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精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇一
班级：软件1304姓名：王永森。
学号：20131692****正文：
这学期学习了美术鉴赏这门课，通过这门课的学习，让我认识到美术鉴赏是一门对美术作品进行欣赏、感受、分析和判断的一门学科，这门课让我对美术有了新的认识，新的观念和理解。同时，也提高了个人修养。就美术而言，有中国的和外国的，而中国的又有古代的近现代的，其中又包括很多类，有绘画，雕塑，建筑，园林艺术等，美术可谓所涉及的种类之多，范围之广，中国的和外国的各有特色。下面我们就来说说中国的美术及外国的美术。
美术，就中国来说，从古代就非常有特色，先从绘画说起，其种类有很多，根据技法的不同，可分为工笔和写意两种，前者强调调以线造型，只表现物体的固有色，抛弃环境对物体的影响，后者也强调以线造型，但是更强调笔墨的感觉，曰：有笔有墨谓之画。色彩遵循“色不碍墨，墨不碍色”的法则。利用生宣纸渗透性强的特点，充分发挥毛笔和墨的功能，表现出墨的焦、重、浓、淡、清的特点。不管是工笔还是写意。都不强调对光的刻画，只表现物体本身的固有色，和物体本身的阴阳向背。对空间的刻画，采用意象空间的方式。而近现代的绘画与古代的绘画略有不同。
然后我们可以再看看中国的雕塑，因古代社会制度、文化、哲学与宗教，都不同于古代希腊，中国古代又重礼教，尊鬼神，艺术重心倾向于工艺美术，在礼器、祭器上发挥艺术天才，并且同样也形成传统，影响深远。从陶器、青铜器、玉器及漆器等工艺品发展出以装饰功能为主的实用性雕塑，在历代都占有主流地位。中国有中国的历史和文化特殊性，也有其艺术的特殊性。综合上述分析我国古代雕塑艺术作品特征表现这几个方面：有中国古代雕塑的装饰性。无论是人物还是动物，也无论是明器艺术、宗教造像还是建筑装饰雕刻，都反映着传统悠久的装饰趣味。中国古代雕塑具有明显的绘画性。中国古代雕塑和绘画都有着原始工艺美术，二者相互结合相互补充，中国雕塑和绘画具有审美要求上的一致性。还有一个特点就是意象性，西方雕塑从古希腊时期起，就努力摹仿再现自然，写实性极强。中国雕塑和绘画很迟才脱离工艺美术的母体而独立门户。我们必须换一种眼光，使用我们自己民族的艺术标准和审美习惯，来欣赏中国古代雕塑“以形写神”的艺术效果。感受到一个艺术品所传达的人的生命力、精神状态和宗教境界等等形而上的东西。所以雕塑艺术对我们生命认识有很大的影响。
当看完中国雕塑后，中国的建筑也是一种艺术，在古代，以木质材料为主，有很多特色的建筑，如故宫。其中以宫殿和都城规划的成就最高，突出皇权至上思想和严密的等级观念。其次，又特别注重群体组合的美，或取中轴对称院落式布局，或为自由式，以前者为主。还有注重与自然的高度协同，尊重自然。然后，艺术性格特别重视对中和、平易、合蓄而深沉的美的追求。中国建筑艺术是中国人的伦理观、审美观、价值观和自然观的深刻体现。在漫长的发展过程中，中国建筑始终保持了自身的独特性格。中国的建筑艺术，深刻影响着我们的生活，一直持续到现在。
再说说中国的园林艺术，中国的园林艺术已经有了三千多年的历史了，并且在不断的发展中逐渐形成了具有民族特色的风格。中国园林艺术与西方的几何形园林艺术不同，中国古代园林综合了建筑绘画雕刻以及诗文等多种艺术。将自然山水的景色浓缩、集中到庭院之中是中国园林的一大特色。中国古典园林的园景上主要是模仿自然，用人工的力量来建造自然的景色，园林中除大量的建筑物外，还要栽花种树，用人工仿照自然山水风景，参以诗词的情调，构成许多如诗如画的景。除满足造园者满足居住上的享乐需要外，更重要的是追求幽美的山林景色，以满足精神上的享受。中国古典园林经常用诗词书画渲染气氛，提升意境。这就是中国古代园林艺术的高超技艺，特点十足，中国近现代的园林艺术有很多都是模仿古代的设计特色而构建的，很有古色古香的味道。
外国的绘画，很强调对色彩的运用，这是西方与中国绘画的本质区别。从实际上来说，西方传统绘画并不是不讲艺术，只不过是在讲究艺术性的同时，兼顾着诸多非艺术性的方面。这大概就是传统绘画区别于现代派绘画的重要标志。西方传统绘画的另一个特点，是强调描述。长期以来画家们一直是把有效地表现故事和传说、描绘具体的情节，以表达某种寓意或象征，当作自己的任务。西方传统画与现代绘画差异，还反映在对于所谓再现的不同态度上。对于传统绘画来说，再现是其根本所在，也可以说是西方传统绘画的基本目标。西方绘画毕竟与中国绘画有所不同，各有特色，当谈到西方绘画时，我们会想到许多与中国不同的地方，这可能也受着文化习俗与崇拜信仰的影响，再加上宗教等的一些，差别肯定很大，所以，我们要用不同的眼光来看待西方的绘画。
不光有绘画，还有外国的雕塑，因为受地理位置影响，以及文化差异，宗教信仰的不同，西方雕塑与中国的雕塑艺术也大有不同，所以说中西方雕塑艺术的题材与形式上的不同由地理环境和社会组织结构的不同所决定。主要以欧洲为中心，代表作品有很多，其中以古希腊雕刻，古罗马雕刻，中世纪雕刻，文艺复兴时期雕刻等。其次，又由于观念意识，思维模式不同所造成的中西雕塑在表现方式上的差异。当对比西方文化时你会发现，中国的传统文化是追求的是统一的整体，而西方则是把一个整体分为不同的部分，西方文化重视的是逻辑推理的思维模式，结合了古希腊的科学主义与理想主义，为西方雕塑艺术奠定了基础，而中国的雕塑则强调直观意识思维方式，通过直觉来感悟，体验把我对象，着两种思想意识上的差别形成了中西雕塑艺术的不同。然后，中西雕塑的也表现在功能和类型上的差异。从这些就可看出中西文化差异也表现在雕塑艺术层面。
与中国的不同，外国的建筑，和其他的如绘画，雕塑也差不多，都受本土地理环境与文化影响着，自然也和中国的不同，同样我们要从不同的角度去看，才能深刻了解与体会和感受到西方建筑艺术的特点。西方建筑每每以巨大的体量和超然的尺度来强调建筑艺术的永恒与崇高。它们具有严密的几何性，常常以带有外张感的穹隆和尖塔来渲染房屋的垂直力度，形成傲然屹立，与自然对立的外观特征。古代埃及建筑文化的代表——金字塔与神庙，便突出表现了这一特点。金字塔是埃及法者或贵族的陵墓，古埃及人信奉灵魂不死的观念，认为死后永久保存肉体，便可在天国求得永生。由此，埃及法老在世时均要为自己营建代表永恒信念的金字塔。金字塔与我国古代王陵绝然不同，它不带有“入土为安”的阴柔之美，也不在深埋地下的地宫中去创造宛若人世间的富庶华丽生活的地下天堂，而是以最简明有力的几何形式，集中表现出一种与世长存的永恒主题。从艺术哲学观念来看，位于尼罗河西岸开罗近郊的吉隆金字塔群，正是以其巨大、单纯、简洁、稳定的造型，在广阔、原始、浑朴的大漠中，表现了一种超自然的纯阳刚之美，而产生了强烈的纪念性——神圣，永恒，庄严，崇高。所以像金字塔这样的建筑自然在中国不会出现，说到这，让人无法想象，西方古代的技艺是如何的高深，现代的人们都无法解开金字塔之谜，这还需要我们慢慢去探索，慢慢去发现，去欣赏更多的美，更多的艺术。
总之，美术鉴赏是一门让人们更加深刻去认识美的课程，可以提高我们的人生修养，我们要不断的去学习，去体会，去感受。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇二
论“中国美术史宋元明清时期”
艺术，从人类起源而诞生而且随着人类精神生活的提高而不断发展，不断完善。现在的艺术通常可以从三个层面来认识。第一是从精神层面，把艺术看作是文化的一个领域或文化价值的一种形态，把它与宗教、哲学、伦理等并列。第二是从活动过程的层面来认识艺术，认为艺术就是艺术家的自我表现、创造活动，或对现实的模仿活动。第三是从活动结果层面，认为艺术就是艺术品，强调艺术的客观存在。而在中国美术“这个专门名词，在中国是从”五四"新文化运动开始被文艺家和教育家普遍运用的，但后来，中国的文艺界，和美术界逐渐把艺术和美术分离开来，艺术成为表现人类情感的一门学科，而美术便成为了艺术的一个分支，用来表示视觉上的艺术效果，例如墨水画，雕刻，等其他表现形式。
在中国的美术史上，有过许许多多的美术巅峰期，战国秦汉时期的雕塑和青铜器，隋唐时期的绘画与佛教美术石窟，以及宋元时期多元化的绘画技巧。而这其中宋元时期的绘画经过前面各段时期绘画技巧的不断积累达到中国封建时期绘画的最高峰。下面，我将着重介绍宋元明清时期绘画的艺术特征和绘画风格。
首先是两宋时期，两宋时期是我国古代绘画彩墨争辉，情景交融的新时期，其绘画在隋唐五代的基础上得到了很好的发展。民间绘画、宫廷绘画、文人士大夫绘画各自形成体系，彼此间又相互影响、吸收、渗透，构成了宋代绘画丰富多彩的面貌。两宋在一段时期内，社会保持着相对安定的局面，商业手工业迅速发展，出现了空前未有的繁荣。其次，南宋虽然偏安江南，由于物产丰盛，大量南迁的北方人和南方人一起共同开发江南，使得两宋文化都得到了继续和发展，并超过了北方。另外，这个时期的政治形式，经济发展和社会思想文化状况，都对绘画的发展有着不同程度的影响。另外一个重要的原因便是皇室贵族对美术需求量的日益增长和统治阶级对美术的重视和爱好，使得宫廷绘画出现了前所未有的繁荣。另外，城市的繁荣和市民阶层的壮大，也使绘画和社会群众建立了较前代更为广泛的密切联系。人物画在反映现实生活中有了大幅度的进步，从唐代以画重大历史事件和贵族生活为主，扩展到描绘城乡市井平民生活的各个方面：这其中的代表就是张择端的《清明上河图》。花鸟山水画的发展也超过了以前时期。由于社会的重视，山水画逐渐跃居绘画的主体地位，并朝着广度和深度进一步发展，更加注重写生和技法的探索，呈现出巨匠辈出，异彩纷呈的繁荣景象，元代绘画在唐，五代，宋的基础上，有了显著的发展，特点是取消了画院制度，文人画兴起，人物画相对减少。绘画注重诗书画的结合，舍形取神，简逸为上，重视情感的发挥，审美趣味发生了显著的变化，体现了中国画的又一次创造性的发展。元代前期各位画家对唐，五代，宋以来的山水画继承和发展进行了认真的探索。花鸟画以梅兰竹石为主体的文人画广泛流行，讲求自然和笔墨情趣。许多山水画家也兼擅水墨花鸟和梅兰竹，文人画占据画坛主流。因元代未设画院，除少数专业画家直接服务于宫廷外，大都是身居高位的士大夫画家和在野的文人画家。他们的创作比较自由，多表现自身的生活环境、情趣和理想。山水、枯木、竹石、梅兰等题材大量出现，直接反映社会生活的人物画减少。作品强调文学性和笔墨韵味，重视以书法用笔入画和诗、书、画的三结合，提倡遗貌求神，以简逸为上,追求古意和士气,重视主观意兴的抒发。与宋代院体画的刻意求工、注重形似大相径庭，形成鲜明的时代风貌，也有力地推动了后世文人画的蓬勃发展。
明朝时期苏州地区逐渐发展成为南方的大都市。经济的发达促进了文化的繁荣，绘画名家出现很多，文人名流经常聚会宴饮，很多文人把画画当作娱乐。他们继承和发展了崇尚笔墨意趣的元代绘画传统。他们新颖的绘画风格和杰出的艺术成就闻名画坛。后人将他们称为“吴门四一谈到明朝时期的绘画，我们就会想到唐伯虎，以及江南四大才子，还有就是扬州八怪。诚然，他们以新颖的绘画风格和杰出的艺术成就而称誉画坛。这个时期的绘画艺术，所取景致，无论是简陋还是宏阔，都强调清宁的环境和闲适的情致，既基于对客观环境的提炼概括，又寓含一定象征意义，寄托了文人的理想和品格。另外，明朝即是院体派和吴门画派并存的时代，与此同时也是两派兴衰交替的时代，以林良、吕纪为代表的宫廷花鸟画包含了工笔重彩和水墨写意的不同风格。在民间，受到戴进影响的浙派画家吴伟，画风放纵，对当时的画坛影响很大。明代晚期是吴门画派最兴盛的时期，虽然当时受生活范围的限制，绘画题材面狭窄，题材比较单调，作品的重复性很大。但是，他们重视继承古代人的笔墨传统，把对风格的追求作为艺术的重要目的。而且，由于他们具有深厚的文化修养，有各自的美学追求，从而也具有一定的创造性。他们的笔墨技巧和表现手法，对后来画坛有很大影响。
清朝的画家中比较有名气就是郑燮，即是郑板桥，其诗、书、画世称“三绝”，擅画兰竹。郑燮一生画竹最多，次则兰、石，但也画松画菊，是清代比较有代表性的文人画家。他的绘画不是一味的模仿前人的绘画风格，也不是远离生活的笔墨游戏，是有着独特个性，有创新精神。我们可以看出郑板桥所画竹子和题画诗，大多是借竹缘情，托物言志，气节和气概，凡竹子的高风亮节，坚贞正直，高雅豪迈等气韵，都被他表现得淋漓尽致。这正是郑板桥作品不同于传统花鸟画之处，不同于前人之处。传统的兰竹大多数表现为欣赏性的、娱乐性的主题，画面主要追求自然形象的真与美、绘画技能的高与低、笔墨运用的娴熟与雅俗，而到了郑板桥的笔下，除了达到这些技能技巧外，题画诗还赋予这题材新的思想内容和深邃意境，使花鸟画亦能产生思想性、抒情性，给人以深刻的感受。另外比较著名的画家，例如四王（王时敏、王鉴、王翚、王原祁僧），四僧（渐江、髡残、八大、石涛）。晚期的时候，中国逐渐沦为半封建本殖民地，相应的中国的绘画也发生了重大变革。虽然受到外国各种绘画技巧的感染，但他们仍然坚持了中国绘画的美学基础。他们在写意花鸟方面有重大发展，他们继承了前人的传统，并将书法，篆刻等艺术表现形式融于绘画中，以遒劲酣畅的笔力，淋漓浓郁的默气，鲜艳强烈的色彩以及书法金石的布局，创造出气魄宏大，豪迈不羁的绘画艺术形象。对近代的绘画影响甚大。
总的来说，中国唐代以后的绘画，无论从绘画技巧还是从艺术特点上分析，都是中国历史上最灿烂，最辉煌，最引人自豪的时期，作为后代子孙的我们，应该继承发扬传统，将古人的艺术结晶一代一代的传下去。
希腊神话电影：
《特洛伊》。
《大力神》。
《尤里希斯》。
《蛇发魔女》。
《新木马屠城》。
《奥德赛》。
《奥菲斯》。
《亚历山大大帝》。
《世纪对神榜》。
《时光大盗》。
《百劫英豪》《杰逊王子战群妖》。
《米蒂亚》。
《伊阿宋与金羊毛》。
《俄底浦斯王》。
《特洛伊的女人》。
《非凡的阿芙洛狄特》。
《赫拉克勒斯》。
《赫拉克勒斯的爱情冒险》。
《伊阿宋和阿耳戈船英雄记》。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇三
美术鉴赏课虽然结束了，但却让我受益匪浅，老师给我们看的纪录片让我了解了中国及世界其他国家的美术发展进程，让我感受到艺术给人带来的美感，也让我更善于发现生活中的美，审美观也有了很大的提高。在我们的课程中，我最感兴趣的是以莫奈为代表的印象画派，所以我的论文是以《日出印象》来看印象画派。
清晨的海港，海面上薄雾弥漫，一轮红日正从地平线冉冉升起，给清凉的雾气和粼粼的海面渲染了淡淡的红色。几艘小船正缓缓驶来，远处的货轮也开始工作了，整个海港在曙光中慢慢苏醒，阵阵暖意正随着那轮红日扑面而来，破晓前微凉的雾气也在渐渐散去。在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中，一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光，冉冉生起。海水、天空、景物在轻松的笔调中，交错渗透，浑然一体。近海中的三只小船，在薄雾中渐渐变得模糊不清，远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也都在晨曦中朦胧隐现„„这就是三十二岁的莫奈给我们的日出印象。静谧的，朦胧的，深邃的，富有韵律，富有节奏的。一种素描的风格，一种诗的意境。
