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钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇一
在音乐实践中，钢琴演奏不但是一个非常重要的环节，还作为美的艺术而宣扬美学的思想。从音乐美学这个角度出发，钢琴演奏作为一种十分重要的方式对音乐作品中美的品质进行表达。钢琴演奏的过程也是基于作品本身的二次创作过程，钢琴演奏者应该在每次表演过程中对音乐作品进行二次创造，从而将钢琴演奏艺术美学创新性地演绎出来。音乐美学的应用，有利于演奏者和听众对音乐作品本身的美学特点以及艺术品质进行更好的理解。在钢琴演奏的过程中，会体现出丰富多彩的音乐美学思想，传达给听众以听觉上的美感。钢琴演奏对音乐作品的二次创作，能够将艺术家的思想和音乐作品有机地结合起来，并通过演奏者的个性风格表现出来，让听众心情愉悦，以情感人。本文运用美学的思想，指出音乐美学对钢琴演奏的指导作用，并对如何加强美学知识的运用进行探讨。
（一）有利于协调钢琴演奏的创造性和忠实性的统一。
通过二次创作，钢琴演奏给音乐作品赋予了新的艺术价值和艺术生命，从根本上说，钢琴演奏应该同时具有创造性和忠实性。因此，钢琴艺术家在进行艺术创作和表演的时候，既要根据音乐作曲家原有的创作精神将其整个音乐作品进行完整的再现，也需要通过钢琴艺术家自身对音乐的认识和感知，对音乐作品进行创造性的再现，这就需要表演者能够正确地把握对音乐作品忠实性和创造性的协调统一。钢琴演奏的忠实性主要体现在钢琴演奏要忠实于原谱，艺术思想也要忠实于原谱。钢琴演奏的创造性则是指钢琴家在二次创作的过程中，通过自身对作品的体验和认识，将自己的一些情感加入到原先的音乐作品当中，赋予音乐作品新的生命。这种创造既要忠于原谱，但又将新的音乐艺术个性充分体现出来。钢琴音乐作品一般都会在一定的历史条件、民族文化或者社会背景下才能诞生，它的原创作者所处的生活环境和现在不一样，使得作曲家原创与第二次创作之间存在一定的差异性，也就使得钢琴演奏具有一定的创造性。在钢琴家对音乐作品进行二度创作时，一定会使作品体现出其主观推论思维。因此，该钢琴家在演奏的过程中，就会无法避免地将自己的情感以及审美意识，甚至审美趣味都掺入到音乐演奏中。但是，每位钢琴家都有一个音乐追求，就是希望在钢琴演奏的过程中，将自己的艺术创造个性充分展现出来。同时，这也意味着钢琴家的演奏艺术逐渐走向成熟。这就表明钢琴家已经深入地认识了音乐作品，也说明了演奏者对音乐作品有了独到见解。这种富有个性的艺术表演并不是对原创的背离，而是对原创的一种深入和升华。钢琴演奏不能与忠实性相脱离，也不可以没有创造性，钢琴演奏理应是由忠实性原则和创造性原则相结合而形成的。如果在钢琴家进行二度创作时，其基础是忠实性原则，那么钢琴家进行二度创作的升华就是创造性原则。音乐美学原则的应用可以极大地提高钢琴演奏的创造性和忠实性的统一与协调。
（二）历史性和时代性相统一。
在钢琴演奏过程中，将历史性和时代性统一起来，也是音乐美学的一种应用。实现历史性和时代性相统一，即为音乐作品特定的历史风格和钢琴演奏者所处时代精神相统一。在一定的历史条件下，音乐作品一旦被创作出来，就一定会将当时创作者所处历史时代的音乐风格保留下来。一个真正的钢琴演奏者应该站在历史的.角度去将音乐作品的风格把握好，而且还应该努力将该音乐作品的风格真实而完美地还原，向观众展示。演奏者应该尽自己最大的可能，结合自己的生活时代特征，赋予音乐作品新的时代含义，将自己化身为音乐作品的再创造者，与之同命运、共呼吸。这样就可以将音乐作品真实地还原，又能对音乐作品进行再造，使之具有明确的社会意义。如果钢琴演奏者并没有关注音乐作品产生的历史年代，也没有对其特定的历史风格给予足够的重视，就不能将该音乐作品的真实内容体现出来，也不能够将音乐作品与时代特征结合起来。因此，钢琴演奏者必须对音乐作品进行历史背景的相关分析，将音乐作品的来龙去脉都理清，从而能够将音乐作品的历史风格进一步还原。但是钢琴演奏具有一定的复杂性，哪怕是对历史作品进行演奏，钢琴演奏者也无法与自己所处时代完全脱离。因此，钢琴演奏者会不自觉地将自己的演奏与时代特征相联系，给音乐作品加上时代的影子，用当代的眼光去审视历史，必然需要音乐美学的知识来帮助演奏者审视作品的历史风格与时代精神之间存在的联系。
在钢琴演奏过程中，人们对其历史性和时代性的结合所持的观点不一样。有的人认为，在钢琴演奏中，其风格的纯正性以及历史性更加重要。但是有的人却认为应该强调演奏风格的独创性与现代性。而在音乐表演中，按照其美学原则与理想，应该坚持钢琴演奏历史性和时代性相统一。如果钢琴演奏者对音乐作品历史风格并不重视，只是片面地强调时代精神，或者是拘泥于作品的历史风格，终不能体现出音乐作品的真实价值。我们应该将钢琴演奏与音乐美学原则相结合，为历史性和时代性寻找一个平衡点，从而使得历史性与时代性之间统一和协调。
（三）艺术性与技术性相统一。
钢琴家要能够被广大听众所接受，就应该拥有比较高超的钢琴演奏技巧。一个钢琴家不可能在钢琴演奏技术并不高超的情况下还能将高水平的音乐作品演奏出来。只是演奏技巧并不是高水平音乐作品的唯一条件。任何一个钢琴家想要得到观众的喜爱，就必须将钢琴演奏技术跟完美的艺术表现相结合。钢琴演奏的技术性是指钢琴家将乐谱符号与现实音响之间进行转化的中间环节，也是钢琴家进行音乐作品的演奏不能缺少的技巧。因为钢琴具有比较特殊的构造，其钢琴演奏艺术都是经过大脑认知系统中的心理操作能力与手指运动系统的生理操作能力一起作用来完成的，这两者可以实现音乐符号与音乐表达之间的物化过程。而钢琴演奏的艺术性即为一个钢琴演奏者在完成技术的过程中表现出来的一种音乐表现力，一般都会体现在对音乐作品的旋律和节奏、和声与踏板等等因素的控制方面。其中，音乐的旋律是对音乐美的塑造的关键，而和声则是对音乐美的色彩的一种塑造，节奏和踏板分别可以塑造音乐美的形式、音乐美的灵魂。钢琴家只有将上述因素完全掌握，才能正确掌握音乐作品的内涵，呈现出多层次、多色彩以及多力度的音乐效果，从而将钢琴家对所演奏的音乐作品中的艺术内涵完美诠释出来。实现艺术性和技术性的协调与统一是音乐美学在钢琴演奏中的体现，艺术性和技术性之间的完美结合可以赋予钢琴演奏一种完美的体验，从而使得钢琴演奏达到一种尽善尽美的音乐艺术境界。优秀的钢琴演奏者，在拥有高超演奏技术的同时，还应该理解与体验音乐作品中的艺术性，将艺术性和技术性有机结合，演奏出动听的音乐作品。艺术性和技术性统一可以为忠实性和创作性、历史性和时代性相结合而进行钢琴演奏提供条件。所以，钢琴演奏的终极目标就是要追求音乐美的艺术，而音乐美的技术则可以在钢琴演奏的过程中体现出来。
（四）感性与理性的统一。
在钢琴演奏中，往往会具有作者的感性因素，听者可以从音乐作者的情感反映以及审美意境中将音乐作品的内涵感受出来。而对于钢琴演奏者自己来说，在演奏时也有自己的情感因素，这种感性能动性对钢琴演奏者的创造性发挥着十分重要的作用。而不同的钢琴演奏者对音乐作品有着不一样的感性反映，有他们各自的审美观。在一些钢琴音乐作品中，还会有理性因素。而理性因素一般都会由钢琴演奏者的演奏基本功和表演技巧所体现出来，且理性因素对演奏效果会产生直接影响。因此，钢琴演奏者必须对其进行理性到位的把握。这一点是由钢琴本身的特殊构造来决定的。每一个钢琴演奏者都会在即将演奏时，在内心中听到那些音符，这有利于他们对自己的演奏动作进行调整。
二、演奏者提升美学素养的途径。
（一）扎实的音乐理论知识有利于钢琴演奏者对音乐作品进行深层次研究。
对于优秀的钢琴演奏者来说，能够对音乐作品进行深层的理解是最重要的。因此，钢琴家要提升音乐作品的演奏水平，首先应该深入学习相关理论知识，加深音乐美学素养，使得自己能正确地理解与分析音乐作品。对钢琴作品进行分析，主要内容就是把握钢琴乐曲中的节奏、节拍、力度、织体与和声等。而在这些音乐作品要素中，最重要的就是对曲式结构进行掌握。因此，我们必须掌握曲式学还有声学这两门基础学科，有利于钢琴演奏者理清音乐作品的结构。而对音乐理论知识的加强有利于钢琴演奏者对音乐作品进行更好的理解，也有利于我们更进一步熟悉乐谱。
（二）丰富审美经验，提升感性认识。
审美经验是一名钢琴演奏者理性认识的来源，一名优秀的钢琴演奏者，要时刻注意音乐形象的建立。如果钢琴演奏者的脑海中没有鲜活的音乐形象，在演奏技法和塑造音乐形象方面就缺乏指导。因此，一个钢琴演奏者必须从内心对音乐作品有一定的认知，进而将这种认知转化为音乐演奏形式。
（三）加强演奏者的文化艺术修养，提高音乐鉴赏能力。
音乐是一种感性的表达，其中蕴含着丰厚的文化和艺术内涵。自从钢琴被发明以来，距今已有300年的历史，钢琴演奏艺术吸收了各个国家的艺术风格，形成了内涵丰富的世界钢琴文化。因此，钢琴演奏者要加强自身文化修养，熟悉钢琴作品的历史背景以及发展过程，才能全面诠释音乐作品的真正内涵。对于钢琴演奏这种音乐表达方式，要求演奏者必须具备很好的音乐感受能力。每一个钢琴家都是从很小就开始练习钢琴演奏，不仅学习钢琴技巧，也要理解钢琴文化。
三、结语。
作为音乐实践的一个重要环节，钢琴演奏是一种美的艺术，在钢琴演奏中往往包含着美学的思想。从音乐美学的角度上来看，钢琴演奏是表达音乐作品中美的品质的一个重要的方式。音乐美学促进了钢琴演奏中创造性与忠实性的统一、历史性和时代性的统一、感性与理性的统一以及个性与共性的统一。钢琴演奏者必须加强自身文化修养和理论知识学习，增加审美经验，才能更好地将美学思想应用到钢琴演奏当中，促进钢琴演奏美感的提升。
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇二
钢琴演奏是一项高级的、复杂的综合性活动,具体的说就是高级思想与情感表现以及复杂的心理和生理活动等因素的综合运用,在这一过程中演奏者的心理调节能力很重要,也就是一定要有良好的心理素质。本文就学前教育专业钢琴演奏教学中学生心理素质的培养进行了研究。
人的一切有意识的活动都是通过大脑神经系统的运动来实现的,是通过“心理”来控制的,钢琴演奏也不例外,所以培养学生的良好心理素质是钢琴演奏艺术中非常重要、关键的环节。本文从高校学前教育专业钢琴演奏教学实践出发,对学生心理素质的培养进行了以下研究。
一、培养学生兴趣,克服学习中的畏惧心理。
学生的学习兴趣、学习愿望是学好钢琴弹奏的先决条件,培养他们对钢琴弹奏的浓厚兴趣,对学习具有很好的推动作用。学生对钢琴弹奏能否感兴趣,也不是自然形成的,我们必须通过各种学习途径加之鼓励和培养。钢琴弹奏中的纯技术、纯技巧练习是必要的,但我们要反对那种枯燥的、机械的、刻板的纯技术训练,应把学生的注意力引向对乐曲的形象、音乐美感的表现这方面来,使这些练习充满乐趣和吸引力。教学过程中,教材要有趣多变,教学要活泼灵活,集听、看、想于一体。
