声乐演唱论文(优质17篇)

时间:2023-12-07 作者:雁落霞

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声乐演唱论文(优质17篇)篇一

摘要:中华民族悠久的历史和多彩缤纷的文化,为我们积淀了丰富的歌唱艺术理论。本文在介绍意大利美声、中国传统的声乐演唱艺术的基础上,分析了美声唱法中国化的特点,以期达到进一步推进我国的声乐艺术发展的目的。

关键词:意大利美声;中国传统的声乐;演唱艺术;美声唱法中国化。

“美声歌唱”是指意大利的一种歌唱风格,bdcanto意大利语的字面翻译应为“美妙的歌唱”,也可译作“美歌”或“美唱”。具体讲,美声唱法讲究音色柔美、音质纯净、发声自如、旋律的连接匀称而灵巧、装饰音优雅而精美、歌唱风格真挚而富有情感。技巧上主张张开喉咙,声音明亮,吐字清晰和良好的气息支持。美声唱法规范的声音特点,可用“通、实、圆、亮、纯、松、活、柔”八个字来概括。

我国的声乐演唱讲究揣摩、润色、意境以及韵味。在中国艺术审美中“韵”是最高的范畴,中国艺术家认为“韵”是区别文艺与非常艺术、高级艺术与低级艺术的根本界限。“南腔多调缓,须于静处见长;北曲字多曲调促,须于巧处讨好。”(《顾误录》)演唱时必须突出地方特色,把握曲调特点,这好比量体裁衣,合适得体方能增加美感。

1、美声唱法的传人、借鉴和发展。

美声唱法正式系统地在我国传授是始于1927年,在蔡元培先生等的支持下和萧友梅先生的倡导下创办的中国第一所音乐学院—国立音乐院。当时,萧友梅、黄自等用白话文写了许多以西洋唱法风格进行表达的独唱、合唱歌曲。这些歌曲反映了海外游子对亲人、家乡的思念与爱慕深情以及对祖国河山残破的焦虑和对祖国深厚的热爱之情。值得一提的是,他们的创作改变了学堂乐歌时期“选曲填词”的方法,自己创作歌曲,均配以伴奏并广泛地运用了各种演唱形式。到了19世纪30年代以后,西洋音乐在中国得到了广泛地发展。以冼星海、聂耳为首的广大作曲家创作了许多外来艺术形式的作品,这些作品与我国的民族语言、民族情感、文化传统、人民生活以及民族命运相结合,在中国的历史舞台上发挥了极其光辉的作用。

2、美声唱法与我国传统演唱艺术的异同。

美声唱法与我国传统演唱艺术的异同可从“风格”、“节奏”、“曲调”、“语言”、“情感”四个方面来分析。风格。音乐风格主要是由作曲家气质、性格、素养、审美观点以及生活本身发展变化而决定的。西方美声唱法和我国传统艺术的结合在风格方面可以说是异中求同的,既有相似的地方,也各自拥有各自的地域特点。节奏。在中国传统的音乐中,声音和休止的长短用“拍”来衡量。在传统的音乐中,可以根据唱腔和演唱者的情绪来改变音乐中的拍值。欧洲音乐中的拍值基本上是保持不变的,而我国的传统音乐中常用“放松”和“拉紧”(拍值变长可以称作“放松”,拍值变短则可以叫做“拉紧”),使曲调充满变化和活力。

曲调。曲调是音乐的灵魂。中国人侧重声乐曲调,在实践中非常注意语言和音乐的联系,且音域不宽,富于弹性和歌唱性。由于我国多民族多语言的实际特点,也就影响了我国曲调风格的多种多样。在演唱中国作品时,首先应该掌握传统曲调的风格。

语言。就中西方语言的特点来看,我国的文字是一种意符,它以形传义,是没有采用拼音符号的单音节语,一字一音,每个字都由四个音素构成;中国的音律学上的声母和韵母,于西洋语音学上的元音和辅音还不是完全一样,其分别是:元音和辅音以音素为单位,每个音只能代表一个音素,而声母或韵母可包含一个以上的音素;元音和辅音的位置可以是不固定的,可前可后,而声母、韵母的位置是固定的,“前声后韵”,声母在音节中必须在韵母的前面。在声调上,中国传统歌唱中有“腔随字走,依字行腔”的声调表现手法。美声唱法的语言具有字词为多音节连续的特点。在声乐学习中,我们会发现在演唱时,外国作品要比中国作品好发挥,这跟我国的语言特点有很大关系。

情感。无论是美声唱法还是我国传统歌唱艺术,都非常注重情感因素。在这一点上可以说是共通的。我国老一辈艺术家在演唱时就讲究“以情带声”、“声情并茂”。明代的朱权在他的《词林须知》中写道:“一声唱到融神处,毛骨萧然六月寒。”美声唱法亦是如此,情感因素不容忽视。

声乐演唱论文(优质17篇)篇二

随着我国经济现代化建设水平的不断发展与我国国民经济水平的不断提高,在国民生活中对于精神层面的要求也越来越高。因此,我国现代化建设事业中,精神文明的建设也十分重要。而民族音乐是我国建设精神文明方面的重要内容,对于满足我国广大人民群众日益提高的精神文明需求有着十分积极的意义。但是我国目前在民族声乐教育方面还存在着较多的不足,需要我们不断创新与发展我国的民族声乐教育体系,促进我国民族音乐事业的发展。

民族声乐教育;发展和创新;策略。

为了适应经济的发展和社会的进步,我国教育体制也经历了多次的改革。近些年来我国音乐教育取得了显著的进展,相应的民族声乐教学的质量也大大提高,高校民族声乐专业学生的数量也明显增多。在文化全球化的背景之下,我国社会对于民族文化的重视程度也不断提高,除了传统的声乐专业院校之外,一些综合性的艺术高校,以及相关高职高专院校在音乐系中也设立了民族声乐专业。在现代高等教育体系中加入民族声乐专业,有利于推动我国教育改革的进程,也有利于声乐教育规范化和专业化程度的提升。我国教育相关部门对于民族声乐演唱音响制品,以及教学教材的管理日渐规范化,这也为我国民族声乐教育质量的提高创造了坚实的基础。

我国的音乐专业院校中正式有民族声乐教学活动,开始于二十世纪中期,经过半个多世纪的发展,我国民族声乐教学系统越来越完善,民族声乐教学也取得了值得为之骄傲的成果。经济全球化之下的文化交融碰撞,使得多元化的社会文化,已经成为必然的发展趋势,这在一定程度上为我国民族声乐影响范围的扩大提供了巨大的机遇,与此同时,也带来了一些全新的问题,西洋唱法和中国传统的民族唱法如何进行取舍和交融,自上世纪六七十年代以来就争论不断。要在继续和传扬民族唱法的基础之上,借鉴其它音乐文化对我国的民族音乐体系进行完善。传统单一的教学模式之下,学生对于国外音乐的了解要多于民族声乐,长此以往将造成中国传统民族声乐后继无人的尴尬局面。此外,我国民族众多,让学生学习民族声乐也有利于完善传统声乐教学基础,提高对声乐唱法的辨别能力,促进学生声乐综合素质的提升。针对传统声乐教学忽视民族声乐本土性特点的情况,必须要对此进行改革和完善,促进我国音乐教育的规范化发展。

(一)切实转变民族声乐教育观念。

对于我国民族声乐教育事业的发展来说,首先需要相关教学人员在实践教学中,不断根据实际需要来转变教育理念,要树立与社会发展相适应的民族声乐教育价值观,对过去民族声乐教育过程中的错误观念要积极改正。根据实际的发展需要,应当从以下方面来进行相关教育理念的转变。

(1)在民族声乐教育中,要与我国传统民族声乐理念相结合我国的民族声乐经历了一个十分漫长的发展历程,从原始社会至今,我国的传统民族音乐,在我国的民族文化与社会氛围中深深的扎根,在广大劳动人民的实践中,我国传统民族声乐理论,已经建立起了相对成熟完整的理论体系。但是,在近现代的民族声乐教学中,我国音乐领域中存在着比较严重的民族声乐唱法“洋土之争”,在这一情况下,我国传统民族声乐的相关理念与理论,在民族声乐教学中逐渐被忽视。但是实践证明,我国民族声乐教育事业想要实现健康持续发展,想要与我国的实际情况相适应,就需要立足于我国社会的实际情况,要扎根于我国的传统文化当中,从我国广大劳动人民历史数代人不断探索而成的传统民族声乐教学体系中吸取营养。这是保证我国现代化民族声乐教学与我国实际情况相适应的重要保证。

(2)在民族声乐教育的过程中要坚持多元化发展的理念随着世界各地区经济联系的不断紧密,在精神文明领域,我国与其他国家或地区的联系也越来越紧密,在民族声乐方面也同样如此。立足于多元化的理念,坚持各文化民族声乐的平等是在新时期下发展我国民族声乐的重要途径,通过吸取其它民族文化中的优秀部分一方面能够促进我国民族声乐教育与经济全球化的社会状况相适应,另一方面也能促进我国民族声乐教育事业的健康持续发展。因此,在实际情况中,一方面需要教师能够在教学内容中体现多元化的理念,不断引进各种各样的民族文化,另一方面学生也需要坚持平等对待每一种文化的原则,积极从其他文化中汲取长处。

(二)加强课程设置的改革。

在民族声乐教育发展中,还需要对相关课程进行合理的设计工作,保证教学内容结构组成的科学性,需要从以下方面进行。

(1)改革课程设置应该遵循的原则在民族声乐教育的课程设计中,首先需要坚持实践第一的原则。民族声乐的教学活动与其他理论性课程有着比较大的差别,它要求学生能够将理论知识运用到实践过程当中,教学的根本目的不是帮助学生掌握相关理论知识,而是帮助学生在声乐唱法、技巧方面很好的表现储量。因此,就需要在民族声乐教育中注重对实践性教学内容的安排,通过理论结合实践来促进学生相关知识技能的掌握。其次,在课程设计中要坚持综合性的原则。就是指在民族声乐的教学中,不仅仅需要对学生的相关实践能力进行培养,还需要对学生的相关乐理知识、舞台表演技巧等内容进行全方位的培养,这是为培养应用型人才的基本条件。最后,在民族声乐教育的课程中还需要重视系统性的原则,民族声乐的相关知识方面涵盖着比较多的内容,想要在教学过程中提高效率就需要保证教学活动的系统性,保证课程设置的合理连贯。

(2)建立完善的民族声乐课程体系在完善的民族声乐教育课程体系中,应当从民族声乐的理论体系与民族声乐的表演课程进行课程体系的安排。从理论教学方面,需要对民族声乐发展历程、民族声乐表演理论等方面入手来进行课程理论的教授,需要注意的是在理论教学方面,不仅仅需要对我国传统的民族声乐理论进行教学,还需要对其他国家或地区中,具有代表性的民族声乐理论知识进行扩展,通过中国传统民族声乐理论知识,与其他民族传统声乐理论知识的结合来开拓学生的视野,从而,为学生完整的民族声乐理论体系建立提供必要的帮助。在民族声乐的演唱课程方面,需要相关管理人员正确认识到民族声乐教育过程中实践演唱课程的重要性,在教学基础设施与教学内容的安排上要体现出对实践表演课程的重视。其次,在实践教学的安排中,要保证根据学生的实际情况来因材施教。

(三)加强民族声乐教学与其他学科的联系。

为了全面提高学生的声乐素质,在教学过程中除了传统的声乐知识之外,也要注重学生其它相关知识的学习。教师要注重民族声乐教学与其他学科之间联系的建立,提高声乐教学成效,促进学生综合素质的提升。经济全球化推动了世界文化的交流,各国之间文化的融合对于传统的教育体制造成了巨大的冲击,与此同时也为人才的培养创造了机遇,在此背景之下我国需要加快民族声乐教学的改革进程,转变传统的声乐教学理念,通过多样化的教学活动以及丰富多彩的声乐教学形式,帮助学生构建起完善的民族声乐知识体系,为其专业素质和专业能力的提高提供必要的基础。民族声乐与历史、文学、哲学等学科紧密相关,没有人文知识的铺垫,民族声乐只是个空壳,学生也无法理解民族声乐表达的情感以及体现出来的历史沧桑感,因此,相关教师在声乐教学中要注重与其他学科的融合,不断对民族声乐专业学生文化视野进行拓宽,培养学生的审美品位,提高学生的文化内涵,使学生在民族声乐的学习中,可以了解到作品深层次的内涵,促进其声乐创造力和表演能力的提高,这也是现代教育人才培养的重要目标。

民族音乐是我国精神文明体系中的重要内容,民族声乐教育对于国民精神生活需求的满足,国民综合素质的提高有着十分重要的意义。因此,我们必须立足于实际情况,做好民族声乐教育的发扬,通过在民族声乐教学活动过程中不断更新教学观念,完善相关民族声乐教学课程的设置,立足于我国传统民族声乐的理论体系与实践经验,结合其他国家或地区的优秀民族声乐理念,来丰富我国民族声乐的教学内容,在实践中不断加强民族声乐教育与其他学科的紧密联系,从而更好为我国民族音乐的普及与发展培养更多的高素质音乐人才。

