻家米隆。
376、巴黎圣母院是著名的哥特式建筑之一。
377、德国文艺复兴时期最杰出的两位画家是丢勒和霍尔拜因。
378、人类最早的造型艺术产生于(旧石器时代晚期)，即距今三万到一万多年之间。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇四
美术史是我们学习美术必不可少的一门课程，它是了解艺术发展的历史和潮流的重要途径。在学习的过程中，我体会到了艺术史的深度和广度，接触到了各种类型和风格的作品，学会了以更专业的视角欣赏艺术，让我对美术产生了更加丰富的感受和理解。
第二段：艺术的起源和发展。
美术史课程的第一部分介绍了艺术的起源和发展。在认识了通过古代壁画、石刻和早期绘画艺术作品尝试了解人类早期文化和生活方式的基础上，我们开始接触到了跨越时代的艺术作品。我们了解到了古埃及人民的宗教艺术、希腊罗马的雕塑和建筑、文艺复兴时期的绘画和建筑，这些让我认识到了不同文化和时代的艺术特点和发展趋势，进一步提高了对艺术的认识和欣赏。
第三段：艺术派别和风格。
美术史的第二部分了解了不同的艺术派别和风格。在这部分的课程中，我对印象派、表现主义、立体主义、超现实主义等艺术流派有了更深入的了解。当我们仔细观看这些作品时，我们会发现每个时期都有独特的审美标准和风格，这些标准和风格以不同的方式展示了文化和时代的特征，是让我们欣赏和理解当代艺术的突破口。
第四段：艺术家和作品。
美术史的第三部分则是学习了解艺术家和他们的作品，当我们深入了解了不同的艺术家，他们的艺术生涯，他们的概念和表达方式以及他们的艺术作品。通过这些课程，我意识到了每个艺术家的创造过程以及他们对世界和生活的理解。这些无常的作品以不同的视角和技巧，展示了不同的人性，告诉我们世界的美妙之处和真实的一面。
第五段：结尾。
通过学习美术史，我们可以更好地了解艺术绘画的历史和发展，并从著名的艺术作品中品尝到一个更深层次的艺术享受。美术史不仅让我们了解艺术，同时也是给我们一个对文化历史和审美的宝贵贡献。在我的学习过程中，我发现虽然还没有学完所有的内容，但美术史不只是学习历史和技术，更重要的是让我们在艺术世界里找到自己认为最重要的东西。我相信，艺术是富有感性和智慧的表达，而美术史的课程是一个学习理解和欣赏艺术的重要过程。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇五
了解大师，解读大师，对自己的作品也很有帮助。不看好的东西，怎么知道什么是好呢？学习美术史还能让你少走弯路，放眼未来。其实就是我们现在学的思想、技法，也是美术史，都是以前积攒下来的。所以，美术史的学习无处不在。美术史不枯燥。了解历史上不同时期不同地域美术，是很有乐趣的。各种文化的特点啊！文化背景啊！学完就知道为什么某一艺术会出现在特定的时期，而且又有自己的独特风格。我们可以通过学习中外美术史去寻找和发现作品的灵魂，也就是作者的思想感情和审美感受，以提高审美能力、艺术感觉和修养。经过漫长的历史进程，美术的发展也越来越多元化。现代美术与古代美术有着本质的差别，现代的美术更多的带有现代的气息，现代画也十分地简明、易懂；而古代美术却让我们很难理解，以现代人的眼光，我认为古画看上去很难让人产生共鸣，必须与历史结合起来，才有所体会。
学习中美史的时候能深刻的感受到中国文化的精深与宏伟。不论是被后人称道的汉唐鼎盛还是所谓萧条淫糜的两晋两宋，画坛的人才辈出，让我们意识到其实中华文明只是比较内敛含蓄，而他的伟大绝不亚于所谓的文艺复兴的璀璨光华，他的气魄绝对是全人类最宝贵的真典。
中国民间的东西是很有特色的，可以在里面汲取精华，运用到现代的设计当中，做为有中国特色的设计，现在中国在设计方面还是比不过意大利等一些国家，很多有是模仿，没有自己的特点。日本在这点上就做的很好，运用了很多日本特色的东西。所以我们也要充分利用中国的传统文化，使其中华之魂深深的熔铸在我们的设计当中。
学习中外美术史最终的目的就是为其美术创作、艺术设计。结合历史，能使我们更加理解其意境、章法和笔墨，从而为我们的美术创作、艺术设计打下坚实的基础。学了中外美术史，让我的文化素质和道德修养得到了提高，还学到了日常生活的一些小常识，让我时刻观察生活中的美，知识面也得到了拓展，短短的课堂让我学到可如此多的知识。在这课堂上也让我感受到了大学的气息。
姓名：司成月。
学号：0908024024。
班级:艺设（4）班、
优质中外美术史心得范文（18篇）篇六
美术史是一门研究人类艺术创作的学科，通过对艺术作品的研究和分析，我们可以了解不同历史时期和不同文化背景下的艺术风格和思想表达。在学习中外美术史的过程中，我对艺术的发展演变有了更深刻的认识，同时也感受到了不同文化对艺术的影响以及艺术对社会的作用。下面我将从艺术流派、艺术家个体、艺术市场、艺术教育以及艺术对社会的影响五个方面，分别展开对中外美术史的心得体会。
首先，研究中外美术史让我了解了不同艺术流派的形成和发展规律。在中外美术史中有许多有影响力的艺术流派，如文艺复兴、印象主义、立体派等。这些流派在不同历史时期出现，标志着人们对艺术的追求和思考的变化。通过对这些流派的研究，我了解到艺术并非一成不变的，而是不断演变和创新的。每个艺术流派都有其独立的特点和表达形式，通过分析和比较这些流派的作品，我们能够更好地理解艺术的多样性和发展规律。
其次，中外美术史让我认识到艺术家个体的重要性。艺术家是艺术作品的创作者，他们通过自己的创作表达自己对世界的认知和情感。在世界各地的美术史中，有众多杰出的艺术家，如达·芬奇、梵高、毕加索等。通过对这些艺术家的研究，我深刻体会到个体的创造力和独特性对于艺术发展的重要性。每个艺术家都有自己独特的风格和观点，他们通过自己的作品传达出对社会、自然和人生的独特见解，为艺术史增添了丰富多彩的元素。
第三，中外美术史也让我了解到艺术市场对艺术发展的推动作用。艺术市场是艺术家与观众、收藏家之间的桥梁，艺术品的买卖和展示是艺术市场的核心内容。在中外美术史中，艺术市场一直以来都对艺术家的创作和发展起到重要的推动作用。艺术市场的需求和价格形成了艺术作品的流通和价值，同时也决定了艺术家的创作方向和形式。通过学习中外美术史，我认识到艺术市场的繁荣与否对艺术发展产生着重要的影响，只有在一个繁荣的市场环境中，艺术家才能获得更好的发展机会和创作空间。