二、创造良好学习环境,激发学生的学习热情。
学习环境对学生的影响很大。创设不同的学习环境,如给学生多提供一些上舞台锻炼的机会等等,既是学生获得良好学习环境,激发学习热情所必需,又是学生深化对钢琴演奏的理解,提高学习效果的重要方式和途径。另外,小提琴家梅纽因曾说过:“如果长期对学生缺乏理解、同情和关心,会使学生反倒压抑和痛苦,从而缺乏教学效果。”好的教师不是在于能够在学生的演奏中挑剔出千百处毛病,而是在于能准确地把握学生已经掌握和还未掌握交界点,使学生在每次课后都满怀信心地找到自己继续前进的起跑点。我们在学习进程中始终在一种良好的心境下发展,使其无论在知识的获得和技巧的掌握上都取得圆满成功。
三、增强学生的记忆能力,帮助获得成功信心。
记不住曲子,不少学生产生畏难情绪,甚至动摇学习信心的重要因素。因此,教学中要注意在帮助学生增强记忆能力上下功夫,让学生在弹奏完整的曲子中获得成功感,进而消除学习中的畏难心理。一首曲子往往需要经过无数次的反复练习才能成功。学生在平时的练习中,常常感到诸多的不满意。有时是手指弹奏不灵活:有时力度掌握不好;有时是速度掌握不准,不能弹奏出好的效果生动的乐曲内容。这时千万不要气馁,要认真思索、分析。当解决了技术上的难题,领会了乐曲所表现的音乐形象,达到了满意的效果时,千万不能放松,同样要认真思索、分析,抓住那美妙的瞬间,把这种好的感觉记住,加以巩固、再记忆、再巩固、直至熟练。并且使这种好的感觉能在以后的练习中,尤其是在回课、演出中再现。
四、掌握练琴要领,进一步增强学习信心。
掌握要领,熟能生巧,这是学习钢琴弹奏过程中必须解决好的一个问题两个方面。学生学习钢琴弹奏的最大障碍,一是不得要领,入门难,提高更难,二是练习不够,不能持之以恒。由此造成多数学生不能很好地学习和掌握钢琴弹奏这门艺术。对此,教学中既要注意教给学生学习弹奏钢琴的技术要领,特别是一些学生易于掌握的要点和方法,又要鼓励和督促学生多练习,并做到持之以恒。钢琴是多声部乐器,练习过程比较复杂和困难。只有在我们真正学会练琴,并能将钢琴中的各种奏法用起来得心应手,才能对演奏充满信心。这些能力的`训练过程,也是学生音乐心理与动作心理协调水平提高的过程。首先要养成良好的“习惯”,掌握科学的练琴方法;其次克服马虎心理、分手练习;第三克服急躁心理、快慢结合练习;第四克服畏难心理、攻破重点难点,保持音乐的完整性。
五、钢琴教学注重营造艺术氛围,调节学生心理情绪。
在钢琴教学过程中,要在教授技能技巧的同时,注重营造课堂的艺术氛围。教师在课堂上创造出的艺术氛围可以提高学生的艺术情绪和自身反应的灵敏度,让学生充分感受到音乐所带来的情感世界中的愉悦效果,从而达到心灵的净化,并且通过学生对作品的独特理解表现出来。这种环境不仅刺激了学生音乐素质的提高,进而提高本身的文化素质水平,而且对于学生各方面素质的发展都起着很大的促进作用。所以教学过程中教师可以采用诱导的方法要求学生对作品做进一步的了解与分析以调动学生音乐情绪。当进行一个新曲目练习时,教师不光要提醒学生技术难点,而且要给学生讲解一些关于曲目的相关内容,如作曲者简介作曲时的背景,作曲者想要通过这首曲目表达的主题思想等等,让学生感受作曲者当时的情绪情感,有助于学生更好地了解作品思想,以便演奏时充分地表达出来。
六、多种形式维护学生学琴的热情和信心。
钢琴学习进入真正地练习阶段,相当多的时间是花费在钢琴技能技巧的练习上,而大量重复的练习很容易让学生感到枯燥,失去自信心和耐心,这个时候一定要注意维护学生学琴的热情。当学生意志消沉的时候,教师可以适当放松一下进度让学生参加一些有关的活动,例如欣赏一会儿音乐会表演使学生放下紧张的情绪投入到美的享受之中;也可以举行一个小型的室内音乐演奏会,让学生欣赏一下自己的学习成果,激励学生继续学习的热情和勇气。如果教师能掌握住学生心理,积极引导,那么学生学琴成绩就会上升;如果教的不得法,学生就会失去兴趣,丧失学琴热情。然而很多教师往往在教课时不太关注学生的特点和个性情绪,总是采用一成不变地教学方法,在某种程度上阻碍了学生的发展和学琴的热情。因此教师在教课过程中,注意不断改进教学方法使课堂变得趣味无穷,真正做到寓教于乐。在积极情绪的推动下,不仅有助于学生对知识的吸收对基本技能技巧的掌握,而且有助于提高学生学琴的热情,开拓学习思路,激发学生的想象力和创造力发展。
以上仅是本人教学实践中的几点总结,为了更好的培养学前教育专业学生钢琴教学中的心理素质,有待于我们音乐教育工作者在今后的教学中,群策群力、共同探讨,实现更有效的教学方法和途径。
参考文献:。
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[3]任筱敏.论音乐心智技能在钢琴学习中的作用[j].交响,,(1).
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇三
内容摘要：钢琴作为高校音乐专业的一门技能主干课程，在专业人才的培养中起着重要的基础作用。研究其课堂教学的方法、原则与环节，对提高教学水平与质量至关重要。文章从教学过程的作品讲解、曲目示范、练习指导等几个重要环节入手,通过理论阐述与教学实践的分析来论述在钢琴课堂教学中的一些特点与教学方法，力求在教学中将教师的“教”和学生的“学”有机地结合起来，使课堂教学发挥其最大的作用。
关键词：钢琴课堂教学环节。
钢琴课是音乐专业中的一门重要课程。在钢琴课上，教师不但要教会学生怎样弹好钢琴，更重要的是教会学生真实、生动地表现音乐作品的内容，将技术和音乐融为一体，才是真正的艺术。同时，作为一名优秀的钢琴教师，应该在教学的同时，不断提高自己，努力掌握钢琴教学的基本规律和科学的教学方法，因材施教，充分挖掘每个学生的潜能，使学生的学和老师的教达到一种理想完美的境界，收到最佳的教学效果。笔者从以下几个方面谈一谈钢琴课堂教学。
第一，生动形象的讲解。
要上好一堂钢琴课，生动形象的讲解是非常必要的。在学习一首乐曲之前，首先要为学生对乐曲所产生的时代背景、作曲家的有关情况、作品风格与结构进行讲解，比如贝多芬是什么年代的，为什么他大部分创作都有英雄史诗般的'战斗精神；为什么肖邦的夜曲旋律如歌，富于诗意，恬静典雅；斯卡拉蒂的创作充满幽默，有时忧郁，热情又不乏戏剧性。因为时代的不同，作者不同，即使在乐谱上记载下的符号是相同的，而它体现的意义、表达方法也是不同的。学生只有确切掌握了乐曲和作曲家的全面情况，才能更好地再现作品作者的意图，确切地塑造出作品的音乐形象。其次，教师要用准确、精练、生动的语言来给学生讲授乐曲演奏中的作品处理以及乐曲的各种弹奏方法和怎样克服技巧上的各种疑难问题等。比如，在讲授连奏和断奏时，可以运用一些简洁明了的比喻，常能使一些繁琐的理论易于理解，连奏如同人走路，手指尖要有重心转移的感觉，手指断奏如同“小鸡啄米”快而轻巧，弹休止符时要强调一种空间的紧张感和“此时无声胜有声”的妙趣，在讲授乐曲不同的收尾时，强收是斩钉截铁般的刚毅，弱收要慢慢消失。这样既能帮助学生丰富想象，开阔思路，激发兴趣，又能促进学生学习积极性和主观能动性的发挥。
第二，准确、启发性的示范。
著名钢琴教育家朱工一说过，示范关键在于准确，即使教师不能示范，只要他有敏锐、准确的判断力，照样可以指导得很好。反之，教师不能正确地理解音乐，恐怕示范得越多越糟糕。所以，在钢琴课堂教学中，启发性的、准确的示范尤为重要，笔者认为示范包括两个方面：一是模仿学生某些不正确，不合适的演奏；二是示范比较合适的好的演奏，从而让学生清楚看到、听到自己不合适的演奏及错误的弹奏法，掌握正确弹法，这样学生更易理解，对所存在的问题更易改正，有助于学生能力的提高。贺绿汀的《牧童短笛》是我国创作的第一首钢琴作品，具有卡农型、浓郁的乡土风味，教师在示范第一段和第三段合适的弹奏方法时，左、右手音色要富于变化，形成对比，犹如一近一远两人对唱，虚实相生，在示范不合适的弹奏方法时两手音色毫无变化，强弱不分，其弹奏出来的音响混浊，旋律线条模糊，浑然没有两个顽皮牧童欢快对唱、自得其乐的悠然情景。如此对比，使学生获得了感性认识，并引导学生将正确的概念与实际音响感觉、动作结合起来理解、认识，这样便于学生对乐曲有一个清楚的认识。当然，示范固然重要而有效，但更重要的是让学生明白弹奏钢琴的基本概念，还应培养学生独立学习的能力和挖掘创新的精神。
第三，指导学生进行有效的练习。
学生要学会有效率地练琴，这是钢琴学习过程中的重要环节。钢琴学习进步的快慢主要取决于练琴效率，练琴效率取决于练琴的安排及其指导思想和方式、方法。有时弹奏时出现的纰漏无不反映了练琴中存在的问题，所以不会练琴也就不可能弹奏得好。练习安排可以分为课堂练习和课后练习两方面，在课堂上直接指导学生练习弹奏，对学生技能的训练具有很大的帮助，教师强调学生练习时要有明确目的，要避免机械的重复和错误的动作，要随时观察学生的反应和错误的动作，及时调整练习的内容和方法，要将正面引导和必要的纠正相结合，引导学生进行自我评价，启发学生学习的积极性和创造性。课后练琴，应该注意以下几个方面：1.练琴精力要高度集中，要用心、用头脑来指挥练琴，纯机械式的生理练习，是解决不了钢琴演奏的技术问题的，学生要对自己弹的每个音、每一个音乐细节，在练习时都应当通过头脑去思考，全神贯注，认真琢磨。2.要根据自己的精力合理地安排练习时间，练琴是大量消耗脑力和体力的运动，没有健全的体格和充沛的精力，也难以支持长期的练习。一般来说，练习一个小时以上就应当休息一下，散散步或适当做一些体育运动。3.在钢琴课堂教学中，我们不能忽视慢练的问题，这很关键。练习时，只有慢练才有足够的时间来动脑筋、仔细倾听自己的演奏，一切技术困难只有通过慢练才可能解决。保证质量，也只有通过慢练逐步做到，慢练非但不是浪费时间，而是节省了时间，因为通过慢练，能更加牢固地掌握困难技术，收到更好的效果。当然，不是每句、每个地方都需要慢练，要有针对性地慢练。
此外，还可以在课堂上经常集中学生相互观摩学习或鼓励他们上台表演，让他们互相欣赏，相互评价，相互学习，取长补短，这样创造出一种表演和竞争的学习气氛。学生弹奏完后，指出不足，更重要的是给予充分的肯定和表扬，这样会大大激发学生学习的欲望，让学生体会一种成功的喜悦与满足。这种成功的快乐会化为一种巨大的力量，激励学生更加努力学习，刻苦认真地练琴。
钢琴教学涉及的问题很多，要抓的环节也很多，教师如果将科学的教学方法和培养学生的内部学习能力和兴趣紧密结合起来，就可以获得良好的教学效果。教育家赞可夫说得好：“教学法一旦触及学生精神需要，这种教学方法就能发挥高质而有效的作用。”
参考文献：
[1]司徒璧春，陈朗秋编著.钢琴教学法[m].重庆：西南师范大学出版社，.（11）.