在十九世纪的法国，当一些前卫的艺术家已经厌倦了新古典主义的条条框框，陈旧的题材，宏大的场面，理性的构图，完美的人体，这一切新古典主义的核心传统都已经成为束缚，这些艺术家渴望冲破羁绊，尽情地抒写眼前的世界，抒发内心的向往。于是，一些新的绘画流派相继产生，其中对后世有着巨大影响的就是印象派，他的领袖就是法国人莫奈，而这幅《日出印象》也是最具代表性的一幅，同时更重要的是“印象派”这个名字便从这幅画得来。
但是印象派的出现并不是空穴来风，它的出现有其复杂的渊源。可以追溯到文艺复兴，人们的自我意识开始慢慢增强，画家也开始越来越尊重自己的主观感受，希望表现自己眼前真真切切的世界和内心真实的感情。而且这也是科学技术的发展，吸收了自然科学对色彩的研究，人们渐渐发现，物体的色彩并不是一成不变的，比如一座教堂是灰色的，但是它在朝阳的照射下就变成了金色，当夜幕降临它又变成了黑色。所以环境和光的变化，物体的颜色是随之发生变化的。印象派画家就是抓住这瞬息万变，转瞬即逝的光与色的印象，然后用自己的笔记录下眼前的景色和自己内心的感受。
莫奈觉得没有什么比这更重要，只有这样才是真正的价值和美好所在。他专注于每一个细微的光彩的变化，它的画面以一种超乎想象的灵动性散发着色彩的生命力。在他的画中，那些色块似乎在人们的眼前不停的跳跃，融合，使观众不知不觉中被带动被感染。《日出印象》便给人这种感觉，我们似乎站在海港不远处一个公寓的窗边，眼前旭日正在冉冉上升，驱走清凉的雾气，带给我们新的一天。
红日冉冉上升，阳光由柔而强，大地迎来光明，一个个连续的变化的瞬间组成了动态的画面，由他们构思自己的图画，让他们表现自己风格。而印象派绘画的最重要的特点之一，就是捕捉动态大自然的一瞬间，把它定格，将它画出。
不再把自己关在画室里闭门造车，不再重现虚构的传说故事，他们带着折叠式手提画架，背着木制颜料盒，搭起遮棚，要着干粮，到野外去写生作画，把亲眼看到的搬到画布上，把实际发生的记录在作品中，把室内绘画变成户外艺术。
莫奈选择他观察日出的地点，不是一望无际的原野，不是山峦起伏的高原，而是他生活了多年的勒阿弗尔港口。他熟悉这里的海岸景色，他脊恋这里的水上生活，他甚至敏感这里的气候变化，所以这幅风景画充满了生活气息，人文的踪影。水光相应，烟波渺渺。几叶扁舟画龙点睛，给画带来了生气，船上的人若隐若现，给画赋予了灵魂。
绘画不是摄影。照片是原封不动地反映外在世界，每一个细节，不管放大多少倍，都绝对真实，都忠于生活。而一幅好的画，却能做到高于生活，用独特的表现手法，经过观众自己视觉的参与，更加栩栩如生，更加活灵活现。这就是我们常说的，不求形似，而求神似。
我们常常喜欢传统的经典的绘画，喜欢那匀和的色彩细腻的笔法，喜欢那维妙维肖，细致入微的表现。其实这往往是把绘画和摄影的功能混为一谈。而印象派，是对传统手法的反叛，小笔触，色彩分割的画法，近乱而远和，近粗而远匀，这开创了现代艺术的先河。此后，后印象主义，表现主义，立体主义，超现实主义，抽象主义，风起云涌，争奇斗艳，画家越来越注重于绘画的形式，而忽略甚至脱离它的情节内容。一直到了现代的抽象派，绘画成了纯粹的色彩组合，而其内容已经无从可知了。
这一切都起源于莫奈，他不愧为印象派之父，首先把自然的真实性降低于色彩表现形式之下，把理想化的主题排斥在绘画目的之外，他为着运用色彩去作画。从此艺术不再是描绘对象的附庸，而有着独立的品格和自主的权利。
历史上没有一个画家，象莫奈那样自觉地运用这样的原理，针对同一主题，专门描绘不同季节，不同光线和不同天气状态下的色彩变化，这类作品被称之“连作”。他会在同一地点支上几幅画架，每天在依次特定的时间在特定的画架上作画，周而复始，来捕捉同一对象在不同时间下的不同色彩。
由此我们来看19世纪的的法国，在“浪漫”以前，其实有很长一段时期的固板和黑暗。那时，法国画坛由官方学院派主宰，画等级森严。年轻人想走艺术之路，路漫漫、荆棘重重：首先要进美术学院听课，画《圣经》故事或以希腊罗马历史题材的学院画参加比赛，获奖者到意大利进修，然后作品在沙龙展出，被美术学院聘用，最后进法兰西美术学院，才得以修成正果。
于是就有一部分青年画家反对官方学院派的墨守成规和独断专行，要求艺术上的革新和创作上的自由。他们经常聚集在巴黎的盖尔波瓦咖啡馆，交换对艺术的见解，共同寻求艺术创新道路。
当时随着科学的发展，光学和色彩学的很多研究成果问世。追求创新的画家们深受这些成果的影响和启发，把它们直接运用到艺术法则上，如：他们认为自然界的一切物体的色彩都是七种原色组合而成的太阳光的照射的结果。在不同的时间、环境、气候等客观条件下，物象受不同的光的支配而产生不同的色彩，如果离开了光和色彩便没有世界。
因此,印象派和古典写实派的首要区别就在于,它把表现“光”和“色彩”的综合效果成为画家绘画的首要任务，而具体的物象只是传达光和色彩的媒介，其本身的意义成為次要。所以我们在印象派的画中看到的是充满阳光和空气感的色块组合，大笔大笔的色块组成画面，展示色彩斑斓的与过去完全不同的视觉效果。其次，由于阳光、空气等环境是瞬息万变的，捕捉“光”和“色彩”带来的瞬间“印象”，便成了画家的另一任务。于是他们把画架搬到室外，面对自然进行写生，以迅速的手法把握瞬间的“印象”。印象派画家们把户外写生发展到最高度，展示出大自然不寻常的丰富灿烂的景象。再者,在构图上，印象派发展也可以说是夸大了古典主义的绘画的透视原则。対透视造成的物体大小形变加以强调,造成一种别致的“第一印象”的效果。另外,在造型上，印象派舍弃物体的边缘轮廓线，代之以较为含蓄的色彩过渡或强烈的色彩变换。也就是说是翻转了造型和色彩的关系，让造型服从于色彩,产生一种光影的朦胧。
所以说印象派是19世纪中叶欧洲艺术从现实主义向现代主义过渡的重要阶段，印象派画家以创新的姿态登上法国画坛，其锋芒针对陈陈相因的古典画派和矫揉造作的浪漫主义。印象派画家吸收了写实主义绘画的营养，在绘画中开始对室外自然光的研究和表现。根据“物体的色彩是由光的照射而产生，物体的固有色是不存在的”这一当时最新的光学理论，印象派画家认为，景物在不同的光照条件下有不同的颜色。印象派画家倡导走出画室、去户外写生，力求真实地刻画自然，直接描绘阳光下的风景和日常生活，摒弃16世纪以来狭隘的褐色调。印象派的代表画家有马奈、莫奈、雷诺阿、德加、西斯莱、毕沙罗等。在印象派之后，塞尚、高更和凡·高都认为绘画不能仅仅像印象主义那样去模仿自然光中的客观世界，而应该更多地表现画家对客观事物的主观感受，这就是大名鼎鼎的“后印象主义”三剑客。此后，现代主义的艺术潮流层出不穷，世界艺术形式的大变革开始了。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇四
也许是冥冥之中自有定数，在大二的尾巴抓住了艺术的犄角，还记得第一次去上《中外美术鉴赏》课程的时候，第一个女老师给我们放映了几百年来外国优秀美术作品中的人物画像，还记得其中的人物画像中的主人公大多数是女性，同时也说明了外方女性人权的发展见证了外方美术史的发展，还有就是老师在课堂上播放了一些满是创意的小视频小发明，其中趣味索然，给人印象深刻，同时也传播了艺术的趣味性，世人离不开艺术，生活离不开艺术，艺术创造美好生活。
外方作品独赏识《日出印象》，1872年克洛德。莫奈的这幅名为《日出印象》的油画首次展出，这幅画描绘了法国勒阿佛尔港口黎明时分的情景，港口作业区的大致轮廓——起重机、吐着烟的烟囱、建筑——透过浓密的晨雾和满画面的匪夷所思的破碎笔触，观者所能辨出的就是这些。这幅画儿当时在大多数人眼中简直是一团糟。批评家们更是大为恼怒，他们将这幅画的作者莫奈以及与之画风相近的画家的称为“印象主义”。指责莫乃画风太幼稚，其画作不过是小儿涂鸦而已，与勒阿佛尔港日出时的情景何尝有半点相似。几年后艺术评论来了个180度转变，好象莫奈好得不能再好了，仿佛印象派画家不仅长与用笔而且捕捉视觉真实的技巧已臻化境，令当代画家相形见拙。
为何莫奈笔下的勒阿佛尔港先被说成一团糟，后来又被称为对港区日出情景了不起的再现？我们该如何理解此种戏剧化的转变。
莫奈背弃了关于勒阿佛尔港传统的种种表达方法，而更趋向于表现真实的自我感受，传达出自己对日出的鲜活印象，将常识之类搁置一边，竭力捕捉最初朦胧印象，并将其凝固在画布上。他试着画出的是我们打量世界时实际看到的一切，而不是我们料想我们会看到的东西。因此开始的时候人们自然会抗拒，勒阿佛尔港的日出怎么是这样的呢？可是随着时间的推移，经过观察，人们发现，当船衬着城市的背景出现时，在特定的光线下从特定的角度看去，船似乎真的是在城里行驶，有时海天会浑然一色，我们实难分辨何为大海，何为天空。
而就我个人而言，独爱徐老的作品，徐老一生以画马闻名世人，在他个人的艺术成就中，也以画马的成就最为卓著。他一生致力于国画的改革，而体现他国画改革最高成就的就是他的国画奔马。他非常注重写生，关于马的写生画稿不下千幅，学过马的解剖。对马的骨骼、肌肉、组织了如指掌，同时，他还熟悉马的性格脾气。在技法上，他以中国的水墨为主要表现手段，又参用西方的透视法、解剖法等，逼真生动地描绘了马的飒爽英姿。用笔刚健有力，用墨酣畅淋漓。晕染全部按照马的形体结构而施加，墨色浓淡有致，既表现出马的形体，又不影响墨色的韵味。徐悲鸿的马是中西融合的产物，这种融合是极为成功的。其中不得不提曾经轰动一时的《八骏图》。其中主角——八匹骏马，一个叫绝地，足不践土，脚不落地，可以腾空而飞；一个叫翻羽，可以跑得比飞鸟还快；一个叫奔菁，夜行万里；一个叫超光，可以追着太阳飞奔；一个叫逾辉，马毛的色彩灿烂无比，光芒四射；一个叫超影，一个马身十个影子；一个叫腾雾，驾着云雾而飞奔；一个叫挟翼，身上长有翅膀，像大鹏一样展翅翱翔九万里。
外国的名画家还有米开朗琪罗，达芬奇，其中达芬奇的《岩间圣母》引人入胜，它所体现出来的是作者极具表现力的写实功底，达芬奇的《蒙娜丽莎》为外方世人所称赞不已，当镜子被放置在蒙娜丽莎的右手和右肩膀一侧，就会看到“戴着头盔的耶和华”。此外，他们还在这位艺术大师的另一名作《最后的晚餐》中耶稣前方的桌子上发现一个倒置的圣杯。有报道指出，西方某艺术调查组织的这一“镜子理论”也许解释了为什么达·芬奇许多作品中的人物似乎都有所指向性或凝视着远方，就好像在寻找神圣的东西。据记载，达·芬奇经常以镜像书写（注：他喜欢从右至左写字），一方面是防止“对手”剽窃他的创意，另一方面是想隐藏他的一些科学理论。
综观中外美术芊芊作品，各具特色。相比而言，中方更重视作品的意境，而西方作品则以体现事物的多种内涵和更注重色彩的运用为特色。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇五
计算机网络只是获取资源的一种渠道，要真正使用它，还要有一定的技术设备。过去电脑价格比较昂贵，只有少数单位和个人能够拥有，而随着电脑技术的日益成熟以及商家之间的价格竞争，电脑的价格已经下降了不少。如今走进学生的宿舍，往往可以看到桌面上摆着台式或笔记本电脑，学生们正熟练地使用计算机上网。在课堂上学生甚至会用手机查找学习资料，帮助理解课堂知识。所以，个人电脑的易于取得为利用互联网进行学习提供了必要的条件和准备。
2.互联网的使用方法简单易学。
现在人们已经普遍懂得使用络浏览器上网阅读资料，通过搜索引擎和数据库平台进行资料查找也很简单，只要输入关键词就可以搜索到，使用方法比较简单。通过电子邮箱收发邮件，通过聊天工具交流信息，传输数据，通过论坛发表自己的观点、看法也是很方便的事情。而这些为互联网辅助教学起到了促进的作用。
3.学生对网络的喜爱。
作为年轻的一代，学生对新事物的接受很快。同时他们又具有较强的求知欲和好奇心。校园里的电子阅览室常常是座无虚席，宿舍里也经常能够看到学生们上网的身影，学校周围的网吧也总是生意兴隆。上网在学生们的生活中所占的比重越来越大。学生们对互联网的热情对利用网络进行教学大有益处。
1.互联网上具有美术鉴赏课所需的丰富教学资源。
美术鉴赏课的教学需要大量的图片、文字、数据、视频等参考资料，现在网络当中已经存在有大量与美术相关的网站，可以为教学提供丰富的资源。
（1）具有检索功能的图书期刊数据网站。
现在许多院校向这些数据网站交付一定的使用费后提供给本校的师生免费使用。这些网站有几大好处：一是资料可靠，二是质量有一定的保证，三是能够满足同时查阅资料的需要，四是下载后可以长期阅读，不必担心借阅超期问题。这些检索系统的数据是直接把纸质的材料直接转换成电子数据，中间几乎没有数据的丢失或者修改，资料的可信度较大。这些资料也是大部分来源于一些正式的出版物，在质量上是有一定的保证的。图书馆的藏书是有限的，如果出现许多人同时要借某一个资料或者是某一类资料，就不一定能同时满足借阅的需要，而网络上的资源就不存在这样的问题，可以供许多人同时下载，而且没有借阅期限，可以有充裕的时间来进行阅读和思考。这是利用互联网络进行学习时很重要的一个资料来源。
（2）介绍画家个人艺术创作为主的网站。
这类网站包括了艺术家的个人网站、艺术家个人美术馆所办的网站。艺术家的个人网站一般包括艺术家的个人简介、作品的在线展示、艺术观点和评论文章，以及艺术活动、出版著作和获奖收藏等等。这类网站往往能够较好地选择出代表艺术家创作面貌和整体水平的作品。对艺术家的介绍也比较概括、简练。同时网站往往还放有艺术家所撰写的文章、访谈以及一些比较有代表性的评论文章等。艺术家个人美术馆所办的网站由于有专业的艺术研究团队以及固定的资金的支持，网站规模就要大得多。对艺术家的介绍文章一般要更加的细致深入，在线作品范围更广，包括了艺术家不同时期的代表作品，著录也较为详细，而且这些美术馆里因为收藏有艺术家的大量作品，所以在这些网站上还可能看到一些在别的网站不常见到的作品。网站上表现艺术家自己艺术观的文章、访谈以及评论、研究文章更为丰富和齐全，能够让学习者全方位多角度地了解艺术家及其作品。这些网站也是比较可靠的美术鉴赏教学的资料来源。
（3）美术史课程学习的网站。
这类网站专为美术史学习、爱好者设计，内容丰富，图文并茂，编排严谨，科学合理，可靠性强，能够为课程学习提供大量的参考。
（4）美术组织机构的网站。
这些网站中包括了美术中各个门类艺术协会所主办的网站，地方及全国美术家协会的网站。这些网站里有协会展览、学术动态、艺术新闻、艺术家介绍、艺术理论、新作展示及博客、论坛等等。这些网站的专业性比较强，学生能够从中学习到不少专业知识，而且对了解各个学科发展的最新动态有很大的帮助。
