专业素描人像心得大全（20篇）

通过写心得体会，我们可以更好地发现问题、改进方法、提高效率，进而实现自我提升。下面是一些精选的心得体会范文，希望能够帮助到大家写作。

专业素描人像心得大全（20篇）篇一

在学习素描色彩人像的过程中，经常会遇到一些困难，尤其是在颜色和人像的表现上。然而，这些困难也让我更加深入地了解了素描色彩人像的精髓，同时也感到了自己在学习过程中的成长和进步。在这篇文章中，我将分享我在学习素描色彩人像时的一些心得和体会，希望对大家有所帮助。

第二段：人像素描。

在绘画中，人像素描是一项非常重要的技能。要想画好人像，需要注意姿势、肢体结构、衣服以及面部的细节。在绘画人像的时候，我们需要学会观察和感知，要去看到肌肉的变化和人物的情感表达，这样才能够把一个人的形象画得更加真实和生动。此外，对于人像的细节，比如头发、眼睛、鼻子、嘴巴等部分，都需要仔细的观察和细节处理，通过不断的实践和反复练习，才能够画出好的人像作品。

第三段：色彩描绘。

在素描色彩人像中，颜色的表现是非常重要的。色彩的选择和运用可以使作品更加丰富多彩，让人物栩栩如生，增加了观赏性。在选择颜色的过程中，我们需要根据角色的气质和场景的色调来确定色彩的搭配。如果是温暖的环境，我们可以使用红色、黄色等温暖的颜色；如果是冷静的场景，我们可以选择蓝色、绿色等冷色调颜色。当然，在选择颜色的同时也需要考虑画面整体的平衡性和协调性，避免过于单调或难以接受的颜色搭配。

第四段：技巧与方法。

在学习素描色彩人像的过程中，除了上述基本技巧外，还需要掌握一些技巧和方法。其中，主要包括颜料的运用和色彩的调和。颜料的运用包括颜料的调配、交叉描绘和填色等技巧。色彩的调和是指在不同颜色之间形成一种和谐、平衡和统一的关系，使画面更加生动、自然和舒适。除此之外，要想成为一名优秀的素描色彩人像画家，还需要持之以恒的练习和不断的实践，通过学习他人的作品和经验，不断提高自己的绘画技能和创作水平。

第五段：结论。

绘画是一项需要耐心和毅力的长期工程，而素描色彩人像更是其中的难点。在学习素描色彩人像的过程中，需要持之以恒的努力和不断的实践，记住基本技巧和方法，并且不断完善自己的个性化创作方式。作为一个素描色彩人像的爱好者，我深深体会到，只有通过不断的努力和实践，才能够真正成为一名优秀的绘画家。

专业素描人像心得大全（20篇）篇二

第一段：引言（200字）。

素描全身人像是绘画领域中的一项重要技巧，它要求艺术家能够准确地观察和描绘人体的各个部分，从而完成一幅生动逼真的人体素描作品。在教授素描全身人像的过程中，我积累了一些心得体会，希望能够与大家分享。

第二段：技巧与练习（200字）。

要想掌握素描全身人像的技巧，首先需要着重学习人体比例与结构的准确把握。通过学习与练习各个部位的形态和比例关系，我们能够更好地把握整体的人体比例，并能够在绘画中准确地表现出人体的动态和姿态。此外，练习对光影的感知和掌握也是非常重要的。只有在对绘画中的光影变化有深入的理解和掌握后，才能够更好地突出人物形象的立体感和光影效果。

第三段：观察与表现（200字）。

观察是素描全身人像中最为重要的环节。艺术家需要仔细观察并捕捉到人体各个部分的细节，从而准确地描绘出整体形象。观察包括对肌肉的线条、骨骼的结构以及体态的变化等进行认真观察，并运用于绘画创作中。在观察的基础上，艺术家还需要通过画线和涂抹等手法巧妙地表现出人体的肌理和纹理。只有在充分观察和细致表现的基础上，才能够创作出充满艺术感和真实感的人体素描作品。

第四段：审美与创作（200字）。

素描全身人像不仅仅是对人体形态的准确描绘，更是艺术家对人体美感的表达。在创作过程中，艺术家需要对人体的线条和比例进行审美的把握。只有在对人体美感的敏锐观察和感受下，艺术家才能将心中的美感通过素描作品完美地呈现。创作不仅仅是机械地复制，更是艺术家通过素描表达自己对人体美的独特理解和感悟。