[2]张楚廷著.教学论纲[m].北京：高等教育出版社，1999.（7）.
[3]童道锦，孙明珠编著.钢琴艺术研究[m].北京：人民音乐出版社，.（6）.
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钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇四
凯瑟琳・古德森1872年生于英国，1958年去世。她幼年即开始学习音乐，并于12岁前在全国各地演出。她的才能引起公众的注意，被送到伦敦皇家音乐学院学习。她师从当时最著名的钢琴教师奥斯卡・贝林格(oscarbennger)，六年后，她在维也纳跟莱谢蒂茨基学习四年。
回英国后，古德森在音乐公众中产生的深刻印象，使她成功地建立起一位出色演奏家的声誉。她在英国、德国、奥地利和美国巡回演出，取得极大成功。《格罗夫大词典》中写到她的演奏：“她有着充分的活力和生气，这在年轻的钢琴家中是十分难得的。她对声音的渐变有极好的控制，具备令人钦佩的完美技巧、独特的音乐情趣和值得重视的个人风格。”
分析音乐名作。
我们并不需要更多的哲学即可领悟到，一切科学和艺术的进程都建立于分析和综合的过程之中。我们把东西拆开，以寻找它们用什么做成并如何做成，我们再把它们放到一起，以显示我们所掌握的知识。音乐性的衡量标准是实践的能力。分析的过程虽然重要，但有时可能做得过分极端，以致忽略了构建引向真正成功的过程。
学生应该能够判断一首他正在学习的乐曲的结构，并使这成为他的某种第二本能。如果这首作品是一首奏鸣曲，他应该可以辨认出主题和副题，无论它们如何出现或部分地出现。学生应当对曲式有足够全面的认识，并熟知乐曲所分成的段落。他在学习一首新的乐曲时，不能不观察到它的轮廓――也就是作曲家在创作这首乐曲时所制定的“建筑计划”。学生对他所要演奏的作品，永远不要拖延这第一步的分析。
尽管流行着一种印象，即音乐是模仿性的，并能再现不同的画面和不同的情感，事实远非如此。作曲家通常写作音乐只是为了它作为音乐的价值，而不是具体的景色。许多教师试图以想象出的故事来激活有些学生迟钝的想象力，这也许是对的。然而，即使一首乐曲有某种设计使它暗示某种想法，并可以有趣地看到一种特定的画面，但永远不要忘记作为一首美好音乐作品的真正的美。
懂得和理解一种节奏是一回事，但在实际弹奏中保持它却是另一回事。节奏依据在一两小节中音符和重音的安排，给予整首作品一种具有特点的摆动。好的节奏感显示出音乐家具有精确平衡的能力，他知道如何拥有完美的自我控制。
律动不同于节奏，但和它有关联。要想把握它――这种推动力，学生必须弹奏过许多能倾向于发展律动的乐曲。
有能力清楚地、即时地看到一首作品中乐句的构成，能极度的简化对一首新作品音乐解释方面的研究。经过正确的训练，学生应当能第一眼就看到乐句，如同一位植物学家在观察一种新的花朵时，在他内在视觉中会把它分成不同的.部分。他不会把花萼误认为花瓣，而且他立即可以认定每一部分的特点。除了曲调性句子外，学生应该能看到在乐曲形式之下的小节划分。他应该可以告诉你，这首作品是八小节的段落，或是四小节的段落，或是不规则的分段。
对幼小的儿童，如果在他们最初的几节课中，就能使他们愿意去观察旋律乐句，将是一件多么奇妙的事情。教师们往往非常强调手形，其目的是让学生的手处于完美的状态。但为什么不能注意一下头脑的形成?它比单纯的手指工作离真正的音乐目标要接近得多。世界上最完美的手形，对于音乐家有时是毫无价值的，除非对手起作用的头脑具有真正音乐性的训练。
每一个钢琴学生应该具有和声的知识，但这种知识必须是实用的，也就是――一种和声知识――对耳朵和眼睛是同样熟悉的。有些学和声学的学生，他们可以像一位数学专家那样熟练地解决一些和声上的问题，但他们却从未想过他们的音符可能产生的音乐。
能够认识一个在纸上写的和弦，相比于能认清被弹出来的同一和弦，几乎算不得什么收获。一个学生如果一眼就能说一个减七音程或一个增六度，但却不能通过他的耳朵来分辨它们，就是有严重的智力缺陷。训练耳朵应是所有学习中首要的。
钢琴本身对于学生在学习和声时是极大的帮助，要学生在弹奏中时刻在听。所有儿童应该享有一个训练听觉的课程，不应只是单独训练音高和音准，同时也要训练听音乐的性质。可以补充一些音乐听写的练习，直到学生可以只听到一次，即可从容地写下一些短的乐句。
一位在键盘上夜以继日工作的艺术家会发现，有些细致的触键效果使他总是和某一段音乐联系起来。他这样做也许没有任何合乎逻辑的理由，而只是他的艺术直觉要求这样。他极可能并没有遵守什么规则，而只是根据他自己的音乐审美和听觉。就是这一点，能比任何其他方面，使不同大师们的演奏更具有个性。
不可能准确地表明某些触键是如何产生出某种效果。然而，耳朵能听到这些效果，而如果学生能正确的坚持，他会不断地工作，直至再创造出他所听到的同样效果。这时他会发现，他所用的触键和他所听到过的那位大师所用的，是非常相似的。对于为了提高音乐知识的目的而经常听音乐会的学生，高度发展的听觉是有巨大价值的。
全世界从事初级钢琴教学的教师有极重大的责任。如果他们轻视自己教儿童的工作，而渴望去做大师们所从事的那种授课，就应该让他们认识到，从某种意义上说，他们是整个结构的基础，虽然并不像高耸入云的塔尖那样引人注目，但他们无疑是同等重要的。
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇五
所谓“试奏”，即对音乐作品不经预习就能视谱即奏的技能，它是钢琴学习过程中的一项重要环节。掌握正确的试奏方法，不仅能提高钢琴学习的效率，还能提高习琴者的钢琴演奏水平，培养其良好的音乐素养。
(一)认真读谱，内心唱谱。阅读是学习的最基本能力，乐谱作为传递音乐信息的载体，是钢琴演奏者最直接的认识对象。面对一首新作品，我们首先要弄清乐曲名称，熟悉作曲家的创作风格;其次，在弹奏前要看清谱号、调号、拍号、速度及表情术语。许多初学者在弹奏新作品前，缺少认真读谱这一关键步骤，往往上来就弹，一弹就错，导致各种问题接踵而至，如：高音谱号看成低音谱号、d大调看成c大调、该断奏的弹成连奏、乱用指法使乐句无法连在一起等。这些问题的产生，都源于缺乏对读谱能力的训练。由于缺少这种训练，造成对调性的感知力不够敏感，即使弹错了自己都无法意识到。再就是不认真计算时间，导致节奏上的混乱。面对这些问题，只要我们在弹奏前认真读谱，大多数错误都是可以规避、减少的`。视奏之前，我们需要做的第二个准备工作就是内心唱谱，通过唱谱可以了解音乐的大体风格，了解音乐的走向，了解乐句的划分，同时，还可以在头脑中对乐句指法的设计有一个基本的构思，在接下来的试奏过程中才能将注意力稍放些在音色、力度、速度、音乐表现上。做好认真读谱、内心唱谱，试奏将会在准确性上更上一个台阶。
(二)熟悉键盘，提前看谱。提高试奏能力的另一个重要因素是熟悉钢琴键盘，即手指对键盘空间距离感的把控。这种把控并非三两天就能掌握的，而是一个长期练习积累的过程，需要依靠常年弹奏钢琴所建立的视觉、听觉及运动反应。当然，极其精确的时间配合也是必不可少的。视奏的过程中，眼睛要走在手指的前面，提前看下一小节，留有提前量，才能使视奏时的音乐作品更为连贯。
二、有效的练习方式。
(一)采用正确的练琴方法。练习方法的正确与否将直接影响到钢琴学习效率的高低。在练习过程中首先要明确学习目标，找出重难点来单独练习。除此之外，在练琴时可以根据不同种类的技能和难度采用双手合练、单手练习、分段练习、改变速度和节奏等不同的练习方法。
(二)合理分配练习时间。钢琴学习水平的提高需要足够的练琴时间和练琴次数作保证，但并不是说练琴时间和次数越多就越好。只有练琴时间和次数分配得当，才能收到良好的练习效果。对于儿童，每次练习时间不宜过长，但次数可以稍多一些，这样既符合儿童注意力集中时间较短的特性，也能够提高儿童的练琴质量。而成年人则相反，每次练习的时间可长一些，次数则少一些。
三、听觉能力的培养。
听觉是与生俱来的，但对于音乐中的听觉(如：听节奏、听音高、听音乐风格等)却不是每个人天生就有的，这是一种需要长期训练才具备的听觉能力。对于习琴者而言，训练自身高度鉴别力和欣赏力的听觉能力是至关重要的。但许多学生在钢琴练习中却忽略了听觉的存在，把练习与听觉割裂开来。作为教师，不仅要培养学生的外部听觉能力，还要培养学生丰富的音乐想象力，帮助其建立良好的内心听觉能力。
(一)对外部听觉能力的培养。“音乐外部听觉，也叫普通听觉或实音听觉，是外部音响对人的听觉器官刺激而引起的生理反应。”如视唱练耳、聆听音响资料及现场演奏等。提高自身的外部听觉能力，要在聆听音响资料、现场演奏时，分析比较不同演奏家的演奏风格，体味美的声音，并把美的声音牢记于心。在倾听自己的演奏时，要时刻用耳朵鉴别声音的质量，及时调整弹奏的方法。这种对外部听觉能力有意识、有目的的训练能够为之后内心听觉能力的培养打下良好的基础，因为内心听觉的形成正是建立在外部听觉感知基础之上的。
(二)对内心听觉能力的培养。“内心听觉是一种内心表象，是一种不依赖音响，仅凭记忆表象和思维而准确地构成内心音乐意象的能力。”内心听觉能力是习乐者通过长期学习积累的听觉经验，培养内心听觉能力的方法有两种：慢速演奏乐曲和“点线”法演奏音乐作品。日常学习过程中，我们可以运用这些方法有意识地培养自身的内心听觉能力，也可以在弹奏乐曲之前，对乐曲所发出的音响效果有所预知、有所想象，因为通过精心审视弹奏出来的音色，更为完美，更具有感染力。
四、
通过对以上三点问题的分析，笔者用几个词概括提高钢琴演奏水平的方法：认真、用心、勤思考。认真即读谱认真;用心是要用心聆听感受音乐;勤思考则是要善于总结，对自己的钢琴学习有所规划。习琴者如能深入思考理解这些问题，笔者相信其钢琴演奏水平的提高将会有质的飞跃。
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇六