（5）美术的综合性网站以及综合网里的美术部分。
这些网站包含了和美术有关的大量信息，内容丰富，包罗万象。它们的受众面较广，常常还包含了收藏方面的内容，和现实生活联系比较紧密。学生通过浏览这些网站，可以把课堂中学到的知识、理论、方法等和现实生活中的美术现象联系起来理解，可以努力做到理论联系实际，学以致用。
（6）百科类网站。
这类网站往往包括画家简介、生平经历、作品介绍、艺术特点、艺术主张、社会评价、市场价格、收藏价值等方面的内容。但由于部分这类网站在制作上不是由网站专业人员编辑，而可能是由会员上传、编辑资料，内容上可能有重复编排或者逻辑不清的现象，质量也参差不齐，所以在可信度上应当引起注意。但是，由于其资料相当丰富，查找方便，所以可以作为学习的参考，但一定要注意辨别。
（7）贴吧、论坛和微博。
这些网站上也有大量的图片、文字、数据资料，但这些资料随意性较大，对其真实可靠度要注意鉴别。
2.互联网为美术鉴赏学习提供交流的平台。
在学习的过程中，不仅图片、文字是重要的学习资源，学习的伙伴也是学习的重要资源。如果大家能够交流经验或者是发出一些有意义的评论，通过相互的交流也可以加深我们对知识的理解和把握。这种交流可以有同步交流和异步交流。
（1）同步交流。
通过qq、msn等软件可以实现在线同步交流。交流可以以文字的形式，如果接上摄像头、话筒等设备，还可以进行同步的语音和视频对话，使用起来非常的方便。
（2）异步交流。
通过一些离线留言功能以及电子邮件、论坛等形式可以实现异步交流。比如学生可以给教师发邮件或留言，也可以在论坛上相互讨论，交流可以不受时间、地点等限制，具有更多的灵活性。通过这些交流平台，学生可以了解更多与美术鉴赏相关的信息，交流不同的观点，进一步加深学习。
美术鉴赏课包括了古今中外所有艺术家的美术作品、风格流派等方面的鉴赏，同时还需要了解美术方面的基本知识，艺术家人生经历、创作过程，以及与之相关的历史、经济、文化等方面的知识。从鉴赏的角度和方法来讲，除了课本上介绍的常见的几种之外，还存在着其他多种的鉴赏角度。所以美术鉴赏课课程自身的特点，决定了它非常适合运用网络来辅助教学。
（2）因材施教的需要。
每位学生学习的专业、基础、学习的程度、兴趣爱好都是不相同的。如果说仅仅通过课堂上相对统一的教学是不能完全满足每位学生的需要。学生们应该从因特网上巨大的资源库中获取自己所需的知识，开拓一个课堂以外的广阔的学习空间，进行一种个性化的学习。
（3）素质教育的需要。
素质教育给我们的教学提出了新的要求：“智育工作者要转变教育观，改革人才培养模式，积极实行启发式和讨论式教学，激发学生独立思考和创新意识，切实提高教学质量。要让学生感受、理解知识产生和发展的过程，培养学生的科学精神和创新思维习惯，重视培养学生收集处理信息的能力、获取新知识的能力、分析和解决问题的能力、语言文字表达能力以及团结协作和社会活动的能力。”美术鉴赏课是一门和实践联系非常紧密的课程，它最终要形成的是实际生活中对美术的鉴赏能力。因此，美术鉴赏课不能仅仅局限于课堂上对知识的传授，更重要的是能力和素质的提高。通过互联网的使用，学生在众多信息的选择、感受、思考、分析、归纳、总结中，不断提高综合素质。
2.互联网辅助美术鉴赏教学具有以下优点：
（1）能够解决传统教学中学习的局限性问题。
传统的教学是围绕着教材和教师的课堂教学展开的，着眼点是知识的传授。而课堂教学的时间是有限的，学生所能学到的知识也是有限的，理解问题的角度也比较单一。而要真正对一件作品形成深入的认识，就要了解这个作品创作者的其他相关的系列作品以及和这件作品相关联的大量作品以及参考资料，了解不同人的不同观点和看法，才能真正得出自己的判断。而且美术鉴赏所涉及到的知识面非常广，无论是对图片还是文字资料，都要有一个量的积累才能真正学好。而互联网上存在着学习的巨大的资源库，它是一个除了课堂之外更为广阔的学习空间。通过上网可以方便地获取大量的文字、图片、视频等资料，可以加深对于知识、概念、理论的理解，对画家、作品、流派能够形成更为全面、丰富、准确的认识，还能对自己感兴趣的部分进行拓展或者深入学习。因而教师在教学过程中要积极转变教学思想，具有开放式的教学观念，采用启发式的教学，上课时不要对讲授的内容过早地下定论，要给学生留下更多的思考的空间。通过课前、课后的思考题以及上课时的讨论，引导学生积极到互联网上去查找资料。应当让学生知道，学习具有多元性，不仅仅要在课堂里学习，还要懂得、擅于使用互联网，在互联网上可以通过各种各样的途径获得更多的知识。这样，可以将美术鉴赏的学习从课堂延伸到课外，丰富和加深我们对课程的学习。
（2）改被动学习为主动学习，建立学生学习的主体地位。
在以讲授为主的教学当中，学习往往是被动的。学生所了解的往往只是书本及老师所讲的知识，自己占有的材料比较少，能够进行主动思考的余地也就不大。如果依托于互联网上的资源，学生通过建构式学习，采用讨论的学习方式，就能够更好地进行主动学习。在这样的教学里，教师可以根据教学内容设定一定的问题，然后让学生根据这些问题到网上去查找相关的资料。在观察和感受的基础上，通过对资料的分析、归纳、整理，形成自己的观点。学生们带着这些观点来到课堂上，通过与其他同学的讨论，能够加深对问题的理解和认识。这是一个主动学习的过程，通过这样的学习，学生的印象会更加深刻，而且从互联网获取信息的能力、思维能力以及表达能力都得到较大而提高。在实际的教学当中，讨论是学生非常喜爱的学习方式，它能使课堂气氛变得活跃，激发学生学习热情，增加学生学习的兴趣。在这样的学习的过程中，学生主动地将所需要的知识融入到自己的知识系统当中，也做到了个性化学习，达到因材施教的目的。同时我们还要知道，这种讨论不仅仅是在课内，互联网大大扩展了人们交流的范围。除了同班同学之外，还可以通过校园网和同一个学校的同学交流观点。另外，还可以通过qq上的兴趣组，贴吧、论坛等方式进行交流。
（3）学校和家庭要做好监督工作，做到安全、健康、文明上网。科技的发展使得互联网对我们的生活产生深远的影响。教育要实现现代化就要利用好这一技术条件。面对新的教育发展形势，美术鉴赏课要充分利用网络教学资源，积极转变教学观念，探索新的教学方法和手段，不断适应现代社会对人才培养的新要求，提高学生的全面素质，只有这样才能促进美术鉴赏教学的不断进步、发展和提高。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇六
绘画是造型艺术中最主要的一种艺术形式。它是指运用线条、色彩和形体等艺术语言，通过造型、设色和构图等艺术手段，在二维空间（即平面）里塑造出静态的视觉形象，以表达作者审美感受的艺术形式。
荷兰画家梵高，后期印象画派代表人物，是19世纪人类最杰出的艺术家之一。他热爱生活，但在生活中屡遭挫折，艰辛倍尝。他献身艺术，大胆创新，在广泛学习前辈画家伦勃朗等人的基础上，吸收印象派画家在色彩方面的经验，并受到东方艺术，特别是日本版画的影响，形成了自己独特的艺术风格，创作出许多洋溢着生活激情、富于人道主义精神的作品，表现了他心中的苦闷、哀伤、同情和希望，至今饮誉世界。
梵高生性善良，同情穷人，早年为了“抚慰世上一切不幸的人”，他曾自费到一个矿区里去当过教士，跟矿工一样吃最差的伙食，一起睡在地板上。矿坑爆炸时，他曾冒死救出一个重伤的矿工。他的这种过分认真的牺牲精神引起了教会的不安，终于把他撤了职。这样，他才又回到绘画事业上来，受到他的表兄以及当时荷兰一些画家短时间的指导，并与巴黎新起的画家（包括印象派画家）建立了友谊。
梵高全部杰出的、富有独创性的作品，都是在他生命最后的六年中完成的。他最初的作品，情调常是低沉的，可是后来，他大量的作品即一变低沉而为响亮和明朗，好象要用欢快的歌声来慰藉人世的苦难，以表达他强烈的理想和希望。一位英国评论家说：“他用全部精力追求了一件世界上最简单、最普通的东西，这就是太阳。”他的画面上不单充满了阳光下的鲜艳色彩，而且不止一次地下面去描绘令人逼视的太阳本身，并且多次描绘向日葵。为了纪念他去世的表兄莫夫，他画了一幅阳光下《盛开的桃花》，并题写诗句说：“只要活人还活着，死去的人总还是活着。”在历史的角度来讲，梵高的确是非常超前的画家。
他作品中所包含着深刻的悲剧意识，其强烈的个性和在形式上的独特追求，远远走在时代的前面，的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象，他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生。在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义，德国的表现主义，以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。
提起梵高的经典作品，人们第一个想到的往往是《向日葵》。它是梵高在阳光明媚灿烂的法国南部所作的，现藏于伦敦国家画廊。画面上那种仿佛是从作者内心里流淌出来的金黄色肆意渲染，单纯的陶罐花瓶，粗糙的台布，层层叠叠的阳光交织成的背景，在台布上泛动着光晕；充满朝气的9朵向日葵正值盛开时节，花盘未尽显露出来，甚至带着娇嫩的绿色，而另外几朵向日葵则是苍老的、成熟甚至是行将颓败的，花瓣残缺不齐，枝桠僵硬并扭曲倾斜。这似乎暗示着某种宿命，虽然在强烈阳光的沐浴底下，向日葵还是逃脱不了苍老颓败的结局，仿佛一切都那么短暂地辉煌，世间万物都不可能像太阳一样永恒放光，短暂似乎是一切万物的宿命。然而，梵高将阳光的金黄色强加给了所有的背景物，空气、花瓶和台布等等。当他一笔笔仔细地完成从调色板到画布的颜料转移时，他应该看到，整个画室里已经被那种耀眼的金黄色所照亮了，包括他的脸，他那严肃的表情，他的精神世界。在梵高的笔下，那一团团如火焰般的向日葵，不仅仅是植物，而是带有原始冲动和热情的生命体，他们更狂放地表现出画家对生活的热烈渴望与顽强追求，宣泄着画家对生命的尽情体验与永久激动。
梵高的艺术是伟大的然而在他生前并未得到社会的承认。他作品中所包含着深刻的悲剧意识其强烈的个性和在形式上的独特追求远远走在代的前面的确难以被当时的人们所接受。他以环境来抓住对象他重新改变现实，以达到实实在在的真实，促成了表现主义的诞生，在人们对他的误解最深的时候，正是他对自己的创作最有信心的时候。因此才留下了永远的艺术著作。他直接影响了法国的野兽主义德国的表现主义以至于20世纪初出现的抒情抽象肖像。《向日葵》就是在阳光明媚灿烂的法国南部所作的。画家像闪烁着熊熊的火焰满怀炽热的激情令运动感的仿佛旋转不停的笔触是那样粗厚有力色彩的对比也是单纯强烈的。然而在这种粗厚和单纯中却又充满了智慧和灵气。观者在观看此画时无不为那激动人心的画面效果而感应心灵为之震颤激情也喷薄而出无不跃跃欲试共同融入到凡高丰富的主观感情中去。
梵高的另一幅代表作品《星夜》，画于1890年6月，现藏于纽约现代美术馆。《星夜》呈现两种线条风格，一是弯曲的长线，一是破碎的短线。二者交互运用，使画面呈现出眩目的奇幻景象。这显然已经脱离现实，纯为梵高自己的想象。在构图上，骚动的天空与平静的村落形成对比。柏树则与横向的山脉、天空达成视觉上的平衡。暗黑的龙柏树巫一样飘舞着，涡旋般的星云、旋转的大小星体、甚至是新月都在快速旋转中。那种狞厉的流纹仿佛是宿命的流向，一切都是动荡不安的，摇摇欲坠的。而教堂的尖顶显得那么渺茫无助，它的尖顶几乎被夜空的涡漩所淹没。梵高的世界其实就是如此脆弱无助，而他陷入了一个无法摆脱的涡漩中。全画的色调呈蓝绿色，画家用充满运动感的、连续不断的、波浪般急速流动的笔触表现星云和树木；在他的笔下，星云和树木象一团正在炽热燃烧的火球，正在奋发向上，具有极强的表现力，给人留下深刻的印象。
梵高曾在给弟弟迪奥的信中写道“凝望着璀璨的星空，我总是不由得浮想联翩我不禁问自己，为什么夜空中闪烁的亮点不能像法国地图上的黑色标志那样容易到达呢？我们只需坐上火车就可以到达特鲁斯肯或卢昂，而到达星星那里却要经历一次死亡之旅”。梵高所描绘的那些搅动着的漩涡似的星辰，在我们看来也许只是新奇创意的景色，但事实上那是作者心中的暗涌，以及对死亡的诠释。或许对于梵高来说，死亡并不是灾祸，而是通向天堂的隧道，是种精神的解脱。
失。它仿佛一个举着双臂的人，平躺着，双肩上举着丰收的麦田。那种令人激动并慰藉的金黄色，仿佛太阳照耀的圣域，它点燃了一个人的内心的喜悦。而却在此时，天空令人不安地被乌云遮住了，准确地说，那是一群会飞动的阴影，它是一群乌鸦，纯黑色的乌鸦以及远处天空中出现的阴霾仿佛是女巫的黑色大氅一样遮住越来越少的阳光和麦田的光芒。它是一种矛盾的心情，是一种内心深处隐约的恐惧。这就是濒临死亡之前的梵高的世界，他眼里的世界分为两种颜色，一种是令人激动的金黄色，它是属于他那执著的精神的阳光色彩，另一种是令他恐惧的阴影和失望，他对那个世界失去了最后的信心，他的心情因此被切割瓦解，一块麦田因此陷落，一片阳光因此而支离破碎。
梵高以自己的生命为赌注作画，像荆棘鸟般用灵魂与鲜血谱写生命的最后华章。在这幅绝笔画中表达出梵高的“悲伤与极度的寂寞”，他的结局似乎早就注定了。于是在奥维尔，七月灿烂的夏天，他朝自己的胸膛扣动了扳机，倒下的一刹那他的灵魂归于永恒的金黄色大地，这位癫狂的天才画家终于得到了解脱。梵高一生坎坷，尤其是在生命的。
最后几年，他的精神世界已经完全破碎。一如大海，风暴时起，颠簸倾覆，没有多少平稳的陆地了。然而与之相对的，却是他对艺术的爱。在面对不可遏止的疾病的焦灼中，他说：“绘画到底有没有美，有没有用处，这实在令人怀疑。但是怎么办呢？有些人即使精神失常了，却仍然热爱着自然与生活，因为他是画家！”“面对一种把我毁掉的、使我害怕的病。我的信仰仍然不会动摇！”然而就是这样一个对绘画有着偏执信仰的“疯子”，用其短暂的一生向我们描绘了他对生命的热爱与追求，诉说着他的激情与理想，给我们的生活增添了永恒的色彩。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇七
——米开朗基罗。
摘要。
他是一位“无所不能的通才”，他是“人类的艺术楷模”，他的艺术作品都是世上的“典范”。米开朗琪罗是文艺复兴时期的“三杰”，之一，他生于1475年。因为在米开朗琪罗家乡有许许多多的石山，那里有许多的石匠。所以米开朗琪罗在以后曾经很开玩笑地说，我为什么那么喜欢凿石头呢？因为在我奶娘的奶水里边就有锤子和凿子。
关键词：通才；典范；三杰；石匠。
一、米开朗基罗简介：
（1）生平简介。
米开朗基罗〃博那罗蒂（全名michelangelodilodovicobuonarrotisimoni，又译“米开兰琪罗”、“米高安哲罗”1475年3月6日－1564年2月18日），意大利文艺复兴时期伟大的绘画家、雕塑家、建筑师和诗人，文艺复兴时期雕塑艺术最高峰的代表。与拉斐尔和列奥纳多〃达芬奇并称为文艺复兴后三杰。
（2）家庭背景。