声乐演唱论文(优质17篇)篇三

声乐是高师音乐专业一门重要的基础课程,是训练学生掌握和运用科学的发声方法、声乐演唱艺术的一门科学。要求声乐教学必须严格遵循自身的基本规律,明确对高师声乐教学、声乐演唱的认识,提高教学效率。当前,高师声乐教学存在着局限性和特殊性,在声乐表演中存在着必须克服的严重心理方面的问题。有些学生在舞台上、考场上或在众人面前演唱时,时常因为心理过于紧张而记忆瞬间空白,注意力分散,思考力下降等现象,失去了对歌唱器官的调节能力,导致声乐演唱或考试的失败。因此,在进行声乐教学时不仅需要训练学生的基本表演技能,更重要注重培养学生健康的声乐演唱心理。让学生在临场时调节好心态、克服紧张心理,或把它减少到最低限度。

培养学生端正学习和表演态度。

教师首先应该培养学生端正思想、严肃认真的表演态度。演出的目的是为了表现音乐,展示艺术美,而不是表现个人的英雄主义,要以音乐和观众为出发点,抱着对观众负责的态度,体现出优良的台风意识。在表演中达到忘我的境界,全身心地投入到音乐中去,在力所能及的条件下展示最佳演唱效果。在演出中还要避免对自己的演出效果作过高的企求,以免给自己造成压力,导致表演时精力不集中,从而不能全身心地投入到音乐中去。

注重因材施教选择合适的演唱曲目。

充分理解演唱曲目的内容及含义是学生排除心里紧张的关键,它能为消除紧张心理奠定基础。因此,对作品的分析一定要透彻,要了解作者的创作背景和创作动机,对作品要反复推敲和仔细琢磨。熟悉作品的过程就是得到提高的过程,无论是声音还是情感,都要通过熟练掌握作品来提高认识,《教我如何不想他》是赵元任以优美隽永的音乐,通过对四季各种自然景色富于诗情画意的描写,引人入胜地表现了情思萦绕,独自徘徊咏唱的动人情景,使原诗以韵节谐美而著称更增添了光彩。它反映了“五四”时期青年在挣脱封建礼教的束缚,追求个性解放的潮流。歌曲主调建立在五声音阶,从而使作品的民族风味格外鲜明突出,通过曲调和调性的变化发展,乐段之间运用相同的乐句作为间奏,加强了全曲的统一性,使音乐更为丰富多彩感情表达富于层次。保存了诗的意境,节奏平稳、旋律委婉,含蓄带有叙述性。学生在了解了这些之后,在演唱时自然就会字头柔美些,用委婉、含蓄的声音把原诗的已经表达出来。如果不了解作者的创作动机和时代背景,那就不会知道作者意在怀念、追忆那些生活中存在过的,但又很快消逝了的美好物象,就会把字头唱“爆”“热”,激情外向,演唱不出对美好事物的追忆、怀念之情,而有悖作者原意。

创设条件探索实践消除心理障碍。

参加舞台艺术实践,这也是减少和避免临场紧张的一个重要途径。平时多举行学生音乐会,教师教学组汇报演唱会、社团演出活动等,在大庭广众前多演唱和锻炼,怯场就会愈来愈少。尽可能多地演出,去为任何人演出,举行音乐会或学生音乐会,演出越多,收益越多。在精神状态不正常的状况下演出得越多,情况就越好。对于演出前的走台和预演要同样认真对待,这是一种行之有效的模拟心理训练。在走台和预演时要人为地、有目的地布置演出环境和气氛,使学生的紧张情绪在这种环境中得到控制。演出的过程中,学生们记忆上的瞬间空白和身体不适随时会引起紧张心理。面对这种意外情况,首先要镇静自若,从容应对,要有信心克服紧张心理、排除障碍,使演出持续下去,把造成的不良影响减少到最少。如果发生了这种情况,重要的是不要让它影响到你以后的演奏,你不能让整个演出崩溃,既然出现了就泰然处之,否则你会惊慌失措而造成连锁反应。我国著名男高音歌唱家魏松参加在美国肯尼迪举办的国际声乐比赛当中,正处于决赛阶段的关键时刻,突然身体出现不适,甚至连走到台上的力气都没有了,当时他的思想压力很大,心理也感到很紧张,担心拿不下来,他强忍不适走到台上时,当音乐响起的那一瞬间,他立刻振作精神、恢复了自信,投入到歌唱中去,并忘掉了一切疼痛与杂念,以惊人的毅力和轻松的演唱获得了巨大的成功。他正是以坚持演唱下去的精神和意志,才获得了成功。我们的学生在演出发生意外时,也要及时调整心态,从容自信地把声乐演唱持续完整。

结合自身实际注意调整好状态。

歌唱是一项全身心的协调运动,身体健康状态无疑要影响到歌唱技能的发挥和心理的变化,尤其是歌唱器官不佳,如声带疲劳、喉炎或伤风感冒等,这些都将直接影响和破坏学生演唱技能的正常发挥和声乐演唱心理,从而造成不同程度的紧张心理。因此,表演前一定要学生制定好作息时间表,让他们有计划有节奏地安排作息时间。不要外出旅游或剧烈运动,保证睡眠充足,避免过度疲劳;勿食刺激食物;注意嗓音休息,少讲话,少练声;表演前可以做一套锻炼操,包括准备运动,舒展练习,听听音乐,调节情绪,放松精神,为演出成功做好一切充分的准备。

总之,在平时的训练中,指导和培养学生拥有健康的临场心理是不容忽视的。俗话说:“艺高人胆大”。过硬的基本功是声乐演唱者勇气的来源,使学生在演唱时树立信心,排除临场精神紧张的心理障碍,全身心地投入到声乐演唱中去,把美妙的歌声带给听众。

参考文献。

[1]邹长海.《声乐艺术心理学》[j].人民音乐出版社,2000.

[2]姚青.《歌唱心理调控能力的培养》[j].中国音乐,2000.

声乐演唱论文(优质17篇)篇四

文章以西方音乐史中惯用的断代史为时间范畴,结合实例分析“音乐家”在各个时期所特具的不同社会角色与地位。

音乐家西方音乐史。

纵观西方音乐史,从古希腊罗马到近现代的各个时期,我们发现从事音乐之士的角色、地位明显不同,而当下的“音乐家”概念应该是到了古典主义时期才正式走上历史舞台。笔者拟简要分析西方音乐史中各个历史时期“音乐家”的社会角色与地位,以期有助于理解西方的音乐作品及其历史。

那时的具体音乐现已无从得知。文献中记录有弹里尔琴的阿波罗和吹阿夫洛斯管的狄奥尼索斯。我们能够找到的只是先哲们的“音乐”观念及思想。毕达哥拉斯的“音程可用数学比率来表现”使人们对音响及它们间的关系持理性态度;亚里士多德等认为音乐具有道德力量;波伊提乌说:“音乐是一门用理性和感官仔细鉴别高音低音之别的学科。音乐家是有教养有理性的思想家,能评判演奏家和作曲家。”由此看来,古代真正的音乐家应该先是哲学家和评论家。另外由于音乐与诗歌、戏剧和舞蹈密不可分,音乐家还担当诗人、剧作家的角色。总之,那时的音乐家远比现在的概念要宽泛。

继古罗马的享乐主义之后,中世纪力主禁欲主义。在经院哲学与普世主义的枷锁下,旧有的一切都被“保护”,荣耀上帝成为唯一的目标。神圣崇高的格利高里圣咏作为教会布道传递福音所不可或缺的手段,与教仪一起掌控人类的精神生活。写作音乐的行家被冠以天赋、神祗等字眼儿。音乐实际上成为教会仪式的载体,而并非独立的艺术。无论是圣母院乐派的奥尔加农,还是奥克冈的四声部经文歌,本质上都首先是宗教的,然后才是艺术的。音乐家及其音乐作品此时就一个身份——宗教的代言人。

在科技、经济大发展的历史背景下,理性的觉醒和人性的复苏使艺术家们逐渐脱离宗教的桎梏,开始强调自我的实现与个性的解放。缺乏音乐训练的人将被视为没受过教育,专业音乐家已经出现,并形成勃艮第(王国)乐派、尼德兰乐派、威尼斯乐派及罗马乐派等独具特色风格的群体。勃艮第王公贵族的政治地位和充足的钱财保证了包括迪费在内的音乐家们得以尽情施展才华;邓斯泰布尔在英国公爵的帮助下赴欧洲大陆传播自己的音乐;若斯坎相继在米兰、罗马等地供职于宫廷和教堂。宫廷文化兴起,超过教会成为音乐家的“保护人”,虽然人性意识的回归促使音乐家在作品中更多地表现情感、阐述自己的音乐观,但他们依旧要靠贵族的资助才能够生存,从实际意义层面上讲,音乐家及其作品都是贵族的依附品。

在以君主专制为主要政治倾向的巴罗克时期,资产阶级不断同封建势力作斗争。中产阶级聚集财富并开始与贵族抗衡,社会团体逐渐形成。随着第一座剧院在威尼斯的开幕,音乐开始走向公众。作曲家们不再仅以神旨或王侯的意图来创作,而是必须考虑公众趣味。这一点我们尤其可以从歌剧的诞生、发展及演变的过程中得到证实。威尼斯乐派的蒙特维尔第正是为了表达诸如愤怒、节制等大众感情才首创了震音、拨弦奏法;观众的口味又是导致威尼斯歌剧渐趋程式化的重要原因之一。

从幽暗教堂中神圣音乐的回响,到宫廷灿烂绚丽的乐声,再到如今弥漫于日常场景中的音乐,这门艺术终于开始渐渐体现出新型的自由生命力。

封建专制势力依旧坚不可摧,公众对音乐的热情丝毫不减。经济社会地位占强势的贵族仍持有对音乐绝对的赞助和决定权,维也纳三杰生命过程的异同从一定程度上体现了音乐家角色和地位的决定性改变。海顿几乎一辈子在埃斯特哈奇府邸担任“音乐仆人”;莫扎特同萨尔斯堡大主教的决裂是导致他生活窘迫的直接原因。此时的音乐家们在创作中拥有更大的自主权,但总的说来,他们必须考虑公众的态度和资助者的愿望而无法脱离贵族真正拥有独立的社会地位。

贝多芬依靠出版乐谱等获得生存的保障,历史上关于贵族们对他的顶礼膜拜及他蔑视权贵的典故数不胜数。正是从他那个时候起,“音乐家”就成为了灵感的化身、天才的代言人,逐渐作为独立的个体正式走上历史舞台。

贵族保护制度几乎彻底消失,音乐家需要依靠社会与自己的力量生存,他们比以往任何时候都更加关注公众的口味。对个人演奏或创作技巧水平尤为注重,从而不断提升自己的社会地位,音乐会也由此日见兴起。这是个性得以极大释放的时期,一个歌唱的时期,它造就了无数辉煌的演奏奇才、演唱名角和作曲大师,个性的完全释放,接受层面的极度膨胀,经济、社会的突飞猛进等各种因素使音乐家拥有了前所未有的独立角色,而当人们在瓦格纳的乐剧中嗅到了“新音乐”的气息之时,一个崭新的音响世界才真正扑面而来。

浪漫派音乐家极力摆脱古典大师的笼罩,近现代的音乐家也面临类似的挣扎与取舍。相比资产阶级大革命和启蒙运动来说,两次世界大战给人类的创伤和震撼是前所未有的。古典曲式的规整与浪漫的歌声在灾难中显得异常疲软,艺术家们都在痛苦地思索着艺术的方向和人类的命运。他们不依附于任何所谓的保护制度,不再沉迷于个人情感,而是对音乐本质做出更多样化的思考与尝试,由此出现了各式各样的“流派”。新古典主义者斯特拉文斯基极力追求抽象性,由标题音乐转向了绝对音乐;表现主义在阿尔班·贝尔格的戏剧性作品中达到高潮。节拍可以不断变化,节奏脱离了标准形式,旋律不再根据与人声的关系来构思,摩天大楼式和弦出现,大小调体系崩溃,诸如此类的传统音乐概念都在近现代的音乐家手中被彻底颠覆。

“音乐家”从远古的综合性概念直至演变为当今的革新者,其中不乏政治、科技、经济与文化的作用,也有各个学科间的相互影响,甚至地理、环境等外围因素也会对他们起到间接的作用。从中我们能够触摸到音乐的发展脉络,也能更好地理解作为人类精神阐释者的音乐家的不易与可贵之处。