钢琴演奏从发展至今已经经历了三百年左右的时间，并且在历史长河中不断地发展。钢琴艺术以独特的魅力和风采在世界各地引发了许多的欣赏者和追随者。从世界范围来看，钢琴是发展最为普及、认可程度最高的一种乐器。但对于无论是钢琴演奏的初学者，还是经过了长时间训练并拥有多次演出经验的乐师来说，都会出现或多或少的心理影响。钢琴演奏时需要演奏者将视觉、听觉、触觉乃至运动觉进行综合运用，并通过演奏者娴熟的技巧不断地将演奏者想表达的情感进行演奏。因此，在钢琴演奏的过程中，演奏者需要拥有强大的心脏和稳定的心理素质，不良的心理素质会影响钢琴演奏表演的质量。所以，在培养钢琴演奏者演奏技巧的同时，也应培养演奏者全面的艺术修养和心理素质。心理素质的培养离不开技术技能的建立，只有将技术技能提升到一定阶段，感情才会得以控制，若演奏者在演奏时担心自己的演奏技巧会不会出现问题时，心理素质的坍塌更为容易。钢琴演奏是艺术情感的一种表达方式，演奏者在演奏时全身心地投入到演奏的过程中，才能让观众体会到演奏者所想表达和传递的钢琴情感，从而使观众产生共鸣，得到观众的青睐和认可。钢琴演奏者应在每一次小型演奏会上充分体验并展现自我，以此练习自己的心理素质，防止日后表演的过程中出现怯场、紧张等情绪心理。
众所周知，钢琴演奏主要主要的两个方面是对钢琴技术的认知技能技术和演奏者对于所进行演奏的乐曲的情感所想表达的希望。钢琴演奏技巧熟练程度在于演奏者对于所演奏的乐曲的理解程度以及练习时的熟练程度；而钢琴演奏过程中的情感表达需要演奏者在表演过程中拥有强大的心理素质。影响心理因素的方面主要包括对于乐曲内在的想象能力以及直觉能力。钢琴演奏是将乐谱上的内容和自身对于乐曲的理解进行结合，并配合作者原本所想表达的情感相结合，将钢琴演奏者对乐章的熟练程度和技巧性通过演奏表现出来。钢琴演奏是个人情感和原作者情感相互交织碰撞后的情感表达，因此，演奏者在钢琴演奏过程中需要全身心地投入到整个演奏过程中。钢琴演奏艺术是时间和技巧性相结合的艺术，钢琴演奏艺术要使音乐创造性地被演奏者演奏出来。音乐作品和演奏者之间的关系不单单是某一种单一的元素而决定的，一个作品的完整程度，对于演奏者来说，是高于音阶、旋律和情绪的相结合的整体效果。
钢琴演奏具有深厚的艺术内涵，演奏者在钢琴演奏的过程中应达到内心、手和音准做到一致性。在演奏表演舞台上，演奏者应该具有良好的空间感，对空间的认知程度较高，并且对音乐技巧拥有较准确的掌控能力，演奏者较高音准性和较高的听觉能力为钢琴演奏者的演奏提供良好的帮助，从而让钢琴演奏者通过内心的指引带动手指进行钢琴乐谱的正确表达。优秀的心理素质是钢琴演奏情感的流露和流现，良好的心理素质是丰富情感的展示，钢琴演奏的过程是一种听觉的盛宴和情感体现的艺术情操，钢琴演奏者在演奏乐曲的过程中应全身心地将自身投入到所进行的表演中。这样进行的表演才可以更好的引起公众的共鸣。与此同时，拥有良好心理素质更有助于钢琴演奏家创新意识的激发。钢琴演奏不仅仅是演奏者对于乐曲的弹奏，而是对作品含义的解读后的二度创作。因此，钢琴演奏者随时客观地以端正的心态聆听自己的演奏，才能对其进行再构建。
四、培养调节心态的方法。
（一）保持随机的应变能力。
在钢琴练习过程中，演奏者的身体处于放松状态，并且放松自如，但在舞台上进行钢琴演奏表演时演奏者或多或少会带有一定的紧张和兴奋的心态，许多钢琴演奏者在练习时心理处于放松状态，演奏过程也稳定自如，但站在舞台上，台下坐着无数观众和评委，面对与平时练习相差悬殊环境状况，容易产生失控情绪，造成乐曲音符弹奏出现错误的情况，更有甚者因为紧张过度中止了自己的表演。相反，在钢琴演奏过程中，也有人拥有高涨的情绪，过分的想要在舞台上发挥自己，情绪过于兴奋造成了兴奋和抑制相互制约出现了偏差。因此，这些问题应在平时的心理素质训练中得到改善和解决。应将钢琴的教学过程与演奏过程相结合，培养钢琴演奏者在训练过程中寻找演奏的感觉，尽多可能的面对观众进行演奏，提高钢琴演奏者随机应变的能力。
（二）总结经验教训。
总结曾经的演出经验教训，为了更好地完成某一次重大表演任务，钢琴演奏家应很早就对演奏曲目进行练习和准备。经过长时间的练习，对作品的乐谱乐章达到了如指掌的状态。对于乐谱和乐章的熟悉可以让钢琴演奏者站在台上时不会对乐谱乐章产生紧张的心态，没有过多的顾虑和负担。钢琴演奏者在表演时可以将演奏时表达的情感充分释放。只有在表演者技术技巧达到一定程度时，表演者的表演无论是动作还是心态都可以充分的放松，做到对于舞台的表演无拘无束。钢琴演奏者不应该过于看重某一次表演的结果，钢琴表演者在学习、演奏钢琴的过程中会参加大大小小几十次甚至上百场的演奏活动，因此钢琴演奏者不应看重每次演奏的结果，应该认真吸取每次一表演时的经验，将优秀的经验进行总结，为以后大型演出做好准备。当然，如果在表演中有失败的经验也不应放弃演奏或者从此对钢琴演奏产生抵触心理。一次的失败不会对一个人有过大的`影响，但应该针对这次失利吸取教训，让经验和过程更好地帮助日后钢琴演奏者的演奏。毕竟钢琴演奏是一个长期的过程，在钢琴演奏者的职业生涯中，平衡好每一次演出的心态，每次演出的结束又是一次新的开始。如果过重看待演出成绩必定会影响下一阶段的练习乃至下一阶段的演出效果。因此，钢琴演奏者在演奏的过程中调整好自己的心态，总结好经验教训，这对于钢琴演奏的效果来说是十分必要的。
五、结论。
在完成上场前的心理准备后，还需要培养钢琴演奏者在实际演奏时的心理素质―以完形为目标的演奏心理。拥有以完形为目标的演奏心理使钢琴演奏者拥有最佳的状态和超强的意志力去控制、掌握自己的演奏技巧和情感表达，钢琴演奏者拥有平和的心态可以让演奏者全身心地投入到音乐的创作中来，使钢琴乐曲的演奏达到和谐的美感。与此同时，钢琴演奏者不应单一地掌握钢琴演奏的技巧，培养良好的钢琴音乐素养、提高钢琴乐曲的欣赏水平以及在实际生活中的灵活运用也是十分必要的。因此，钢琴演奏者拥有超高的钢琴演奏水平与其自身拥有超强的心理素质是分不开的。一个人的心理素质可以决定一个人的成败，若想取得钢琴音乐演奏的圆满成功，演奏者需要充分发挥自己的钢琴技巧以及自己超强的心理素质。
参考文献。
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[8]黄卓.论钢琴演奏者的心理素质与状态调控[j].长沙大学学报,2015(01).
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇七
音乐教学论文：培养学生钢琴演奏中的音乐素养。
钢琴演奏是一个复杂的脑体结合的活动过程。在一瞬间，将乐谱上的东西通过视觉反映到脑海，大脑马上会指挥手指在键盘上弹奏，耳朵还同时对演奏的声音进行检查，不断地调整和改进。一个学习音乐的人，不具备音乐素养就等于是一个机械地弹奏和歌唱的机器人，他就无法去理解音乐、懂得音乐、表现音乐。所以，培养音乐素养是为了全面提高学员的音乐综合素质，并且以此促进学员对专业科目的学习，增强对音乐的感悟、理解和创造能力。
一、基本技能的训练。
1.识谱训练。识谱训练的最终目的是要学生能够独立、正确、完整、高效地视奏程度适合的乐曲。我们要让学生在表演的状态下弹奏钢琴，而不是来回重复地进行简单练习。在教弹一首新曲子时，一些视奏技巧好的学生能以惊人的效率来迅速完成你所教的新课。而一些识谱和视奏能力差的学生，就可以明显地感觉到自己弹奏时的吃力。实际上，学生在弹奏时面临的困难主要有两个方面――乐谱和键盘。进一步说，读谱和弹奏都是识谱训练中的重要方面，不能有所偏废。片面地强调其中任何一方都无法达到良好的训练效果。
2.学生的基本技术训练。钢琴的技巧有很多，我以音阶、琶音的训练为例：第一个音是弹下去；弹后面的音时手指应提前做好触键准备，指端与键面不能过近。大指触键要独立，在移位时依赖手腕转移力量。在弹奏中，大指要寻求独立触键的空间，而手腕要有意的配合手指，自如、灵活地为手指提供最佳触键的位置，通过练习，找到手腕合理的动作状态。两种练习是一个循序渐进的.过程，刚开始时要慢练，渐渐地就可加快速度。
下面特别说一下“慢练”：
著名钢琴家雅科夫・弗莱尔认为：“慢速弹奏法犹如钟表匠手中的放大镜，它可以使练习一部作品的音乐家更仔细地看和听他们所弹的音乐，并能深入浸润作品中的每个细节和组成部分之中，从而完全知道并掌握这部作品。”因此，在初学一首曲子时，必须分手练、慢练。有的学生练琴经常不动脑筋，纯粹是机械般的弹奏，在练习一个难的乐段时表现更为明显。俗话说：“欲速则不达。”有时需要演奏者很慢地弹奏一首乐曲，以便巩固对某一部分的记忆。慢奏同样能帮助演奏者检查音符的准确性及句法：慢速弹奏时，如同看到慢放的电影一样，你能看到每一个细节，并同时加强了记忆，更清楚地看到不同的曲式与和声的组合等。慢练是钢琴学习中非常重要的一个部分，也是一种科学的练琴方法。
二、乐感的培养。
1.乐感的内涵。钢琴学习中的乐感培养是激发演奏灵感的基本前提，如果没有良好的乐感，演奏出的音乐就会平淡无奇。乐感其实就是在对音乐的体验中表现出来的强弱处理。
2.让学生课内课外多听好的作品。我们要让学生经常利用课余时间听不同的曲子。现在网络很方便，随时可搜索到自己需要的曲目――当然，也可购买碟子。钢琴是敲击发声的乐器，不擅长于歌唱性的发声，但钢琴又必须解决歌唱性的问题。多听歌唱家的演唱和弦乐演奏可以帮助我们增强乐感。像歌唱家一样地思考和感觉是很重要的。听力训练的主要内容之一就是要求学生学会“聆听”自己的琴声。所谓“聆听”，就是精神高度集中地用心去听，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合音乐内容的要求。可在弹琴时将自己弹奏的声音录下来，然后再放出来自己感受，找出问题。(论文范文)此外，还应重视视唱练耳课。这样能更全面、系统地提高听力水平，对弹琴大有益处。有机会的话，要多看现场演唱、演奏的音乐会，因为钢琴是表演艺术。舞台表演更能加深乐曲的感染力，特别是在指挥家富于变化和激情的手势下带动出的绚丽音乐，更能深深打动人的心灵，提高观看者的音乐感受能力。
三、提高学生的音乐表现力。
中国第一位在国际比赛上获奖的著名钢琴家周广仁教授指出：“学习钢琴只是一种手段，学到音乐知识、理解音乐、热爱音乐、表现音乐才是根本。”其实，在钢琴练习与表演中，呼吸的作用同样重要。合理处理好作品乐句，安排好音乐中的呼吸有利于音乐极富感情的表达，教师教学中应注意强调乐句气息的重要性，解决好演奏时呼吸与乐曲的吻合。我们要让学生懂得：弹琴和说话、唱歌一样，有呼吸、语气，有句子的长短，无论是活泼、欢快，还是婉转、优美、如歌的乐曲，都需要表现一定的内容，即使是简单的几个音也不是没有意思的。有的声音坚定有力，有的轻快、跳跃……乐句也有肯定及疑问等多种语气。当学生懂得这些以后，就会从他所弹奏的乐曲中找到这些感觉并尽力去表现出来。例如：弹《解放军进行曲》时，联想到队伍前进，就要弹得有精神、节奏鲜明，就不会慢吞吞、软弱无力地弹一些音符。弹不同风格的曲子，就要表现不同的意境，因此必须避免机械练习，毫无要求。