米开朗基罗的家族在中世纪曾显赫一时。不过到其父是，收入微薄。父亲是当地的一名法官，脾气爆烈，但是惧怕上帝。母亲在米开朗基罗六岁的时候就死了。之后被寄养在一个石匠的妻子的家里，因此从小就对雕塑发生兴趣。事实上，这个家庭没有任何产生艺术家的可能条件。尽管他在诗文上颇有才赋，但对于父亲给他安排的法语课却丝毫不感兴趣。相反，他对绘画表现出异乎寻常的热情。
（3）时代背景。
共餐，分享着自罗马奥古斯都大帝以来一切最显贵高雅的消遣。他在圣马可修道院的美第奇学院作学徒时接触到了古风艺术的经典作品和一大批哲人学者，并产生了崇古思想。时兴的新帕拉图主义和受到火刑惩处的多明我会教士萨伏那洛拉给了他一生最重要的影响。查理五世对他说过这样的话：“世界上不只有一位皇帝，但不会有第二个米开朗基罗。”
二、米开朗基罗作品鉴赏。
(1)绘画作品。
«最后的审判»（壁画1700cm×1330cm1536-1541梵蒂冈西斯廷礼拜堂）这幅画是米开朗基罗完成西斯廷礼拜堂天顶画25年后，再一次为这座教堂创作的另一项大工程。此画的创作历时6年。此时67岁的米开朗基罗已尝尽了生命中的痛苦，深知社会上各种人物的罪恶，悲愤幽怨凝聚笔端，正直的艺术家要以«末日审判»是自己进入天堂。“最后的审判”内容取材于圣经故事。画面背景是清透的蓝色空间，人物形象饱满生动。整幅画面气势磅礴、场面宏大，众多的人物把画面分为天堂、人间和地狱三个空间。世界末日来临之际，位于画面中央的是基督和圣母。这位鄙视雷同的画家笔下的基督年轻健壮，体魄像一位斗士，高高举起的手像是在下达最可怕的命令。他是那样的严厉无情，以致圣母背过了身子，扭过头去不忍观看这一残酷的场面。画面右侧是那些罪孽深重的人们正在被投入地狱，左侧则是善良的、遭受不幸人们的灵魂被带入天堂的过程。画中人物神态各异：基督用手势表现了他坚定而决绝的态度；圣母是这幅画作里最温柔的一个形象；围绕着基督执行审判的使者们，聚精会神地凝视着基督等待着他的判决；那些被审判有罪的人们脸上流露出惊恐或绝望；而那些正在升向天堂的灵魂则一脸安静之色。
（2）雕塑作品。
他留给了许多人们要思考的东西。
2、《大卫》。
大卫是一座立像，高5.5公尺，是在一块被人损坏过，而没有雕刻家再敢于动手的，闲置了近半个世纪的巨大大理石上雕刻而成的。米开朗基罗刀下的大卫是一个充满着旺盛生命力，有着必胜信念的健与美的英雄形象。在米开朗基罗以前，不少雕塑家曾塑造过大卫的形象，往往是表现战斗胜利后的大卫形象。如多那太罗的青铜雕像《大卫》，显出喜悦和悠然自得的神情。而米开朗基罗却是精心刻画了大卫临战前的一刹那头部微微转向左方，双目紧紧地凝视着敌人，左手握着肩上的投石器，右手自然的下垂，略握拳头，外表的平静，使塑像更具内在的紧张和运动感，更加显示出大卫的沉着、勇敢和必胜的信念。米开朗基罗的大卫获得了盛大的成功，雕像的勃勃雄姿成了当时佛罗伦萨市民心目中抵御外敌、保卫祖国的英雄形象的化身。
3、《摩西》。
《摩西》像是米开朗基罗用了4年时间完成的塑像，对后世产生了极为深远的影响。它用人体讴歌了正义和力量，使文艺复兴人文主义思想在艺术上得到充分体现，在人类雕塑艺术的发展史上留下了浓墨重彩的一笔。受到这一作品的启发，朗基石在这一系列中完成了一次精彩的飞跃，设计师将对创作的热情倾心融入到石刻中，运用了冷暖色调的大胆对比和纵深延长的纹路结构，变化中不失平衡，微妙处独具匠心。
三、总结。
在老师的讲解后，我们知道了米开朗基罗是艺术界的一代大师，带给后人无穷的瑰宝。米开朗基罗在艺术作品中倾注了自己满腔悲剧性的激情（这个完全可以最后的审判中那张人皮看出来，米开朗基罗在他的作品中融入了自己的感情与信仰）。在米开朗基罗的壁画前伫立，会使你灵魂得到净化，使信教者便得虔诚，使一切邪恶变得澄清。他的人物雕像雄伟健壮，气魄宏大，充满了无穷的力量。让人感到人的美与健康。他的雕塑作品以写实的手法再现了人体的唯美与丰满，他在细节的刻画上处理得非常好，我们完全可以从他的雕塑作品的眼神、面部表情等看出人物的心理（这个从圣殇的圣母的眼神、嘴角等都可以感受到那份是伤痛）。通过这学期的美术鉴赏的课程以后，让我对美术的认识有了一个更加深入的了解。当然不仅是米开朗基罗，还有达芬奇，拉斐尔。对他们的身世和所处时代的背景以及他们所创作的作品背后的故事都有了一个了解，我觉得艺术史一个无边界的国界。老师的课非常有意思，从埃及的古老文明艺术讲到文艺复兴的艺术创作，从金字塔讲到米开朗基罗的《大卫》作品。课堂的内容徐徐动听，非富多彩。每次一上课就仿佛走进了艺术的殿堂，身临其境的跟艺术家们对话。其实回头想想也是，生活就是艺术，艺术就是生活。在美术鉴赏的课后，我们不仅可以用艺术的眼光看身边的事物，更可以将艺术融入到我们的生活中去。这样，我们的生活将充满趣味，充满艺术，充满美。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇八
姓名：学号：指导老师：
写作时间：2013年6月6。
日
摘要：中国画国画在内容和艺术创作上，反映了中华民族的民族意识和审美情趣，体现了古人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。国画强调“外师造化，中得心源”，融化物我，创制意境，要求“意存笔先，画尽意在”，达到以形写神，形神兼备，气韵生动。由于书画同源，两者在达意抒情上都强调骨法用笔、因此绘画同书法、篆刻相互影响，相互促进。
关键字：国画。
山水画。
一个学期的美术欣赏课结束了，我受益良多。虽然不能说是精通，但是至少还是懂得了一些。美术鉴赏的最终意义，就在于使大学生的情感得到陶冶，思想得到净化，品格得到完善，从而使身心得到和谐发展，精神境界得到升华，自身得到美化。这篇论文我就围绕“中国画”谈谈我的认识。
中国画是中国传统绘画的主要种类。从美术史的角度讲，民国以前的国画我们都统称为古画。在古代，一般称之为丹青，主要指的是画在绢、宣纸、帛上并加以装裱的卷轴画。近现代以来简称“国画”。它是用中国所独有的毛笔、水墨和颜料，依照长期形成的表现形式及艺术法则而创作出的绘画。中国画按其使用材料和表现方法，又可细分为水墨画、重彩、浅绛、工笔、写意、白描等；按其题材又有人物画、山水画、花鸟画等。中国画的画幅形式较为多样。中国画在思想内容和艺术创作上，反映了中华民族的社会意识和审美情趣，集中体现了中国人对自然、社会及与之相关联的政治、哲学、宗教、道德、文艺等方面的认识。
中国画历史悠久，两汉和魏晋南北朝时期，社会由稳定统一到分裂的急剧变化，使这时的绘画形成以宗教绘画为主的局面，描绘本土历史人物，山水画、花鸟画亦在此时萌芽。隋唐时期社会经济、文化高度繁荣，绘画也随之呈现出全面繁荣的局面。山水画、花鸟画已发展成熟，宗教画达到了顶峰，并出现了世俗化倾向；人物画以表现贵族生活为主，并出现了具有时代特征的人物造型。五代两宋又进一步成熟和更加繁荣，人物画已转入描绘世俗生活，宗教画渐趋衰退，山水画、花鸟画跃居画坛主流。而文人画的出现及其在后世的发展，极大地丰富了中国画的创作观念和表现方法。元、明、清三代水墨山水和写意花鸟得到突出发展，文人画成为中国画的主流，但其末流则走向因袭模仿，距离时代和生活愈去愈远。
以山水画为例，我们来了解下中国画的产生，发展及其内在精神。山水画萌芽于晋朝，顾凯之在《魏晋胜流画赞》中第一句就是“凡画，人最难，次山水，次狗马”山水画已成为一个主要表现题材，我觉得人对人自己认识太深才觉得每幅画人的言态表现得不尽人意，山水可夸大其气势表达出其意境即可，狗马只须表达出其形而已从顾凯之仅有的山水画《洛神赋图》中可以窥见当时山水画初期形态的端倪，基本上如唐代张彦远在《历代名画记》中的所记载的样子，传本〈洛神赋图〉中的山水部分，确实如其所言“群峰之势，若细饰犀拮”，或“水不容泛，人大于山”无论是山水还是树石，都表现为高度的概括化，比如树的表现，银杏树仅象征性地以三五片银杏叶概括，树枝的“列植之状”也是“若神臂布指，离现实生活中真实的印行树有很大距离，正如前边所论“凡画，人最难，次山水，次狗马”。山石仅以“高古游丝”线条勾勒，而没有皴法，但我认为，水法和云法的表现是极为纯熟的，水云的流态动势相当完美，由此可见，山水画的表现在当时已达到的艺术水准只是没有后来的布局合理罢了。
初期的山水画往往是人物活动的背景，配景，即使独立为一个专门画种也是需要一个发展过程的，山水画初期的这种形态是不足为奇的，虽然我们现在已不能得睹六朝时期的山水画作品而且见于史料的早期山水画家也不是很多，顾凯之，宗炳，王微等人关于山水画论的发展为当世山水画的发展和成熟作了理论上的准备历隋唐，五代诸朝，山水画渐盛。他们可谓山水画的先驱，六朝时期是中国山水画的真正起点，虽说是中国历史上政治最黑暗的时期，却导致了美学上的最灿烂，我认为这应该归功于当时不忍心目睹石灰的琴棋书画的隐士，且当时类似于陶哦渊明，谢灵运的隐逸思想普遍流行，此时人们对自然美有了更深的认识更促进中国山水画的发展，谢灵运《山居赋》中所记载的始宁山就是典型的例证，他的山水诗开拓了山水诗写实的审美之路，王维的“诗中有画，画中有诗”也正说明了中国山水画的发展也益于诗的发展和衍生。
山水画在六朝时期兴起的另外一个重要原因是艺术家自身的发展。汗以前的艺术家往往以工匠身份出现他们都依靠绘画的手艺谋生，绘画是功利的，必须围绕服务对象的要求进行创作，但也不同程度促进山水画的发展。
说山水画的内在精神，中国山水画十分强调作者的主观因素，在山水画创作中，作者对自然界的认识理解，以及作者的情感流露是起着主导作用的，画家应当“以情入画”力求“情景交融”，正如在一幅山水画上题一首诗或多一个红戳更能增加山水画的内在精神和蕴涵，在对客体世界有一个多侧面深层次认识的基础上凭借心灵感受概括勾画出山水形象，者便是“迁想妙得”许多优秀的山水作品所显露出来的气质和高雅的格调，并不仅仅是因为作者具有深厚的笔墨功力，更重要的是作者具有饱满的创作激情和高深的文学修养。因此山水画家的学识越高，创作后劲也就越大。唐代山水家的学识越高，创作后劲也就越大，如“外师造化，中得心源”，“搜尽奇峰打草稿”均提倡到生活中去，到实践中去。
欣赏中国山水画我觉得应该首先了解中国山水画的内在精神，中国山水画是中华民族艺术知会的宝贵结晶，是灿烂的中华文化的一个重要组成部分，在它自身发展的过程中，逐步地形成了一个完整的独立的艺术体系，所以民族性是中国山水画最显著的特征之一，中国山水画体现了中国人特有的审美情趣，即简练，恬静，含蓄和韵律等。
其实山水画从一开始就与其它的道家，佛家，儒家有关，佛家的禅宗对中国山水画的创作影响也是值得讨论的，它没有连续性和次序性，认定在精神上能够出现自发性的领悟，这种领悟实际上是对人世解忧的解脱和心理障碍的排除，而这些又恰恰是中国山水画家们孜孜以求的。
佛家是对中国文化影响最大的思想体系，孔子最早提出“仁者乐山，智者乐水”，是以道德价值来评价山水，但是这种对大自然的审美追求，客观上已超出了道德的范畴，其中的中和之美构成了中国传统山水画感情含蓄，气息平和的总体风格。
儒佛道的自然观影响于山水画共同点有三个：一是取法自然，用于自然的统一，二是静态与动态的统一，三是客观世界与主观世界的统一。中国山水画深刻的思想内涵是与中国古典哲学有着直接的因果关系。绘画不能没有哲学思考，没有哲学思考的绘画是没有灵魂的绘画。
作山水画须先胸有丘壑。“意在笔先”是中国画构图的特点，落笔后应意到笔随。我们不能忽视道家这里的深远影响，传统中国画家长期艺术实践中都自觉和不自觉地受到潜移默化的熏陶。作画在落笔时就应考虑各种阴阳关系，加以对比此和谐的处理，如方圆，横直，点线，刚柔，浓淡，冷暖，轻重，虚实等等。山本静，水流则动；石本顽，树活则灵”正所谓山水之静动，顽与灵，均是大自然中存在的各种阴阳节奏关系，作为山水画家如果不自觉到自觉地运用这些关系，笔下可如神助。
接下来，再谈谈中国画的艺术特点吧。
一、形与象通，意与形合。形与象通，意与形合是中国画造型的基本要求。形，指外形、轮廓，是中国画传神达意的主要要素。象，指自然客观存在的万物形象或作画者在绘画作品中创造的艺术形象，即作画者追求神似而不追求形似，是概括化、艺术化的形。形、轮廓是中国画造型不可缺少的主要依据，师法自然中的形，经过作画者思想的提炼和加工，创造“似与不似”之艺术的“形象”，形与象；意，指绘画作品的思想内容、作画者的构思设想和创作意图。它具有三方面的意义：（1）、作画者主观的意，即绘画的立意（2）、画面形象所体现的意。（3）、绘画对象的意。作画者的立意是主观的，绘画对象的意是客观的，画面形象的意是作画者师法自然，熔铸丹青，抒写胸臆的艺术结晶，这种意是建立在形的基础之上的，遗物象而取意取神，但舍形不能求意。中国绘画的艺术形式美是为了表现“神似”，这“神”是一种意，即作画者对物象本质的认识、审美的感受。
二、境与性会，因心造境。意境是中国传统美学的范畴，是自我与自然自然的高度融合。境，是画面中有情趣的自然景象。性，是作画者的性情、兴趣喜好、习性。境与性会是指画境要与作画者的性情合一，达到情境交融的地步，意即客观的自然景物与作画者的性情有机地结合起来，有如水乳交融，浑然一体，兴会神交；因心造境是作画者按自己的理想所描绘出的生活图景，这个图景是现实生活中所没有、或少有的，是作画者虚拟出来的虚幻飘渺的艺术境界，是作画者“心造”之境。
三、心师造化。心师造化是中国画创作的生活源泉，指作画者用心灵去师法和感悟客观事物的内在精神风采，获得艺术素材，并依自己的审美判断，进行分析研究，在自己的思想情感的熔炉中加工改造。心师造化是以自然为师，通过“目识心记”或是写生自然物象，概括提炼物象的基本特征，按一定的构图规律重新组合物象，创造一种有意味的意境。心师造化的艺术特点是中国画创作必须要遵循的准则。
四、以诗入画。以诗入画是中国画意境的追求，自唐代王维在画中把这两方面有机地结合起来以后，北宋的苏轼极力的推崇王维“味摩诘之诗，诗中有画；观摩诘之画，画中有诗。”认为王维创造了一种他人所不能及的意境。同时提出“诗画本一律，天工与清新（北宋·苏轼）”的艺术观点。宋代画院还以诗意画作为招画院画师的考题，形成了以诗入画的风气。后世的画家，特别是山水、花鸟画家都自觉地把诗意融入画中。“诗中有画，画中有诗”成为品评中国画的一个重要的标准，还以画中是否具有富于诗意的意境，作为评价中国画雅与俗、优与劣的文野之分。画中诗意的创造，含蓄而耐人寻味，其独特韵味是中国画所独有的。
五、中国画的艺术表现语言是点、线、面的组合。点、线、面是中国画最基本的表现语言，以线为主，点、面为辅，以线造型，以线传情。线作为中国画表现的载体，其特定的表现手段在原始的崖画中就已经有了。它除了作为造型手段之外，它还带有人的主观感情因素，性格化的线条中包含着作画者们的审美情感、学识修养以及对世态的观点和看法。自然之中，没有纯粹的点、线、面，是作画者们经过主观的抽取、概括后融入情思而来的，点、线、面是抽象化的外在表现形式，通过三者的有机组合创造一种和谐、舒适、美好的画面意境。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇九