声乐演唱论文(优质17篇)篇五

正所谓“亲其师,信其道”,教育专家通过研究后发现,在一个平等、民主、和谐的教学氛围中,无论是教师还是学生,都会处于一个较为积极的状态中。一方面,学生能够从教师身上感受到一种关心、爱护和支持,使他们能够有意识地调整自己的态度和行为,自觉朝着教师的标准和期望而努力。另一方面,学生的态度和情绪也会在第一时间传递给教师,教师能够感受到来自于学生的信任,会主动选择最合适的教学方式和方法,千方百计地把课上好,以此来维护和巩固自己在学生心目中的地位。通过师生之间这种交流和互动,能够从根本上提升教学的有效性,并能够保证整个声乐教学始终沿着一个良性的轨道发展。所以说,和谐师生关系的构建,是提升声乐教学质量的重要渠道。

二、声乐教学中和谐师生关系的构建途径。

(一)教师方面。

教师是整个教学活动的引领者,对教学起着主导性作用。首先,是教师角色的转变。在中国传统文化中,一直都有着师道尊严的观念,这使得当代的很多声乐教师,都对自己的角色定位没有正确的认识。在他们看来,既然学生跟着自己学习,那么自己就有绝对的权威,只需将自己的知识、技能和经验传授给学生即可,而学生对此不能有任何质疑。或许这种教学观适用于一些文化课教学中,却不适用于声乐教学。因为在声乐学习中,由于发声机能的不可见性,使其在很大程度上要依靠学习者的感觉、想象等意识活动。而无论是想象还是感觉等,都是一种个性化行为。如果教师将自我意识强加给学生,会让学生感到十分压抑,从而导致教学的失败。所以说,教师要对自己的角色定位进行重新的明确。在声乐教学中,教师并不是高高在上的教学权威,而是学生学习的引领者和帮助者,要有足够的耐心,包容学生在学习过程中遇到的困难和所犯的错误,并鼓励学生进行自主的探索。真正做到以人为本、因材施教和因势利导。这种角色的转变,乃是和谐师生关系构建的基础。其次,是教学观的重新树立。一方面,教师应该对自己的角色、行为有正确的认识。自古以来,教师就是一个无上光荣的职业,教师的天职就是传道授业解惑。但是在市场经济条件下,很多教师的价值观发生了一定的偏差。比如有的教师在校外担任声乐教师,辅导一些高考生,以获得不菲的收入。然而一个人的时间和精力毕竟是有限的,校外教学活动过多,势必会使校内的正常教学受到不良的影响。另一方面,很多教师也在教学中表现出了一定的功利性倾向,在选择学生时,偏爱那些基础水平较好的学生,有利于自己在短时间内获得更好的教学成绩,而不顾其他教师和学生的感受,没有做到公平和公正。因此,教师应该重新明确自己的价值观,对为什么要进行声乐教学、自己应该在教学过程中发挥怎样的作用,以及以何种姿态面对教学等问题,进行认真的思考。最后,是教师能力和素质的提升。一方面,教师要努力提升自身的专业素质和文化素质。因为声乐教学是一种技能教学,学生能够通过教师的示范或演出认识到教师的专业素质,如果与学生的心理预期相距甚远,则很容易让学生产生一种不信任感。而在文化素质方面,教师应该对和声乐艺术相关的各种学科有充分的了解,并将其体现在教学中。比如在一些中国艺术歌曲的演唱中,自然要涉及对中国古诗词的了解,如果教师具备一定的文学素养,就能够从更加多元化的角度引导学生认识和感受作品,从而获得良好的演唱效果。另一方面,教师应该努力提升自身的教学能力。当代社会中,各种新的教学理念、方法和模式等层出不穷,教师应该对其进行充分的关注,并结合声乐教学的实际特点,将其应用于教学中。以教学方法为例,对话式教学法、小组教学法、任务教学法等新型教学方法,都十分适用于声乐教学,能够营造出一个团结、紧张、活泼的学习氛围,使整个教学呈现出一片全新的面貌,充分激发了学生的学习兴趣和主动性。所以说,教师在和谐师生关系的构建中居于主导地位,要通过角色、观念、行为上的变化,引导学生正确认识声乐教学,相信教师,感受到教师对自己的关心和支持。这正是和谐师生关系构建的重要前提。

(二)学生方面。

首先,尊重和信任声乐教师。当下高校的声乐教师,多数是科班出身,中年教师有着丰富的教学经验,青年教师虽然经验略显不足,但是也有着较高的学历,所以大多能够胜任声乐教学需要。这要求学生要真正尊重和信任自己的声乐教师。一方面,要在课上认真学习和思考,主动与教师交流,并在课下反复练习。如果教师在某一堂课上的状态不好,或者是某一件事情处理得不圆满,学生也应该给予充分的理解。这种理解会让教师对教学更加投入。另一方面,与教师展开良好的配合。声乐学习是一个双向互动的过程,学生应该以主动配合的态度,完成教师布置的教学任务。而不是被动、不情愿地完成。而且学生的这种积极态度会让教师感受到这是学生对自己的一种认可,让教师也收获了一种成功的喜悦。其次,努力遵循教师的思维方式。因为声乐学习具有个性化和抽象化的特征,所以要求师生双方在思维方式上要处于一种相近的状态,也只有在这种状态下,才能心往一处想,劲往一处使。声乐教育家周小燕在回答如何挑选学生的提问时曾说:“我会有一种感觉,觉得这个学生对我的路子,于是我就选择他。”其所说的“对路子”,就是指的'思维方式的一致性。所以在学习过程中,不仅要学习具体的声乐技巧,更要学习教师考虑和处理问题的方式,努力使自己的思维方式和教师相一致,并逐渐形成一种默契,从而建立起融洽的师生关系。最后,主动与教师交流。师生之间积极而坦诚的交流,对于整个声乐教学来说是极为重要的。只有通过交流,才能让教师对自己的真实状况有更加全面和真实的了解,继而做出有针对性的指导。也正是在这种交流中,才能建立起信任和默契。因此学生要正视自己、正视教师,主动与教师交流,共同克服遇到的困难。教师也会因为这样,感受到被学生信任的愉悦,加深师生间的情谊。

综上所述,近年来,伴随着教育理论的发展,关于师生关系的研究是层出不穷的,其对教学质量的影响也得到了更多人的重视。作为高校声乐教学来说,其与一般的文化课教学有着较大的不同,师生之间的接触尤为紧密,更需要以和谐的师生关系为基础,方能从本质上推动教学的发展。本文也正是本着这一目的,对构建的途径进行了分析,希望能够引起更多人对这一问题的充分重视。相信高校声乐教学质量,一定能够因为和谐师生关系的形成而获得更大的提高。

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声乐演唱论文(优质17篇)篇六

美声唱法与民族声乐之间不仅存在相通之处,也存在着差异性,这需要学习者善于把握美声唱法与民族声乐唱法的歌唱技巧,系统的比较二者之间的差异,在传承民族唱法的基础上,借鉴美声唱法,进而发扬民族唱法。文中根据以往的学习经验,对美声唱法与民族声乐之间的差异,进行了简单的论述。

美声唱法;民族声乐;差异;共性。

美声唱法中多采用胸腹式联合呼吸的方法,其不仅要求练习者要呼吸得深且满,还需要保证气息通畅自如,将声音托在气上,这对于我们而言,在学习上具有较大的难度,不仅因为身体结构与生理习惯,还因为我们的演唱习惯。民族唱法主要是运用丹田呼吸,也就是横膈膜呼吸法,这种方式更符合的我们的演唱习惯。

在以往的学习中通过对美声的研究与练习发现,美声唱法要求歌唱者的喉咙被充分的打开,且喉头是向下降的,尽量保持在低部位,对于男生而言,可以从其喉结的运动方向,便能够判断其喉咙是否打开,以此来判断其发声是否合理。由于女生的喉结较为隐蔽,所以主要是从发声的感觉,来判断其喉咙是否打开。民族唱法是基于歌曲的风格,来决定喉头的位置与打开的程度,在喉咙的打开方面,不能过于追求喉咙打开,而是需要合理的运用喉器,比如在演唱山歌类型的声乐作品时,则可以上下移动喉头,以此来营造欢快或者低沉的旋律。民族唱法与美声唱法相比,其喉结的位置相对高些,且喉结打开的程度较小,这需要我们在练习的过程中,要合理的运用,对于本民族的歌曲,在演唱时还是要保留民族唱法,在进行结合创作时,要仔细分析二者之间的差异,善于变换喉结的使用方法,进而营造即有美声唱法,又有民族唱法的旋律。

美声唱法主要讲究的是混合共鸣,追求整体歌唱的共鸣。在演唱的过程中,发音讲求的是宽大、洪亮。美声演唱者在演唱的过程中,通常采取的是上下垂直柱状通道,来歌唱作品的。其需要歌唱者善于处理转换音区的共鸣位置,切不可有痕迹,演唱的音量要大,具有较强的穿透力。在歌唱作品时,要合理分配音域共鸣的比例,以确保整体的共鸣效果。通过练习能够体会到,若注重头腔共鸣,则演唱的声音会发飘,且声音没有力度,浑厚度不够。若胸腔共鸣过多,则歌唱时的音色相对偏暗,虽然能够达到声音浑厚的标准,但是难以达到明亮的标准。民族唱法共鸣管道相对较短且窄,演唱者多运用局部共鸣,不注重整体共鸣感,这也是民族唱法与美声唱法风格差异的原因。民族唱法在声音的体现上,多为集中且结实,歌唱的声音甜美、清脆,、明亮。我国民族音乐艺术类型较多,包括戏剧艺术、说唱艺术、民歌等。历经一段时间后,民族唱法在共鸣上,主要是以头腔共鸣为演唱基础,利用其他共鸣为辅助,吸收了一些美声唱法的方法,使得民族音乐的演唱风格也愈加清新自然,受到观众的喜爱。

美声唱法中,声音位置相对靠后,尤其是在换声区和高音区,会出现明显的转暗过程,主要是因为美声唱法运用的是混合声区歌唱法,在真声的基础上,适当的增加假声的成分,最后以假声为主。美声唱法的声音管道与民族唱法相比要内在一些。民族唱法中演唱者的声音管道相对靠后,多数是贴着咽壁,向头腔反射发声的,在演唱的过程中,管道基本保持不变,在面罩部位会直接亮出来。民族声乐唱法中,多运用局部共鸣,对于真假声音混合使用较少。

对于声乐学习的我们而言,不仅是民族声乐的传承者,也是美声唱法与民族声乐艺术融合创新的实现者,这需要我们不断学习先进的美声唱法,将其优秀的部分,借鉴到我们传统民族声乐中,促进我国的声乐艺术发展,以此来弥补民族声乐的不足。美声唱法对传统民族的影响较深,但是由于两者的文化背景不同,以及东西方审美的差异,使得美声唱法与传统民族美声,依旧处于碰撞发展的阶段,还需要学习者想互借鉴与学习。自从改革开放以来,我国在文化方面与世界较强交流,开始重视学习西方的先进文化,其中美声唱法已经成为声乐学习者学习的主要内容。使得国内外涌现出大批的具有文化影响力的声乐家,其继承者传统民族唱法艺术,同时吸收美声唱法的长处与技巧,不断低进行民族唱法的创新,促进着美声唱法在我国的发展。我们在学习的过程中,不仅要善于对比分析,还需要结合传统民族声乐艺术的特点,基于自身的演唱特点,对民族声乐进行创新发展,促进美声唱法与民族声乐相结合的发展。

美声唱法与传统民族声乐艺术之间,受到文化因素、创造环境因素、生理差异因素等的影响,存在着诸多差异,主要包括:呼吸方法、喉咙的打开方式、共鸣的差异、声音位置差异等,这需要我们在练习的过程中,充分的把握,善于学习利用美声科学发声的技巧与方法,对传统民族声乐进行创新,促进其发展。

[1]xxx.试论美声唱法对我国民族声乐艺术的影响[j].赤峰学院学报(汉文哲学社会科学版),2014(08).

[2]杨婉琴.浅论中国美声唱法的发展及对民族声乐的影响[j].大众文艺,2013(06).

[3]崔影.中华民族声乐的界定及相关热点问题研究[j].乐府新声(沈阳音乐学院学报),2011(03).

[4]崔焕珍.浅谈民族声乐唱法的借鉴、传承与发展[j].太原师范学院学报(社会科学版),2011(04).

[5]尹璐.谈美声唱法对民族唱法演唱技巧的影响[j].艺术研究,2015(02).