总之，钢琴演奏需要乐感与适当的技巧相结合，以情带声，融声以情。音乐与技术是辩证统一的关系。技术是基础，音乐表现是最终方向。钢琴教师的全部工作，实际是培养学生很有激情地演奏作品、表现音乐，要通过演奏把情感表达出来，做到人琴合一。我们只有深入生活、深入学生，把握钢琴教学的变化与规律，才能使钢琴教学尽可能地做到生活化、社会化、多元化与个性化，也才能使学生不断提高音乐素养和审美能力。
【参考文献】。
1.周广仁、莫蕴慧主编：《钢琴艺术》。
2.周彦：《人声与钢琴的完美艺术》，中国音乐学院学报，2012年01期。
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8.陈海龙：《论钢琴乐感与演奏灵感的培养》，《黄河之声》，2011年3期。
9.陆晨曦：《如何强化学生钢琴演奏中的音乐表现力》，新课程研究，2012年02期。
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇八
朱朱在《水手与骑手》一文中说：“布罗茨基流亡国外之后，他所写出的诗歌之中似乎再也没有出现过类似于《黑马》这样融见证的反讽与抒情的狂喜为一体的效果强烈的作品”。这种论断是片断的，不尽然的。这种观点当然也被布罗茨基反驳掉了。诗一旦写出，就不是自己的了，文字有他自己的旅程诗人有诗人的路要走。而评论家无论出于何种目的所作出的揣度和诠释，似乎都显得那样“滑稽”和“无聊”，而有点“不怀好意”。
我虽然不是什么家，也没什么名气。但作为一个诗歌现场的抒写者和读者。我当然有话语权。我就是这样“不怀好意”读完了舒婷的自选诗集《一种演奏风格》的。
还是用朱朱的话说吧。“也许，现在的我们还难以对他的作品整体有一个完全的认识，或者说，那也并非我们的职责所在，作为一个读者我只是选择更吸引自己的那部分作品，即使这样做显得不公正，而作为一个诗人我似乎显得更加地不怀好意，我将他的名篇归之于对特朗斯特吕姆的‘剽窃’，并且，倾向于暗示这样一种事实，在接受来自西方现代诗的第一阵冲击波时他就确立了最佳的自我，而在此后漫长的文学生涯里他一直在享受着那个时期的成果。”这是朱朱在前文中，反复论及特朗斯特吕姆与布罗茨基之间不可能存在的一场可能的对话的经典论断。或许这也是舒婷诗歌在中国新诗发展的历程中，所占有的比重与地位，在那个时期所表现出来的特殊意义和具体表象之所在吧。
现在，我们说过去，似乎有种抽离感。但我们都是缪斯的信徒，隔离感应该不会很强吧。我试着作出了这样的揣度。
我在阅读舒婷的诗歌时，很明显地就表现出了这种阅读的倾向性和思维的'抽象性（或者说是自我性）。在我们这代人中，很多人最先接触到舒婷的诗歌，肯定是从课本上得来的，也就是从《祖国呵，我亲爱的祖国》这首诗开始的。关于这首诗我不想谈太多，她的经典性和历史性是不言自明的。但我们要全面地了解舒婷诗歌的语言特色和艺术张力，还真的要从这首诗开始，才能准切地切入她所在的历史时空和诗意世界的。但我和其它的读者所不同是，我最早进入舒婷诗歌语境和诗意空间的旅程，是从一首叫《停电的日子》的诗开始的。在这首诗的前面有一个小引，她深深地打动了我。那就是她所说的：“写诗出自本能/被称为诗人是一种机遇”的真实的感喟。
舒婷的这种喟叹，是意识的觉醒和思想起蒙之后的一种自我嘲解和反窥。“在没有光亮的黄昏/是一片淤滩/人们被陌生的家所放逐/在门前草地/漂流/三三两两//把自己影在惊慌的声音里/狁如守着一座座/空城/再三绊在/无意义的话题上/邻近的大楼/有穗烛苗被手护卫着/从一扇窗/移到/另一扇窗/黑潮叠叠涌来又层层退去/许多眼睛/忽明/忽暗”。我相信经历过动荡岁月的人读到这样的诗句，他的眼珠也肯定有所转动吧。舒婷这首诗写于1986年春天，当时国家刚刚从阵痛中苏醒过来。人们的思维也就被某种情絮支撑着活乏起来了。“开始有点儿动静/胸口灼烫着/是那叫做思想的东西吗”。所以，诗人握住了那把手，人们握手了那把手。大家都“听见锈住的门咔咔转动”的声音，因为“灵魂已在渴望出逃”啊！紧接着诗人又迅速冷静下来，回到了现实，“妻在叫唤”、“孩子在做作业”、“歌星在笑”、“昨夜的断发散在枕巾上”、“梦泊在灯的深池与浅溪”、“鱼儿们已经安静”、“一扇窗，一扇窗”呈现出金黄色泽。但真有那密门吗？这一振聋发聩的反问，与其说是诗人自信的表现，不如说是源自内心的恐惧。这种恐惧是一种长期被压制而形成的肌体的条件反射。由此可见那时阶级斗争之惨烈。
他们就像“一只小船/不知什么缘故/倾斜在/荒凉的礁岸上/油漆还没褪尽/风帆已经折断/既没有绿树垂荫/连青草也不肯生长”这首诗写尽了一代人孤苦无依的人生状态和对生活绝望的心理图景啊！紧接着诗人又发出了悲天鸣人的诘问。“难道真挚的爱/将随着船板一起腐烂/难道飞翔的灵魂/将终身监禁在自由的门槛”吗？（《船》）这首诗中的“船”和《双桅船》和《祖国啊，我亲爱的祖国》中的“船”，其实是一样的，它的主体都是喻指国家和人民，是对生活美好的渴望、是对世界和平的向望。所以，“当波涛含恨离去/在大地雪白的胸前哽咽，/它是英雄眼里灼烫的泪，/也和英雄一样忠实，嫉妒的阳光/终不能把它化作一滴清水”。（《珠贝——大海的眼泪》）作为女性诗人的舒婷而对现实的残酷和时局的黑暗，却大胆地给出了自己的回答。“这不是真的，不是真的/青春的背影正穿过呼唤的密林/走向遗忘”。（《还乡》）这种回答是决绝的，果敢的，有英雄气概和民族特色。她的《还乡》式的“回答”和顾城的《自由的雨燕》和北岛的《回答》是一样的。“告诉你吧，世界/我——不——相——信”。表达的是一种怀疑者的声音。所以，她敢“破坏平衡”，她敢“轻视概念”；因为她是“任性的小林妖”。（《自画像》）一如北岛为这代人镌刻的丰碑：“卑鄙是卑鄙者的通行证/高尚是高尚者的墓志铭”；一如顾城给这代人绘画的天窗：“黑夜给了我黑色的眼睛，我却用它寻找光明”（《一代人》）。“为开拓心灵的处女地/走入禁区，也许——/就在那里牺牲/”舒婷也想为同代人的命运作出应有的诠释和注脚，那怕“留下歪歪斜斜的脚印”。舒婷也要“给后来者/签署通行证”。（《献给我的同代人》）这是他们这一代人的历史使命和社会责任。
舒婷清醒地意识到了这一点。一种信念就此建立。她说：“这个世界/有沉沦的痛苦/也有苏醒的欢欣”。（《致大海》）因此，舒婷的人生理念和诗学形态，也充满了辩证色彩和智慧哲思。相较于北岛和顾城来说，在意识形态领域和政治诗学范畴上，舒婷没有北岛的热烈和激昂；在诗学维度和美学纯度上，舒婷也没有顾城那样天真和无邪，纯洁和赤诚。但舒婷在诗中表现出来的意识流和情感张力是柔软的，温暖的，也是自然的，和谐而美好的。因为诗学主张和意识流的不同，也导致了他们命运的迥异性。其结果就是北岛被流亡，顾城自杀，而舒婷则《在诗歌的十字架上》完成了他们那一代人精神上的皈依和《还乡》的诉求，并完美地演奏了一种和谐的自然风格。虽然有点被动性和无意识性，但女性天生的柔和与敏感，心灵的纯度和柔软，也塑造了她的伟大和完美。
说点题外话，后来，北岛回归了，但他的影响力在圈外确实不如舒婷那样刻骨铭心。圈内自不必说。这正如他的诗《宣告》一样宣告了他的命运：“在没有英雄的年代里/我只想做一个人”。这对他来说是一件好事。我相信“在黑夜中总有什么要亮起来。凡亮起来的，人们都把它叫做星。”（《黄昏剪辑》）舒婷、北岛、顾城等等这一代诗人他们用自己的鲜血和生命开启了中国诗歌的另一页。这同样值得我们骄傲。曾经和冰心手里的《小橘灯》一样，照亮过我们心灵成长的旅程。诗人因此也发出了她心灵的召唤。“和鸽子一起来找我吧/在早晨来找我/你会从人们的爱情晨/找到我/找到你的/会唱歌的鸢尾花”（《会唱歌的鸢尾花》）还我正在路上，“我的忧伤因为你的照耀/升起一圈淡淡的光轮”。这也是我最想对舒婷老师说的话。最后借她的诗结束本文，也从这里开始。
因为灯还亮着，祝福我吧，
当你从我的窗下走过……。
——（《当你从我的窗下走过》）。
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇九
现代篮球比赛复杂多变，紧张激烈，许多违反规则动作隐蔽性强。如果没有良好的裁判技能和判断能力，常常会出现误判、漏判、错判或偏判，裁判员移动不到位、手势不规范等现象，影响比赛的顺利进行。甚至形成裁判表演的局面。篮球裁判员要高质量地完成裁判任务，不仅要具备良好的体能和裁判技能，还应具有敏捷，迅速、准确的心理判断能力。
裁判员良好的心理素质的形成和发展，与其所处的生活、工作环境和教育条件有直接的关系。一名篮球裁判员能否在比赛中自始至终保持稳定、冷静、沉着的心理状态，能否在应激状态下做出机智的反应，这与裁判员平时形成的心理素质分不开，本文以文献资料法就篮球裁判员的培养进行浅析。
1.“球感”的建立。
“球感”是在训练中发展起来的专门化知觉，是篮球裁判员的一项重要的心理技能，使裁判员能对球的形状、重量、弹性、空间变化，做出精细的分析，对球的运行速度、控球队员的运动状态，以及传球的方位等动态有十分精确的感知；以排除凭视觉判断的假象而做出准确的判断，因此，篮球裁判训练中，要求裁判员进行抛球、跑动、跟球等练习，以增加“球感”，使裁判员在比赛中对球的运动方位、空间状态、发展方向等判断自如，发挥出最好的裁判水平。
正如比赛中,中圈跳球后的移动配合动作，几乎没有一成不变的具体形式，甚至在比赛中出现的一个新的情况，很有可能在裁判训练中没有出现过，在特殊情况下，能找到自由灵活度，这与篮球裁判员以“球感”的掌握程度密切相关。因此，篮球裁判员的“球感”是裁判员技术水平获得高度发展并出现高水平的`重要心理技能。它不但能使动作变得灵活自如，而且是获得高超裁判技术的重要心理因素。
2“.注意力”的集中练习。
注意力集中是坚持全神贯注于一个确定目标，不为其它内外刺激的干扰而产生分心的能力。面对比赛，裁判员不能像观众一样观赏比赛的精彩的技术和战术配合所干扰，而应保持清醒的头脑，摆正自己的位置，积极、公正、准确的执法，确保比赛的顺利进行。因此在裁判员的心理素质训练中，应注重注意集中的训练。
注意品质是篮球裁判员必须着重培养的一种心理素质，在裁判工作中，准确迅速、有效的判断离不开高度的注意力。裁判注意技巧的培养，主要在技能训练和正式比赛中，有意识地分出注意的层次和目标。例如，在犯规和违例中，应重点选择犯规来注意，在犯规方面，应重点选择篮下的侵人犯规与对投篮队员的犯规。然后转移目标，重点选择有球区域攻守对抗中的犯规和无球队员的犯规。最后将注意力转移到违例判罚上来。