接下来，中外美术史也引发了我对艺术教育的思考。艺术教育是培养艺术人才和传承艺术文化的重要手段。在中外美术史中，我们可以看到许多享有盛誉的艺术学院和艺术家培养机构的建立和发展。这些教育机构为艺术家提供了专业的培训和学习环境，同时也为社会培养了一大批具有艺术才华和创造力的人才。通过对中外美术史的学习，我认识到艺术教育对于培养艺术家个体和推动艺术发展的重要性，也进一步认识到艺术教育应该注重培养学生的创造力和个性，而非简单地灌输技巧和理论知识。
最后，中外美术史让我深刻意识到艺术对社会的重要影响。艺术作为一种文化表达方式和思想交流工具，对于社会的发展和进步起到了重要的作用。在中外美术史中，我们可以看到许多艺术作品具有强烈的社会意义和批判精神，它们通过表达对社会现象和价值观的思考和反思，引发社会的思考和讨论。通过研究中外美术史，我认识到艺术在现代社会中的重要作用，艺术与社会的互动不仅促进了社会的进步和变革，也为人们提供了审美享受和精神寄托的空间。
综上所述，通过学习中外美术史，我对艺术的发展方式、艺术家的独特性、艺术市场的推动作用、艺术教育的重要性以及艺术对社会的影响有了更深刻的认识。中外美术史不仅是一门学科，更是一扇通向人类艺术创造和价值观追寻的窗口。通过对中外美术史的研究和思考，我们可以更好地理解艺术的发展演变和它对人类社会的意义。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇七
浅谈中国山水画与古典园林。
姓名：xx。
班级：xx学号：xx指导教师：xx浅谈中国山水画与古典园林。
作者：xx。
摘要。
一个时期的艺术会渗透到这个时期的方方面面，例如园林的营造艺术，凡属风景式园林或多或少地都具有“画意”，都在一定程度上体现着绘画的原则。中国画与中国园林有着不解之缘，中国古典园林史表明，山水画与山水园林关系非常紧密，历代的文人、画家参与造园蔚然成风，不少园林作品直接按某个画家的笔意，某种流派的画风来造园，以画论代园论指导园林设计的手法屡见不鲜，长时间的发展而形成了“以画入园，因画成景”的传统。现在将从两者的关系，从立意，构图，空间布局等方面的共同点来阐述山水画渗透于中国古典园林中。分析美术与园林，两者之间的联系。
正文。
一.中国山水画的演变历程。
人。唐末、五代、宋初产生了“百代标程”、“照耀千古”的大山水画家，如孙卫、荆浩、李成、范宽、董源等等，都是前无古人，后启来者的大画家。这段时间的大山水画家多位是隐士，他们的山水画成就特别高。隐遁山林的画家，自然以山水为主，所以北方的人物画、花鸟画不是特别好，而山水画出名。他们都成功地刻画出北方地区山密浑厚、势壮雄强的特色，称北方画派。其实五代宋初时期的南方山水画成就也不低，南唐的大山水画家董源、卫贤、赵干等成绩很高。由于南唐的群臣都是文学和艺术上的能手，所以南唐绘画，诸如花鸟、人物、山水都达到了很高的成就。南方画派与北方画派形成鲜明的对比。北宋中后期绘画已经普及到一般文人，以苏轼、黄庭坚、米蒂为代表的一批文人，则竭力推动文人画的发展，他们倡导“诗中有画，画中有诗”主张“不求形似，但求达意”的意境美。北宋的文人几乎都知晓画，甚至亲自浑染，将自己的审美观带入到绘画中去。李唐、马远、夏垚、刘松年，他们并称为“南宋四大家”，马远在构图上大胆取舍，以山一角、水一涯的局部特写，突出大量空白的深远景观，给人留下想象的空间和浓郁的诗意，人称“马一脚”；夏垚构图常取半边，中空旷大，近景突兀，远景清淡，自具一格，人称“夏半边”二人都是遗貌取神，这种边角构图，为传统的山水画的发展提供了更广阔的空间。到了元代时，得到了空前的发展。元代的绘画用以寄托性情，这是元代文人闲逸、苦闷、悲凉的精神状态所致。士人放弃对国家的责任心，而隐逸形成一种社会普遍性的现象，他们百般无聊，于是引发出一种对世俗生活的超脱之感，这时期的山水画以赵孟頫为代表，中后期出现黄公望、王蒙、吴镇，倪瓒等，并称为“元四家”，他们成就最高的是画山村山水的小景，甚至画高山峻岭也小景化。明朝初期，阴柔的元代画风逐渐被放弃，抒发胸臆的宋画重新兴起，随着商品经济逐渐繁荣，绘画也逐渐商品化，画家靠买画为生。同时这一时期画派纷起，自成体系，也促进了画科的全面的发展。到了明末后期，山水画的主流又回到追求的是淡、柔、静、寂风格。清代的绘画，继承了元、明画风的趋势，山水画家更多关注笔墨情趣，造成了多样形式面貌，派系愈加林立，参差不齐。这时候，中国绘画史上曾出现过的各种山水画技法在清代都有自己的继承者。总的来说，清代的山水画是对魏晋南北朝以来山水画发展的一个全面总结，是中国山水画发展史的又一个高潮。明清两代这个中国封建社会最后的两个王朝，政治、经济、文化有诸多共同点和延续性，山水画领域也出现了不少与园林艺术相近的艺术现象和特征，如皇家的宫廷画院的兴盛，文人画的主导地位继续发展，复古与创新交锋，世俗化绘画的兴起，雅俗文化的合流等。清朝初期发展后期逐渐没落。
二、中国园林的发展。
最早的中国园林大概起源于殷周时期，其演变历程可分为以下5个时期：生成期(殷、周、秦、汉)、转折期(魏、晋、南北朝)、全盛期(隋、唐)、成熟期(两宋至清初)、成熟后期(清末)【1】。园林起源于商周时期，我国造园开始于奴隶社会时期；春秋战国时期，受到道家思想的影响很大，这时期的园林建造与绘画都反映了人民追求隐逸、无为的思想；到魏晋南北朝时期，随着山水画的画科正式确立，私家园林也勃兴于这个年代；魏晋南北朝时以儒道结合的玄学进一步发展，所以在艺术上提出了“吉不尽意”、“悟对神通”的依托哲学的理论主张，使山水诗、画、园林的创作达到了一个追求形外之意的境界。陶渊明的“采菊东篱下，悠然见南山”表现出对自然美的一种怡然、闲适的深远情思。这时期山水画以夸张变形的手法处理树石，追求装饰趣味为主。唐朝的王维，这位倍受后人推崇的文人画家的鼻祖，他辞官隐居到蓝田县辋川，相地造园，同内山风溪流、堂前小桥亭台，据传都是依照他所绘的画图布局筑建，如诗如画。苏轼称赞说：“味摩诘之诗，诗巾有画：观摩诘之画，画巾有诗。”宋朝时期的山水画和园林同时达到成熟阶段。“文人园林”是当时文人和画家共同参与造园活动的典范，进一步加强了写意山水园的创作意境；诗、书、画、园林的相互交融创造了中国园林艺术的高峰；山水画中追求的“得意忘形"的创作思想对后人影响很大，园林受其影响更注重“意境”的塑造。伴随着山水画的不断发展和成熟，也促进了中国古典园林的不断完善和成熟。而这些王公、贵族、以及官僚们大都是绘画的积极参与者，他们大都具有极高的文人艺术素养与非凡的鉴赏力，由他们参与的造园运动，进一步糅合、统一了园林创作与中国山水画创作的审美主旨。由于全社会对文人哲学理想以及审美思想的推崇，此时的造园家很自觉地与文人、以及文人画家的理念相结合，运用诗画传统表现手法，把诗画作品所描绘的意境情趣，引用到园景创作上，逐渐把我国造园艺术从自然山水园阶段，推进到更高的写意山水园阶段。