第五段：总结（200字）。

通过这些年对素描全身人像的教学与研究，我深深地体会到素描全身人像作为一项绘画技巧的重要性。掌握素描全身人像的技巧需要耐心与坚持，也需要反复观察和勤奋练习。只有在细心观察和努力实践的基础上，我们才能够创作出令人赞叹和震撼的素描全身人像作品。我希望通过我的教案，能够帮助更多的学习者更好地理解和掌握素描全身人像的技巧，进而在创作中发挥出自己的艺术潜能。素描全身人像是一项令人震撼且具有挑战性的技艺，但它也是一项非常有趣而有意义的学习旅程。让我们一起踏上这个旅程，不断探寻和发现素描全身人像的奥秘与魅力。

专业素描人像心得大全（20篇）篇三

一、引言（200字）。

素描全身人像是绘画中的一种基础技法，准确地捕捉人体的比例和形态对于艺术作品的成功至关重要。通过探索素描全身人像的过程中，我积累了许多宝贵的经验和体会，并整理出了一份教案，以便与更多爱好者分享。

二、基础指导（200字）。

在素描全身人像的练习中，准确捕捉人体比例是关键。通过对骨骼结构和肌肉的学习，能够更好地把握人体的主干曲线和细节。此外，透视的运用也是不可忽视的，可以有效表现人体的立体感。为了提高创造力和审美意识，练习者还需要研究不同的造型技法和线条处理方法，例如使用疏密的线条表现光影效果，以及运用不同的材料来创造不同的质感。

三、方法论（250字）。

在教学中，除了介绍基本的绘画技巧，还需要注重培养学生的观察力和表现力。通过观察真实的人体模特或照片，学生可以更好地理解人体的比例和形态，掌握绘画的实际应用技巧。而后，通过练习，学生可以逐渐培养出自己的风格和表达能力。另外，进行母题练习也是很有帮助的，学生可以模仿大师作品中的人物形象，尝试运用所学技巧进行创作。

四、实践与反思（300字）。

在教学过程中，我设计了一些练习任务，让学生通过多次实践去巩固基本技巧和发展自己的创作能力。由于每个学生的水平和风格不同，我提倡学生们互相交流和互相学习，共同进步。在实践时，我发现一些学生对比例的把握仍然存在问题，因此我加强了对比例知识的讲解，并增加了一些辅助工具，如计量尺等，帮助学生更好地掌握比例。我也注重学生的思考和创造，鼓励他们勇于尝试不同的创作方式，不断探索自己的风格和表现能力。

五、总结（250字）。

素描全身人像的练习是一项需要长期坚持和不断学习的艺术技能。通过对人体比例和形态的准确把握，艺术家可以更好地表现自己的创作意图。在教学中，我意识到观察力和实践的重要性，并通过不断调整教学方法和任务来提高学生的素描水平。通过这份教案，我希望能够帮助更多热爱绘画的人，提升他们的素描全身人像技巧，并培养他们的观察力和表现力。最终，我希望看到学生们在艺术创作中展现出自己的独特风采，获得不断的进步和成就。

专业素描人像心得大全（20篇）篇四

近年来，美术教育逐渐受到更多人的重视，人们开始认识到绘画对个体的创造力和审美能力的培养具有重要作用。而在美术教育中，素描色彩人像是一门重要的学科。作为素描色彩人像教师，我深感教学中的心得与体会是无可替代的，下面我将就此分享我的一些观点和经验。

第二段：全面理解色彩。

在教授素描色彩人像时，首先要充分理解色彩的本质和特性。色彩是光的一种属性，它有色相、明度和彩度三个要素。全面理解色彩的构成有助于深入传达给学生有关色彩的知识。通过观察现实生活中的各种颜色，了解色彩的变化和规律，学生可以更好地掌握和运用色彩，从而提高他们的艺术创作能力。