这种分层次，有重点，有目标的注意技巧可以训练裁判员的注意选择性，指向性和注意的有序分配能力。使裁判员注意的目标明确，重点突出，注意分配和转移定时合理，能克服“什么都想抓，什么都抓不住”的不良心理，从而提高裁判员的心理素质。
3注重表象训练。
表象训练是体育运动领域最常用的一种心理训练方法。表象训练有利于建立和巩固正确的动作的动力定型，有助于加快动作熟练和加深动作记忆。在篮球裁判工作中，裁判员的手势动作及相应的速度和准确性是反映裁判员水准的一个重要方面，裁判员手势的好坏对运动员有着明显的影响，及时，规范的手势能树立“法官”的威信，因此裁判动作是裁判工作的一个重要内容。
利用裁判训练中，规范手势图片进行手势的逐一练习，从而专门使用运动训练来强化动作表象，由于操作必须依赖于大脑中储存的动作图片，而通过符号学习，可以在大脑内建立或巩固动作图式，将动作编译为符号部件，并在此基础上，通过多次练习即认知编码，建立有用的图式，消退无用的图式。例如，在判罚停止计时钟动作练习时给裁判员这样的暗示：“立即鸣哨，面对犯规队员，判罚动作姿势，一拳紧握上举，一手平举指向腰部，并记下犯规队员的号码，报告记录台。”
在比赛中，将裁判动作在头脑中先“过电影”，如同事先编写的电脑程序般，将规范的手势呈现在运动员和记录台面前。
4执法时信心的树立。
心理学家认为，人的心理状态，个性特点能直接影响生理过程的变化，有的裁判员临场时，由于心理紧张，胆小，引起思维混乱，全身虚汗，哨音越吹越小等，直接干扰裁判员水平的正常发挥。
篮球裁判员的良好个性心理特征一方面通过经验积累逐渐形成，一方面可以通过有效的心理训练来加强。然而，形成良好的个性心理，消除情绪的有效方法是信心的培养和训练。平常强化自我角色的意识，相信自己的技能发挥，心理上把自己立刻划为勇敢高大威严的球场“法官”形象，培养出有良好技术风格的裁判员。临场前与技术代表的讨论，对新规则的探讨，对新旧规则的争议问题进行讨论，这种职业习惯以对临场信心的增强有着积极的作用。
在进行裁判心理训练时，克服过度紧张的重要方法是通过认知训练，使学生对比赛有正确的心理定向，使对面临场裁判任务有清楚的理解，有积极的执法动机，对自己势力充满信心。临场执法时要排除心理障碍，排除外界应激的干扰，不断地从主观上，进行自我情感和自我意识的强化，使之适应客观需要。
教学指导思想是教学活动的根本方向和目标问题，在篮球裁判员教学中，应从球感的建立，注意力的集中转移，表象训练的重视，信心的树立等方面着手，使每位篮球裁判员的打手势动作舒展，判罚姿势规范，面部表情柔和。能够在运动员和观众心中产生一种威望。从而确保篮球运动技术，战术水平和发挥和比赛的效果。综上所述篮球裁判员的心理素质则又直接影响着裁判水平，因此良好的心理素质的培养，是篮球裁判员顺利完成裁判任务，展现良好裁判技巧的必要条件。
参考文献。
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4马启伟竞技体育创新论北京：北京体育大学出版社1996。
5张彩篮球教练员的问答北京：人民体育出版社1995。
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇十
音乐教学论文：培养学生钢琴演奏中的音乐素养。
钢琴演奏是一个复杂的脑体结合的活动过程。在一瞬间，将乐谱上的东西通过视觉反映到脑海，大脑马上会指挥手指在键盘上弹奏，耳朵还同时对演奏的声音进行检查，不断地调整和改进。一个学习音乐的人，不具备音乐素养就等于是一个机械地弹奏和歌唱的机器人，他就无法去理解音乐、懂得音乐、表现音乐。所以，培养音乐素养是为了全面提高学员的音乐综合素质，并且以此促进学员对专业科目的学习，增强对音乐的感悟、理解和创造能力。
一、基本技能的训练。
1.识谱训练。识谱训练的最终目的是要学生能够独立、正确、完整、高效地视奏程度适合的乐曲。我们要让学生在表演的状态下弹奏钢琴，而不是来回重复地进行简单练习。在教弹一首新曲子时，一些视奏技巧好的学生能以惊人的效率来迅速完成你所教的新课。而一些识谱和视奏能力差的学生，就可以明显地感觉到自己弹奏时的吃力。实际上，学生在弹奏时面临的困难主要有两个方面――乐谱和键盘。进一步说，读谱和弹奏都是识谱训练中的重要方面，不能有所偏废。片面地强调其中任何一方都无法达到良好的训练效果。
2.学生的基本技术训练。钢琴的技巧有很多，我以音阶、琶音的训练为例：第一个音是弹下去；弹后面的音时手指应提前做好触键准备，指端与键面不能过近。大指触键要独立，在移位时依赖手腕转移力量。在弹奏中，大指要寻求独立触键的空间，而手腕要有意的配合手指，自如、灵活地为手指提供最佳触键的位置，通过练习，找到手腕合理的动作状态。两种练习是一个循序渐进的.过程，刚开始时要慢练，渐渐地就可加快速度。
下面特别说一下“慢练”：
著名钢琴家雅科夫・弗莱尔认为：“慢速弹奏法犹如钟表匠手中的放大镜，它可以使练习一部作品的音乐家更仔细地看和听他们所弹的音乐，并能深入浸润作品中的每个细节和组成部分之中，从而完全知道并掌握这部作品。”因此，在初学一首曲子时，必须分手练、慢练。有的学生练琴经常不动脑筋，纯粹是机械般的弹奏，在练习一个难的乐段时表现更为明显。俗话说：“欲速则不达。”有时需要演奏者很慢地弹奏一首乐曲，以便巩固对某一部分的记忆。慢奏同样能帮助演奏者检查音符的准确性及句法：慢速弹奏时，如同看到慢放的电影一样，你能看到每一个细节，并同时加强了记忆，更清楚地看到不同的曲式与和声的组合等。慢练是钢琴学习中非常重要的一个部分，也是一种科学的练琴方法。
二、乐感的培养。
1.乐感的内涵。钢琴学习中的乐感培养是激发演奏灵感的基本前提，如果没有良好的乐感，演奏出的音乐就会平淡无奇。乐感其实就是在对音乐的体验中表现出来的强弱处理。
2.让学生课内课外多听好的作品。我们要让学生经常利用课余时间听不同的曲子。现在网络很方便，随时可搜索到自己需要的曲目――当然，也可购买碟子。钢琴是敲击发声的乐器，不擅长于歌唱性的发声，但钢琴又必须解决歌唱性的问题。多听歌唱家的演唱和弦乐演奏可以帮助我们增强乐感。像歌唱家一样地思考和感觉是很重要的。听力训练的主要内容之一就是要求学生学会“聆听”自己的琴声。所谓“聆听”，就是精神高度集中地用心去听，听时要充满对音乐的追求与想象，努力分辨自己弹奏的声音是否符合音乐内容的要求。可在弹琴时将自己弹奏的声音录下来，然后再放出来自己感受，找出问题。(论文范文)此外，还应重视视唱练耳课。这样能更全面、系统地提高听力水平，对弹琴大有益处。有机会的话，要多看现场演唱、演奏的音乐会，因为钢琴是表演艺术。舞台表演更能加深乐曲的感染力，特别是在指挥家富于变化和激情的手势下带动出的绚丽音乐，更能深深打动人的心灵，提高观看者的音乐感受能力。
三、提高学生的音乐表现力。
中国第一位在国际比赛上获奖的著名钢琴家周广仁教授指出：“学习钢琴只是一种手段，学到音乐知识、理解音乐、热爱音乐、表现音乐才是根本。”其实，在钢琴练习与表演中，呼吸的作用同样重要。合理处理好作品乐句，安排好音乐中的呼吸有利于音乐极富感情的表达，教师教学中应注意强调乐句气息的重要性，解决好演奏时呼吸与乐曲的吻合。我们要让学生懂得：弹琴和说话、唱歌一样，有呼吸、语气，有句子的长短，无论是活泼、欢快，还是婉转、优美、如歌的乐曲，都需要表现一定的内容，即使是简单的几个音也不是没有意思的。有的声音坚定有力，有的轻快、跳跃……乐句也有肯定及疑问等多种语气。当学生懂得这些以后，就会从他所弹奏的乐曲中找到这些感觉并尽力去表现出来。例如：弹《解放军进行曲》时，联想到队伍前进，就要弹得有精神、节奏鲜明，就不会慢吞吞、软弱无力地弹一些音符。弹不同风格的曲子，就要表现不同的意境，因此必须避免机械练习，毫无要求。
总之，钢琴演奏需要乐感与适当的技巧相结合，以情带声，融声以情。音乐与技术是辩证统一的关系。技术是基础，音乐表现是最终方向。钢琴教师的全部工作，实际是培养学生很有激情地演奏作品、表现音乐，要通过演奏把情感表达出来，做到人琴合一。我们只有深入生活、深入学生，把握钢琴教学的变化与规律，才能使钢琴教学尽可能地做到生活化、社会化、多元化与个性化，也才能使学生不断提高音乐素养和审美能力。
【参考文献】。
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9.陆晨曦：《如何强化学生钢琴演奏中的音乐表现力》，新课程研究，2002期。
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇十一
摘要：随着经济的发展，人类文明的进步，科技的不断的创新，越来越多的人开始重视自己的生活水平，生活水平的提升使得中国的综合国力有了很大的提升，在这个提议下，我们的生活不仅在物质上有了很大的提升，而且对于中国的青少年来说，他们的教育也必须要提升。钢琴本来是国外的学生必须要学习的知识和能力，但是对于中国的学生来说，他们的学习更需要学习国外的知识和能力，钢琴作为西方的乐器，可以让学生提升欣赏能力，让他们可以不断的提升自己的音乐的能力。让中国学生进行钢琴教学，也可以让学生更好的提升自己的能力，让自己的知识提升得更多，但是由于中国教学中存在一定的问题，不能让中国学生更好地进行钢琴学习，受到的教育也存在一定的不足之处，所以，对于钢琴的教学来说，必须要改变学习的方式，改变钢琴教学的模式，才可以让中国学生更好地学习钢琴。如今，最重要的一个钢琴教学运用就是双钢琴演奏的模式，所以，双钢琴演奏对于学生来说非常的重要，因此，本文就论双钢琴演奏在钢琴教学中的运用阐述了双钢琴演奏的演变过程，双钢琴演奏在钢琴教学中的意义与作用，双钢琴演奏在钢琴教学中的现状，双钢琴演奏在钢琴教学中需要遵守的特点，如何更好地进行双钢琴演奏在钢琴教学中发挥更大的作用。
双钢琴教学对于双钢琴教学来说，就是运用两台钢琴，由两名或多名演奏者通过合作的形式来进行演奏。双钢琴演奏不仅是一种艺术演绎形式，同时也可以促进独奏者的全面发展，并作为一种常规的训练方式来提高钢琴教学。通过调查可以看出，双钢琴演奏形式是在16世纪末到17世纪初发展起来的，距今已有300多年的发展历史了。所以，对于学生来说，学习钢琴是多么的重要，对于学校和老师来说，具有一个更好的教学模式也是多么的重要。双钢琴演奏在钢琴教学中发挥着重要的作用，是学生学习钢琴的一个重要的进步途径，所以，本文阐述了双钢琴演奏在这个过程中的一些事项，以便可以让学生更好地进行学习，让学校和老师更好地教学。