三、建园旨趣与山水作画的一致性。
从中国古代文化中可以看出，我们民族骨髓里一直保持着人与自然的亲和关系。自然中的一切，花、草、鸟兽、山川、湖泊、都影响并制约着我们的日常生活，又成为我们生命中必然组成的部分，从敬畏到亲和，人们开始认识自然美，重视和表现自然美，并借助一定表现手段，以沟通艺术家与自然山川情感的共鸣，山水画因势而成。在历史发展过程中，古代知识分子在现实生活里的处境与他们的美学理想相去甚远，对他们来说，寄情山水、在山水与自生之间寻找内在的精神联系是获得生命愉悦与慰藉的途径。于是，描绘丹青和营造园林就成为他们的情感归宿。如此来说，不管是造园还是山水绘画，都是借山水来抒发内心的情感，都取得了一种与山水之间的沟通和与大自然的对话。造园是用实物，花、草、树、石，而山水绘画则是通过笔墨在纸卷上挥洒。
入唐以来人们对大自然山水风景的构图规律和自然美有了更深的认识和把握，山水画在经历了漫长的停滞期之后，也于中唐的突变后进入了迅速的发展期，诗与画之间出现自觉的相互渗透，同时，山水画也影响着园林，诗人和画家开始有意识的把诗画融入园林中，并在私家园林上表现得尤为明显，中国古典园林的发展也相应的达到了全盛时期【2】，王维的山水诗、山水画及山水园林——辋川别业图就是这个阶段的典型代表。
四、以王维山水画来分析山水画与园林的关系。
王维(701～761年)，字摩诘，太原祁人。王维的诗和画都深受禅宗思想的影响，而禅宗与魏晋玄学、老庄相通，表现出清淡朴素、纯正单一的审美意趣。这种审美情趣极大的影响了王维的诗画及园林的创作。王维的山水画，笔墨宛丽，气韵高清，以青、柔为主要特色，线条柔和、温润，多平远构图，意境平和、宁静，画作多为雪景、寒山、村墟、栈道之类；《唐朝名画录》称王维“其画山水松石，踪似吴生，而风致标格特出”。《唐书·王维传》中也记载“如山水平远，绝迹天机，非绘者之所能及也”。
王维笃信佛法，佛家常常以净水来比喻佛法，王维的诗经常描写独自一人，面对寒林净溪，临水晏坐，与水合一的境界；《旧唐书·王维传》指出辋川别业“有路处则林木，岸绝处则古渡，水断处则烟树，临流石岸，欹奇而水痕”等等，《园冶》中：“依水而上，构亭台错落池面”、“架桥通隔水”便与此相合。王维的山水画对园林中水体以及水体与建筑关系的处理都给予清楚的指导。
王维推崇亲近山水，结庐丘壑，过朴素简逸、修禅冥思的自由生活。山水画、山水诗、园林是满足其畅神、寄情、遂志追求的重要途径。正如宗炳所说：“披图幽对，坐究四荒”、“万趣融其神思”、“余复何为哉，畅神而已”即说明借神游山水画(园林)满足主体的精神需求。山水画、山水诗给人愉悦的精神满足，而园林给出了自然一个真实的所在。王维笃信禅宗，而禅宗信奉“我心就是一切”的世界观，即为“以物观物”的境界深刻的影响了王维的创作。故在王维的山水画与辋川别业中，充分展现出人与自然和谐共处，山水草木泉石，不仅仅是独立自在与人无关的，被欣赏的无生命的东西，而是融合在人的思想感情之中，人的生活组成部分自然山水融入了主体的精神，主体则借山水寄托自己的情思，以达到怡情悦志。王维的辋川别业反映出唐代自然山水园林中人们对自然环境的关怀，由六朝中的发现自然美走向了更高的阶段——发掘诗情画意。在古典园林艺术中，“诗情画意”也是所追求的最高境界【4】。园林设计中的立意是指“因地制宜”的规划思想，即计成所谓的“相地”。只有经过立意规划，才能相形度势，扬长避短，顺理成章。此外，传统山水画家讲究“立意为象”，这是个复杂的过程。郑板桥说“江馆清秋，晨起看竹，胸中勃勃，遂有画意”。其实胸中之竹并不是眼中之竹，此即所谓外师造化而中得心源。园林设计也同样如此，但凡一处成功的园林，必有其明确的立意，其他所有元素都在此立意之下进行组织，这种组织的过程是“因任自然，随机应变”的过程，所以得到的结果是浑然统一而又不着痕迹的。这与中国山水画论中的“形散神聚”、“外松内紧”的道理是相通的。
五、结语。
山水画、山水园林都是中国传统文化思想的产物，就山水画和园林而言，两者体现出人们对内在和外在世界的分析和对自然规律的认识，以画论代替园论，指导园林的设计和营造具有坚实的基础。故刘庭风指出：没有山水画也就没有以山水画为构架的中国园林，意境创造和气韵、骨法用笔和绘图、随类赋彩和宛自天开都是相对应的【5】。
我们现在在大学里学习了中外美术史，虽然只是说的美术方面的内容，但是从其中山水画这一小部分就可以映射出艺术与我们的生活是密切相关的，可以反映在我们身旁的方方面面之中，所以，生活中不缺乏美，我们要有一双发现美的眼睛。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇八
这学期我学习了中国美术史的读书摘后中感受，通过这段时间对中国美术史的学习和认识，了解了祖国灿烂、悠久的美术史，并有了很深的感触与心得。
中国是一个具有悠久的历史文化古国，作为四大文明古国之一，在中国传统美术源远流长，从远古到今留下了丰富的艺术文明。
远古时代即旧石器时代和新石器时代他们艺术的体现在石器的运用和陶器的产生，总而言之远古美术的产生是艺术与实用功能的完美的结合。如当时人们劳动的工具生活的工具都是劳动的产物，可以说是来源于劳动的。在新石器时代其文化发源于黄河流域那便是彩陶，其类型有半坡型彩陶，庙底沟型彩陶其最著名的是青海大通孙家寨出土的《舞蹈纹彩陶盆》其主题其唇部及内外壁均有彩绘：主题纹样由三列相同的舞蹈场面组成。每组五人，手拉手跳舞，排列整齐，动作协调，面向左侧，两腿略有弯曲，呈踏歌状，下体的尾饰甩向左侧。场面欢快热烈，描绘简略稚拙，却又清晰动人。除了彩陶山东的黑陶也有着别具一格的灿烂文明!
从殷商时期由于青铜器的产生便进入了奴隶社会，青铜器在商代最为鼎盛，青铜器的用途大致是：乐器、武器、煮饮工具还有是礼器，礼器是青铜器最主要的功能，因为它象征着皇权，所以当时有些成语"一言九鼎"等。青铜器由于具有礼器的性质，所以在造型上和纹上显示特别的狰狞，其用意是体现皇权的威力与至高无上的政治特征。最著名的有《司母戊大方鼎》其重875公斤，也是我国历史上最重的青铜器。
在平列式构图中对人物关系的处理体现了人的情思及精神状态，其画法与画理均体现了现实主义的美学特征。其代表作品有《洛神赋》《烈女传》《史女箴图》。
五代十国周文矩，顾宏中等。
宋代时文人画的苗头开始探出苗头，其最著名的有风俗画作品张择端的《清明上河图》。
苏轼，方同等。
元明清时期是文人画发展的最高峰时期其形式是诗书画印，诗情并茂!