本文着重从情境式教学的利与弊两方面进行论述，重点讲述情境创设的作用，努力创设良好的教学情境，使学生在良好的学习氛围中接受知识，加速各种能力的提高，情感的升华，较好地解决学生对美术知识的欣赏，从而提高学生的审美能力与创造美的能力。
兴趣；情境式教学；重要作用。
将15克的盐放在你的面前，无论如何你难以咽下，但当15克盐放入一碗美味可口的汤中，你早就在享用佳肴时，将15克盐全部吸收了。情境之于知识，犹如汤之于盐。盐需溶入汤中，才能被吸收；知识需要溶入情境之中，才能显示出活力和美感。
上面一段话很形象精辟地比喻了情境式教学法在美术鉴赏课中的重要作用。看到这段话，我如一个苦苦念经的和尚顿悟一般，参透了知识需要溶入情境之中，才能显示出活力和美感，课堂才能真正被学生喜欢，被学生吸引。知识就是力量，知识是能力的基础，知识改变命运，知识具有无穷的魅力，为什么不少学生还厌学？原因之一就是教师没有让学生体验到知识之美。为此我们要担负起“美容师”的角色，要让我们所“经手”的知识富有美感，要让我们所“经手”的知识“流光溢彩，青春靓丽”。
情境式教学法在美术鉴赏课中的重要作用是显而易见的。
知识本身是具有丰富生动的实际内容，而表征它的语言文字（符号图象）则是抽象和简约的。而我们的教材正是由语言文字和图画汇集成的，我们在学习知识，欣赏作品时，都要透过语言文字、图象把他们所表达的实际事物想清楚，把课堂搞“活”起来，从而把两者真正统一起来，从教育心理学角度讲，这样的学习则是有意义的学习。
教师必须用情感激发学生的学习心向，这是有意义学习的情感前提。正如有的学者所指出的，从血管里流出来的是血，从山泉里流出来的水，从一位充满爱心的教师的教学里，涌腾出来的是一股股极大的感染力，它可以使学生产生同样的或与之相联系的情境。一次讲到罗中立的《父亲》，学生首先被其领袖式构图感染，我趁机讲中国“遗失”的几个词“小姐”、“同志”、“农民”，曾几何时“农民”与“土佬帽”“不讲究卫生”划上了等号，我教育学生农民是我们的衣食父母，没有农民，我们吃什么、穿什么，没有农民工就没有现在的现代化城市，所以我们要尊重农民，热爱农民。从而加深了我们对这幅作品的理解。这只是情境的一个维度“情”。（美术教学论文）它是学生进行有意义学习的'认识背景，情境的另一个维度是“境”。
在欣赏中国古代绘画之山水单元专题时，我播放《高山流水》、《平沙落雁》等民族名曲，渲染作品的意境，引发一种思古的心境，让学生达到未见其境如临其境的感受。在音乐中想象自己如古人般畅游在幽静的山水之中，感受大自然山水的美景及意境，这样学生就能在我为大家创设的“境”中进入山水画的鉴赏之中。
在欣赏韩熙载《夜宴图》时，我根据五段式的画面内容，用音乐分别播放琵琶演奏、舞曲、轻音乐、笛箫合奏，引导学生随音乐感受作品的具体情节；再如用古希腊的神话传说，穿插影视讲述，引发同学对古希腊文化的向往与兴趣，我还邀请同学全班示范罗丹的《思想者》、米隆的《掷铁饼者》等可行的形体展示，使学生乐意积极主动的参与整个教学，在互动中体会到欣赏的乐趣，增强作品的感悟能力。
以上这种充满情境式的教学，把本来死板的不会动弹的文字，变成了有生命的东西，钻进了孩子们的脑海中。相反，“如果照着教学法的指示办事，做的冷冰冰的，干巴巴的，缺乏激昂的热情，那未必会有什么效果的。”（赞科夫语）这是因为“未经人的积极情感强化和加温的知识，将使人变得冷漠”。在课堂中如果教师上课冷漠，那么学生听课也必然冷漠。教师无激情讲课，学生必然无激情听课；教师无真情讲课，学生必然无真情听课。
没有激情，课堂教学就像一潭死水；没有真情，师生即使面对面，也犹如背对背。只有激情和真情才会师生之间产生一种相互感染的效应，从而不断激发学生的热情唤起学生的求知欲，激发学生进入教材的欲望，感受“身临其境”意境。情感激发的目的在于为课堂教学提供一个良好的情绪背景，学生兴致勃勃，兴趣浓厚，甚至兴高采烈，这是教学的最佳精神状态。正如英国教育学家洛克说的“孩子学习任何事情的最合理的时机是当他们兴致高、心里想做的时候。”
创设情境既要为学生的学习提供认知停靠点，也要激发学生的学习方向。这是情境教学的两大功能，也是促进学生有意义学习的两个先决条件。
当然，我们都注重“情境”吸引学生，激发学生的求知欲，课堂因此有了生气、有了效率，但是，有的教师只把它当作点缀，还有一些教师却因此迷失了教学的方向。不少教师对情境在教学中的应用存在偏差，创设的“情境”要么目的不够明确，师生的调侃游离于教学目标之外，要么缺乏价值取向过于花哨。如果设置不好，反而弄巧成拙，一味地挖空心思地在教学备课中为创设情境，寻找素材花费大量的时间和精力，却忽视了‘备美术’、‘备学生’，忽视了现实情境背后所隐含的美术线索，抓不住一节课的教学重点不懂得如何克服难点，对学生的认知起点定位不准，即所创设的情境再吸引人，也很难说是一堂成功的美术鉴赏课。因此，在注重情境的同时，还必须更深入地研究美术教材及学生。还有一种现象，有些创设情境无关因素大大干扰了课堂的进程，导致课堂效率低下。
如在鉴赏《中国古代陵墓雕塑》时，教师从奴隶社会的陪葬讲到世界各地的葬礼竟然用了一节课的三分之一时间，这样就本末倒置，抓不住重点了。
另外“情境”的创设并不时时处处需要，而应根据具体情况进行具体分析。情境作为美术知识的载体，是为美术教学服务的。我们应根据美术知识的线索，努力创设“良好的”“合适的”情境。
总之，情境式教学在美术鉴赏课堂中是课堂教学的基本要素，有利也有弊，对其弊端要克服，更要发挥其有利的方面，努力创设有价值的教学情境，更好地为课堂教学服务，让课堂成为学生学习的乐土。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇十
这学期我有幸上了美术鉴赏课。老师为我们介绍了有关绘画、建筑、雕塑等方面的知识。使我对艺术产生了一定的兴趣。在这里，我就浅谈一下对艺术美特征的一些认识。
艺术美是指各种艺术作品所显现的美。艺术美作为美的一种形态，它是艺术家创造性劳动的产物。艺术家的创作活动作为一种精神生产活动，从本质上说，也是人的本质力量的定向化活动。因此，艺术美也就是人的本质力量在艺术作品中通过艺术形象的感性显现。
艺术美包含着两个方面的内容，一方面艺术是对客观社会生活反映，另一方面艺术又凝聚着艺术家主观的审美理想和情感愿望。也就是说，艺术美既有客观的因素，又有主观的因素，这两方面通过艺术家的创造性劳动互相渗透、彼此融合，并物化为具有艺术形象的艺术作品。因此，艺术美的主要特征便集中表现为：形象性、主体性、审美性等基本特征。
（一）艺术美的形象性。
艺术美的基本特征之一是形象性。或者换句话说，艺术形象是艺术反映生活的特殊形式。所谓形象性，是指任何艺术作品都必须具有生动、具体、具有一定观赏价值的艺术形象。普列汉诺夫曾经讲过，艺术“既表现人们的感情，也表现人们的思想，但是并非抽象的表现，而是用生动的形象来表现。这就是艺术的最主要的特点”。各个具体的艺术门类，它们所塑造的形象具有各自不同的特点，如绘画、雕塑、摄影、书法等塑造视觉形象，音乐塑造听觉形象，戏剧、影视塑造综合形象，语言艺术塑造不能直接感受到的文学形象等。但无论如何，形象性是任何艺术种类都不可缺少的，是艺术美的基本特征。二）艺术美的直观性。所谓直观性，就是具体生动性和直接可感性，它能够直接作用于人的感觉器官而在大脑中产生感觉、知觉和表象，并进而产生联想或想象。这是因为任何艺术美总是由形象的美决定的。而一切形象又都是直观的。有些艺术作品中，艺术美的直观性表现得十分明显。例如意大利文艺复兴时期著名美术家达·芬奇的优秀肖像画《蒙娜丽莎》。在另一些艺术作品中，艺术美的直观性虽然不如上面所说的那么明显，但是，它们也直接作用于我们的感觉器官，使我们经过联想或想象，在脑中产生出美的形象。
（三）艺术美的审美性。
艺术美的第三个基本特征就是审美性。从艺术生产的角度来看，任何艺术作品都必须具有以下两个条件：其一，它必须是人类艺术生产的产品；其二，它必须具有审美价值，即审美性。正是这两点，使得艺术品和其他一切非艺术品区分开来，也使得艺术美与自然美区分开来。
（四）艺术美的主体性。
艺术美还有一个基本特征，就是主体性。如前所述，艺术作为一种特殊的社会意识形态，艺术生产作为一种特殊的精神生产，决定了艺术美必然具有主体性的特征。毫无疑问，艺术美来源于现实生活并反映现实生活，但是，这种反映绝不是简单的“模仿”或“再现”，而是融入了创作主体乃至欣赏主体的思想情感，体现出十分鲜明的创造性和创新性。所以，主体性作为艺术美的基本特征之一，不但体现在艺术创作上，而且体现在艺术欣赏中。
（五）艺术美的协调性。所谓协调性，最根本的是指内容和形式的统一，也就是说以完全美的艺术形式表现真实的生活内容。艺术作品的美，表现在形式同内容有机地联系一在起，并且由内容来决定，而内容又仅仅在一定的形式之中。这主要是由任何艺术美总是生活的反映来决定的。
（六）艺术美的典型性。所谓典型性，就是艺术作品中的形象既具有鲜明独特的个性又能反映一定社会本质的某些方面，并寄寓着艺术家的审美理想和审美情感。恩格斯要求作家塑造“典型环境中的典型性格”，就是指的这种典型性。毛泽东同志所说：“文艺作品中反映出来的生活却可以而且应该比普通的实际生活更高，更强烈，更有集中性，更典型，更理想，因此就更带普遍性。”也是指的这种典型性。艺术美的典型性这一特征，同样是由艺术美的基本内容决定的，它是人对于美的理想的追求和体现。
（七）艺术美的民族性。所谓民族性，就是各民族在长期的共同生活过程中形成的各自的审美理想和艺术形式的特点。换句话说，任何一件艺术作品中的美都必然具有产生这种美的各个民族的不同特色。这是由于任何一位艺术家都从属于一定的民族，他的作品中的美必然不能超脱他所在民族的整个历史。
随着时间的推移，美术鉴赏课即将结束。很感谢老师为我们提供了那么多有关艺术方面的知识，弥补了我在艺术知识上的不足，也使我对艺术产生了兴趣。希望在今后的学习生活中，我能继续汲取艺术方面的知识，不断充实自己，丰富自己，提高自身的内涵。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇十一
引言„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(2)。
第一章两宋绘画的发展„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(2)。
第二章两宋绘画取得的成就„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(3)。
第三章两宋绘画对现代教育的影响„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„..(5)。
结语„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(5)。
参考文献„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„„.(6)。
浅谈两宋绘画作品的现实意义。
引言。
随着读图时代的来临，越来越多人往往都会借助视频、动画、图形、图画等形象媒体来传文达意，激起观者想象和思想的情感涟漪。而绘画作为一种最为直接的表达方式，在我们的视觉文化教育中起着不可替代的作用。
宋代绘画是在中国文化艺术史上具有重要的地位和深远的影响，是一个继往开来，集中国古代绘画之大成的光辉时期。宋代绘画的发展，成就以及对现代教育的影响都是值得我们去深思熟虑的。
正文。
第一章两宋绘画的发展。
宋朝时，绘画艺术达到了全面发展，绘画作品更是极其丰富，绘画技法完善,画家风格更是面貌繁多。同时，随着绘画的发展，又有一些文人加入画家的行列，开创了中国绘画的文学化时期。两宋绘画作品中,成就最高是山水画,次之是花鸟画，后是人物画，特别是山水画创作可以说达到了绘画顶峰。
1.山水画。
北宋的山水画，作品以传统水墨为基础,多表现北方浑雄壮阔的自然山水，借山川表现内心世界，强调写意画法:“信笔为之,以烟云掩映,树木不取工细,意似便已。”【1】对山水画的创造,更在于对真山真水的深切感受。南宋的山水画，在格局上脱胎于青绿，而参用水墨，调和两派，笔法苍劲，水墨淋漓，具有独特的风格。
宋代山水画的人文精神，不仅表现在画面中蕴涵着气与质的美，还表现人与山水意理的渗透，山水需有生命，山水画中“天真、写真”等创作思想，都蕴涵着美的本质和艺术生命的内涵。在山水画中，就是要从自然的变化、社会的变化、万物之情中探寻新的艺术形式。发现日新之时势，在具体生命性中，发现道德之美和生命价值。
2.花鸟画。
宋代是中国花鸟画的成熟和鼎盛时期，在应物象形、意境营造、笔墨技巧等方面都臻于完美。北宋的花鸟画主要继承五代传统，画法多宗徐熙、黄筌二体，而黄体“钩勒填彩，旨趣浓艳”【3】的富贵风格更为世所尚。更是由于宋徽宗赵佶对绘画的特殊爱好，在其大力倡导下，花鸟画以院体为主流进一步向工笔写实发展，笔法工整细腻，使工笔花鸟画达到颠峰水平。并且此风绵延至南宋宫廷，花鸟画创作长盛不衰，并呈现多样化的局面。
宋徽宗《芙蓉锦鸡图轴》。
3.人物画。
在宋朝，人物画主要包括两部分，其一是人物故事画，这些画多是出于某种政治宣传的需要。其二，是风俗画，这是一种反映城乡生活和社会风俗的人物画，是随着宋代城市经济的发展和市民文艺创作的繁兴而兴起的，反映的社会面之广，人物阶层之丰富，都是前所未有的，其意义已经超出了美术的范围。
宋代人物画的特点是注重表现人物的现实性格和具体神态，或者说是形神兼备。人物画是以人物活动为主要描写对象的中国画传统画科.宋代绘画是中国绘画艺术发展的高峰.宋代的人物画题材多样,如佛教画、肖像画、工笔重着色人物画、经史题材画、风俗画、减笔人物画等等.它所反映的现实生活内容之广泛,在古代绘画史上是极为突出的.它运用多彩优美的艺术形式,创造了很多的艺术表现手法.宋代人物画的成熟和完备,进一步说明了宋代绘画是中国古代绘画的鼎盛时期.1、在绘画技法上，有新的突破，出现了各种画风。
燕文贵的《七夕夜市图》。
第二章两宋绘画取得的成就。
北宋初期，人物画师法吴道子，花鸟画遵循黄筌体制，山水画主宗荆、关传统。北宋中期，画风呈现出较显著变化，人物画创“白描法”，大大丰富了线条的表现力，山水画更真实细腻地表现大自然的微妙变化，花鸟画发展了水墨法，文人画也在此时倡兴。北宋末至南宋初，人物画中的风俗3题材成就突出。南宋时期，山水画变革显著，“南宋四大家”创立了新的“院体”山水画风，花鸟画发展了水墨写意法，并形成了诸多文人水墨花卉画派，人物画中也出现了水墨写意的“减笔画”[2]。