双钢琴演奏经过了一个非常长的演变过程，让钢琴教学的模式更加的成熟，所以，我们必须要了解这个过程，才可以让学生更好地学习和进步，接下来就谈谈双钢琴演奏的演变过程。双钢琴的演奏从第一次登台亮相到现在一直为人们所津津乐道,近年来我国掀起了一阵双钢琴教学热,一些国内的钢琴家开始研究并创造关于双钢琴的演奏作品，在不断的研究创新中还取得了一定的成绩。这是钢琴刚刚进入到中国来的一个开端，也是钢琴学习的一个非常热门的时期。现在双钢琴的演奏已经被搬入音乐教程中，在学校内的音乐教学中会开设相关的课程教学，组织小组形式的课程教学，并专门设立了双钢琴教学室等，以便双钢琴教学在我国能够更为普遍和良好地进行发展。这个过程中，钢琴的教学已经非常的成熟了，双钢琴教学给学生带来了更大的好处，让学生可以不断的提升自己的能力，以便可以让学生更好地了解钢琴，了解双钢琴演奏的内涵。
双钢琴演奏对于钢琴教学具有重要的意义与作用，可以让学生不断的提升自己的能力，提升自己的钢琴水平，接下来就谈谈双钢琴演奏在钢琴教学中的意义与作用。
（一）音乐素质在双钢琴教学中起到作用。
音乐素质对于学生来说非常的重要，不管是对于钢琴的学习来说，还是对于其他的任何一个行业来说，想要提升学生的能力，素质的培养非常重要。钢琴的学习过程中，学生可以有利于提升自己的听力，可以提升自己的节奏感，让自己不断的提升自己，还可以让学生与学生之间增加更多的沟通，让学生与老师之间也可以增加更多的沟通。这样，不仅对于学生的钢琴学习来说具有重要的意义，对于学生其他的学习来说，也应该具有重要的意义与作用。
（二）教师教学的根本目的：课堂教育提高学生的音乐。
素养和素质学生进行钢琴的学习，学习音乐的学生要求他们可以掌握更多的演奏的技能，让他们通过课堂的教育可以提升学生的音乐素质和他们的音乐素养。
（三）有利于培养学生高尚的品格，提升学生的对于音乐的欣赏能力和学习能力。
对于学生来说，培养学生的高尚的品格，可以提升学生的对于音乐的欣赏能力和学习能力。当然了，培养学生的高尚的品格，需要学生更加努力的学习，才可以提升他们的能力，不然的话，就不能更好地进行钢琴的教学，学生也就不能更好地进行钢琴的学习。
双钢琴演奏在钢琴教学中虽然有很大的意义与作用，但是对于钢琴的教学来说，现状也是不容乐观的，存在一定的问题，钢琴教学中也不能提升学生的能力和知识，接下来就谈谈双钢琴演奏在钢琴教学中的`现状。
（一）教学方式单一化，仍然以传统教学方式为主。
这是在钢琴教学中最主要的不足之处，对于学生来说，传统的学习可以让学生失去学习的兴趣，让学生不能更好地进行学习，不能让学生不断的进步和成长成为一个社会的接班人。从这个角度上来看，在我国，钢琴教学处于初级阶段，教学方式还是传统为主，一般是采用“老师教，学生学”的模式，学生在学习钢琴过程中，就会丧失掉兴趣，就会觉得枯燥无味。一对一的教学方式让学生感觉到了自己的压力，这样，更加不能好好的学习了，尤其是对于钢琴的学习来说，更应该要让学生自助的学习，但是钢琴如今的学习正好的避免了这个好处，存在这样的问题。
（二）老师能力的不足，导致了学生不能更好的学习。
对于学生来说，老师是非常重要的引导者，老师的能力不足的话，就会让学生不能更好地进行下去。钢琴教学中，如果老师不了解双钢琴演奏中出现的问题或者应该要注意的事项，学生就不能很好地进行下去。
（三）在双钢琴整体的教学应用中仍然存在教学方法。
不科学、教学教材不够严谨以及教学安排计划的不合理等问题双钢琴演奏的整体的教学应用中，由于教学方法的不科学性，导致了学生没能按照学校希望他们学习的方向进行学习。教学教材中存在着很多的问题，教学教材的不够严谨，不能让学生进行学习，对于学生的时间进行教学安排不合理，也是学生不能更好的进行双钢琴演奏的一个重要的问题。
对于双钢琴演奏来说，钢琴教学需要进行一些措施，才可以让教学更好地进行下去，才可以更好地提升学生的知识和能力，接下来就谈谈在双钢琴整体的教学应用中，仍然存在着教学方法不科学、教学教材不够严谨以及教学安排计划的不合理等问题。
（一）学生听觉能力的培养。
双钢琴的演奏，演奏者演奏过程中，不仅要倾听自己声部的发音，也要倾听合作者的发音，要做到二者的融合，使二者的发音天然合成，这样才能彰显双钢琴演奏的魅力和特征。这样就需要演奏者具备过硬的素质。演奏者要使音乐充满敏感性，通过倾听，在演奏过程中，要时刻注意节奏的变化，要不断调整节奏，在调整中使演奏更加和谐和优美。在双钢琴中，声部有两个，一个是主奏，一个是伴奏，在学习过程中，要辨别声部，从合奏中去寻找自己的声部，这样才能让双钢琴发挥得淋漓尽致。
（二）提升老师的能力。
老师需要提升自己的能力，才可以让学生更好地进行学习，所以，提升老师的能力非常的重要，学校也要对老师能力的提升引起足够的重视。当老师的能力不足以进行教学的过程中，需要学校给老师进行教学的培训，让老师的能力可以得到更好地提升。当然了，老师在教学中如果经常存在一定的问题，就需要学校对老师进行评估，如果老师不能胜任这个工作，就要对他们进行更加严格的裁决。
（三）学生之间合作交流。
在练习中，演奏者要相互交融，做到合二为一，不能各管各的，不去考虑对方。在演奏中，要通过眼神、肢体语言等相互交流，使二者的演奏做到相互交融，这样才能提升演奏的整体效果。双钢琴演奏要求演奏者具备全面素质，把情感都融入到演奏中，使合作更加具有情感化。
总之，在钢琴教学中，通过运用双钢琴演奏，提升钢琴教学，使钢琴教学更加灵活和多样化，从而使钢琴教学更加有效，为国家和社会培养更多的优秀钢琴家。
参考文献：
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇十二
摘要：中国音乐的特征在于悠远的内在韵味，韵味是音乐风格特征的重要因素。不同的演奏者对于同一作品有不同的理解和处理，演奏者与作品之间存在着二度创作的空间。这是符合传统音乐审美要求的。
一、中国钢琴作品的韵味特征。
如果说意境是作曲家对音乐作品的外部感受和体验，那么韵味就是作品所蕴含的风格与魅力，中国钢琴作品的传神之处主要体现在旋律的线性美和音色的丰富多彩，韵味的表现则显得独特而神秘，中国钢琴作品正是蕴含了一种“心随音运、乐隐于形”的美学特征，通过演奏把中国传统音乐的那种“中和、深邃”的品格，“静、虚、淡、远”的意境，“有形有神、形神兼备”的韵味演绎出来，体现出中国人对清雅、高妙意境的一种追求。“和”这个带有“中庸之道”的词汇是中国古典哲学思想在音乐领域中的应用，王光祈先生曾在20世纪30年代就阐述了中国音乐“和”的思想，他认为中国音乐“和”的思想所强调的是既不过分、也无不及的音乐表现分寸，因此，弹奏中国钢琴作品应该追求整体美与和谐美的演奏风格。“和”的理想状态应该是在演奏中强调分寸感与含蓄美，它有别于欧洲音乐所充满内在的情绪动力。诚然中国音乐风格表现为含蓄和富于暗示，那么对作品的表达与欣赏也就可以给人们更多的想象空间了。
二、整体演奏思维是演奏中国钢琴作品的有效途径。
整体演奏思维是演奏中国钢琴作品的有效途径，它是一种对演奏整体构想的综合思维方式。整体演奏思维强调演奏中整体结构的层次感，这就要求在钢琴演奏时既重视音乐旋律的走向，也重视和声织体的变化。中国钢琴作品通常以旋律的线性思维为主要表现特点，决定了演奏中国钢琴作品强调旋律和织体的流动性，由此构成了中国钢琴作品注重旋律的演奏特征。很多中国钢琴作品都是从单音旋律的古曲改编而成的，因而继承了中国传统音乐中注重旋律线条流动和整体结构连贯的特点。中国钢琴作品所具有的复音思维为特征的艺术表现形式，使钢琴演奏者必须以整体演奏思维从宏观上把握整体的音乐特点，准确地演奏作品的音乐风格。例如：《梅花三弄》的主题是由四个声部组成的`音乐结构，它包括旋律声部的主题进行、支声部的织体衬托、高八度的泛音点缀和低音声部的和弦背景，在演奏该主题时，既要清晰地演奏主题旋律，也要清楚地弹奏其他三个声部，因此，演奏中国钢琴作品必须以整体演奏思维来准确诠释音乐的内涵和韵味。
三、中国钢琴演奏实践的关键问题。
演奏者应该对钢琴作品有深入地理解，把握钢琴作品的艺术内涵和音乐情绪是演奏实践的关键问题。许多中国钢琴作品都带有象征性的特点，在其表象的背后却隐喻着更深层次的意义，其中，有些作品都是以借景抒情的艺术表现手法来表达作曲家的内心感受。例如：黎英海根据琵琶古曲改编的钢琴作品《夕阳箫鼓》就是借景抒情的经典之作，它通过委婉质朴的旋律和流畅多变的节奏，完美地表现了“夕阳西下，渔舟晚归，江山多娇，风景如画”的意境，抒发了作曲家对大自然景色的美好感受和对祖国锦绣河山的眷恋之情，并且通过各种音乐因素的对比，使作品的音乐变化起伏有致。该作品首先以一个舒缓自由的引子引出主题，然后随着主题音乐的发展使音乐情绪越来越激动，表现手法也越来越丰富，作品达到高潮后又恢复平静。该作品的结构是“散――慢――渐快――急――散”，这种曲式结构基本符合中国传统的序――遍――尾声的结构框架，乐曲情绪也是按着这样的次序进行变化，该曲实现了乐曲结构的平衡统一，也表现了人与大自然的和谐统一。
四、中国钢琴演奏的音色模拟问题。
音色模拟也是演奏中国钢琴作品的重要问题，音色是一种具有某种象征意义的概念，音色作用于人的联觉是认知和理解音乐作品的重要手段。联觉不仅使人产生听觉的体验，而且还可以使人产生某种非听觉的体验，并且使音乐音响与其表现对象之间发生对应关系，不同的音色会使人有不同的心理感受。例如：黎英海根据古琴曲改编的钢琴作品《阳关三叠》利用了几小节模仿古琴的音色，使人仿佛看到古人惜别友人的情景，这种音色使人产生一种特定的意象，营造出一种悠远、淡雅的情思与气氛。再如：王建中根据同名民间唢呐曲改编的钢琴作品《百鸟朝凤》利用了大量的装饰音来模仿大自然的声音（鸟鸣、蝉叫等），将百鸟争鸣的欢悦景象栩栩如生地呈现在人们眼前，给人以酣畅淋漓的感觉。可以这样说，音色模拟是中国钢琴作品呈示音乐内容的一种重要手段，从音色上模仿一种声音或音响概念也是表现特定意境的需要。
中国作曲家经过一个世纪的努力，为我们提供了许多优秀的钢琴作品，这些被刻上中国传统音乐文化烙印的钢琴作品，以其浓郁的民族风格和高雅的艺术品味在长期的演奏实践中，充分显示了持久的艺术生命力。演奏中国钢琴作品必须深入地了解我国的传统音乐文化及其创作背景，否则只能是“徒见成功之美，不悟所致之由”，因此，应该以我国独特的审美观念来演奏诠释中国钢琴作品的音乐内涵，使之不仅有美的创作，而且也有美的演奏。
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇十三