纵观关于形中国美术史发展中国画中对于山和水的描绘并不是基于客观真实的首先它没有光影效果,实际上就提出了画面的客观立体感.其次,没有焦点透视,空间表现依靠主观的散点透视和纯艺术的形式把握.山的走向,树木怎么长,长在什么地方,石头用什么质地的表现,都是主观抽象的既然失去了光影和焦点同时法则,失去了西方风景画的空间关系,那么,山和树和水的表现也就变成了一种符号.在中国传统绘画教学传统中,临摹是主要手段《芥子园画谱》便是把各种物体做了最为主观最为抽象的概括,使之程式化和符号化,山石的皱法有荷叶皱,披麻皱,斧劈皱等不同形式,树叶有"个"字点,圆叶点.都是具有中国传统精神的符号系统.后人学习就从这些符号开始,在符号系统内进行再创造.
关于色中国画没有应用科学的色彩分析法,讲究主观壅塞,大多数就是单色黑白关系.但是这种黑白关系有着很强的新联诗,"运墨而五色具.""五色"说法不一,或指焦、浓、重、淡、清;或指浓、淡、干、湿、黑;也有加"白",合称"六彩"的实际乃指墨色运用上的丰富变化.清代林纾用等量的墨汁，放置在五个碗内分别加以不等量的清水，用以作画来区分浓淡，理解不免机械。所谓墨分五色,即黑白关系蕴藏着丰富而抽象的色彩关系.即使青山绿水画也是极为主观的用色而非真实的用色.就连最为写实的工笔画也只是描绘物象的固有色,而不是科学的光影环境色,从理论上说仍是主观的墨彩中的清而有神.是由其它深浅不同的墨彩衬托出来的换句话说,也就是在一幅画的空白部分,画出某种事物的清淡影子,而这清淡影子,在这幅面面上却具有极其重要的表现价值,它反映着某一时间空间的`特点,使看的人深入画里,想像着这些影子里,埋藏着许许多多的事事物物.所以我们对这种画,认为是有余不尽,耐人寻味的(如图二).这样的墨彩画完全符合我们对好的抽象画的理解和要求.
关于标准中国画强调纯艺术的,合乎法则的生机勃勃的美,而不是所谓逼真的美."六法者何?一气韵生动是也,二骨法用笔是也,三应物象形是也,四随类赋彩是也,五经营位置是也,六传移模写是也."这种标法主要是根据唐代美术理论家张彦远《历代名画记》的记述:"昔谢赫云：画有六法：一曰气韵生动，二曰骨法用笔,三曰应物象形,四曰随类赋彩,五曰经营位置,六曰传移模写.""气韵生动"或"气韵,生动是也",是指作品和作品中刻画的形象具有一种生动的气度韵致,显得富有生命力.气韵,原是魏、晋品藻人物的用词,如"风气韵度"、"风韵遒迈"等,指的是人物从姿态、表情中显示出的精神气质,情味和韵致.这也正说明了它应用抽象绘画形式的一面.如说"气韵有发于墨者，有发于笔者","气关笔力,韵关墨彩".这已不是谢赫原意，而是后代艺术家、理论家根据自己的体验、认识对气韵的具体运用和新的发展。气韵与传神在说明人物形象的精神特质这一根本点上是一致的,气韵则更多的指人物的全体尤其姿致谈吐所传达的内在情性,或者说内在情性的外在化.在谢赫时代,气韵作为品评标准和创作标准,主要是看作品对主体表现的因素，气韵就指的是作为主客体融一的形象形式的总的内在特质了.能够表现出物我为一的生动的气韵，至今也是绘画和整个造型艺术的最高目标之一.。
我们常常为中国悠久的文明、精湛的艺术感到骄傲.诚然,祖先智慧与经验的结晶,是我们宝贵的财富,但不应该成为艺术创作的禁锢.宋人为躲开唐诗这座高峰的阴影,独辟蹊径——作词;元代文人更抛开诗律与词牌——制曲.循规蹈矩或许不功不过,但久而久之,便会使原本鲜活的艺术僵化."创"，是艺术领域里永恒的话题.
优质中外美术史心得范文（18篇）篇九
美术史作为一门重要的学科，探讨了人类创造力的辉煌历程。通过学习美术史，我深切体会到艺术对于人类社会的影响和意义。这门学科既是一种审美的享受，又是一种文化的传承。在这段时间的学习中，我收获了很多，增长了见识，对艺术的理解也有了新的突破。
第二段：学术角度。
从学术角度出发，学习美术史的过程需要不断积累知识和了解艺术家的作品。通过对各种美术风格、艺术流派的学习，我逐渐掌握了如何分析和欣赏艺术作品的方法。了解艺术的创作背景和历史背景，可以更好地理解艺术家所表达的思想和情感。通过对比不同时期的艺术作品，我也发现了某些艺术风格的传承和演变，这对于理解艺术史的脉络和逻辑非常重要。
第三段：审美角度。
从审美角度来看，学习美术史让我更加敏锐地观察和感受艺术作品。艺术家们通过绘画、雕塑等多种媒介把生活中的美呈现给观者，通过艺术作品，人们可以领略到各种各样的美丽和情感表达。学习美术史让我意识到，美丽并不仅仅是外表，它来自于艺术家对生活的独特感悟和创造力。在欣赏艺术作品时，我能从中感受到不同文化、不同时期的思想和情感，这种体验让我更加开拓了自己的审美视野。
第四段：文化角度。
美术史是人类文化的一部分，通过学习美术史，我对世界各种不同文化的艺术有了更深入的了解。每一个时期的艺术作品都承载着当时社会、政治、宗教等要素，它们是文化的反映。通过了解古代文化和传统艺术，我更加尊重和欣赏不同文化的多样性。学习美术史也让我认识到，艺术作品可以成为文化之间的桥梁，通过艺术的语言，我们可以更好地理解和沟通不同文化之间的差异和共同点。
第五段：个人体会。
学习美术史对于我个人而言也带来了很多收获和启发。首先，通过学习各种艺术作品，我激发了自己的创造力和想象力，这对于我日后的生活和职业发展都非常有益。其次，通过欣赏艺术作品，我也培养了自己的情感和审美能力，提高了对生活的热爱和感悟。最重要的是，学习美术史让我认识到艺术对于人类社会的重要性，艺术不仅仅是装饰品，它可以激发人们的思考和情感，影响社会的发展和进步。
总结。
通过学习美术史，我不仅仅了解了艺术家们的创作思想和技巧，还认识到艺术对于社会和人类的重要性。学习美术史从学术、审美和文化的角度来讲，都让我收获满满。通过学习，我提高了自己的观察力和思考能力，在美术作品中发现了生活的美和人类的智慧。美术史的学习让我对艺术充满了热爱和敬意，也让我坚信艺术对于人类社会的发展和进步有着重要的影响。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇十
作为对艺术的一种热爱，我最近开始了一门美术史的学习。通过对各个时期的艺术作品的观摩和分析，我不仅对艺术史有了更深入的理解，同时也对自己的艺术修养产生了积极的影响。在这个过程中，我开始逐渐体会到美术史的独特魅力以及对于我们个人艺术修养的重要意义。以下是我在初学美术史过程中的一些体会和思考。