山水画在北宋强调“师法造化”，注重图真和格法，描绘地域风貌、气候变化具体精微，同时也发扬“中得心源”的传统，对景造意，融入真切感情。南宋山水重视意境创造和感情抒写，画法简练、泼辣。花鸟画在北宋是以工整精细的画法为主，注重写生，状物真实。南宋兴起文人水墨花鸟画，强调传情达意，抒写主观情感，喜绘梅兰竹菊四君子题材，人物画北宋时盛行故事画和风俗画，画法继承了唐代传统，工整写实，又有一定新创。南宋人物画多取历史题材，借古喻今，在安排情节、突出主题、刻划内心等方面，更富意匠。
2、宋代的文学艺术开始强调主体和客体的相互融合。
3、人物风俗画直接反映宋代城乡生活和社会风俗。
人物画所反映的社会面之广，人物阶层之丰富，都是前所未有的，其价值意义不仅在艺术上的画法、创作技巧和表现手法的独创性，也是研究宋代文明和社会背景的重要依据。在人物风俗画里，最为杰出的是张择端的《清明上河图》。
其艺术成就主要体现出市俗画在画风态度上崇尚自然古朴，非常大众化，在艺术技巧的运用上，讲究尊重传统，不标新立异，只求真实的表现生活。当西方还沉浸在最黑暗的宗教愚昧的统治中时，宋代绘画已开始描写现实。在中国绘画史具有深远的意义。
张择瑞【4】《清明上河图》。
第三章两宋绘画对现代教育的影响。
1、激发爱国主义情感。当欣赏宋代绘画时，我们都会为中国文化的博大精深感到自豪，宋朝大部分时间都处于动荡不安之中，一些文人借助绘画，通过对大好河山，一草一木的描绘中，抒发自己的爱国情感，表达自己的爱国之情，所以画面背后所深藏的爱国主义情感，能激起无数炎黄子孙的共鸣，是我们进行爱国教育的优秀题材。如范宽的《雪景寒林图》，所表现的是北方雪景山水，在这幅作品中,范宽创造了一个纯化境界，画中群峰积雪，千里冰封，近景枯木交错，寒水深湛，中景岸渚汀州。远景白雪茫茫，天深山亮，人们感受到一种慑人心魄的魅力。
范宽的《雪景寒林图》。
2、宋朝绘画的一些画风、布局，对我们进行网页制作、平面设计、影视动画制作等方面，具有一定的审美导向作用。同时，也是我们进行灵感思维训练的有力工具。灵感思维是视觉艺术思维中经常使用的一种思维形式。在创作活动，中，人们潜藏于心灵深处的想法经过反复思考而突然闪现出来，或因某种偶然因素激发突然有所领悟，达到认识上的飞跃，各种新概念、新形象、新思路、新发现突然而至，这就是灵感。但是灵感的出现是不是偶然性的。宋朝绘画，以其风格多样、作品众多，是进行灵感思维训练的有力工具。
结语。
宋朝绘画艺术达到了全面发展，绘画作品极其丰富，绘画技法完善,画家风格面貌繁多，不仅促进了中国绘画艺术的发展，具有很高的艺术价值，而且对现代教育也产生了深远的影响。
对两宋绘画的发展和所取得的成就的概述不仅仅只是如此，由于所持资料不充足，仅提供了以上所描述的内容，它还可以继续从历史背景以及人的思想方面进行深入探讨。
参考文献。
1.报刊。
【1】山东省职工教育办公室。
《现代企业教育》。
山东省济南市。
现代企业教育杂志编辑部。
2007(6)。
【3】。
http:///view/3.图书。
【4】吕晓。
《西北美术》---试论宋代风俗画(3)：陕西省西安市。
陕西人民美术出版社。
20026。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇十二
电影精彩画面重现：
十面埋伏电影讲述了唐朝官府捕快与江湖门派飞刀门之间一场惊险刺激、扑朔迷离的追捕与反追捕的故事。而最经典的莫过于竹林打斗这一场景了。“小妹”（章子怡饰）在一片竹海中遭到官府的追杀，在危机时刻，“金捕头”（金城武饰）出现了。在竹林逃命一幕中，小妹和金捕头在官府追兵的追杀下寸步难行，上有在树梢间穿梭的捕头，下有尖竹阵拦路，腹背受敌。在被锋利的竹筒架在中间后，眼前两人不能再活，必死无疑。千钧一发之际，终于！飞刀门的人出来了，居然是“阿母”（宋丹丹饰），于是两人获救。画面赏析：
2004年，在张艺谋的这部《十面埋伏》的电影中，布置了一场非常诗意唯美的竹林打斗场面，而这个打斗场面的发生地就在重庆永川茶山竹海。
http:///view/?fr=ala0_1）在《十面埋伏》的这场竹林一战中，可以说色彩非常明丽，气韵很独特，整个画面满满的全是一片翠绿，即使是画面的几个人物也是着深绿色服装，看起来给人的感觉就是很舒服很清新，独具有一种诗化的东方美，特别是通过电影手段的放大和强化，使这一场景给观众带来视觉上的美妙享受。或许观众在观看电影时，可能更多的是忽略电影的具体情节，而被唯美的画面所迷住，在看完之后，电影画面还深深地留在人的大脑中，许久以后还会历历在目，细细回味时感叹画面精致之余，更是产生了对茶山竹海的神往之情。作为一名普通的观众，对我来说，这部电影到底讲的是什么，现在我也记不清楚了，也并不重要了，但对于这个竹林打斗的场景却深深地印在我的大脑中，无论何时提到《十面埋伏》，我唯一想到的就是这个画面。同样的，对于国外西方观众来说，这部电影也同样最大程度上满足了他们对东方美景与古老文化的好奇和想象，使他们深深感受到中华文化的美。我自认为，这个电影片段充分体现了导演张艺谋的想象力、创造力和聪明才智，应该是张艺谋执导的电影中难得的精彩片段。古代著名诗人苏东坡曾说“宁可食无肉，不可居无竹”，竹子在中国文化中，素来有着极高的地位，它被赋予了刚正之节、虚心之德、柔韧之力和孝义之情等等美好的意义，似乎已经成为东方中国的代表词汇，具有一种神秘的图腾力量。而在电影《十面埋伏》对竹子的使用重点没有单单放在竹子本身的柔韧性，对竹本身的描写上面，而是在竹林间安排了几组人物错落的位置关系，并着力营造了这种微妙关系所带来的气氛和情调。也就是说，随着时间的推移，竹子已不再局限于个体的利用，它不再为打斗而打斗，而更有了在电影中的群像演出。通过精心、独到的场景设计，在这个场景中惟妙惟肖地表现出了风光旖旎的茶山竹海的神韵。
人们常说美的体现并不是单单通过几个“漂亮”、“绚丽”、“迷人”等形容词就能做到的。的确如此，真正的美不是源自外表，而更多的是要我们内心去细细品味、感受。《十面埋伏》中是这场竹林打斗画面美，然而其内在的那种神韵、气质却需要我们以细细去品味。或许我们就会被这秀美风景所深深牵引。
《十面埋伏》剧照。
导演：张艺谋。
主演：章子怡、刘德华、金城武。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇十三
将15克的盐放在你的面前，无论如何你难以咽下，但当15克盐放入一碗美味可口的汤中，你早就在享用佳肴时，将15克盐全部吸收了。情境之于知识，犹如汤之于盐。盐需溶入汤中，才能被吸收；知识需要溶入情境之中，才能显示出活力和美感。
——德国—学者。
上面一段话很形象精辟地比喻了情境式教学法在美术鉴赏课中的重要作用。看到这段话，我如一个苦苦念经的和尚顿悟一般，参透了知识需要溶入情境之中，才能显示出活力和美感，课堂才能真正被学生喜欢，被学生吸引。知识就是力量，知识是能力的基础，知识改变命运，知识具有无穷的魅力，为什么不少学生还厌学？原因之一就是教师没有让学生体验到知识之美。为此我们要担负起“美容师”的角色，要让我们所“经手”的知识富有美感，要让我们所“经手”的知识“流光溢彩，青春靓丽”。
情境式教学法在美术鉴赏课中的重要作用是显而易见的。
知识本身是具有丰富生动的实际内容，而表征它的语言文字（符号图象）则是抽象和简约的。而我们的教材正是由语言文字和图画汇集成的，我们在学习知识，欣赏作品时，都要透过语言文字、图象把他们所表达的实际事物想清楚，把课堂搞“活”起来，从而把两者真正统一起来，从教育心理学角度讲，这样的学习则是有意义的学习。
教师必须用情感激发学生的学习心向，这是有意义学习的情感前提。正如有的学者所指出的，从血管里流出来的是血，从山泉里流出来的水，从一位充满爱心的教师的教学里，涌腾出来的是一股股极大的感染力，它可以使学生产生同样的或与之相联系的情境。一次讲到罗中立的《父亲》，学生首先被其领袖式构图感染，我趁机讲中国“遗失”的几个词“小姐”、“同志”、“农民”，曾几何时“农民”与“土佬帽”“不讲究卫生”划上了等号，我教育学生农民是我们的衣食父母，没有农民，我们吃什么、穿什么，没有农民工就没有现在的现代化城市，所以我们要尊重农民，热爱农民。从而加深了我们对这幅作品的理解。这只是情境的一个维度“情”。(美术教学论文)它是学生进行有意义学习的认识背景，情境的另一个维度是“境”。
在欣赏中国古代绘画之山水单元专题时，我播放《高山流水》、《平沙落雁》等民族名曲，渲染作品的意境，引发一种思古的心境，让学生达到未见其境如临其境的感受。在音乐中想象自己如古人般畅游在幽静的山水之中，感受大自然山水的美景及意境，这样学生就能在我为大家创设的“境”中进入山水画的鉴赏之中。
在欣赏韩熙载《夜宴图》时，我根据五段式的画面内容，用音乐分别播放琵琶演奏、舞曲、轻音乐、笛箫合奏，引导学生随音乐感受作品的具体情节；再如用古希腊的神话传说，穿插影视讲述，引发同学对古希腊文化的向往与兴趣，我还邀请同学全班示范罗丹的《思想者》、米隆的《掷铁饼者》等可行的形体展示，使学生乐意积极主动的参与整个教学，在互动中体会到欣赏的乐趣，增强作品的感悟能力。
以上这种充满情境式的教学，把本来死板的不会动弹的文字，变成了有生命的东西，钻进了孩子们的脑海中。相反，“如果照着教学法的指示办事，做的冷冰冰的，干巴巴的，缺乏激昂的热情，那未必会有什么效果的。”（赞科夫语）这是因为“未经人的积极情感强化和加温的知识，将使人变得冷漠”。在课堂中如果教师上课冷漠，那么学生听课也必然冷漠。教师无激情讲课，学生必然无激情听课；教师无真情讲课，学生必然无真情听课。
没有激情，课堂教学就像一潭死水；没有真情，师生即使面对面，也犹如背对背。只有激情和真情才会师生之间产生一种相互感染的效应，从而不断激发学生的热情唤起学生的求知欲，激发学生进入教材的欲望，感受“身临其境”意境。情感激发的目的在于为课堂教学提供一个良好的情绪背景，学生兴致勃勃，兴趣浓厚，甚至兴高采烈，这是教学的最佳精神状态。正如英国教育学家洛克说的“孩子学习任何事情的最合理的时机是当他们兴致高、心里想做的时候。”
创设情境既要为学生的学习提供认知停靠点，也要激发学生的学习方向。这是情境教学的两大功能，也是促进学生有意义学习的两个先决条件。
当然，我们都注重“情境”吸引学生，激发学生的求知欲，课堂因此有了生气、有了效率，但是，有的教师只把它当作点缀，还有一些教师却因此迷失了教学的方向。不少教师对情境在教学中的应用存在偏差，创设的“情境”要么目的不够明确，师生的调侃游离于教学目标之外，要么缺乏价值取向过于花哨。如果设置不好，反而弄巧成拙，一味地挖空心思地在教学备课中为创设情境，寻找素材花费大量的时间和精力，却忽视了‘备美术’、‘备学生’，忽视了现实情境背后所隐含的美术线索，抓不住一节课的教学重点不懂得如何克服难点，对学生的认知起点定位不准，即所创设的情境再吸引人，也很难说是一堂成功的美术鉴赏课。因此，在注重情境的同时，还必须更深入地研究美术教材及学生。还有一种现象，有些创设情境无关因素大大干扰了课堂的进程，导致课堂效率低下。
如在鉴赏《中国古代陵墓雕塑》时，教师从奴隶社会的陪葬讲到世界各地的葬礼竟然用了一节课的三分之一时间，这样就本末倒置，抓不住重点了。
另外“情境”的创设并不时时处处需要，而应根据具体情况进行具体分析。情境作为美术知识的载体，是为美术教学服务的。我们应根据美术知识的线索，努力创设“良好的”“合适的”情境。
总之，情境式教学在美术鉴赏课堂中是课堂教学的基本要素，有利也有弊，对其弊端要克服，更要发挥其有利的方面，努力创设有价值的教学情境，更好地为课堂教学服务，让课堂成为学生学习的乐土。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇十四
大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。从而，促进大学生全面和谐的发展。
有生即有情，有情即有艺术。故艺术非专科，乃人所本能；艺术无专家，人人皆生知也。晚近世变多端，人事繁琐，逐末者忘本，循流者忘源，人各竭其力于生活之一隅，而丧生其人生之常情。于是世间创立“艺术”为专科，而称专长此道者为“艺术家”。盖“艺术”与“艺术家”兴而艺术始衰矣！出“艺术”之深宫，辞“艺术家”之尊位，对稚子而教之习艺，执途人而与之论美，谈言微中，亦足以启发其生知之本能，而归复其人生之常情。是则事事皆可成艺术，而人人也皆得为艺术家。著名艺术家丰子恺先生的这段话讲的非常深刻，艺术应该是属于全民的。而现今艺术的创造却被集中在艺术家身上，这并不利于大学生们艺术素质和审美观的提高。普通高校加强美育，主旨是在“育人”，是要教育学生逐步树立马克思主义的审美观。审美观是关于美、审美、美的创造等问题的基本观点，是世界观和人生观的重要组成部分。而大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。从而，促进大学生全面和谐的发展。由此可知大学生学习美术鉴赏课程对于大学生素质的培养有着非常重要的作用，所以就更应该实现美术鉴赏课程在大学里的普及。这里的普及不能单单只是书本、字面上的普及，而是真正让大学生实现在精神上的普及，真正的了解学习美术鉴赏课程的意义，这就需要我们大学生能真正的看透一些问题。那么以下这些问题能够帮助我们更好的认识到学习美术鉴赏这门课程的必要性。
标志。它继承和发展着人类的文明成果，传播、保存、融合、发展着民族的文化，是民族形成、生存及发展的生命机制。美术教育作为一种精神生产，对人们的社会心理、风俗习惯、道德规范、文化传统有至关重要的影响，成为整个文化建设的基础。
二、美术鉴赏课对大学生的全面而深刻的影响体现在哪些方面呢？首先它表现在以美引善蔡元培先生大力提倡“以美育代宗教”，就是因为作为“美育”的重要载体之一的美术有辅助道德进步的教育功能。大学生的思想品德不是先天具有的，也不是后天自发形成的，而是在社会、家庭，特别是在学校教育中形成和发展起来的。美术鉴赏课就是学校的教育课程之一。人的道德理想、道德认识、道德情感、道德行为建立在审美的基础之上，并以美作为追求的价值取向。在思想道德素质养成过程中，美术鉴赏课把中外美术精品直接呈现给广大学生，使他们产生“直观”的美感。“审美带有令人解放的性质”，能使人的主体性得到美的提升，前苏联教育家霍姆林斯基说过：“美是人的道德财富的源泉。”高校的美术鉴赏课是普通美术教育工作在高校的一种延续，是一种富有强烈艺术感染力的审美教育。这种审美教育是通过鉴赏美术作品的意境、线条、色彩、构图、肌理、空间及作者创作背景等完成的，它可以把高度发展的社会理性转化为直观的、生动的感性形式，其中蕴含的政治思想内容、伦理道德内涵，均使受教育者在提高审美感受、表现能力的同时，心灵得到净化，道德情操得到升华，从而达到崇高的精神境界。生动的艺术形象和直观的构思，给青年学生以启迪、以感动，从美术作品中感受到美，精神上获得愉悦和满足，同时也在潜移默化中获取了很多人文知识，接受了思想道德教育，人的身心得以全面和谐的发展。其次就是就是表现在以美启真素质教育应以培养学生的创新精神为重点。