声乐演唱论文(优质17篇)篇七

爵士乐是西方音乐中一种具有代表性的音乐,它有自己独特的音乐风格和特点。并且流传广泛,是非常有感染力的受人喜爱的一种音乐形式。下面,我们先来了解一下爵士乐的特点。

1.即兴演奏的特点。

爵士乐是自发的、多样性的、独立的段落演奏手法,是一些非洲音乐和大部分爵士乐的一个鲜明特点。

2.节奏切分。

这种节奏现象最为人熟知的是重拍出现在非主拍上。爵士乐的节奏律动形态有两种:一种是平直节奏(straight);另一种是摇摆节奏(swing或shuffle)。这两种节奏形态的区别主要体现在八分音符的演奏方式上,而这一区别也决定了爵士乐的风格。摇摆节奏是建立在每一拍平分三个音(即三连音)的基础上。最常见的节奏型是将三连音的中间音省去。以平直节奏演奏的爵士乐主要为拉丁风格的爵士乐,节奏律动以八分音符为基础。

3.和声。

即兴演奏是爵士乐的一大特色。但是,爵士乐的即兴不是任意的,而是在一定的和声基础进行框架内的自由发挥。其中约有60%出自音乐知识,20%出自创造灵感,10%出自观众的反映,10%靠的是运气。作为爵士音乐家,他不仅必须具备演奏技巧,还必须掌握大量的有关爵士乐的理论知识。和声语言是最复杂和最重要的部分。

4.音色的选择。

为了增强听觉上的吸引力不断地变化音色的粗糙度、振动频率以及响度。需要指出的是许多萨克斯手在追求音色变化的过程中会倾向于刺耳的影响效果。还值得一提的是,爵士乐小号手和长号手有时候会以“咆哮”的方式来演奏。

中国音乐教育课堂存在的问题有三方面:一是教材导向与学生审美需求之间存在矛盾。大多数学生喜欢音乐,却不喜欢音乐课。现行音乐教材的部分音乐作品政治色彩过分浓重,使原本轻松的音乐课堂变得沉闷,情绪低沉;音乐艺术的技巧过分深奥,学究气浓重,不太适合学生的年龄特征。这就必然影响学生学习音乐的兴趣。二是社会需求与教学目标之间不协调。音乐本身不能引起学生的兴趣,更谈不上创造力和灵感。三是升学考试的压力是原本应该净化心灵、陶冶情操、培养发现生活之美的灵感的音乐教育,陷入夹缝,而失去音乐本身的意义。

1.从爵士流派中吸取。

爵士乐流派众多,新奥尔良爵士最简单易懂、单纯快乐;摇摆爵士动感强劲,适合年轻人的年龄特点;节奏较强劲、感情丰富,很容易被接受;很容易唤起观众听众的情绪;自由爵士风格激进、缺乏思维逻辑性,也适合容易激动的学生的年龄特征;对于课堂中培养学生的审美观,陶冶学生的情操无疑不是一个很好的音乐表现形式。中国音乐课堂要想融入爵士乐的教育风格,在中国广泛传播,除了已有的高等院校理论教育体系、面向大众的纯爵士器乐演奏等方式作为依托外,还需要将深受大众追捧喜爱的流行歌曲作为传播载体,更全面地传递爵士乐的精髓品质;适当引入爵士乐教材,紧紧抓住学生的身心特点进行教育,才能达到音乐的渗透之美,真正激发学生的创作能力和热爱生活的道德修养。

2.从爵士特点中吸取。

爵士乐相较于其他音乐,其自身有很多独特之处,如:

1)即兴演奏或者是演唱;

2)爵士乐节奏的极其复杂性;

3)独有的爵士和弦;

4)独特的音色运用等。由于爵士乐是一种自觉的、自发产生的、富于创造性和表现力的音乐。爵士乐是一种非常有代表性的群体创作过程,如果在中国音乐课堂中加入与爵士乐的相关内容,受爵士乐创作过程的熏陶,势必会培养学生的集体合作意识和音乐创新意识,最大限度地开发学生的音乐天赋,使其热爱音乐艺术成为一种主动的行为,毕竟创作才是人类的灵魂。

世界上任何一种音乐文化的主体性都不是一成不变的,开放,交流,融合,这是人类音乐文化发展的本来面目。反观中国传统音乐教育的不足,学习和借鉴西方教育的精华,转变教育思想和教育观念,自上而下地深入进行音乐教育改革,以更快地适应世界教育发展的潮流,培养出更多符合我国现代化建设的栋梁之才。音乐教育,关键是培养有创造力的人才。对于中西方音乐教育的未来,有以下几点可能会影响下一代的音乐素养:

(1)对旋律、节奏、和声和乐器学的新型式的实验,反映出新的能源形式和各种新的机械发明对现在和未来生活的有利影响。

(2)对音乐的民族性格的更大强调,伴随着更广阔的国际听众,导致所有国家的人民之间更深刻地相互了解。

(3)音乐教育的普及,协助那些在音乐上有天赋才能的人们达到最高的发展。

声乐演唱论文(优质17篇)篇八

民族声乐艺术的“韵味美”具体从“文字、声音、感情”三个方面来体现,具体一点来说就是文字的表达、声音的表现以及感情的体现。一方面三者同时做好,才能完整表现出民族声乐艺术的“韵味”。而另一方面,一首民族歌曲的好坏也要通过字、音、情这三个重要的审美特征来评判。

汉族的语言表达讲究“字正腔圆”,民族声乐艺术的表达也同样重视“字正”。字的“韵味”体现在语言的规律和表达上,咬字清晰有力是传递歌词意思,表达感情的良好途径,而选择对的字也是正确表达意思的首要考虑。另外,歌词的语气、情态、语势等方面的处理和表现也能促进民族音乐的韵律表现,只有拥有深厚的文化修养的作词者才能创作出与音乐旋律相符合的歌词。中华文化博大精深使得文字的表现有着多种方法,也为民族音乐创作提供了巨大贡献。在民族声乐艺术进行表演时,如果观众只闻其声,不见其字,则根本无法完整理解演员要表现的意思和情感。而字的选择稍有偏差也会影响观众对整段歌词的理解,甚至会误导听众对整个歌曲的感情表达。如何用耳鼻口等发音器官发音是每个民族歌唱艺术家的必修课,而歌词的描述也是民族歌曲能否达到人人传唱水平的重要因素。因此,文字不仅是民族声乐的精华,也是民族声乐艺术的重要审美特征之一。

仅仅在文字上的完整表达并不能使民族歌曲受人喜爱,生活中往往一段好的曲子即使没有文字也会令人听之难忘。例如90年代全球畅销的金曲”myheartwillgoon”,其英文歌词并不是多数中国听众能够理解的,但是其旋律越感情却征服了一大批人,由此可见声音的“韵味”可以说是歌曲的灵魂。所谓音韵是通过文字发声的长短、婉转等技巧来控制和表现的,民族声乐中的技巧运用尤为丰富,最突出的特点是声音高亢、响亮的同时又不失优美。在民族声乐艺术中,讲究声音的发声技巧、共鸣、腔体等表现手段,这些手段是感情表达的有效方法。现代的一些歌厅的歌唱者,没有对歌唱技巧进行掌握练习,只一味追求民族声乐中的声音高亮,常常让听众感到声音刺耳和疲惫,不能把民族音乐的优美传达给听众。好的歌唱家拥有深厚的歌唱技巧,唱起歌来表情甜美,无论唱怎样的歌曲都带有自己的声音“韵味”,即能提升自身的音乐形象,也能和听众形成情感共鸣。由此可见,声韵是打动观众的不可或缺的因素,是民族声乐的最高审美特征。

作为一种情感艺术,感情是否投入自然可以成为评判民族声乐艺术的标准。唱歌讲究“声情并茂”,通过情感的表现可以为艺术家与听众建立起一个不分距离的沟通桥梁。一首歌曲是否受欢迎不仅仅因为其词曲的精妙,更因为其情感的表达,比如现在的一些选秀歌手往往唱歌无瑕疵却不能得到观众的喜爱,这种情况正是由于歌者过于重视比赛,无法体会歌曲创作者的情感表达,也无法将歌曲原本的情感的“韵味”带给听众。人类判定美是由于情感的波动,情感也就成为了民族音乐艺术审美的重要特征。而感情的体现也是艺术家自身修养的表现,通过感情的判断不仅仅可以对民族音乐进行审美,也可以对其演唱者的艺术修养进行衡量。生活中常常用“动人心魄”的词语来形容一首好的歌曲,正是因为其情感的“韵味”使人心动、情动,情感不仅仅是艺术的表达,更加是艺术的创作来源,只有充满情感的民族音乐演唱才能拥有巨大的音乐魅力。总之,情感的“韵味”是民族音乐创作的意义所在,魅力所在。

中华民族声乐艺术的“韵味美”是字韵、声韵、情韵的共同表现,字韵使得听众意动,声韵使得听众耳动,情韵使得听众心动。因此,字、声、情三者的协调融合,才能确保民族音乐的韵味之美。从“韵味”的角度对民族声乐艺术进行解读,一方面能够对民族声乐艺术的审美特征有着更好的认识,另一方面也可以为推动民族声乐艺术的发展做出贡献。

声乐演唱论文(优质17篇)篇九

摘要:声乐演唱是一种以声音为物质材料来塑造形象、表达思想的艺术表现形式,它是人类心灵对世界感应的产物,体现着人类情感表现的自我创造和追求。那么演唱者如何才能将声音与情感融为一体,去揭示作品的思想内涵,并将审美感受和情感体验倾注在表演之中,这就需要演唱者具备较高的人文素养,以此为基础来增强对声音、作品、内容和表演形式等的综合理解能力,从而使演唱富有生命力,表现出震撼人心的艺术效果。

关键词:声乐演唱;人文素养;情感表现。

声乐是音乐艺术中一种将语言与音乐结合起来,用人声的歌唱形式来表达思想情感的音乐形式,它是人类在意识的支配下,通过艺术化的嗓音来发挥音乐性能、表现音乐形象的审美创造活动。声乐艺术建立在演唱者一定的音乐理论知识与音乐素养的基础之上,又通过科学的方法进行演唱技能的训练,使嗓音达到一定的艺术表演标准,并通过力求完美的技能技巧与艺术审美规范,达到表现作品思想与情感内涵的实践过程。

由此可见,声乐演唱不仅仅是一种技术技巧的表现,它的生命还在于传达音乐中丰富的思想内涵和情感。所谓人文素养是指由知识、能力、情感、意志等多方面因素综合而成的一个人在人文方面所具有的内在品质或达到的发展程度。在这里,“人文”是指包括哲学、政治、文学、历史、经济学、法学等科目的“人文科学”;“素养”是人长期实践和训练所形成的“能力要素”和“精神要素”的组合。

因此,人文素养是人所应当具备的基本品质和基本态度,外在表现为一个人的人格、学识、气质、修养等成为人的相对稳定的精神品质,它对人的思维方式、心理机制、情感世界、意志能力、价值取向、审美体验、意识形态和理想模式都具有深刻的影响。声乐演唱是一种综合性的艺术表现形式,绝非只是简单地将音符和文字符号演变成声音的过程,而一定是歌唱者自身思想情感与人生体验的外化,更是其艺术观、审美观等人文素养的综合。演唱者只有从歌唱声音、音乐感觉、情感表现、艺术形象等多方面去领悟和体会歌唱艺术的独特魅力,去挖掘作品表达的思想内容、艺术意境、音乐主题、语言韵律、风格特点,并将自身的审美感受和情感体验倾注于演唱中,才能将美的声音与情感融为一体去呈现作品的思想内涵和情感,从而赋予音乐真正的生命力,表达出震撼人心的艺术效果。

一、人文素养在声乐演唱中的作用。

人文素养是声乐艺术的灵魂。众所周知,声乐演唱是歌声、音乐和文学语言三者的结合体,这其中,演唱者的知识水平和人文素养往往决定着对音乐作品的理解、感悟和表达,如若演唱者的人文素养低下,文化底蕴欠缺,那么在演唱中他对歌词及创作背景的理解、对作品音乐风格的把握以及在对作品演绎中的情感处理等方面都会受到一定的影响。

(一)理解作品。

声乐作品的内在表现是词曲作者的写作宗旨,而最终所要实现的是欣赏者从演唱中体会到歌曲所表达的思想和情感内涵,从而获得美的享受。这就要求演唱者首先理解作品,了解作品的创作背景与歌词内涵,以及创作者意图通过作品向欣赏者所表达的思想情感,这就必然要求演唱者具备深厚的文化内涵和理解能力。优秀的声乐作品大都体现着极强的文学性特征。要演唱好声乐作品,演唱者首先应该了解的是作者的创作初衷、作品产生的背景以及作品所要表现的思想内容和文学内容,在充分理解和把握的基础上,才能运用声音正确表现出作品的思想境界,表达出作品想要表达的意境与内涵。

而在此方面,演唱者的人文素养越高,对作品的理解就会越完整和准确,在演唱时也会更加细腻。反之,如果演唱者的人文素养低下,仅凭自我感觉来表现作品的情感内涵,只会使作品的处理变得随意和虚浮,演唱出来的音乐也只是缺乏理性把握的情感宣泄,更有甚者,则会完全违背作品的内在逻辑,与作品真正想要表现的思想内涵背道而驰。

(二)把握风格。

声乐作品的风格是指作品本身在思想内容和艺术手法等方面所体现出的某种特点,包括作品的历史风格、时代特征、地域特点、民族风格、音乐创作风格等。作为一种艺术表现形态,声乐作品的风格是从作品本身的个性特点出发的,在对风格的表现上要求演唱者的`声音既要符合作品的风格,又要适应欣赏者的听觉需求,既要与歌唱者的主观表现相吻合,又要联系到声乐作品本身的内容和形式。如果没有对作品风格的正确把握,即使有再高的演唱技巧也很难完整地表现出作品的真正内涵。然而,演唱者对于声乐作品风格的把握往往受到其文化层次、知识水平、思想领悟等多方面因素的影响,这必然要求演唱者应当具有相应的人文素养,能够清晰地了解音乐风格的差异和特性,在此基础上结合自身的领悟以准确地把握住作品风格,从而演泽出作品的独特风貌和神韵。