在美术史的学习中，我第一次真正认识到历史和艺术之间的紧密联系。通过了解各个时期的艺术作品，我逐渐看清了历史对于艺术的推动和影响。艺术作为时代精神和思想的表达，不仅能够反映出社会、政治和文化等多个方面的变化，更能够反映出人们对于美的理解和追求的变迁。例如，文艺复兴时期的艺术作品注重人文主义思想，追求和强调人类的尊严和个人独立性，而印象派则在绘画色彩和构图的方式上突破了传统的束缚，强调个人的感受和表达。通过了解这些历史背景，我更好地理解了艺术作品的内涵和意义，也更能够从中体会到艺术家的情感和思考。
美术史的学习也激发了我对艺术创作的兴趣和热情。在学习过程中，我不仅学习了各个时期不同流派的艺术作品，还探究了这些作品的技法和审美特点。这让我深刻理解到，艺术创作不仅仅是简单的表达，更需要艺术家对于形式和内容的把握，在技巧和创新之间找到平衡点。这些技巧和方法对我今后的创作将起到积极的指导作用。我明白了艺术创作需要不断学习和实践的过程，只有坚持不懈地探索和思考，才能逐渐提升自己并创作出更有深度和独特的作品。
同时，美术史的学习让我认识到艺术的包容性和多样性。在学习过程中，我接触到了各种各样的艺术形式和风格，每一个时期都有其独特的特点和内涵。从石器时代的洞窟壁画，到现代抽象艺术的激进创新，每一种艺术形态都有其独特的魅力。这种多样性让我有机会尝试不同的艺术样式和表达方式，帮助我发现自己的艺术兴趣和风格。而且，美术史还给了我一个更加广阔的视野，让我能够欣赏和理解来自世界各地的不同文化背景和艺术创作。
最重要的是，美术史的学习使我更加深刻地认识到艺术对于人类精神生活的重要性。艺术作品不仅仅是一种审美享受，更能够启发人们对于人生、自然和社会等深层次问题的思考。通过欣赏和研究艺术作品，我能够感受到艺术带来的情感共鸣和心灵上的慰籍。它能够帮助我更好地理解和表达自己的情感与思考，并给予我一种积极的能量和勇气去面对生活中的挑战和困惑。
总之，初学美术史使我对艺术有了更深入的认识和体验。它不仅仅是一门学科，更是一种思考、感悟和创造的方式。通过对各个时期的艺术作品的学习和探索，我不仅增长了见识，拓宽了眼界，更提升了自己的艺术修养和创作能力。美术史的学习是一种持久而富有意义的过程，我愿意继续深入下去，为自己的艺术之路添砖加瓦。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇十一
美术史是一门研究艺术发展历史和美学演变规律的学科，通过学习美术史，不仅可以了解艺术家们的创作思想、艺术形式和艺术风格，还能够提高自己的审美能力和艺术鉴赏水平。在学习美术史的过程中，我深深体会到了艺术对人们生活的重要性，也对艺术家们的创造力和艺术精神表示了无限的敬佩。
首先，学习美术史让我明白了艺术对人们生活的重要性。艺术是人类精神和文化的表达形式，是人们对美好事物的追求和表现。通过学习不同时期不同地区的艺术作品，我感受到了艺术对社会发展和人类精神成长的巨大影响。例如，文艺复兴时期的艺术作品，弘扬了人文主义精神，对人们的思想触动很大；现代艺术家们的作品，表达了对社会问题的关注和呼吁。艺术给人们带来美的享受，也深刻影响着社会的进步。
其次，学习美术史使我提高了自己的审美能力和艺术鉴赏水平。通过学习不同的艺术时期和流派，我对艺术形式、构图和细节的把握能力越来越强。例如，学习了印象派的作品之后，我能够更好地理解和欣赏印象派画家们对光线、色彩和氛围的捕捉和表现；学习了巴洛克艺术之后，我对建筑、绘画和雕塑等形式之间的关系更加敏感。通过学习美术史，我能够更深入地欣赏艺术作品，也更熟练地表达自己对艺术的感受。
同时，学习美术史让我深感艺术家们的创造力和艺术精神是无限的。在学习过程中，我了解到很多杰出的艺术家们都经历了种种挫折和艰辛，但他们依然坚持追求艺术的理想，持续创作并不断突破创新。例如，莫奈在他的《睡莲》系列中，通过对光影和色彩的娴熟运用，创造出了独特的沉浸感和平静之美；梵高在他的《星夜》中，将情感与色彩相融合，创造出令人震撼的视觉效果。在他们的作品中，我看到了艺术家们对于生活和艺术的热爱和追求，他们的创造力和艺术精神激发着我不断努力和进步。
最后，学习美术史也让我对不同文化和历史背景有了更深入的了解。通过学习古希腊和古罗马的艺术，我了解到了古代文明的伟大和美丽；通过学习中国传统绘画和文字艺术，我了解到了中国文化的深厚底蕴；通过学习现代和当代艺术，我了解到了不同时期的人们对于社会和精神世界的理解和表达。学习美术史让我明白到艺术是多元、开放和具有包容性的，它能够以不同的方式连接和影响人们，让我们更好地理解自己和世界。
综上所述，学习美术史是一个丰富和有意义的过程，它能够让我们深刻认识到艺术对人们生活的重要性，提高我们的审美能力和艺术鉴赏水平，理解艺术家们的创造力和艺术精神，以及扩展我们对不同文化和历史背景的了解。通过学习美术史，我们能够更好地欣赏艺术作品，拓宽我们的思维和视野，也能够在自己的创作中受益良多。因此，我深信学习美术史是对我们个人和社会都有益处的重要学科。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇十二
美术史是艺术脉络的继承和延续，人类前进的历程中，艺术史一直在为其添砖加瓦。而美术史论，“艺术史的哲学”，也是一种学术体系的积淀和传承。学习美术史论给我们提供了一种全新的思维方式和新的学术视角。在学习的过程中，我收获了不少思考和启示，下面将分享我的心得体会。
一、美术史学不同于艺术鉴赏及学科训练。学习美术史中国际关载着深刻的哲学内涵，其中包括艺术与社会、文化、历史的关联方法。美术史学习不仅限于对艺术作品的鉴赏欣赏，还要探讨其中内涵，其思考的深度和层次高于艺术作品的解读。因此，美术史学习是具有宏观的视野和总体的叙述框架的科学探究。
二、美术史学习需要用心。美术史学习需要耐心、专心和思考。要真正领会美术史的内涵，每一部分的内容要理解得透彻。一定要投入全力去研究和思考，善于捕捉艺术作品与思想的联系，发现他们之间的相互作用，这样才能做到真正深入浅出，有收获的学习。
三、美术史学习可以让我们更进一步地了解艺术作品。没有美术史理论的知识支撑，我们对一些艺术作品往往只是眼前一闪而过的感觉，不了解艺术作品背后蕴藏的深厚内涵。而美术史理论知识就可以使我们更深入地认识和理解这些艺术作品。因此，学习美术史论不仅会丰富我们的知识面，还可以为我们解密众多艺术大作带来新的灵感和启示。