第三段：培养观察力和表达能力。

素描色彩人像的教学中，培养学生的观察力和表达能力是非常重要的。观察力意味着学生对于客观事物的敏锐性和洞察力，通过教导学生仔细观察对象的细节、形状和色彩，培养他们的观察力，有助于他们更好地捕捉客观事物的特点。表达能力是指学生将观察到的事物通过绘画形式传达给观众的能力。为此，我注重培养学生的绘画技巧，让他们能够准确地表达自己的想法和感受。

第四段：激发学生的创造力。

素描色彩人像的教学中，激发学生的创造力是至关重要的。创造力是人们对于新事物的独特见解和独立思考能力，对于艺术创作具有重要意义。我注重引导学生通过观察、思考和实践，培养他们对于艺术的独特见解和创作能力。我鼓励学生尝试不同的表达方式和风格，帮助他们发现自己的艺术特点和个性，从而激发他们的创造力和艺术潜能。

多年来，从事素描色彩人像教学的经验给了我许多启示。首先，因材施教是十分重要的，学生的兴趣、能力和个性都有所不同，而教师应该根据学生的特点有针对性地进行教学。其次，引导学生思考和交流是非常必要的，通过与学生的互动和对话，可以促进他们对于艺术的深入思考，激发他们的创造潜力。最后，为了不断提高教学质量，教师应该不断学习和实践，不断更新自己的教学方法和理念，与时俱进，以更好地引导学生。

总结：

通过以上的分享，我希望能够强调素描色彩人像教学的重要性，并分享了一些观点和经验。在我的教学实践中，我深感素描色彩人像对于学生的艺术修养和创造力的培养具有重要的作用，因此我会将我的经验不断总结和提炼，不断努力改进自己的教学方法，为培养更多的优秀艺术家做出贡献。

专业素描人像心得大全（20篇）篇五

人像素描是绘画里的一大门类，也是观察生活与表现心情的有力工具。素描人像作为一种艺术表现形式，是通过线条、阴影印象，将人物的形态、神态、气质、情感抒发出来的。如何通过素描来抓住人物的特点，表现生动形象的画面，需要我们在学习实践中多加体会和领悟。

学习素描人像需要首先掌握良好的基础功底，如线条、比例和阴影等等。对于线条的描绘，需要用笔做到拿捏得当、轻重有序，特别是在画局部细节时不能放松，因为这些细节往往可以表现人物的神态和情感。在描绘人物的比例时，要注重头部、身体和肢体的搭配，使之协调统一。同时，阴影的处理也是素描人像中一个关键的环节，必须对光影有充分的理解和掌握，可以加强画面的层次感和立体感。

在素描人像的练习中，最好能多画观察自然界中的人像，通过不断练习提高对人物形态的敏感度。在面对人物的画面时，可先勾勒出基本轮廓，在此基础上逐渐填充、加强细节描绘，达到准确画出人物结构的效果。同时，可以扩大画面的尺寸，使之更具立体感和视觉冲击力。练习还可以通过画速练习、黑白练习来提高手绘技巧和作品效果。

在素描人像中，人物的神态、情感和气质的表现是尤为重要的。画家可以通过描绘眼睛、嘴巴、眉毛等小细节，来表现人物的表情和神态。除此之外，还可以通过人物服装、动态、环境等细节来表现人物的气质和情感，使之更加真实鲜活。同时，在画面组合时需要注重地形、背景等因素的结合，使整幅画面更加和谐、统一。

素描人像也需要有自己的创意，可以通过构图、色彩、形式等表现方式来实现。在构图时，可以利用明暗对比和视角来突出人物的主题和中心，增强表现效果。色彩也可以用以增强画面的气氛、深度等特点，增强作品的艺术表现力。

在学习素描人像时，可以参考大师的作品，从中吸取他们的精髓，提高自己的素描功底。同时，在创作时也要思考自己的创新点，可以通过借用其他学科的知识，拓展素描人物表现的思路和方法，让作品更具独特性。

最后，通过多加实践与体会，逐步掌握素描人像的技巧和艺术表现力，创作出具有创新性和个性鲜明的作品。

专业素描人像心得大全（20篇）篇六

作为一种绘画形式，素描人像在绘画中扮演着重要的角色。它是描绘人物形象的基础和铺垫，是绘画艺术的基石。本文将从素描人像的基本技巧、构图技巧、细节处理、自我风格的塑造以及与观众的沟通入手，探讨一下我个人对素描人像的心得体会。