(三)创造情感。

“感人心者,莫先乎情”。情感体验是人类的一种心理现象,是人对客观事物的态度以及相应的行为反映,它能积极地影响和推动人的认知,激发想象和联想,提高思维的能动性和创造性。音乐的本质就是人类情感的表达和抒发,没有情感就没有艺术。一首好的声乐作品往往会浓缩着作者的一些精神生活记录,是创作者基于自身对现实世界和内心深处有感而发地通过作品表达的思想感情。作为演唱者,对所演唱的作品一定要有全面的理解和认识,并使自身情感受到触动,从而产生强烈的身心感受,产生出表达情感的强烈欲望,进而唤起表演时再创造的热情,才能更好地进行艺术的再创造。这一情感创造的过程可归纳为三个阶段,即理解情境,获得感受,表达情感。而深厚的人文素养有助于演唱者准确把握歌曲的情感和情绪,帮助演唱者更好地完成对于作品的情感创造。

人文素养对于声乐艺术的发展和促进具有重要的作用。对于一名声乐演唱者来说,除了要有扎实的理论功底和声乐演唱技术技巧之外,其自身人文素养的培养也是同等重要的。因此,声乐演唱者应不断增强自身的文化底蕴,提高自身文化道德素养,加深人文修养,才能更好地诠释和理解音乐作品,激发出内心歌唱的热情,从而淋漓尽致地表现出完整以至完美的音乐形象。

(一)在知识的熏陶中丰富人文素养。

众所周知,音乐艺术所要表现的最本质的属性即是文化,音乐艺术以其丰富多彩的形式与内容表现着人类文化的多元性特征。声乐演唱是综合性的音乐艺术形式,同样肩负着表现人类文化特性的任务。声乐作品对于文化意蕴的表现范围涉及文学、历史、民族、地域、风俗习惯、自然环境等多个传统和现代的文化领域,这就要求声乐演唱者首先应当找准文化的契合点,努力创设音乐知识的文化氛围,建立起文化意蕴演绎的环境,在知识的熏陶中自觉地丰富自身的人文素养。

如演唱者可以通过阅读多了解一些不同国家、不同民族的历史文化以及音乐家传记与音乐理论等方面的知识,多去听听中外音乐作品赏析,在音乐知识的渗透中学习文化知识,扩大文化视野,提高文化修养,以此来提高自身对于音乐作品的理解和欣赏能力,增强对演唱作品在历史背景、创作背景、音乐风格及内涵方面的正确认知和了解,以帮助其在演唱中更好地去诠释和演绎作品的思想和情感。

(二)在生活和演唱的实践中提升人文素养。

不同的人有着不同的生活经历。对于声乐演唱者来说,生活的实践和阅历可以增强演唱者对于作品的理解,在情感表达上也会表现出不同的差异。同样的歌曲,不同生活经历的人去演唱,其韵味会是完全不同的。生活是艺术创作的源泉,有着丰富生活经历的人才会对音乐有着更为深刻的理解,并在演唱中将自己对于生活的理解和感悟反映到作品当中,其唱出的歌曲才更加富有灵魂,才能更加打动人心。生活的体验丰富多样,包括生活阅历、文化活动、学习经历、社会交往等等,丰富的生活实践可以将人的思维带入到更加广阔的时空之中,开阔人的视野,提升人的素养。作为一名声乐演唱者,演唱的实践更是提高演唱者人文素养的重要形式之一,在声乐演唱中,演唱者在对音乐形象的演绎中用心去感悟,穿透音乐的表象去领会其背后所蕴含的思想内涵和情感表达,进而去领略音乐的文化意蕴,在对音乐情感与音乐美感的体验中,在音乐意蕴的表达中,自然而然地领悟到音乐文化的内涵,并从中积累丰富的文化底蕴,提升自身的人文素养。

(三)在情感的体验中培养人文素养。

情感活动是人类非常重要的一种心理活动。任何情感都是由客观事物引发的,都是人在认识客观事物的过程中对其所产生的一种态度和体验。声乐表演一方面是声音与语言的艺术,另一方面又是情感的艺术。声乐演唱的情感来自于声乐作品的内容,产生于演唱者对于作品的“认知”“态度”和“体验”的基础之上,情感产生的浓厚与淡薄,反映着演唱者对于作品的理解和感悟,即演唱者的人文素养。

随着声乐艺术的不断发展,声乐演唱的专业技巧在不断得以突破,通过科学的学习方法,要达到一定的演唱技术水平似乎变得比较简单。然而,越来越多的声乐演唱者们却更加关注歌唱艺术的情感表达。在声乐演唱中,优美的旋律通过歌词的引导和表现,能激发演唱者心中对于生活的热爱和真情,增强对于音乐的表达兴趣,从而提高演唱者的审美素养,促进其人文素养的形成和发展。一首好的声乐作品,只有通过声情并茂的歌唱表演才能具有真正的生命活力,而这能够传递情感的声音只有在歌唱者自身动情的前提之下,才能情牵动着声,传递出情,最终达到声情交融的动人效果。当演唱者具有了广博的人文素养基础,才能将丰富的情感灌注到每一个音符之中,才能赋予作品更多的生命力和想象空间,才能真正把作品唱活、唱好。

人文素养是声乐艺术的灵魂,无论是从声乐艺术的产生根源还是从声乐演唱的实践来看,都需要人文素养的积淀。人文素养越广博、越深厚,声乐艺术的境界就越高,声乐表演的世界就越宽广。因此,一位优秀的声乐表演者必须要努力提高自身的人文素养,并从中汲取营养,获得情感,丰富想象,这样才能真正地触摸到声乐艺术最深邃、最本质的内涵。

参考文献:

[1]杨忠.《歌唱的灵魂——情感体验》.赤峰学院学报,(06).

[2]邹文丽.《声乐艺术与文学修养的关系》.影剧月报,(05).

声乐演唱论文(优质17篇)篇十

摘要:声乐演唱临场的表演不仅仅是技术的问题,还需要对演唱者心理进行完善。在这两者结合的基础之上加上临场经验的积累,才能够培养出比较完善的声乐演唱者,从而可以进行完美地声乐艺术表现。

关键词:演唱心理演唱技术。

声乐演唱者的临场表演由演唱者演唱技术与演唱心理两个元素组成。演唱心理是指演唱者在演唱过程中的心理活动。这种心理活动是建立在演唱者实践基础之上的认识活动。诸如演唱者演唱的欲望、动机;演唱者情绪的表现力与感染力;对音乐作品的记忆与想象;克服“杂念”以及演唱者的应变心理、临场状态等等。只有把演唱者良好的演唱心理与科学与正确的演唱技术相结合,才能够准确、完美的表达声乐作品的艺术内涵。

一、正确、科学的演唱方法是临场演唱成功的基础。

正确、科学的演唱方法是临场演唱成功的基础。它包括认真、严格地阅读作品;科学、准确地记忆作品;对作品整体的感受、分析、处理和克服技术难关这三个方面。

1、要认真、严格地阅读作品,科学、准确地记忆作品。

认真、严格地阅读作品和科学、准确地记忆作品一样,贯穿学习和演唱的始终。当学生已经可以记忆演唱作品后,再让他们看谱练习,进而再仔细的分析、研究、推敲作品。

记忆作品的基本方法有:“视觉的记忆”、“听觉的记忆”、“运动神经的记忆”和“理智的记忆”等。

a.视觉的记忆方法。视觉背谱的方法是一种依靠看谱记谱的背谱方法。舒曼说过:你必须练习看到乐谱就懂得音乐的进行和音乐所需要使用的技术、方法。著名男高音歌唱家多明戈依靠眼睛的力量记忆演唱百部以上的歌剧作品。

b.听觉的记忆方法。科学研究发现:用听觉的方法来记忆是效率最高的一种记忆方法之一,听觉和视觉结合起来的方法次之,而只用视觉记忆的途径则是效率较低的一种方法。

c.运动神经的记忆方法。一般声乐演唱者学习一首作品总是需要一遍又一遍地重复,直到他们可能完全离开乐谱为止。他们在很大程度上依靠着运动神经的记忆。

d.理智的记忆方法就是人们在背谱时对演唱作品进行理性的分析,对动机、乐句、乐段、曲式结构、作品伴奏的和声、织体、调性、调式……等等都进行认真的分析,使记忆建立在清晰的理性分析基础上,将上述方法综合起来,使思维、情感、肌肉、神经、听觉、视觉达到最理想的协调。

2、对声乐作品进行整体的分析、处理。

如果说处理歌唱作品是学好一首乐曲的关键,那么攻技术难关是学好一首乐曲关键中的关键。在演唱时技术上的不完善,仅仅凭侥幸心理和一时的表演热情是不够的,但技术难关是否能彻底攻克与演唱者表演的成败有着密切的关系。

完善的心理机制是声乐演唱者临场表演成功的重要保证。声乐演唱者临场表演成功它包括强烈的表演欲望与自信心;丰富的表演经验的积累;做好临场演出前的充分准备。

1、演唱者的'表演欲望和自信心。

对演唱充满信心、欲望和充分的表演准备又是演唱效果良好的保障。此外还要丰富演唱者的审美经验、艺术素养的深度和广度,挖掘演唱者艺术创造的个性,鼓励他们发挥主观能动性,自觉地去感受、思考和表现作品。

长期的训练习惯有利于保护学生演唱的自信心、表现音乐的欲望和音乐表演的整体性与连贯性。要培养声乐表演者良好的表演感觉,还要让他们公开表演,而不只是关在教室里训练。即使是最好的课堂教学也代替不了这样的舞台表演的锻炼。

准备工作做得再充分,再细致,临场都有可能出现偶发性的情况,这就要求演唱者有良好的应变能力即“表演机智”。应变能力来自丰富的临场演唱表演经验的积累,这种经验也是依靠教师在教学中、舞台实践中指导、帮助学习者去进行主动思考与积累的。

4、做好临场演唱前的准备工作。

由于声乐演唱具有:场地的不确定、演唱时段的不确定、歌者自身心理生理条件不确定、听众的不确定因素。所以首先是要求演唱者尽最大可能熟悉表演的环境。歌唱者除了在演唱前必须休息好,积蓄充沛的精力,还要适应演出时间的变化而主动服从演出的时间对自身的影响;演出时演唱者的生理与心理有自己的问题,但也要主动地把自己的生理与心理调节到适合表演的最佳状态,才能完美地进行艺术创作;在演出中特别要求与观众的交流要和谐,因为不管那种唱法都是为观众、听众表演的,听众的地区不同、年龄不同、临场的气氛不同等也要求演唱表演要灵活,在演唱时在技术、曲目、表现力等方面都要有所充分准备。

参考文献:

[1]贝内特雷默著《音乐教育的哲学》民音乐出版社.7。

[2]邹长海著《声乐艺术心理学》人民音乐出版社.8。

[3]王次昭著《艺术概论》高等教育出版社1994.6。

[4]曾遂今著《音乐社会学概论》文化艺术出版社.3。

[5]石惟正著《声乐学基础》人民音乐出版社.7。

[6]曹理著《音乐教育学》首都师大出版社2000.12。

[7]李嘉禄著《钢琴表演艺术》人民音乐出版社1993.9。

声乐演唱论文(优质17篇)篇十一

呼气的方法就是利用横膈膜的力量把腰腹扩张的感觉一直保持住。想象自己手里拿一大瓶香油往另一个小瓶里灌时那种小心翼翼,憋住气息的感觉,呼气要均匀,舒缓。各位可以准备一张10平方大小的薄纸片,放在墙上,距离它4---6cm,吸气后保持一下,然后用口吹气使之不落地,半分钟以上便为合格。也可以代之以一只燃烧的蜡烛,对着火苗发“u”音,正确的气息是火苗倒而不灭,时间越唱越好。

声乐演唱论文(优质17篇)篇十二

发声训练是歌唱发声的一种综合性基本技能训练,学习唱歌必须从最基本的发声训练开始。无论是美声唱法、民族唱法、通俗唱法还是原生态唱法,我们在学习歌唱曲目前都必须进行发声训练,只有掌握了科学的发声方法,才能为演唱曲目打下良好的基础。发声训练是声乐教学中非常重要的教学内容,也是声乐专业学生必须掌握的基本功。本文主要探讨大学声乐教学中发声训练的有效方法,以提高大学声乐专业学生的声乐能力。