四、美术史论学习可以激发我们更大的创造力。美术史理论知识的学习过程，可以让我们认识到艺术史动态的变化、不同国家的艺术表现形式以及不同文化的艺术价值取向等等。在每一步的理解中，我们会发现艺术是多样性、多元化、多维度的。通过美术史学习和理解，我们能够好好利用这些多元的属性，将之与自己独特的创造性与想法相结合，从而更好地发挥出艺术作品的水平和层次。
五、美术史学习是一种艺术性探究的表现方式。艺术家们可以因此找到更多的想法和创意，也因此学生们在学习过程中吸收了更多的艺术元素，这些元素可以让我们在日后进行艺术创作时受到更多的灵感和启示，而且理解、掌握美术史理论知识也可以促进我们对艺术作品进行更好的评价和实践探究。
综上所述，在学习美术史论过程中，我们能够更深刻地领悟到艺术的学科性质，找到艺术的关联，理解艺术作品背后所包含的文化内涵，激发和提升自己的创造力和想象力。美术史学习是心理和知识上的一种提高，体现了学习与思考的重要性。作为一名艺术爱好者，美术史论学习让我更加深刻自己的爱好和热爱，同时也让我更清晰地认识到艺术作品蕴含的丰富内涵，这也成为我今后创作艺术作品的更多灵感来源。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇十三
本章内容包括了旧石时代与新石器时代两个时间段，主要介绍了旧石器时代的打制石器、新石器时代的绘画、雕塑和工艺美术。史前时期是中国美术的起源和萌芽时期，先民的审美意识即发端于此。原始先民在不断改造自然的过程中，技术与意识得到了锻炼与发展，由此产生了最早的美术品--打制石器，因此打制石器涉及到美术的起源问题，应引起特别关注。陶器的发明、磨制石器的广泛应用有及农业的出现标志着人类社会进入新石器时代。新石器时代的彩陶文化发达，成为该时期美术品的主要门类，因此彩陶艺术是新石器时代美术的考察重点。此外，工艺美术领域的黑陶、雕塑类中的动物形与人形雕塑虽然不会出现大题，也应当引起大家的重视。无论是何种美术门类，史前时期的美术最明显的特征是艺术与实用的结合，而且在个别美术门类上实用性似乎更突出一些。
一、时间概念。
1.最早的原始刻划艺术品。
2.旧石器时代晚期的装饰品。
3.新石器时代的文化谱系。
4.早期的刻划符号与原始文字。
二、重点概念。
1.彩陶，主要考察彩陶的定义，一般以名词解释的形式出现。
2.黑陶，黑陶的定义及代表文化，常常会以填空、选择、名词解释等形式考查。
3.岩画，史前时期的绘画艺术除了彩陶装饰，岩画是最重要的，对岩画的定义、分布范围、典型代表、艺术特色等内容均需牢记，除了会以填空、选择、等小分值题目考查外，还会以名词解释、简答等形式考查。
三、难点分析。
1.关于美术起源的认识。美术的起源是一个复杂的问题，至今没有在学术界获得一致认识，人们普遍认为美术的起源伴随着猿人的进化、工具的制作及思维的发展而产生，其中劳动的作用不可替代。对此，要了解目前比较流行的几种关于美术起源的理论，并对这些理论做出科学合理的评价。涉及到此问题时，一般会以论述题的形式出现。
2.彩陶文化的分类。新石器时代比较发达的彩陶文化有位于陕西、山西的仰韶文化、甘青一代的马家窑文化。其中仰韶文化又分为半坡类型与庙底沟类型，马家窑文化又分为石岭下、马家窑、半山和马厂类型。对于上述每个类型彩陶的造型、纹饰要重点掌握，考试中出现名词解释、简答等题目的概率很大。
3.岩画的时空分布及艺术特点。中国的岩画分布范围广，各地的题材风格并不一致，因此要注意区分南北方岩画的题材风格方面的`差别。
四、小结。
作为中国美术的起始阶段，史前时期的美术种类在数量和质量上与后世不可相提并论，特别是在关注绘画与雕塑的传统美术史观的支配下，本章内容不是考查重点，特别是在论述题中考查本章知识点的可能性极小，但是随着对史前美术的重视，越来越多地院校在出题时开始向本章倾斜，题型一般是名词解释、简答，当然填空、选择等题型历年都会出现。
思考练习题。
一、填空题。
1.旧石器时代的主要石器类型有、、、、。
2.目前仅知的最早的原始刻纹艺术品是分别发现于遗址的和遗址的。
3.仰韶文化彩陶因时间、地域差异而被分成两个不同的类型，分别是和。
4.马家窑文化彩陶分为先后连续的三种类型：、和。
5.黑陶中的品种艺术成就最高。
6.我国史前时期的地画遗迹仅发现一例，系1982年10月在甘肃秦安遗址，属于文化晚期。
7.文化以轮制技术制成的蛋壳黑陶因器形别致、工艺精巧而著称。
8.新石器时代，长江流域和南方地区流行地面及建筑。
9.1983年在辽宁牛河梁发现了文化女神庙遗址。
10.西安半坡出土的是我国新石器时代仰韶文化彩陶的杰出代表。
二、选择题。
1.半坡类型彩陶中最有特色的装饰图案是()。
a.花卉纹b.蛙纹c.鱼纹d.鸟纹。
2.青海大通上孙家寨出土的()是马家窑文化彩陶中的一件杰作。
a.舞蹈纹彩陶盆b.颧鱼石斧图彩陶瓮c.人面鱼纹彩陶盆d.人头形器口彩陶瓶。
3.日前发现的中国最早的陶器距今()年左右。
a.8000b.0c.15000d.10000。
4.()遗址出土的木胎圈足漆碗，是我国目前发现最早的一件漆器工艺品。
a.仰韶b.大汶口c.河姆渡d.丁公。
5.比较明确的原始文字出现在()时期。
a.龙山文化b.仰韶文化c.大汶口文化d.红山文化。
6.距今一万八千年前的()除有较精良的工具外，还出现了前所未有的装饰品。
a.峙峙人b.北京人c.丁村人d.山顶洞人。
7.红山文化发现的泥塑()表现了对祖先的崇拜或寄托对大地母神、农业丰收、万物生育的虔诚祝福。
a.少女头像b.女神像c.动物d.神人面具。
8.动物形象的陶塑中，陕西华县太平庄庙底沟类型晚期墓出土的()具有代表意义。
a.陶狗b.陶鸮鼎c.陶龟d.陶猪。
9.()的发明和磨制石器的应用是新石器时代的两大标志。
a.农业b.火c.家畜饲养d.陶器。
10.河南临汝阎村出土的()彩陶缸，图像简洁醒目，反映了氏族兼并的重大历史事件。
a.三鱼纹b.鸮形c.鹳鱼石斧图d.人头形。
三、判断题。
1.新石器时代的彩陶是在陶器烧成后再于器表施彩绘的陶器。()。
2.红山文化的“c”形玉雕龙是我国最早的玉龙形象。()。
3.仰韶文化出土的原始漆器，说明我国髹漆工艺源于新石器时代。()。
4.青海大通上孙家寨出土的舞蹈纹彩陶盆堪称是庙底沟类型彩陶艺术的杰作。()。
5.新石器时代的绘画艺术除了彩陶装饰纹样以外，还有壁画、地画等类型。其中，1982年甘肃秦安大地湾遗址发现的壁画残块是中国迄今发现最古老的壁画遗迹。()。
参考答案。
一、填空题。
二、选择题。
1.c2.a3.d4.c5.a6.d7.b8.b9.d10.c。