一、基本技巧。

在进行素描人像的绘制时，基本技巧是非常重要的。首先要掌握的是画笔的运用，包括笔画的重量、灰度和颜色等方面。其次，要善于运用明暗对比，就是在绘画过程中要注意把握好人物的明暗度和色调的对比。最后，掌握好线条的运用也是非常重要的，要学会在画面中勾画出明确的轮廓线和表现出人物的立体感。

二、构图技巧。

素描人像的构图也是非常重要的。在绘画时要注意人物的比例，不同的角度和表情也要有所区别。在构图时还应该注意到画面的平衡感和层次分明的效果，建立起画面的空间感和深度感，使人物的空间关系更加真实和清晰。

三、细节处理。

在绘画人物形象时，注意到细节的处理是很有必要的。例如人物的表情、肌肉线条等。人物的面部表情非常重要，要用颜色和线条把眼神、嘴巴、鼻子、眉毛等细节勾勒出来，才能清晰地表现人物的性格和气质。

四、自我风格的塑造。

素描人像作品在艺术中体现的不仅是形式美，更多的是作者个人的感受和表达方式。在素描人像的绘画中，不仅要掌握好基本技巧和构图，还需注重自我风格的塑造。塑造自我风格需要建立自己的艺术思想、表达方式和独特的风格特点。

五、与观众的沟通。

素描人像的绘画最终目的不仅是从艺术的角度出发，还要考虑到与观众之间的沟通。通过素描人像的绘制，我们应该要表现出自己的理解和对人物形象的感受，详细呈现出人物的性格特点和心理活动，给观众带来一种身临其境的感觉。

总之，素描人像作为一种绘画形式，不仅有其自身的技法和技巧，还在人物形象构造、细节处理、自我风格塑造，以及与观众的沟通等方面具有重要的实践意义。只有不断地探索和实践，才能在素描人像绘画中获得不断的进步与提高。

专业素描人像心得大全（20篇）篇七

作为一名学习美术的学生，我曾经有幸参加了一期素描人像课程，为期三个月。在这段时间里，我经历了许多挑战，也获得了很多收获。通过这次课程，我不仅收获了技巧上的提高，还在感受到素描的魅力和美妙之处。在这篇文章中，我将分享我对这次素描人像课程的心得体会。

首先，素描人像课程的一大亮点是老师对学生的细致指导和悉心关怀。我们的老师是一位经验丰富的专业画家，他从基础知识讲起，循循善诱地引领我们逐渐掌握各种技巧和方法。在每次上课时，他会耐心地观察我们的作品，并针对我们的不足之处给出宝贵的建议和指导。他还经常与我们交流，了解我们的学习进展和困惑，积极解答我们的问题。有了老师的耐心指导和关心，我们的学习效果得到了极大提高。

其次，素描人像课程让我明白了细心观察的重要性。在绘画过程中，我发现细心观察是取得好成果的关键。我通过素描课程学到了不少关于人物外貌特征的细节，例如面部的线条、光影效果、眼睛的神情等。在素描人像的练习中，我常常将专注力集中在模特的脸上，仔细观察他们的面部特征和表情。通过不断观察和练习，我逐渐学会了抓住每一个细节，活捉每一个瞬间，使我的作品更加传神逼真。

第三，素描人像课程也让我体会到了刻苦钻研的重要性。要成为一名出色的素描人像画家，光有天赋是远远不够的。要想取得进步，必须付出大量的时间和努力。课程期间，我每天都会坚持反复练习，不断地追求更高的技术水平。有时候，我会花上几个小时甚至一整天来描绘同一个人像，直到我对其达到满意的程度。通过这种反复的练习，我逐渐掌握了素描人像的技巧和表现力，对绘画充满了更多的热情和自信。

第四，素描人像课程让我体验到了艺术创作的乐趣。每当我成功地捕捉到一个人像的特点，将其用线条和阴影勾勒出来，并把它呈现在画纸上时，我感到一股莫名的满足感和成就感。绘画让我感受到一种与世界和谐融合的美妙感觉。我喜欢那种专注于创作的时光，仿佛与外界的喧嚣和烦恼消失殆尽，只有我和我的画笔在这个相对安静的创作空间中对话。通过素描人像课程，我发现了这个美妙的世界，并深深地爱上了绘画。