大学声乐教学;发声训练;有效方法。

声乐是以人的声带为主,配合口腔、舌头、鼻腔作用于气息,发出悦耳的、连续性、有节奏的声音。发声训练是声乐教学中非常重要的组成部分,进行发声训练的目的是为了更好的为演唱者与演唱作品服务。由于每个人的发声习惯、音色音域、嗓音条件都会有所差异,因此发声训练必须是有针对性的、有意识的训练。声乐学生在进行发声训练时要做到呼吸、发声及共鸣互相协调配合,以练就纯净而富有弹性的声音。但是发声训练并不是说只有长期坚持就能够达到理想的发音状态,而是要讲究发声练习的方法。我们只有掌握了科学的发声训练方法,并反复加强训练,才能用正确的发声位置进行歌唱,从而更好地演绎歌唱曲目。

2.1掌握正确的发声姿势。

掌握正确的发声姿势有助于歌唱者对气息的运用与共鸣腔的协调,因此,正确的发声姿势可在很大程度上提升总体的歌唱效果。在进行发声训练时,首先要学习正确的发声姿势,这是歌唱者声音通畅、纯净的关键,也是声乐教学中的基本内容。据调查发现,部分大学声乐专业学生过于注重声乐技巧而忽视了最基本的发声姿势练习,这不利于声乐学生发声能力与声乐演唱能力的提高,所以,在日常的声乐教学过程中应加强学生对发声姿势的练习。要想掌握正确的发声姿势,则必须学会科学、正确的站立姿态。所谓正确站立姿态,就是我们在演唱时身体自然直立,全身处于自然放松的状态,头部微抬保持在眼睛平视前方时稍高的位置,两肩自然下垂,胸部自然挺起,小腹微微内收。两脚一前一后稍分开,前脚着力,身体的重量平稳落在双脚上。面部表情与眼神要生动传神。在演唱过程中眼睛应稍稍张大一些,不要眯起眼眼睛虚着唱歌。歌唱时确保颈脖与后背、腰部在一条直线上,使得气息畅通无阻。演唱时可根据歌曲的内在情感赋予适当的动作,但动作要简练大方,切忌矫揉造作,避免出现歪嘴、瞪眼等不良表现。因此,教师在开展声乐教学时,必须严格对学生的不良姿态进行纠正,积极引导学生培养正确、科学的发音姿势,养成良好的发音习惯。

2.2加强共鸣腔体训练。

共鸣腔体的运用对提升歌曲演唱效果有着至关重要的作用。教师在对学生进行共鸣腔体训练时应时刻关注学生的训练方法是否正确,一旦发现学生的训练方法错误或有偏差应及时引导与纠正。例如,在进行头腔共鸣训练时教师应注意观察学生的训练状态,避免学生过于追求音量的宏亮或音色的饱满而压低喉咙,造成喉部肌肉的损伤;再比如在进行胸腔共鸣训练的过程中,也会有部分学生不能完全掌握胸腔的张合技巧而出现肢体僵硬的现象。在训练时,教师应及时察觉学生容易出现错误的地方并及时给予正确的引导。此外,为了更好的训练学生腔体共鸣技巧的运用,教师可以让学生尝试通过打哈欠来感受口腔自然张开的状态,并且向学生详细讲解人体口腔自然张开时具有哪些特征,让学生通过反复练习与感悟来协调身体的各个腔体的张合状态,以确保气息能够在口腔、咽腔和鼻腔之间自由流动。“微笑训练法”也是进行共鸣腔体训练的有效方法,进行微笑训练有助于放松脸部肌肉,使得鼻腔自然扩张,下巴与喉头不会处于紧绷的状态,有利于声带的自然震动,从而将声音传送至口腔上颚再产生声音的共鸣。训练共鸣腔体运用的方法还有很多,教师应注重引导学生找到适合自己的方法,并督促学生反复加强训练,以提高自身声乐歌唱能力。

2.3进行咬字、吐字训练。

咬字、吐字训练也是大学声乐教学中的一个重要内容。掌握咬字、吐字技巧,除了是将字音准确清晰地传达给听众之外,更重要的是通过正确的咬字、吐字与歌唱发声有机结合起来,以达到“字正腔圆”与“字正腔纯”的目的,从而生动形象地传达歌曲的情感,使歌声更富有感染力。而咬不准字头,吐不准字腹,归不好字韵,是声乐专业学生中普遍存在的问题。在进行咬字、吐字训练时,声乐教师首先要让学生正确理解咬字和吐字的理论技巧,然后在引导学生学习正确的发音口型,口型的张合应该与字的声母、韵母的发音部位紧密结合。例如,韵母在演唱时要适当延长且要保持口型不变,否则会出现声音不清晰的现象。为了训练学生正确的歌唱口型,教师可以让学生带一面小镜子,边练习边看自己的口型,一旦发现口型错误便可及时纠正。此外,声乐教师还可以指导学生通过时胸廓慢慢向里收,此时膈肌上移,加快气体从胸腔径内通过朗读歌词来找到正确的发音方法,再让学生结合正确的发声的速度,将气体由肺部排出,进而完成呼气过程。此外,教师方法用高位置的半声或轻声演唱字少、母音变化不多的乐曲还要引导学生正确运用声乐呼吸技巧,以确保学生进行演唱或练声曲,以提高学生的咬字、吐字能力。在咬字、吐字训练时能够保持气息与乐曲的节奏一致。中,教师要注意对一些容易混淆的字音及地区方言进行单独3结束语的训练,以及时纠正学生不良的读音,从而获得最佳的演唱效综上所述,发声训练涉及到发声姿势、腔体共鸣、咬字吐果。字及声乐呼吸等方面,这些都对提高大学声乐教学的发声训。

2.4强化呼吸训练练水平有着重要的促进作用。

所以,教师应当在声乐教学中呼吸训练是声乐教学的重要组成部分,也是声乐演唱的加强对发声姿势、腔体共鸣、咬字吐字及声乐呼吸等方面的训基础与动力。呼吸除了是满足人体的生理功能需要之外,还练,引导学生掌握正确的发声方法,提高学生的声乐演唱能要满足声乐演唱的不同需要,根据演唱曲目的要求学生要学力。会调整不同的呼吸节奏,从而确保演唱时的气息能够饱满富有张力,从而使得歌声更具感染力。教师可以采用“胸腹式联合呼吸法”对学生进行呼吸训练。在训练过程中,教师要向学生明确进行呼吸训练的要领,让学生保持上半身处于自然放松的状态,协调呼吸群肌之间的运作,两肋微微舒展,腰部和上腹部自然放松挺立,胸部与肩部自然扩展,腰部往外膨胀,膈肌位置向下移动,将口腔慢慢打开,口腔与鼻腔同时打开吸气,从而顺利完成吸气过程。

声乐演唱论文(优质17篇)篇十三

少儿声乐可以简单的理解为少儿歌唱,但是又远远没有那么简单。今天小编就给大家讲讲儿童声乐演唱技巧,希望大家喜欢。

首先,在教学术语的选用方面,要采用大胆的设想、形象的比喻与描述的手法,把抽象的方法、位置和感觉具象化,并用十分简洁的语言表达出来。

最好具体到某一物象,用一句话或一个词汇来表达,甚至还可以用手势、动作来表达。用很简单的词汇代替繁琐的理论,发挥儿童的优势,避开儿童的弱势,把复杂抽象的声乐教学变得简单而轻松,简洁、形象、准确的教学术语,是打开儿童声乐思维之门的“金钥匙”。

气息训练是指腹式呼吸训练和歌唱时的气息保持训练。从气息训练开始,是指在正式声乐训练前,应对儿童进行必要的歌唱气息的准备训练,使之先体会到气息的位置,形成一定的气息概念与实践经验。这样,在以后的'声乐训练中,儿童可以自觉地用上气息,或在教师的指导下,很快把气息与其他的方法融为一体,在声乐学习中起到事半功倍的效果。

有步骤分层次地展开教学,是指根据儿童思维的特点,教师要把气息、喉头位置、声带感觉和头腔共鸣等方法根据儿童的学习程度和理解能力,按照从易到难、先分后总的顺序,分层次、分阶段地进行训练。

对于每个具体方法的学习,都要先做独立的专门训练,再与其他方法相结合,而不是所有的方法一拥齐上,避免儿童因不能控制多种意念,顾此失彼而找不到感觉,教师只要在当前的训练内容不受影响的前提下加以肯定,就能收到“鱼和熊掌兼得”的效果。

儿童的声带短、薄、韧性差,十分稚嫩,在儿童声乐教学中要时刻注意的就是保护儿童的声带。

保护儿童稚嫩的声带,不仅要以正确的发声方法、巧妙得当的教学方法以及对错误发声的及时纠正来完成,还要求在声乐训练的时间、强度和歌曲的难易程度上加以把握。因为,即使发声方法正确,长时间的训练也会使声带疲劳,粘膜受损;即使发声方法正确,大声或高声的重机能发声也会增大气流对声带的冲击力,增大声带的张力。对于儿童稚嫩的声带,长期这样的训练是难以承受的,会导致声带粘膜充血,声带局部增厚,声带小结等病变。

因此,要根据儿童的具体情况适当地把握训练的音高、音强和训练时间。

一般来讲,儿童的声乐训练应以学习和掌握正确的发声方法为目的,以自己的自然声区为基础,音域不超过一个半八度,中等音强,尽量使用轻机能唱高音,每次的训练时间在半小时左右,并且中途要休息两次,让声带得到休息,恢复弹性。

另外,还要根据儿童的具体情况选择适合的歌曲。要根据儿童的音域和学习情况及演唱能力来选择在演唱中没有障碍又能充分展示其发声技术的歌曲。因为儿童刚刚学到或掌握一些发声方法,概念还没有形成,位置还没有巩固,额外的发声难度会导致儿童感觉的偏移和发声的失败。

对于初学声乐的儿童,一般选择音调适中,旋律优美、上口,没有大跳音,闭口音不多的歌曲。因为这样的歌曲不但不会给儿童增加额外的发声难度,而且还在不伤害儿童声带的同时起到巩固发声方法的作用。

自然的童声是两片短小的薄薄的声带振动发出的纯净的基音,加上口腔共鸣形成的明亮清脆的个性音色,稚气可爱,非常迷人。但这是一种自然的音色,缺少科学发声方法的支持,头腔共鸣比较少,因此歌唱时高音上不去,喊的成分比较多。

学习了科学的发声方法,加入气息和头腔共鸣,音色就会有所改变,变得圆润、浑厚,但会失去一些明亮度和稚气感。但是,解决了高音,并且头腔共鸣能产生一种饱满和通畅的感觉,因此,在儿童的声乐教学中,不能因为怕改变明亮可爱的自然的童声音色而在发生方法上有所保留。

学声乐学的就是科学的发声方法,如果因为自然的童声音色好听,就不学头腔共鸣,对儿童来讲,最终会得不偿失。因为,随着儿童身体的发育,自然的童声最终会失去,而科学的发生方法会使他终身受益,是他永远的财富。

因此,不盲目追求音高或音色,变尖亮为通透,追求童声的艺术美,把科学的发声方法放在第一位,才是儿童声乐教学的正确的指导思想。

声乐演唱论文(优质17篇)篇十四

文化产业化给我们文化教育事业提出了许多必须思考的问题。作为具有中国文化传统和文化特色的民族声乐教育,在中国的文化产业发展中应当居于什么地位?有什么职能?有何种发展机遇?本文从民族声乐教育与文化艺术生产者、当代科技、文化资源、文化市场四个方面,以文化产业的理论视角,初步提出了发展民族声乐教育的新思路。

文化产业作为当代人类社会创造财富的一种新的产业形态,是伴随着全球工业化和现代化的进程而发展起来的,是一个集中代表了现代经济、社会文化发展的全球化新兴产业,因此,引起了社会各方面的普遍关注。近年来,中国文化产业实践与理论的勃兴,为各项文化艺术事业提出了若干新的问题。对这些问题的深入思考与探讨,将有利于我们在文化艺术事业发展中辨清方向,明确目的,增加动力,取得实效。

21世纪的国际竞争实质是文化的竞争,文化竞争力成为了综合国力不可忽视的组成部分。文化产业是文化竞争力的载体和直接体现,发展文化产业竞争力的首要前提就是要全面提高艺术生产力。

艺术生产力的基本要素之一是文化艺术生产者。民族声乐教育是培养文化艺术生产者(歌唱者)的具体手段。中国的民族声乐教育为当代中国培养了众多的歌唱人才,一批优秀的歌唱者创造了一个民族声乐的时代,但这却没有构成相应的艺术生产力和文化竞争力——我们的民族声乐作品有多少打入国际市场?我们的民族声乐艺术家每年有多少人能在世界各地巡演?这些国际性演出又有多少经济回报?即使是在国内,问题也很严重:民族声乐的唱片出版远不如“通俗”畅销;民族声乐的专场演出很少且影响不大;民族声乐作品的创作风格手法单一且题材近似;而整个声乐教育界更为尴尬的是大多数声乐学生毕业后要改行……这些现象的存在给民族声乐教育提出了现实性的课题——我们到底该培养怎样的文化艺术生产者!