好的美术作品，可以充分发挥学生丰富的想象力。爱因斯坦曾说过，想象力比知识更重要，因为知识是有限的，而想象力概括着世界上的一切，推动着进步，并且是知识进化的源泉。美术鉴赏可以使学生感知、注意、记忆联想、幻想、创造等思维能力得到发展。通过作品的鉴赏，可以提高学生的视觉感知能力，对各种色彩的象征义和引申义的理解会更加敏锐、协调，可以这样认为，美术鉴赏具有启迪智慧的作用。美术鉴赏的过程是一种视觉思维的过程，也是鉴赏者审美创造的过程。它是鉴赏者通过对艺术家创造的艺术品的感受、想象、体验、理解和鉴别等一系列视觉思维活动，通过对艺术作品的欣赏，从而达到开阔视野、扩大认知领域，提高艺术素养和审美能力的目的。
在美术鉴赏过程中，由于鉴赏者面对的是富于启发性的典型视觉形象，所以会自然地唤起种种有关的联想和想象。在联想和想象的作用下，通过特定艺术形象可以感知和认识更为丰富的内容。中国古代诗论中就有“象外之象，景外之景”之说，宋代诗人梅尧臣要求“作者得于心，览者会以意”。中国画的留白处理，正是留给鉴赏者想象的空间，这是鉴赏者对艺术作品再创造的过程。艺术作品不管表现得多么完整、具体，都留有广大的想象空间，这些空间需要鉴赏者通过联想和想象去丰富和发展，使鉴赏者形象思维能力得到进一步的培养与提高。
创造力的培养是素质教育的核心，美术鉴赏正适合这种创造心理的培养，尤其在美术鉴赏过程中对作品的色彩、比例、空间、节奏等视觉思维的训练，能在潜移默化中帮助学生开拓视野，培养学生具有丰富的空间想象力，开启思维的深度和广度。再次表现为以美怡情美术鉴赏对学生身体素质的提高大有裨益。如鉴赏古希腊雕塑《米洛斯的维纳斯》时，引导学生围绕人体美的标准进行讨论，通过美术鉴赏课帮助学生认识美的时代性、阶级性和多层次性，并转而欣赏“维纳斯”的古典、和谐、健康、自然之美。
美术鉴赏对学生健全心理素质也是至关重要的。美术鉴赏课对学生进行心理素质教育的进程中，首先要培养学生的爱美心理，使他们对美有一个正确的认识和概念，学会欣赏美、鉴赏美、表现美。优秀的美术作品都是作者对自然、人生和社会的理解，是创作者心灵的表露，所以在美术鉴赏中，广大学生可以通过艺术作品这一媒介与作者进行心灵对话，使自己的心灵得到熏陶、感染、净化与提升，从而使学生的认知心理、情性心理、社会心理得到和谐发展。
总之，美术鉴赏中的各个方面、各个环节无一不关联着素质教育，关联着大学生自由和谐的发展。所以我们就要更加强调大学生学习美术鉴赏课程的必要性。主要是逐步树立马克思主义的审美观。审美观是关于美、审美、美的创造等问题的基本观点，是世界观和人生观的重要组成部分。而大学生学习美术鉴赏的意义就是要以美引善，提高学生的思想品德；以美启真，增强学生的智力；以美怡情，增进学生的身心健康。从而，促进大学生全面和谐的发展。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇十五
《洛神赋图》为东晋顾恺之所画。画面内容根据曹植的《洛神赋》创作而成,描绘的是曹植与洛神相逢,但是洛神确无奈离去的情。分享了洛神赋图美术的鉴赏论文给大家欣赏！
：《洛神赋图》是最早的以绘画的方式再现一个文学作品的绘画，将一个浪漫主义题材的名篇转化成了绘画史上的杰作，表达出原文中的似幻似真的场景，将洛神无可名状的美丽描绘的令人神往，带给人以无限的美的享受。
他用这篇美文，形容他心目中的美人，“其形也，翩若惊鸿，婉若游龙，荣曜秋菊，华茂春松。髣髴兮若轻云之蔽月，飘飖兮若流风之回雪。远而望之，皎若太阳升朝霞。迫而察之，灼若芙蕖出渌波。秾纤得衷，修短合度。肩若削成，腰如约素。延颈秀项，皓质呈露，芳泽无加，铅华弗御。云髻峨峨，修眉联娟，丹唇外朗，皓齿内鲜。明眸善睐，靥辅承权，瓌姿艳逸，仪静体闲。柔情绰态，媚于语言……”这样一篇美文，受到世人的喜爱和追捧。也激起了当时的绘画奇才顾恺之的创作想象。因而有了这样一幅美轮美奂的《洛神赋图》。依照文中描述的场面，转化为视觉的美景。
这幅画卷所描绘的是，曹植从洛阳到他的封地，这段路途中经过洛水的时候看见到洛神女的情景。虽然说是一个虚构出来的梦幻境地，但是，画卷所忠于的是赋文的结构顺序，选择比较重要的内容来进行描绘，并且用具体生动的形象，依照赋文来给观者讲述，洛神赋中所要讲述的故事的全部过程，成为了一幅千古流传的佳作。在画中，曹子建带着自己的随从，在洛水之滨，凝神张望，好像看见了思念很久的洛神。远处凌波而来的洛神，她的衣带飘逸，动态委婉但是从容，她的目光凝注，表现出来了关切以及迟疑的神情，曹子建与洛神这二人的思念之情，全部都在卷面中展现出来，令人动情。全图绢本设色，艳丽明快，线条准确流畅，充满动感，富有诗意之美。
在中国古代，思想文化发生了巨大变化的时期就是魏晋的这一段时期，同时，中国古代的美术史，在这个时期也是有着重要的发展以及过度。在思想上，因为玄学的兴起，其中的文人学士所崇尚的是“清谈”，对于名教是藐视的，比较喜欢将自己的个性张扬出来，这就是魏晋时期文人的风度。他们在创作绘画的时候，会赋予进去他们自己本身的一种世界观、审美观以及价值观。在这样的大时代背景下，他们不被一些世俗的观念所限制住自己的思想，从而有许多非常著名的画家在这种大环境下诞生，著名的画家中顾恺之就是其中的'一名，并且，这一幅《洛神赋图》可以说是在这个时期，非常重要的代表作品。
从《洛神赋图》中可以看出，它所采用的造型以及设色的方式都是古代壁画的一种，它其中对于内容的构图中，是与汉代的一些画像石的布局非常类似的，就好像是今天我们所常见的一种连环画。在《洛神赋图》中的主人公以及对于故事情节的讲述都是在山水树木这一个场景中开展出来的。虽然说这幅图主要的是人物画，但是其中的背景是大量的山水图画。从这幅图中，我们可以在其中领略到中国古代比较早期的一种山水画雏形。山石无皴擦，树木如张扇，布局平列，有些"人大于山，水不容泛"的味道。比较早期的研究山水画的创作以及理论的著名大家中，顾恺之也是在这其中。所以，在《洛神赋》这幅图画中，可以看出山水部分的画法，在当时是具备了大众的审美意象以及艺术形式的。
用绘画的形式将一个文学作品再现出来，《洛神赋图》这是最早的一幅绘画。在这个时期之前，美术作用所体现出来的功能主要还是非新商品，其中的作品很大部分都是历史的典故、忠臣烈士之类的作品，其主要的目的还是在于“歌功颂德”、“成教化、助人伦”，主要的还是为统治阶段作为服务的，对于《洛神赋图》的出现，那就显得了格外的珍贵，具有着非凡的意义。
在绘画的意境上，体现出展现出诗的氛围和情趣。该图在表现原诗的内容上有过之而无不及，所带给人们的形象就是一种“视觉诗”这是一种从未有过的形象，并且更是画与诗相互结合的一个典范。其次的一点，就是书法在这幅画中的地位以及作用。书画同源虽然说比《洛神赋》出现得晚，但是，这幅画其中的笔法遒劲有力，挥洒自如，将书法的功底完美得展现出来。
在传统的中国画中，这种画与诗歌、书法，三种艺术形式相互结合起来，使得了中国画更凸显了精神性文化的内涵。“画是无声的诗，诗是无形的画”这给予了无限的想象空间。
在魏晋南北朝的这个时期中，《洛神赋图》可以说是这个时期的一幅旷世奇画，同时也是诗与画相结合的一个重要典范，并且在当时，这幅画也具备了当时所普遍认同的一个美学特征，同时也可以代表中国在那一个时期，绘画的最高水准。这幅画卷从各个方面上来看，无论是对于内容的构图还是艺术结构或者还是对于人物、环境的刻画等等，种种表现出来的形式，都不愧于是中国古典绘画中的瑰宝。
[1]雷灏.感动中国的100幅古典名画[m].武汉：武汉出版社，20xx（4）.
[2]（晋）顾恺之绘周殿富.洛神赋图人物传[m].安徽人民出版社，20xx.
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇十六
一、教材分析：《学些美术鉴赏知识》是人教版普通高中课程标准实验教科书《美术鉴赏》的第一课。作为普通高中阶段美术科目的学习模块之一，美术鉴赏课程要重在帮助学生学会欣赏、鉴别与评价中外美术作品的过程中，逐步提高其艺术鉴赏力，养成健康的审美情趣，形成热爱中华民族文化、尊重世界多元文化的情感和立场。
(1)通过教学，帮助学生了解美术的范围、性质，美术各门类的特点和中外美术发展的大体脉络。
(2)帮助学生掌握美术鉴赏的基本方法，通过对具体作品的典型分析，以点带面，触类旁通，尽量做到每课教学能使学生了解相关的美术观点、美术规律。重在理解、贯通，养成独立分析能力，而不在于记住个别结论。
第一课主要是让学生概略地了解美术是什么，包括哪些主要的门类，懂得进行美术鉴赏应具备哪些知识，从而培养学生对美术的兴趣、爱好，受到审美教育。
二、学生分析：大部分同学初中根本没上过美术课，对美术课早已麻木，失去兴趣。不了解其对健康心理的塑造和个人素质的完善有不可取代的作用，一幅经典绘画直观的'形象和蕴涵的丰富哲理会影响人的一生。
三、知识目标：使学生了解美术范畴，建立“大美术”观念。
能力目标：使学生了解美术鉴赏的基本方法，并能初步应用该方法进行鉴赏练习。情感目标：通过美术作品的欣赏，使学生开阔眼界，增长知识，培养学习美术的兴趣。
四、教学重点：培养学习兴趣，掌握鉴赏方法。
五、教学难点：应用该方法进行练习。
六、教学方法：激趣法、多媒体教学法、讲解法、讨论法。
七、教学过程：(课件展示)。
1、导入。
2、新授。
板书绘画工艺。
建筑篆刻。
各种类型课件出示一作品，请学生辨析。
3、了解美术史、美术理论的基本知识。
小组讨论：
学生简单表述，结合图例。
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精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇十七
摘要：中西绘画交流早在明万历年间就有，而清初的郎世宁则是公认的传入西画技法的第一人。郎世宁带来的西方绘画美学思想独特的魅力在于融合了传统宫廷画思想，成就了郎世宁特殊的作品风貌。
关键词：郎世宁;传统中国画;中西文化。
giuseppecastiglione，汉名郎世宁，意大利米兰人，生于1688年7月19日，是18世纪以西法作中国画最有成就的画家。由于对东方文化极度热忱，促使他在康熙五十四年(1715)来中国传教。最初以传播教义为目的他为了获取传播天主教的便利和权益入职内廷，为帝王作画，并逐渐受到赏识和器重，至乾隆三十一年六月十日在北京病逝，他在中国的艺术生涯长达五十年。他的作品为了迎合当时封建君主的喜好，不断在中西文化的撞击中成熟，对当时的宫廷绘画产生了一定影响。因其画风受中西方绘画的共同影响，所以采用中西掺和的画法，纵观郎世宁的作品绘画风格特点可从以下几类作品中比较与传统宫廷画的差异。
一、人物肖像画。
郎世宁在人物肖像画方面，以当时先进于中国的解剖学作为造型依据，加之擅长运用逼真画法描绘人物，体现出较强的写实能力，因而受到好奇西方学术、艺术和科技的清朝皇帝的器重。郎世宁的肖像作品追求立体感、准确性、比例合理、晕染精细、凹凸分明。这一类作品的特点可以从他几幅比较重要的作品当中如体现出来，其中比较典型的是《乾隆朝服像》《乾隆大阅图》《孝贤纯皇后像》《平安春信图》等。他的肖像作品最具特点之处在于对光源的处理方面，他采用正面光源，抛弃西画过强的光影对比，迎合传统中国画，这样的革新使人物面部整体感觉更柔和更清晰，这是郎世宁欧洲画法融合中国传统技法的再创造。
二、纪实画。
郎世宁的纪实画作品主要有《马术图》《万树园赐宴图》《平定西域战图》《平定西域回部战图》《丛薄行诗意图》《哈萨克贡马图》等。
这些大型纪实画不仅抛弃了纪实画常用的长卷形式，也抛弃了传统中国画因封建等级制度而过度夸大帝王地位的画法，改为适当的人物比例，但在构图中将主要人物置于显著位置或者加强对主要人物的刻画来强调君主或主要人物的身份特殊性。其特点表现在主要人物具有肖像特征，对人物服装以及背景描绘具体而细致，层层渲染。郎世宁的纪实画不仅在绘画风格技法上有所改变，最重要的是在构图上都有别于传统中国画。
郎世宁纪实画的构图中将人马、聚散、景物处理的富有节奏感，体现了画面的虚实、物象的繁复，但又融洽和谐的关系，具有明显的欧洲画风。同时，他在绘画中也尝试从创作中争得自由，尽量避免把近景远景结合在同一个画面中，纪实画多采用宏观远视的方法，不仅使整个画面感觉有纵深感，还使人物和周围的环境符合实际比例，同时兼顾了中国人的视觉习惯又不违背西方人的作画习惯。
三、花鸟走兽画。
在花鸟走兽类绘画作品中，《嵩献英芝图》《聚瑞图》《孔雀开屏图》《九犬图》《百骏图》《五马图》《柳荫双骏图》《万卉同春图》《仙萼长春册》等是其主要代表作。在绘制这一类作品时，郎世宁发挥了他高超的写生技法，用笔精到，宛然若生，利用西方透视和明暗作水墨画。不管是马匹、树木、水流、土坡，还是花枝、鸟雀等，都非常注重质感的细腻表现。
他在运用西方写生技法画蕴含传统中国元素的作品过程中适当添加了光影处理和明暗交界线的运用，使得花鸟走兽有了栩栩如生、呼之欲出的感觉。
在郎世宁的这类作品中，他更多的是来塑造形体，减弱了笔墨线条独立的审美意义，然而笔墨线条是中国绘画和书法造型的基础，对于受西方绘画影响较深的郎世宁自然难以体会笔墨线条的微妙乐趣，更多的是在意形体结构的把握，所以笔法全无。虽然如此，但是也给予了这个外国人改变中国传统中国画更大的发展空间。这种作画方式使他的画体积感和真实感以及空间感更强。这种有别于传统的绘画技法，是对传统中国画的一种补充，也是一种冲击，在画坛中开拓了崭新的艺术天地。
四、郎世宁绘画风格对传统中国画的影响。
郎世宁在进入中国前学到的西方绘画特点是写实、写生、忠于自然、忠于光源、忠于黄金分割、忠于人体解剖，力求再现生活;同时，他也被中国画所体现的意境所吸引。因此，他尝试着适应中国的欣赏习惯和宫廷的需要用西法画中国画，郎世宁学习中国画技巧并不断用中西不同的观察方法和表现方法改造传统中国画。
总之，他致力于中西画法的变通与折衷，对传统中国画来说不失为一种很好的突破和尝试。虽然我们可以站在中国传统绘画或西方传统绘画各自的角度来评价郎世宁的绘画，但是我们也应该认识到他的作品所呈现出的这种特殊面貌中中西碰撞的艺术价值。
他的中国画中和了中西方的差异，也在一定程度上改变了中国人的审美趣味，因此要将他的作品放在特殊的历史文化背景下研究，郎世宁的画代表着一种新的审美趣味和一个新的画派，对后人在中国画探索新的技法或表达形式上有所启迪并产生深远而积极的影响。另外，郎世宁曾与中国士大夫年希尧探讨西法透视，并用年之笔撰写了《视学》，这也是一部详细介绍郎世宁西法绘画技巧的理论著作，也是最早介绍西方透视法的著作。而且，郎世宁的油画功底深厚，还给中国宫廷培养了一批学习油画的宫廷画家，对中国传统绘画与西方技法的融合发挥了重要作用。
参考文献：
[1]蒲松年.中国美术史教程[m]，西安：陕西人民美术出版社，20xx.