三、判断题。
1.×。
解析：彩陶是先描绘图案后入窑烧制。
2.√。
3.×。
解析：河姆渡文化出土的漆器是我国最早的漆器实物。
4.×。
解析：青海大通上孙家寨出土的舞蹈纹彩陶盆是马家窑文化彩陶艺术的杰作。
5.×。
解析：中国迄今发现最古老的壁画遗迹是辽宁牛河梁红山文化女神庙遗址出土的壁画残块。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇十四
美术史是一个充满了艺术魅力的学科，通过学习美术史，我们可以了解到人类创造力的无限可能。近期，我参加了一次有关美术史的研讨会，主题为“美术史十议”。在这次研讨会中，我深受启发。以下是我对这次研讨会的心得体会。
首先议，艺术源于生活，却高于生活。这一议触动了我对艺术创作的认识。艺术家通过对人类生活的观察和感知，将生活中的琐碎细节变得有意义。无论是描绘自然风景、人物形象还是抽象的图案，艺术作品都有着强烈的生命力和感染力。因此，我明白了艺术的本质是将生活赋予意义，引导人们看到生活中的美好。
其次议，艺术与科技融合创新，推动了艺术产业的发展。随着科技的不断进步，艺术与科技之间的融合也越来越紧密。现在，我们已经可以通过数字技术和虚拟现实技术来体验艺术品，这为人们更好地欣赏艺术作品提供了便利。另外，科技也为艺术创作带来了新的表现形式，例如数字艺术和影像艺术等。我相信，随着科技的不断发展，艺术将会迎来更多的创新和突破。
第三议，艺术教育的重要性不可忽视。艺术教育可以培养学生的审美能力和创造力，帮助他们发现自己的潜力。在现代社会，艺术教育不仅仅是培养艺术家，更是培养全面发展的人才。通过美术史的学习，我深刻体会到了艺术教育的意义，它能够开拓学生的思维，培养他们的美感和艺术素养，使他们更加细腻和独立思考。
第四议，艺术具有社会责任。艺术家不仅仅是艺术创作者，更是社会的观察者和传递者。艺术作品可以引起人们对社会问题的关注，反映社会现象和价值观念。通过对社会问题的思考和表达，艺术家可以影响和改变社会。在我看来，艺术家应该担起社会责任，通过自己的创作表达对社会现象的看法，并积极参与社会活动。
最后，艺术是一种生活方式。艺术不仅仅存在于艺术家的创作中，也存在于我们的日常生活中。艺术可以成为我们生活的一部分，让我们的生活更加美好。通过学习美术史，我发现了艺术在生活中的存在，它可以使我们的生活更加多彩和有趣。
综上所述，美术史十议为我打开了一扇窗户，让我通过学习了解到了更多关于艺术的奥秘与魅力。艺术激发了我的灵感，提升了我的审美力。我相信，通过对美术史的深入学习与探索，我们可以获得更多关于艺术的智慧，为自己的人生增添更多的色彩和可能性。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇十五
了解大师，解读大师，对自己的作品也很有帮助。不看好的东西，怎么知道什么是好呢？学习美术史还能让你少走弯路，放眼未来。其实就是我们现在学的思想、技法，也是美术史，都是以前积攒下来的。所以，美术史的学习无处不在。美术史不枯燥。了解历史上不同时期不同地域美术，是很有乐趣的。各种文化的特点啊！文化背景啊！学完就知道为什么某一艺术会出现在特定的时期，而且又有自己的独特风格。我们可以通过学习中外美术史去寻找和发现作品的灵魂，也就是作者的思想感情和审美感受，以提高审美能力、艺术感觉和修养。经过漫长的历史进程，美术的发展也越来越多元化。现代美术与古代美术有着本质的差别，现代的美术更多的带有现代的气息，现代画也十分地简明、易懂；而古代美术却让我们很难理解，以现代人的眼光，我认为古画看上去很难让人产生共鸣，必须与历史结合起来，才有所体会。
学习中美史的时候能深刻的感受到中国文化的精深与宏伟。不论是被后人称道的汉唐鼎盛还是所谓萧条淫糜的两晋两宋，画坛的人才辈出，让我们意识到其实中华文明只是比较内敛含蓄，而他的伟大绝不亚于所谓的文艺复兴的璀璨光华，他的气魄绝对是全人类最宝贵的真典。
中国民间的东西是很有特色的，可以在里面汲取精华，运用到现代的设计当中，做为有中国特色的设计，现在中国在设计方面还是比不过意大利等一些国家，很多有是模仿，没有自己的特点。日本在这点上就做的很好，运用了很多日本特色的东西。所以我们也要充分利用中国的传统文化，使其中华之魂深深的熔铸在我们的设计当中。
学习中外美术史最终的目的就是为其美术创作、艺术设计。结合历史，能使我们更加理解其意境、章法和笔墨，从而为我们的美术创作、艺术设计打下坚实的基础。学了中外美术史，让我的文化素质和道德修养得到了提高，还学到了日常生活的一些小常识，让我时刻观察生活中的美，知识面也得到了拓展，短短的课堂让我学到可如此多的知识。在这课堂上也让我感受到了大学的气息。
姓名：司成月。
学号：0908024024。
班级:艺设（4）班、
优质中外美术史心得范文（18篇）篇十六
美术史是一门以人类艺术创作为主线的学科，通过研究不同时期、不同地域的艺术作品，揭示出人类文明的发展历程和思想观念的变迁。在学习美术史的过程中，我深深感受到了艺术的魅力和思考的力量。下面我将从对艺术的理解、艺术史的学习方法、艺术对个人的影响、艺术对社会的影响以及对未来的希望五个方面，总结我的学习美术史心得体会。
首先，通过学习美术史，我对艺术的理解变得更加深入。艺术是人类表现自己情感、思想、观念的方式，通过创作和欣赏艺术作品，人们能够感受到艺术家的情感和思考。通过研究不同时期的艺术作品，我意识到艺术的风格和形式与社会、历史、文化等因素密切相关。例如，文艺复兴时期的艺术作品追求对人体比例和透视的准确表现，而巴洛克艺术则追求丰富的细节和运动感。通过深入研究这些作品，我对不同风格和流派的艺术表现有了更加深入的理解，也更加欣赏不同艺术家的创作思路和技巧。
其次，艺术史的学习方法是十分重要的。学习艺术史不仅仅是被动地接受知识，更要通过自己的思考和研究去理解艺术作品背后的含义。在我的学习过程中，我发现了一种有效的方法：密切结合视觉和文字的学习。通过观看图片、实地考察和阅读相关文献，我不仅可以直观地感受到艺术作品的美感，而且可以从文字中了解到作品的历史背景、艺术家的生平故事等相关信息。这种综合的学习方式，使我能够更全面地理解并评价艺术作品。