当今社会,在全球文化产业的环境下,作为文化生产力基本因素而显现出巨大能量的人已经不再仅仅特指歌唱艺术家群体,而是包括与之相关的策划者、制作者、管理者、经营者、传播者、批评者等等。正是由于众多从事文化艺术生产各个环节的人们的合力,才推动了艺术产业繁荣兴盛。民族声乐教育要成为综合国力发展的强大促进力,就要改变现行的教育理念:其一,民族声乐教育要培养具有声音控制表达能力的歌唱者,更要培养民族声乐艺术的歌唱家,他们作为艺术生产者,应能够完成某些特殊时代或地域文化风格的表达;其二,民族声乐教育在以培养歌唱技能为主的基础上,还要拓展教学内容和方法,使歌唱者懂得艺术价值的实现途径与手段——策划、制作、经营管理、传播等,以主动的姿态投入到文化产业的实践中去,改变目前民族声乐艺术产业的外行化和单纯追求经济利益的操作模式,使民族声乐学习者在文化市场中具有更多的主动权和更为广泛的生存发展空间。

当代科技的发展决定着现代文明具有技术品格,从而也决定着民族声乐艺术的生产传播方式的技术化特征。最先进的技术、设备、手段和方法在文化艺术生产各行业的广泛应用,也给民族声乐教育提出了如何使用科技手段提高教育质量的新课题。

面对激烈竞争的文化艺术市场,唯有能掌握科技手段进行艺术生产、积累和传播的艺术工作者,才能够脱颖而出。民族声乐艺术的传播在科技时代已不再是人际传播方式为主,而多为大众传播(广播、电视、网络,cd、vcd、dvd等)方式。现代数字技术为歌唱者创造了无处不在而又简便易用的各种录音、录像、制作加工、编辑合成等设备,每一位歌唱者首先都应该学会怎样使用录音、扩音设备,让自己的歌声符合常规的拾音效果(尤其是那些特别轻柔或特别强烈的声音的表达)。通过录音手段反复磨练具有自己特质的声音,让声乐的传播更富有准确、流畅、细腻、动人的魅力。另外,民族声乐的表演特征可通过数字录像设备得到深刻而丰富的锤炼。歌唱者面对镜头和面对镜子是完全不同的感觉,通过录像,客观地审视自己,才能准确地把握表演的要领和分寸,创造感人的视听效果。这自然需要对声乐教学设备的投入。一架钢琴作为声乐教学设备的全部家当,已显得原始和落后。培养现代化人才需要先进的思想,更需要现代化的设备。学校应对声乐教学提供高科技的教学设备,为培养新时期现代化科技含量高的声乐人才奠定物质基础。

当今的世界是一个由传播媒体结构而成的信息化世界,加拿大学者麦克卢汉把它称作“地球村”。由于传播技术的发达与普及,人们对于传播媒体普遍具有一种特殊的依赖性:信息、知识、文化娱乐等,都依赖于媒体的传播。民族声乐的发展也毫无选择地依托于传媒。因此,掌握传媒技术方法,提高传播意识和传播能力,是文化产业发展的重要基础,也是一切文化教育事业的紧迫任务。当下的网络媒体已经造成了音乐传播的火爆态势,网络不仅传播速度快,且传播面广,影响力之大已超过广播电视。在此情势下,民族声乐为什么要沉默?为什么不去传播自己而甘当受众?是自以为清高吗?不是!这一方面是传播意识不强,另一方面则是对当代技术比较陌生。声乐教师应熟悉并掌握当代科学技术,引导学生去学习、去实践。但事实却相反,有些教师对当今科学技术的发展状况不去主动了解,沉醉于传统的声乐教学模式,不思进取,有的甚至落后于学生,造成了教与学的被动局面。教师队伍现代科学技术知识的落后,是培养文化艺术生产者的一大障碍。其实,网络艺术传播手段也是文化产业的重要组成部分,各种各类音频视频编辑软件应用十分便捷且效果丰富,流媒体压缩格式的播放效率也越来越高,网络艺术传播已形成了强劲的潮流,冲击着传统的主流媒体。鉴于此,民族声乐教育应当开阔科学教学理念,开拓技术教学内容,加大技术设备建设力度,提高教师队伍素质,从而在人才培养、文化积累、艺术交流、媒体传播、产业提升等各个方面作出新尝试、新探索和新贡献。

当代科学技术的发展带动了文化产业的迅猛发展,但要使文化产业取得强大的竞争力,还必须注重保护、开发和利用文化艺术资源。在发展文化艺术生产力的过程中,文化艺术资源可以超越时间、地域、国家、民族等条件的限制,成为全人类的共同精神财富,以求得开发利用,同时促进世界范围文化消费、文化交流、文化贸易。

中国几千年的文化遗产是当今文化产业的巨大宝藏,如能开发得好,不仅能创造可观的经济价值,同时又能实现良好的社会价值;既能够保持文化生态平衡,同时又能创造出新的文化艺术品类,从而全面加强中国的文化竞争力。在这方面,民族声乐教育有着不可推卸的责任。

首先是保护。保护文化遗产,是开发和利用资源的先决条件。人类的音乐文化遗产是一种特殊的资源,是人类口头的非物质文化遗产。在中国音乐发展史中,宋朝以前的音乐主要是在歌舞形式中发展的,宋朝以后的音乐主要是在戏剧形式中发展的,显然,这些都与歌唱有关。所以说,在当今文化产业的环境中,民族声乐教育有着保护音乐文化资源的责任,这种保护不是封存或遮盖,相反,要动用一切可能的手段将它们展现起来并沿传下去。每一位民族声乐的学习者都应该掌握大量的中国民歌文献和唱法技巧(甚至包括原生态唱法),以使文化物种尽可能持久保留,从而保留住中国音乐文化的发展之源。这或许是民族声乐教育的艰深课题,但却是历史的使命与时代的责任!

有人质疑,现今有多少学生会唱自己家乡的歌?这虽然是一个非常简单的现象,但它却反映了一个深刻的、引起人们反思的社会问题。著名音乐教育家谢嘉幸老师在《寻找家乡的歌——音乐教育的现代化观念之三》一文中提到:“如果一种文化一开始就丧失它的个性,它的性格,它的‘灵魂’,这将是一个巨大的损失。”(《中国音乐教育》2001年第11期)这应当引起所有民族音乐教育工作者注意。“音乐是文化的灵魂,音乐是民族的血脉”,它融进了人们的情感,倾诉着人的喜怒哀乐,反映着民族的心理与性格,是具有民族独特风格的精神财富。今天我们提倡重视和保护民族民间音乐并不是封闭保守,是要为这个色彩斑斓的世界保留一份美丽的风景;如果作为文化灵魂的音乐有一天“进化”得没了个性与民族特色,带给人们无限欢乐的音乐将变得索然无味;我们曾经“只为那今天的村庄,还唱着过去的歌谣”而惆怅,如果不保护“文化生态环境”,中国在多元文化世界里将处于什么位置?谢嘉幸老师倡议,“为了使每一个学生拥有最优化的音乐素质结构”,音乐教育应该“先学乡土音乐,再学民族音乐,再了解外国音乐”。我们的学生既是民族民间音乐的传承者、表演者,又是欣赏者和创造者,重视本民族音乐文化的传承已成为国际音乐教育的发展趋势。国际音乐教育学会(isme)认为“世界音乐的丰富多样性给国际理解、合作与和平带来机遇”,而“我们的音乐教育中缺乏文化观念,我们的民族音乐观念一直很糊涂”的现象依然存在。

其次是开发利用。文化产业的主要竞争力,来源于对文化资源进行合理的开发和利用,使之物化为精神产品,传播于世。所谓“合理”的开发利用,主要是禁止一切破坏性的开发。对于民歌艺术的开发而言,一方面,忠诚于历史,保护其原貌;另一方面,尽可能全面地开发,让非物质文化渐渐长大。关于民歌艺术的利用。我们主要从民歌艺术所蕴含的历史特征、文化韵味和民族精神方面加以利用——现代戏剧、歌剧、舞蹈、电影、电视剧、电视小品、民族史诗等。一切艺术传播样式都能承载大量的音乐文化资源,只要利用得好,增值同时又能实现社会价值。大型现代吕剧《补天》以史诗的气魄、酣畅的叙事结构和精巧的选材,生动再现了建国初期8000名山东籍赴疆垦荒女兵为改造西北荒原奉献青春、汗水和泪水书写的悲壮历史,弘扬了人性的宽容、坚忍、和谐之美。现代吕剧《补天》的创作汇集了三位国家一级编剧、全国著名青年导演、获得梅花奖的一批优秀中青年演员等。艺术表演、舞美、灯光和音乐创作一起创造了入选2006年国家舞台艺术精品工程十大剧目之一,实现了艺术创作上的历史性突破,为传统吕剧增添了时代特色,震撼了到场观众的心灵。但它的经济效益又如何呢?此剧在广大爱好艺术的人群中知之又是多少?这样一部优秀的、大投入的戏剧为什么没有产生巨大的艺术与经济效应?是我们的戏不够优秀,还是我们对文化产业的意识不强?拿大型现代吕剧《补天》2004年11月在上海美琪大戏院的演出和李宇春2006年5月在上海大舞台的演出票价来比较,吕剧《补天》的最高票价是280元一张,而李宇春的最高票价则是980元。“超女”现象应当承认是文化产业成功运作的范例,它给我们带来的启示是多样的。我们民族民间的传统艺术应有文化产业手段的积极保护,当代中华民族声乐教育也应把保护、开发和利用音乐文化资源并使其充分增值作为自己的分内之责,因为只有民族声乐教育具有这种功能——培养民族音乐艺术的生产者。

在文化艺术活动中,只有形成文化市场的消费需求,才会有文化艺术的大规模生产。文化消费的需求促成市场的形成,巨大的消费市场空间对于艺术生产力的发展提出了新要求。文化生产力的发展使人类不再以物质资源为核心,而是以知识、智力等精神性资源为核心资源,它在一定程度上能够突破物质资源的有限性及其制约,充分发挥人的创造力和潜能,使人的主体地位普遍显现和提升,使个体能够自觉地追求个性的自由和自我的实现,这才是人们精神的最终消费需求。

民族声乐教育应面向市场,这或许不是个新话题,但却是个新课题。市场在哪里?怎样去面对?实际上,艺术生产按照美的规律创造出文艺作品,满足了艺术消费者的审美需求,而这种需求的满足又形成并提高了艺术消费者的审美能力和新的审美需求,反过来推动艺术生产向着更高、更美的境界发展。对此,马克思曾经作过一番形象的解释,他说:“钢琴演奏者生产了音乐,满足了我们的音乐感,不也是在某种意义上生产了音乐感吗?……钢琴演奏者刺激生产;部分地是由于他使我们的个性更加精力充沛,更加生气勃勃,或者在通常意义上说,他唤起了新的需要,而为满足这种需要,就要用更大的努力来从事直接的物质生产。”(《马克思恩格斯全集》第46卷上册,第264页)由此可见,文化生产力作用于人的影响远大于物质生产力的作用,它对人的心理、情感甚至对人的生理都会产生影响。

培养具有现代市场意识的民族声乐人才,不仅要使他们在理论上了解市场循环的规律,更要锻炼他们具体的市场操作能力。文化产业是专门为大众消费而生产产品的现代产业部门,它的产品从一开始就是作为供市场销售的可互换物而加以生产的。因而其中包含两层生产关系:一个层面是艺术创造者——艺术家、制作者、管理者、传播者及批评者之间的关系。在这当中,艺术的个性表现或风格寻求与把握占主导地位。另一层面是产业生产——包含文化艺术生产与消费的关系、艺术生产资料所有制关系等等。在这当中,文化的命运与资本的命运紧密相连,一切要按市场规律运转,制造需求、占领市场、获取利润成为文化艺术生产的重要方向。要使民族声乐教育能够培养出具有市场意识的人才,就要不断地让学生观察市场、调查市场、策划市场,摸清创造需求的路径和方法,探索营销手段,计算生产成本,锻炼市场意志,从而以专业的技术、全面的能力和全新的姿态,展现出新时代中华民族声乐艺术创造者应有的风采。

声乐演唱论文(优质17篇)篇十五

声乐是一种通过声音传达情感和表达技巧的艺术形式。在过去的几年里,我一直对声乐演唱感兴趣,并且参加了许多相关的培训和比赛。我在这个过程中积累了许多经验和体会,下面我将通过五段式的方式来分享一下我的心得体会。

第一段:初尝声乐之美(200字)。

在初次接触声乐演唱时,我并不知道它有多么美妙。我以前只是听过别人唱歌,从未亲自尝试。然而,当我第一次站在舞台上用我自己的声音来表达时,我感到一种前所未有的喜悦和满足感。声乐演唱使我能够将内心的情感和情感表达出来,这让我萌生了想要深入了解并不断提高的决心。

第二段:坚持与努力(200字)。

要成为一名出色的声乐演唱者需要付出大量的努力和坚持。我开始每天练习各种歌曲,并在教练的帮助下逐渐理解了声乐的基本原理。慢慢地,我开始注意呼吸、咬字和音准等方面的细节,我发现这些细节对于演唱的质量有着重要的影响。我也开始研究不同类型的声乐演唱,例如民歌、流行歌曲和古典音乐,以使我的表演更加丰富和多样化。