[2]潘耀昌.西法中国画的先行者纪念郎世宁诞生三百周年[j]，新美术，1987(4).
[3]程敏.郎世宁中西合璧绘画与中国传统工笔画之比较[m]，北京：首都师范大，20xx.
[4]赖守亮.从中西画法结合看郎世宁绘画作品的艺术魅力[j]，艺术百家，20xx(4).
[5]崔人元.盛世画风――郎世宁的院体画[j]，世界博览，20xx(3).
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇十八
【知识与能力】。
学生了解画家的流派以及《荷拉斯兄弟宣誓》背景、内容和主题思想，学会运用美术术语欣赏同类型的油画作品。
【过程与方法】。
通过欣赏、讨论、探究掌握达维特的艺术特色，并学会鉴赏美术作品的方法。
【情感、态度和价值观】。
提高对美术作品的鉴赏能力，养成尊重多元文化的意识，从感性认识上升到理性认识。
教学重难点。
【重点】。
通过对达维特绘画作品的欣赏，了解新古典主义的艺术风格和造型特点。
【难点】。
体会新古典主义绘画的内涵和意义。
教具准备。
多媒体课件、教科书。
教学过程。
(一)导入新课。
截取战争时期的电影，感受刀枪铁马的声音，以及战争残酷的场面。提问：
学生积极发言，教师由此引出课题——《荷拉斯兄弟的宣誓》。
(二)直观欣赏感知。
学生观看幻灯片，教师逐渐放大《荷拉斯兄弟的宣誓》，引导学生们直观感受，并提出问题：
这幅作品属于什么画种?从画面中看到了怎样的内容?画面中有几个人物?
学生回答，教师简总结并要介绍背景：此画取材于古罗马的历史故事，战争题材，画面中有9个人物，老荷拉斯位于画面的正中，他手上的刀剑是这场宣誓激情的焦点，左边表现的是三个兄弟在出发前向宝剑宣誓的'场面。
(三)探究艺术家。
教师展示巴洛克艺术、市民美术、新古典主义和浪漫主义对应的画家画作和艺术特色的连线题，引导学生同桌讨论、回答。
师：这幅绘画是什么时期的艺术?是谁的作品?画家属于什么画派?
教师根据学生回答总结新古典主义艺术特色，这幅作品是达维特的代表作之一，是19世纪新古典主义画派的画家。
(四)形式美感分析。
继续欣赏《荷加斯兄弟的宣誓》并思考：
使用了什么样的表现手法?这样的构图合适么?给你什么样的感受?
采取小组谈论的形式，四人为一组，(引导学生从作品构图、背景、色彩、线条、笔墨、内容等方面进行分析)。
学生们畅所欲言，教师总结：《荷拉斯兄弟的宣誓》显示了画家达维特在构图上强调的是完整性，比较关注的是雕塑般的人物形象，注重体积感，用红色的基调突出画面的庄严气氛。
(五)领悟探究。
学生分小组合作演出《荷拉斯兄弟宣誓》的情景剧。思考问题：这幅作品画家想表达什么?
师生共同总结：颂扬了国家利益高于一切的英雄主义的主题，表现了画家对英雄人物的尊敬。
学生派各组代表进行演讲，同学之间互评，教师从现场表现、语言组织、美术术语的运用等方面进行评价。
(七)小结作业。
总结达维特的艺术特点。
布置作业：搜集达维特所处的时代，并思考与画作风格的关系。
板书设计。
教学反思。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇十九
摘要：
中国十大传世名画之一。北宋风俗画作品，宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品，属一级国宝。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。自从问世，人们对清明上河图的评价和鉴赏从没有中断过，可见其艺术价值之高以及作者画技的高超。在不断的探索和评价过程中，我们对美术的鉴赏本质也有了一定的认识。
关键字：
清明上河图张择端美术鉴赏美术鉴赏的意义。
引言：
《清明上河图》的鉴赏，对画家张择端的了解，进一步探索美术鉴赏对我们的意义和启发。
正文:。
美术鉴赏是对美术作品进行评价和欣赏。美术鉴赏是一种审美活动，它是鉴赏者运用自己的感知能力，情感，审美经验和知识修养，对美术作品进行感受、体验、理解和评价，从而获得审美享受和艺术知识，提高审美能力，陶冶情操的过程。它也是鉴赏者面对足以引起审美感情的作品，两者相互作用而产生的一种心物感应，物我交融的复杂的心理过程。
下面以中国十大传世名画之一《清明上河图》为例，先对作品进行鉴赏，然后结合这幅作品来谈谈美术鉴赏的意义。
《清明上河图》宽24.8厘米，长528.7厘米，绢本设色，是北宋画家张择端存世的仅见的一幅精品。《清明上河图》生动地记录了中国十二世纪城市生活的面貌，这在中国乃至世界绘画史上都是独一无二的。作品以长卷形式，采用散点透视的构图法，将繁杂的景物纳入统一而富于变化的画卷中，画中主要分为两部分，一部分是农村，另一部分是市集。画中有五百五十余人，牲畜五六十匹，船只二十余艘，房屋楼宇30多栋，车13辆，轿14顶，桥17座，树木约180棵，往来衣着不同，神情各异，栩栩如生，其间还穿插各种活动，注重情节，构图疏密有致，富有节奏感和韵律的变化，笔墨章法都很巧妙，颇见功底。这幅画描绘的是北宋汴京市井生活清明时节的繁荣景象，是汴京当年繁荣的见证，也是北宋城市经济情况的写照，栩栩如生地描绘了北宋都城汴京的日常社会生活与习俗风情。好一派繁荣昌盛的景象啊!
全画分为三个部分：
一、汴京郊野的春光：疏林薄雾中，掩映着低矮的草舍瓦屋、小桥流水、老树、扁舟，阡陌纵横，田亩井然，依稀可见农夫在田间耕作。两个脚夫赶着五匹驮炭的毛驴，向城市走来。一片柳林，枝头刚刚泛出嫩绿，使人感到虽是春寒料峭，却已大地回春。路上一顶轿子，内坐一位妇人。轿顶装饰着杨柳杂花，轿后跟随着骑马的、挑担的，从京郊踏青扫墓归来。
环境和人物的描写，点出了清明时节的特定时间和风俗，为全画展开了序幕。
二、繁忙的汴河码头：汴河是北宋国家漕运枢纽，商业交通要道，从画面上可以看到人烟稠密，粮船云集，人们有在茶馆休息的，有在看相算命的，有在饭铺进餐的。还有“王家纸马店”，是扫墓卖祭品的，河里船只往来，首尾相接，或纤夫牵拉，或船夫摇橹，有的满载货物，逆流而上，有的靠岸停泊，正紧张地卸货。
横跨汴河上的是一座规模宏大的木质拱桥，它结构精巧，形式优美，宛如飞虹，故名虹桥。一只大船正待过桥。船夫们有用竹竿撑的;有用长竿钩住桥梁的;有用麻绳挽住船的;还有几人忙着放下桅杆，以便船只通过。邻船的人也在指指点点地在大声吆喝着什么。船里船外都在为此船过桥而忙碌着。桥上的人，也伸头探脑地在为过船的紧张情景捏了一把汗。这里是名闻遐迩的虹桥码头区，车水马龙，熙熙攘攘，名副其实地是一个水陆交通的会合点。
三、热闹的市区街道：以高大的城楼为中心，两边的屋宇鳞次栉比，有茶坊、酒肆、脚店、肉铺、庙宇、公廨等等。
商店中有绫罗绸缎、珠宝香料、香火纸马等的专门经营，此外尚有医药门诊，大车修理、看相算命、修面整容，各行各业，应有尽有，大的商店门首还扎着“彩楼欢门”，悬挂市招旗帜，招揽生意，街市行人，摩肩接踵，川流不息，有做生意的商贾，有看街景的士绅，有骑马的官吏，有叫卖的小贩，有乘座轿子的大家眷属，有身负背篓的行脚僧人，有问路的外乡游客，有听说书的街巷小儿，有酒楼中狂饮的豪门子弟，有城边行乞的残疾老人，男女老幼，士农工商，三教九流，无所不备。
交通运载工具有轿子、骆驼、牛马车、人力车，有太平车、平头车，形形色色，样样俱全。绘色绘形地展现在人们的眼前。
张择端在作这幅画时极注意细节，人物的表情栩栩如生，动作定格生动，使人身临其境。他并不注重虚境和实境的对比，而是细致描绘每个角色，甚至画中的树木都做细致的刻画，不同树木的质感和空间对比都表现得极为充分。人物和食物的比例合度，远近也层次分明。画家在作画时线条清晰自然，颜色深浅浓淡事宜，人物表情丰富，直达内心，景物自然和谐，与人物相应成辉，所体现的朝气和谐的繁荣景象，充分反映了张择端对客观外界和主观感受的高度尊重。
画家在注重实际事物刻画的同时，又注重绘画本身的笔墨意趣。在画家看来，绘画之美并不仅仅在描绘自然景色，更重要的是笔墨本身所体现的美，所传达出的画家的主官感受、气势和意趣。
下面结合这幅作品来谈谈美术鉴赏的意义。
通过对这幅《清明上河图》的鉴赏以及推及到其它的作品可以看出，通过对美术作品的鉴赏不仅可以学到美育知识，更可以培养创造美的能力。对我们的性格，感情，认识，人生观，思想观等都有非常重要的意义，可以培养我们的积极性、主动性，使艺术素养、人文修养得到提高。
更具一般的说，美术鉴赏的意义在于使作品完成它的创作使命。没有欣赏或鉴赏的作品，即不与观众见面的作品是不会产生任何社会作用的，美术作品只有通过鉴赏才能产生作用。美术鉴赏的过程是观者积极思考，根据自己的生活经验及掌握的知识，对作品加以理解而使作品达到完善的过程。具体作品面对不同的观者将产生不同的效应，但美术作品存在的共同效应是主要的。美术欣赏是为提高人们的文化素养与审美素质，以促进社会发展为目的。
首先美术鉴赏可以帮助我们开阔眼界，扩大知识领域。人类生活的世界是极其广阔的，生活内容无比丰富，但对每个儿人来讲，不管他如何见多识广，也不可能体验到社会生活的一切方面。然而，借助于古今中外许多优秀的美术作品，却可以使我们形象的接触到许多人生与经历远远不能涉及的'广阔领域。以中国的美术作品为例，上下五千年，许多绘画，雕塑，工艺和各种建筑艺术，都可以帮助我们开阔眼界，使我们从中了解到许许多多从书本上和个人经历所无法得到的生动而丰富的知识。外国美术作品，更向我们展示了一个广阔的世界。所以通过对古今中外美术作品的欣赏，可以帮助人们周游世界，漫步历史，极大的扩展知识领域。
其次，美术可以陶冶人的情操，促进精神文明建设。美术欣赏活动的特点，首先表现在它是一种感觉和理解，感情与认识相统一的精神活动。因此，欣赏者通过对艺术作品的欣赏而提高认识、接受教育。如我国原始社会的彩陶和商周的青铜艺术，以及他们许多巧夺天工、光彩夺目的工艺品，使人深深地认识到我们祖国历史的悠久和古老文化的辉煌，从而增强热爱伟大祖国的思想感情。在欣赏的过程中，通过比较鉴别，也可以使我们认识到什么是真善美，什么是假恶丑，审美的批判过程，便是提高精神境界的过程。
第三，美术鉴赏是提高艺术修养和审美能力的重要途径。马克思说：“艺术对象创造出动的艺术和能够欣赏艺术的大众”。这就是说，按照美的原则创造出来的作品，反过来又会对人们起审美的教育作用，从而提高人们鉴赏艺术的能力。这种鉴赏艺术的能力的积累，就是人的艺术素养能力提高的过程。艺术作品看的愈多的人，就愈能鉴别和欣赏艺术。我国古代南北朝时期著名的文艺理论家刘勰说的“操千曲而后晓声，观千剑而后识器”讲的就是这个道理。多欣赏一些古今中外优秀的美术作品，多对日常生活中的美术作品进行审美分析，是提高人们艺术素养和审美素养的重要途径。
我们在欣赏这些美术作品的过程中会被其中真实而生动的形象所打动，唤起我们优美崇高的思想感情。在这种潜移默化的过程中，我们会得到心灵的净化，情感的陶冶，在不知不觉中接受了健康向上的精神品质和道德情操，从而改善人的情感状态，影响人行为。同时也得到视觉的愉悦和享受，扩大我们的知识领域，开阔了我们的视野。
通过对《清明上河图》的鉴赏使我了解了中国另一方面的优秀传统文化，了解中国传统的优秀思想和人生价值观，它拓宽了我的知识面，对培养我们的认识世界的能力,审美的眼睛和健康的审美情趣以及未来的人生发展,都具有十分重要的意义。
参考文献：
1、百度百科《清明上河图》。
精选美术鉴赏教学论文（汇总20篇）篇二十
教学目的：
通过古代石器、玉器的发展，了解人类审美意识的萌生与发展。
了解玉器的丰富内涵和对中国文化的深远影响，由此对工艺美术获得初步了解。
教学重点：
玉器的发展历史和丰富内涵。
教学难点：
理解“君子比德于玉”的特殊历史意义。
教学过程：
一、导入。
你了解玉哪方面的故事？
指名说说。
二、新授。
板书问题：引导学生去读课文。
以玉组词。
玉分几种，玉器制作有几种审美追求？
为什么说“君子比德于玉”？
新石器时代有哪些玉器文化？
选择一玉器进行鉴赏练课件制作习。
学生细读，交流讨论。
反馈：结合图例引导学生说说答案，阐述“言念君子，温其如玉”、“君子无故，玉不去身”等含义，重点讲授“君子比德于玉”
进行鉴赏练习，说说艺术风格和喜欢的原因。
三、总结。
中国传统玉工艺历史悠久，品种浩瀚，成就卓越，有丰富的历史文化内涵，以玉的质地来比喻人的美德是我国特有的文化现象，使本来就精美的玉器更增添了深层次的审美意蕴。
四、作业。
选一图进行鉴赏练习。