[摘要]放松是钢琴演奏的基础，由于生理上的紧张而导致弹奏姿势不好、演奏时对乐曲的处理、表现、思路不明确以及对环境的变化不能很好的适应而过度紧张会影响到钢琴的演奏。
[关键词]钢琴放松理解体会练习。
放松是钢琴训练的基础。如何在练习的过程中做放松呢?我认为有以下几点。
一、理解放松。
放松不是技术，而是一种状态。在形式上，一般可分为静态放松和动态放松两种。静态放松是持续的放松，如熟睡时的状态;动态放松是瞬间的、局部的，是一种完整动作张弛的一个间歇，目的不是为了静止，而是为了“待动”。钢琴演奏中的放松就属于动态放松。
正确的放松可以理解为一种“积极休息”的状态，在所有可以不用力的时刻和所有可以不用力的身体部位，都处于毫不费力、非常舒服的状态，同时又可以随时转入行动的状态。这种放松是相对紧张而言的，是去掉多余力量而并非不用力。在进行某种弹奏技巧时，往往容易产生多余紧张，也就是与弹奏动作无关的别的肌肉的紧张;或者产生过度紧张，也就是与弹奏动作有关的`肌肉不适度的紧张，这在钢琴学习中是一种普遍现象。在技巧训练中强调放松就是要做到规范的触键动作，即相关肌肉的紧张和不相关肌肉的相对放松。
二、体会放松。
体会是一种感受和实践。著名钢琴教育家周广仁教授曾这样形容:“手指好比在前线打仗的战士，必须要有畅通无阻的后方来支援。”这里说的“畅通无阻的后方”就是指从手腕到肩部，包括整个身体的上部都要放松。也就是从第一个支撑点指尖开始，到另一个支撑点接触琴凳的身体为止都应该保持自然松弛的状态，尤其是肩关节到腕关节处，任何一个部位出现了紧张状态，力量都不能畅通无阻。
任何形式的放松都是相对的，比如，手指的放松并不是不用力就能把手指支撑起来，手型的放松也不是指整个手掌软绵绵的趴在琴键上。在弹奏中没有绝对的放松也没有绝对的紧张。臂的放松:在做这个练习时，大部分学生会主动的拿起手，不能被动的让老师帮忙拿起。在松手坠落的时候，大多出现手臂悬在空中，没有“掉下去”的感觉。针对这一普遍现象，可以在提起时用“吸气”、落下去用“呼气”的感觉来协助体会放松。还可以向前附体90度，双臂向下自由摆动来体会双臂的放松。手腕的放松可以用下面的方法试一试:手指击键后按住琴键，让手腕做一些上下左右或旋转的动作。在练习手指放松的时候，可以将处于休息状态的自然弧度的手指置于桌面，然后抬指，随即又回复到休息的状态，循环往复的练习。
三、练习放松。
紧张与放松的快速交替是钢琴演奏的基本原理，没有紧张，钢琴不能发声，没有放松，音色不能优美、演奏不能持久。关键是要去掉多余的动作和多余的“紧张”。比如弹和弦和八度时，紧张与放松的交替就体现的更明显:第一步是手指贴键的准备，是放松的状态;第二步是抬指、发力、触键;为了声音干净整齐，刹那的紧张是非常重要的;第三步是刹那的放松。可见这个过程正是“松”、“紧”、“松”的快速交替。
钢琴弹奏是从头到脚的全身运动，是全身各部位的高度配合。聆听是取得身体动作放松的关键。更重要的是演奏者在聆听时及时鉴别声音的质量，养成追求美好音色的敏锐感觉。
1.肩、肘、臂的放松。
肩关节僵硬会引起背部酸痛，要达到手臂在键盘上左右移动，肩关节必须放松。教师只需要轻轻敲打学生肩膀，同时还要向学生讲述力量流通的路线。弱奏时控制音量的正确方法是:降低触键的速度、减少掌关节的爆发力，并不是小心翼翼的不敢下键;上行时将身体右倾、下行是将身体左倾，让身体调整到能使手臂自如活动。不要依靠耸起肩膀来腾出手臂活动的空间。
肘关节是上臂与前臂的连接枢纽，起着传递和调配力量的作用。练习中，可以让手指站在键盘上，将肘部像扇翅膀一样上下摆动，就可以获得放松。多练习抒情乐曲可以使肘关节放松。
手臂用力不恰当，容易造成手酸。首先，在放松的潜意识指挥下，手臂有意的去找放松的感觉。其次，通过远距离跳动来放松手臂，化解手臂的僵硬。
2.手腕、手指的放松。
手腕是连接手掌和手臂的枢纽，是手臂力量传到指尖的控制阀，又是各种音色、奏法的关键，腕关节如果盲目用力，会使音色变得难听。做一些连音与跳音的对比练习可感受使用手腕力量的区别。跳音时利用轻微的手腕来完成手指触键，手腕的运动方向是上下的;连音时可以利用移动手腕的方法将力量传送到各个指尖来完成连奏，手腕的运动方向是左右的，有弧度的。
手指是钢琴弹奏最直接最敏感的部位，手指的动作也是瞬间的紧与立即的松。根据重音位置及音型调整手指的高度，即高指与低指两种不同触键技巧，可以用第一音高抬指的力度带出后面若干音。
3.练琴方法获得的放松。
慢练:在初步体会放松或一种技巧没有熟练前，快速弹奏会使学生淡忘放松的感觉，只有反复的“慢练”，不断聆听放松带来的优美音色，才能使放松贯穿于整个弹奏过程。
精练:放松在一定程度上还受熟练程度的制约。一些生硬、紧张的动作，常会随着动作的逐渐协调即“精练”而自然消失。如音阶进行时的穿指动作，由慢到快的反复练习，就能做到放松自如、流畅连贯。
总之，放松是钢琴演奏的基础，也是关键。正确的学会放松是弹好钢琴的先决条件。在弹奏中不但要学会调整身体各部位肌肉的放松，做到有控制有支撑的放松，而且还要具备良好的心理素质，使之能适应不同的环境，从而演奏出好的音色与美的音乐。只有学会了放松，才有可能在钢琴演奏的领域中挥洒自如，得心应手。因为放松是走向钢琴演奏艺术殿堂的必由之路。
参考文献:。
钢琴大师谈钢琴演奏的论文范文（14篇）篇十四
弹奏技能和心理素质作为钢琴演奏教学重点内容，学生在钢琴演奏过程中，既要具备专业的弹奏技能，又要具有超强的心理素质，只有这样，才能够顺利完成钢琴演奏实际表演，全面提高自身演奏水平。因此，作为教师应该根据学生演奏学习具体要求，分别从弹奏技能和心理素质两个方面展开教学，从而保证钢琴演奏教学更加全面、具体，有效提高学生钢琴演奏整体质量。
1弹奏技能培养对策。
1.1强化读谱、背谱练习。
琴谱是学生必须掌握和了解的，学生只有对琴谱了然于胸，才能够保证钢琴演奏更加顺畅、流利。因此，在钢琴教学过程中，教师应该重视琴谱教学。［1］向学生教导正确的读谱技巧，培养学生形成良好的背谱习惯，从而保证学生能够扎实掌握琴谱内容和钢琴演奏节奏，提高学生钢琴演奏水平。首先，教师在课堂上，需要告知学生为什么要读谱、背谱，琴谱对钢琴演奏有哪些重要作用，以及琴谱不熟练可能造成的钢琴演奏问题，从而让学生对琴谱树立正确的思想认知，端正琴谱学习态度。其次，教师应引导学生正确读谱、背谱。无论是在平时学习、日常训练还是专业比赛当中，都要先读谱、背谱，再进行弹奏，从而扎实学生读谱与背谱基础，提高学生钢琴演奏能力。
1.2加强弹奏技巧训练。
在钢琴演奏过程中，学生的演奏技能，在很大程度上决定着演奏水平。因此，在钢琴教学过程中，教师应该重视学生演奏技能的强化训练，从而保证学生对演奏技能掌握更加牢固，夯实演奏功底，全面提高学生钢琴演奏水平。首先，教师可以根据钢琴演奏教学目标，提炼钢琴演奏重难点以及演奏技巧，并在课堂上通过理论讲解、情境演示、示范教学等方法，让学生对钢琴演奏技术难点形成一定的思想认知；其次，教师引导学生自主展开对技术难点的强化练习，通过循序渐进的演奏训练，提高学生自身在钢琴演奏领域中的技术造诣；最后，教师需要引导学生在进行演奏技巧练习的过程中，不断进行自我反思、总结，并优化演奏技巧，规避技巧错误。
1.3加强音乐鉴赏和弹奏处理能力训练。
学生若想钢琴演奏表现优秀、演奏水平发挥得当，必须对音乐作品内涵、节奏、情感加以掌握，并以此为支撑，细腻地处理演奏情感，保证演奏水平更加高效。因此，钢琴教师不仅要重视学生演奏技能强化训练，更要培养学生形成良好的钢琴作品自主鉴赏习惯。要求学生在演奏之前先对钢琴作品的创作背景、风格、内涵以及情感进行全面的掌握，［2］根据自身对音乐作品本身的解读，合理设计钢琴演奏方案，从而保证学生的钢琴弹奏更具有创新性，符合学生弹奏个性，为学生成为创新性人才奠定良好的素质基础。
2.1因材施教。
心理素质是学生个体在行为表现背后所具有的心理状态，不同的学生个体，因为先天性格条件和成长环境条件的不同，所具有的心理素质具有很大差异。因此，钢琴教师要想合理培养学生形成良好的弹奏心理，必须根据学生个体需求，因材施教。根据学生在钢琴演奏期间的心理表现，选择恰当的方式进行心理教育和疏导，保证学生对钢琴演奏建立起自信心，克服演奏心理压力和不良情绪。比如，针对比较自卑的`学生，教师可以在平时多对其进行鼓励，当他们在钢琴演奏练习中表现优秀时，教师应多加表扬，多认可他们的钢琴演奏表现，在指出问题和错误时，也要注意指导态度和方式方法，避免打击此类学生钢琴演奏学习的积极性。而对于平时盲目自信、马虎大意的学生，教师应采用严格教导的方式，让他们能够正确认识自身在钢琴演奏中存在的不足，并不断完善和提高自身演奏技能。
2.2树立正确演奏观。
良好的演奏观念，是决定学生钢琴演奏水平的重要因素，只有具备正确的演奏观，学生才能够自主参与钢琴练习，并以平常心对待钢琴表演，从而有效克服自身在钢琴演奏过程中的心理压力和负面情绪。首先，教师应该为学生构建开放、自由、轻松的练习情境，让学生以一种轻松的状态，参与钢琴演奏练习。［3］其次，教师要引导学生对钢琴产生自主学习兴趣，通过构建课堂情境，丰富教学和训练方式，让学生对钢琴训练产生更加饱满的学习热情。最后，教师要引导学生树立终身学习思想，不断强化钢琴演奏练习，并积极学习其他人优秀的弹奏经验，逐渐建立起钢琴演奏的自信心，从而不断提升自身演奏水准。
2.3加强演奏实践练习。
为保证学生在钢琴演奏领域具有良好的心理素质，教师应该多组织一些实践练习活动。让学生通过不断的练习，降低自身对钢琴演奏的陌生感，并在实际表演过程中，逐渐提高演奏自信心，形成良好的心理素质。同时，通过钢琴演奏实践练习，学生能够清楚了解钢琴演奏过程中容易出现的事故和问题，并根据自身专业技能合理处理问题，确保钢琴演奏顺利进行。学生在钢琴演奏领域具有良好的事故处理能力，在以后的专业表演中，也能够轻松应对各类演奏问题，进而展现出专业的演奏素养。
3结语。
在钢琴演奏教学领域，教学目标以提升学生演奏技能，培养学生演奏心理素质为主。因此，钢琴教师在进行教学时，应该合理根据这一目标，优化钢琴教学，围绕学生钢琴演奏技能基础和心理素质，展开针对性的练习。让学生在教师的指导和特定的练习过程中，掌握专业的演奏技能，并且全面提升自身钢琴演奏心理素质，从而为自身在钢琴演奏领域获得更大的发展空间奠定素质基础。
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