第三段:演唱技巧的提高(200字)。

通过不断地练习和参加演唱比赛,我的演唱技巧得到了不断的提高。我学会了如何正确使用腹部呼吸来支持我的声音,这使我的声音更加强大和持久。我还学会了如何控制音量和音色,以匹配不同类型和风格的歌曲。我还开始学习一些基本的舞台表演技巧,例如如何与观众建立联系和如何利用舞台空间来增强表演效果。这些技巧的应用使我的演唱表现更加生动和有趣。

第四段:自信的进阶(200字)。

多年来,我对自己的声乐演唱能力逐渐充满了信心。在不断学习和提高的过程中,我参加了许多演唱比赛和音乐会,并取得了一些不错的成绩。这些成就不仅增强了我的自信心,也给了我更多的动力去探索更高的艺术境界。逐渐地,我开始尝试一些更具挑战性和技巧性的歌曲,以提高自己的演唱水平。

第五段:心灵的触动(200字)。

在声乐演唱的旅程中,我发现音乐不仅仅是一种艺术形式,更是一种与人们心灵沟通的方式。通过我的声音,我能够传达情感并触动他人的心灵。当我看到观众们在我的演唱中流下眼泪或为我鼓掌时,我感到一种无比的成就感。这种感觉的美妙使我始终坚持着,并对未来的发展充满了希望和激情。

通过这几年的参与和努力,我得出了这样的结论:声乐演唱不仅是一种艺术形式,更是一种从心灵传递到心灵的交流方式。它需要不断的学习和磨炼,但它也给予了我无穷的乐趣和成就感。我相信,只要坚持下去并保持对音乐的热爱,声乐演唱将带给我更多的荣耀和快乐。

声乐演唱论文(优质17篇)篇十六

摘要:在声乐钢琴伴奏当中,演唱者与伴奏者之间的默契配合,能够更好的表达出音乐当中所蕴含的情感。伴奏者和演唱者需要具备扎实的功底,并在音乐当中投入感情,在彼此的相互感染当中,将声乐钢琴伴奏的艺术魅力充分的表达出来。在实际的教学当中,声乐教师应该具备高水平的钢琴演奏能力,能够将作品更加生动传神的表现出来,这是声乐专业学生在学习过程中需要提升的部分,有助于其声乐的学习。

钢琴伴奏在声乐演唱当中起到至关重要的作用,是整个声乐作品的有机组成,是不可或缺的一部分,代表着声乐作品的情感和灵魂。演奏者和歌唱者之间的相互配合,以钢琴作为渲染,烘托出声乐演唱的艺术魅力。在声乐教学中,首先需要让学生了解钢琴伴奏对于声乐演唱的重要意义,并在学习体验的过程中更好的理解声乐作品,能够在演奏和演唱当中投入感情,体会其艺术魅力所在。

一、钢琴演奏对于声乐演唱的重要意义。

钢琴伴奏是乐队伴奏之外的声乐伴奏形式,由于其宽广的音域和丰富的音色,能够为声乐演唱增添更加丰富的色彩,能够达到不逊色于乐队伴奏的艺术效果。声乐钢琴伴奏能够增加音乐作品的艺术表现力,需要演唱者和演奏者充分发挥想象力和创造力,将钢琴伴奏的旋律与歌曲巧妙融合在一起。在声乐教学当中,教师如果能够以钢琴伴奏作为辅助教学内容,帮助学生更好的`理解词曲内涵,对声乐学习有着很大的帮助,其效果要优于声乐技巧训练。在声乐钢琴伴奏的学习当中,不但声乐技巧得到有效提升,能够深入理解作品内涵,能够在声乐演唱当中充分表达自己的情感,学生能够得到更多音乐实践的机会。如果教师能够学生的声乐演唱进行钢琴伴奏,不仅能够提升学生的学习兴趣,同时增进师生间的艺术交流,对于学生无疑是有效的激励,而对于声乐教学同样具有重要的意义[1]。

目前在高校声乐教学当中,声乐专业教师具有很高的声乐教学水平,但是在钢琴演奏能力方面呈现出较大的差异。高水平的钢琴演奏者具有深厚的音乐功底,对于声乐的研究也会更加深入,能够准确的对音乐作品进行分析,这对于学生声乐学习的帮助是巨大的。高水平的钢琴演奏者具有很强的即兴伴奏的能力,能够在声乐教学当中随时进行指导,帮助学生更加深入的理解作品,在很大程度上丰富了声乐教学的内容。而对于钢琴演奏水平一般或者稍差的声乐教师来说,声乐教学,虽然能够利用声乐钢琴伴奏的方式进行指导,并具有一定实用性,但是规范性稍差,艺术表现力也有所欠缺,对于一些伴奏难度大的声乐作品,仍然只能进行声乐技巧方面的教学。声乐钢琴伴奏对于声乐教学有着积极的影响,能够促进声乐技巧和钢琴演奏水平的共同提升[2]。

1、具有良好的专业素养的声乐钢琴伴奏者。

声乐钢琴伴奏艺术魅力的呈现,是需要建立在声乐演唱者和钢琴演奏者的专业素养的基础之上,以高超的演奏技巧,表达出更加丰富的情感,能够在触键、音色、速度、节奏和旋律当中,巧妙的进行表达。钢琴伴奏者对于音乐的感受更加敏感,利用其高度灵敏的视觉能力和听觉能力,根据不同的声乐作品,能够灵活的进行应变,能够更好地配合演唱者,增加声乐作品的艺术魅力,保证声乐钢琴伴奏顺利的进行。钢琴伴奏者需要过硬的心理素质和即兴表现能力,以丰富的文学造诣与外语水平作为基础,进一步提升自身的钢琴演奏水准,进而能够更好地呈现声乐钢琴伴奏的艺术魅力[3]。

2、深入了解声乐作品。

无论是声乐作品演唱还是钢琴伴奏,真挚的情感表达才能突出体现作品的内涵。了解作品的创作背景及作词人和作曲家的生平,了解音乐作品的与特点,能够准确的揣摩作品的内涵,能够在声乐钢琴伴奏淋漓尽致的进行表达,塑造更加完美的艺术形象,丰富其思想感情,在珠联璧合的声乐钢琴伴奏当中,充分彰显声乐作品的艺术魅力。

3、尊重原创。

在声乐作品表演中,更加与作品相互贴合的情感就是原创作者。因此,在钢琴伴奏,应该尊重原创者,根据曲谱进行分析和解读,基于声乐作品的内容和结构,站在原创者的角度,将情感注入到作品当中,正确包围音高、音势和节奏,以准确的速度、力度和表情进行表达。伴奏手法需要与作品所要表达的情感和蕴含的情绪相吻合,突出声乐作品风格,成功的将声乐钢琴伴奏的艺术魅力呈现出来[4]。

四、结论。

钢琴伴奏是一种独具魅力音乐表现形式,与声乐演唱成为有机的艺术整体,钢琴演奏赋予了声乐演唱精神与灵魂,更加形象生动的进行情感表达。在钢琴演奏者和声乐演唱者之间的默契配合下,以钢琴渲染演唱,充分彰显声乐钢琴演奏的艺术魅力。声乐钢琴伴奏者具有良好的专业素养,深入了解声乐作品,尊重原创,对于声乐教学的有效开展具有重要的意义。

参考文献:。

[2]翟鑫.钢琴伴奏艺术在声乐表现艺术中的魅力[j].南昌教育学院学报,,03:55+75.

声乐演唱论文(优质17篇)篇十七

摘要:民族声乐是中华民族的瑰宝,不仅可以让人感受到民族音乐的无穷魅力,更可以让人感受到来自声乐与内心的情感的共鸣。在民族声乐的表演过程中,声音的作用是最为关键的,声音的表现力决定了民族声乐的情感传达和信息传递的质量。

要想对民族声乐中的声音表现力进行细致的分析和探究,首先就要对民族声乐的概况进行一定的了解。

(一)民族声乐的概念。

关于中华民族声乐的概念在不同学者的著作中存在不同的观点,目前在业界认可最广的概念是:中国的民族声乐是以目前我国音乐院校中民族声乐专为代表的,与民歌、说唱、戏曲的演唱不一样的是在担任并发扬了这些传统演唱艺术精华与特点的根本上,鉴戒了西欧的美声唱法歌唱理论和特点而形成的独树一帜的,并且有科学性、民族性、艺术性和时代精神特性的新民族歌唱艺术。

(二)民族声乐的特点。

我国民族声乐具备了声和情这两大特色。从“声”的方面看,演唱者需要通过一定的科学发声方法,让自己的声音与歌曲的情感相融合。从“情”的方面看,民族声乐作品最主要的目的就是要通过声乐作品来表达情感,因此在进行民族声乐演唱的过程之中,这些演唱者们不仅仅需要对歌曲的曲调和曲式进行很好的把握,还需要结合歌曲的背景来表达歌曲的情感。

(三)民族声乐的发展历程。

早在我国文明发源之初,劳动人民通过唱歌的方法来增添劳动过程中的乐趣。随着时间流逝,早期歌曲不断发展,最终形成了我国的民族声乐。二十世纪,出现了以萧友梅、赵元任等为代表的一批音乐家,他们将我国传统民族声乐题材与国外一些先进音乐理论进行融合,创造出新的民族声乐作品,并将我国民族声乐作品推向国际化。解放后,音乐创作者们作出一批积极向上的优秀歌曲,如朱践耳的《唱支山歌给党听》等。随着民族声乐发展,还出现了一批深受人民群众喜爱的民族歌唱家,如王昆、郭兰英等。中华民族声乐经过不停的发展,二十世纪中后期更加繁荣,在民族声乐创作上做出突出贡献的作曲家有谷建芬、徐沛东等。

(一)对于歌曲情感表达的作用。

民族声乐作品最重要的目的是以情动人,在我国的民族声乐作品中,随处可见与“情”相关的作品,如爱情、亲情、友情、师生情,这些情感才是民族声乐作品中最为精华的部分,而对于这些情感的表达就是通过声音来完成的。

(二)对于歌曲语言表达的作用。

声乐作品的表现力不仅是通过其作曲体现出来的,声乐作品中的歌词对于其表现力的增强作用同样也非常明显。不一样的声音对于语言的展现能力是不一样的,给人带来的情感体验也不尽相同。

(一)地方民歌。

我国的远古人民在劳动的过程中进行歌唱,让劳动的效率得到提升并减少了劳作时的苦闷和劳累。而这些劳动歌曲随之时间流逝形成了如今的民族声乐作品。不同地方的民歌演唱差异很大,这与当地的地缘因素和历史文化因素有很大关系,有的粗犷豪放,有的温柔细腻。例如我国陕西地区的民歌《信天游》豪放、嘹亮、高亢。而我国著名的民族声乐作品《刘三姐》则需用细腻甜美的声音去进行演绎。

(二)民族歌剧。

我国的民族歌剧是我国的民族声乐中十分重要的构成部分,民族歌剧在中国已经经过了近百年的成长历程,由于民族的歌剧一般具备很强的戏剧性,因此必须通过声音的不同表现将故事情节的转变以及人物情感的转变进行有力的表达。

(三)新时期的民族声乐作品。

在新时期,我国的民族声乐获得了更多的弥补和成长,作曲家们创作出了一些具备时代特征的民族声乐作品,其艺术表现力是前所未有的,而这样的艺术表现力同样需要声音去进行演绎,由于大部分作品额内容都是与国家的繁荣和民族的昌盛有关,因此需要嘹亮高亢的声音进行表达。

(一)具备良好的音质。

在民族声乐作品中声音表现力的根本是良好的音质。不同的声乐作品要求用不同的音质去表达。每一个人的音质都存在着差异,虽然演唱者可以通过后天的训练控制自己的音质,但是这与先天音质仍然存在一定的差异。我国的民族声乐作品的演唱过程中,演唱者的音质一般需做到圆润、有穿透力,这样才能以最佳的声音状态表现歌曲。

(二)具备充沛的感情。

民族声乐作品经常会通过不同民族特色乐器伴奏,让这些作品更具表现力及民族风,其实声音才是民族声乐作品中最为重要的乐器。要想在民族声乐作品的演唱中保持充沛的感情,首先演唱者要具备一颗感悟的心,体会民族声乐作品中所要表达的情绪和感情。其次,了解民族声乐作品的创作背景,否则会与作品的本意要大相径庭。

民族声乐作品的演绎是离不开声乐的表现力,在对民族声乐作品的概念、发展历史以及特点进行分析之后就可以发现,在民族声乐作品中达到感情与声音的融合是其具备表现力的关键。在我国不同民族声乐形式中,声音的表现力都是极其重要的。声音的表现力不仅需要良好的音质,更需要在声音中加入思想与情感的融合,才能使得我国民族声乐作品中的声音表现的完整。

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