艺术不仅仅是美的享受，对个人内心的影响也是巨大的。通过学习美术史，我逐渐发现，艺术作品能够激发我的情感、启发我的思考，并引导我对世界和生活的独特视角。例如，蒙德里安的抽象艺术作品给我以美的震撼，让我深刻体会到形状、线条和颜色的配合可以创造出令人心动的艺术作品。这种感受和思考也进一步激发了我对艺术创作的兴趣，我开始尝试自己进行绘画创作，并发现其中的乐趣和满足感。艺术为我提供了一个表达自己和探索内心的途径，让我在繁忙的生活中找到了片刻的宁静和自由。
艺术对个人的影响不仅仅在情感和思考上有所体现，它也对整个社会产生着重要的影响。艺术作品常常是社会观念和价值观念的反映，它们可以引发公众对社会问题的关注，并促使人们思考和行动。艺术对社会的影响往往是潜移默化的。例如，激进的艺术家通过他们的作品表达对社会不公和压迫的抗议，引起了公众的关注和思考，进而推动社会的变革。在现代社会中，艺术也扮演着文化交流和认同的角色，通过展览、博物馆等场所，不同文化的艺术作品可以促进相互理解和尊重，搭建不同文化之间的桥梁。
最后，通过学习美术史，我对未来充满希望。艺术是人类文明的重要组成部分，它记录了人类的思想和情感，留下了鲜活的历史印记。随着社会的发展和进步，我相信艺术会继续发挥重要的作用，并且会呈现出更丰富多样的形式。未来的艺术将更加注重跨学科的探索和创新，艺术家们将通过多元化的媒介和表现形式，去呈现出更加多样化的艺术魅力。我期待未来能够见证并参与到这样的艺术创作和发展中去。
总之，通过学习美术史，我不仅对艺术作品有了更深入的理解，还发现了艺术对个人和社会的重大影响。艺术是人类思想和情感的抒发方式，是文明进程的见证。通过学习艺术史，我对艺术、学习和未来充满了希望，也更加认识了自己对艺术的热爱和追求。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇十七
美术史论是对美术史发展过程中的一系列事件、作品和思想进行深入研究和分析的学科。它不仅可以帮助我们更好地理解和欣赏艺术作品，还能揭示其中的意义和背后的文化内涵。通过美术史论，我们可以了解艺术家的思维方式、技术手法和创作背后的思想动机，从而更深入地理解艺术的魅力和内涵。因此，参与美术史论的分享和研讨是极其重要且有益的。
分享心得不仅可以帮助我们巩固自己对美术史的理解和认识，还可以通过与他人的交流碰撞，得到新的视角和观点。在分享过程中，我们可以听到其他人对于同一主题的不同解读和理解，这些多样化的观点可以打开我们的思维，激发我们的想象力，甚至改变我们对于美术史的原有认知。此外，分享心得还能帮助我们建立起更广泛的人脉关系，结识与我们志同道合的朋友，形成深入交流的机会，从而推动我们在美术史领域的进一步学习和发展。
分享心得需要一定的方法和技巧，以保证信息的准确传达和观点的清晰表达。首先，我们需要事先准备，熟悉自己要分享的主题，了解相关的背景知识和研究成果。其次，在分享过程中，我们应该注重逻辑的清晰和条理性的表达，避免概念的混淆和观点的模糊。同时，我们还需要倾听他人的意见和反馈，以便及时调整和完善自己的观点。最后，我们要尊重他人的观点和意见，建立良好的沟通氛围，从而使分享心得的过程更加互动和具有建设性。
通过分享心得，我们可以将美术史的知识和观点传递给他人，提供给他们新的启发和思考。与此同时，通过听取他人的分享，我们也可以获得新的见解，拓宽我们对美术史的认知边界。由于美术史包含着深厚的文化底蕴和多样的艺术形式，分享心得可以帮助我们更好地理解不同文化背景下的艺术发展，促进跨文化的交流和理解。此外，分享心得还可以推动美术史的学科发展，促进学术研究的深入，为后来的艺术家和观众提供参考与借鉴。
分享心得的过程是一个相互学习和共同成长的过程。通过分享，我们可以相互启迪和激励，发掘和引导潜在的艺术潜能。在分享的过程中，每个人都有机会表达自己的观点和看法，每个人都能从中获得新的认知和收获。而这种激励和期待，将进一步推动美术史论分享的活动不断发展，为未来的艺术发展培养更多的人才和推动力。
总结：
通过美术史论分享心得的方式，我们可以更好地理解和欣赏艺术作品，探索艺术发展的脉络和内涵。分享心得不仅有助于巩固自己对美术史的认识，还能通过与他人的交流和讨论，得到新的观点和视角。因此，我们应该积极参与美术史论分享，提升自己的美术史素养，促进艺术的发展和传承，为美的世界增添更多的精彩和光彩。
优质中外美术史心得范文（18篇）篇十八
美术史论作为一门独立的学科，拥有广泛而深刻的研究内容，其所涉及的艺术作品和文化背景极其丰富、多元。在学习这门课程期间，我深受启发，对于艺术历史、艺术理论和艺术思想都有了更加深入的了解。在这篇文章中，我将分享我的一些心得体会。
第一段，了解艺术史的重要性。美术史的学习离不开对于文化历史和社会背景的研究。艺术作品的创造不是孤立的，而是在一定的文化和社会环境下进行的。通过对于文化、历史和社会背景的研究，我们能够更好地理解艺术作品的意义、内涵和价值。在学习艺术史的过程中，我们可以了解到不同文化和历史时期下人们对于艺术的认识和表现方式，这有助于我们更好地理解各种艺术作品。
第二段，阅读文献对于学习的重要性。了解艺术史离不开阅读相关文献。文献是学习艺术历史的重要载体，通过对于文献的深入阅读和研究，可以更加全面地了解艺术史的背景和发展。阅读文献对于深化对某一时期艺术作品的研究也有非常重要的作用。
第三段，注意对于艺术作品的分析。分析艺术作品并不是简单的赏析，而是从多个角度出发来观察和思考艺术作品。分析艺术作品需要注意作品的细节、形式和内涵等方面的元素。同时，分析艺术作品的研究需要综合考虑艺术家的生活经历、个人思想和社会背景等多个方面。这种方式可以让我们从多个角度来看待艺术作品，更深刻而全面地理解其内在的意义和价值。
第四段，关注艺术理论的重要性。艺术理论是美术史的重要组成部分之一，它不仅帮助我们更好地理解艺术史，同时也有利于促进我们对于艺术作品的创作和鉴赏能力的提高。艺术理论的研究可以深化我们对于艺术本质的理解，也可以启发我们从更深刻的角度来研究和思考艺术作品。同时，对于艺术理论的研究也是对于当代艺术发展和趋势的了解。
第五段，深刻理解艺术思想的重要性。艺术思想是一位艺术家对于自己和世界的看法和理解，是艺术作品内在的精神意义。了解艺术思想有助于我们更好地理解艺术作品。同时，艺术思想也可以启发我们自身的艺术创作，以及对于生活和现实的反思。
总之，美术史论是对于艺术和文化的综合研究。在学习这门课程的过程中，我深刻认识到了美术史的重要性和多样性，也体验到了阅读、分析、理解和思考的过程中所带来的收获和乐趣。我相信，通过这门课程的学习，我们能够更好地了解艺术和生活、历史和现实之间的关系，也能够更好地开拓我们的艺术思想和视野。