最后，素描人像课程让我深刻认识到绘画艺术不仅仅是技巧的表现，更是一种思想的交流和情感的传达。在进行素描人像创作时，我会用自己的方式去解读模特的内心世界和情感表达，尽力捕捉到他们的独特个性，用画笔将他们的故事展现给观者。通过绘画，我不仅仅在描绘外貌特征，还在探索着人物的内心，用线条和阴影勾勒出他们的情感和思想。素描人像课程让我意识到艺术的真实力量和价值，激发了我更进一步探索创作的动力和热情。

总之，素描人像课程是我美术学习的一个重要的阶段。在这个过程中，我学到了许多不仅仅是技巧上的东西，更重要的是对于绘画艺术的热爱和对于创作的理解。我相信，通过这次课程的学习和实践，我会在绘画的道路上不断进步，成为一名出色的素描人像画家。

专业素描人像心得大全（20篇）篇八

人像素描是绘画的重要内容之一，因为人像是描绘人、描绘情感的根本出发点。我在绘画过程中，也尝试过不少人像的绘制，尤其是素描人像，让我体会到了很多。在这篇文章中，我想分享一下我的心得体会。

第一段：人像素描需要掌握基础技巧。

在素描人像的绘制中，首要掌握的便是人像的基本结构和轮廓。要想画出生动的人像，我们必须在形体设计和轮廓勾勒上下功夫。在绘画过程中，我发现锻炼手腕的稳定性和笔画的精准性非常重要，因为它们对于表达人物形体特征、轮廓、纹理等各方面都十分关键。同时，水平、垂直的线条、光影的表现等技巧也是必备的基础素材。

第二段：素描人像需要深入观摩和练习。

在掌握基础技巧后，素描人像也需要深入的观摩和练习。常看出色的人像作品，有助于我们观察人像结构的复杂性、生动性和艺术性。同时，学习人物特征的表现，也需要广泛观摩具体的人物图片。经常素描人像，并轻松关注人物特征的特殊之处，更容易掌握人像的表达。

第三段：素描人像需要掌握构图技巧。

在绘画时，构图是十分重要的。素描人像的构图，往往是指给人物快速表现不同的情绪、表情，最好能够突出主角。通常在构图方面，我尝试采用刀片添加重点，为人物上色，进一步强化立体感，使用较多的颜色能够提升画面的艺术性。

第四段：素描人像需要注重保存和展示。

在完成素描人像后，一个好的习惯就是及时保存和展示。素描人像往往花费大量的精力和时间，一旦完成，便像一个艺术品般值得收藏。同时，要注重画面的保护，不能让时光留下太多的痕迹。

第五段：素描人像需要与他人分享和交流。

最后，素描人像其实是可以带来快乐和满足的。与他人分享和交流，不仅能获得专业知识，还能让画面得到认可与赞赏。通过交流，不仅能够加强学习的效果，还能帮助我们认识到自身的长处与不足，增加创作的灵感和意义。

总之，素描人像是绘画中的一项基本内容，需要我们不断学习和不断探索。通过上述的一些相关经验和体会，我相信大家在以后素描人像创作的过程中会有所启发，也能够更好的发挥绘画的潜力和魅力。

专业素描人像心得大全（20篇）篇九

近年来，素描全身人像作为一门非常流行的艺术形式，受到了越来越多人的喜爱。在教学中，教师的教学方法和教案设计起着至关重要的作用。本文将从教材选择、知识点安排、教学手段、教学评价和教学反思等方面，总结出一份完善的“素描全身人像心得体会教案”。

首先，要合理选择教材。在这门课程中，教师应该选择一本具有丰富的素描全身人像案例的教材。这样的教材可以帮助学生在观察和描绘上获得更多的灵感，提高他们的艺术感知和技能。同时，教材还应该有一定的层次和难度，以满足不同学生的需求。

其次，要合理安排知识点。素描全身人像的学习过程中，涉及到了很多基本的艺术知识点，如线条、光影、比例等。教师需要结合教学大纲和学生的实际情况，合理安排这些知识点的顺序和学习难度。可以根据知识的逻辑性和学习的顺序性，将这些知识点进行有机的组合和串联，使得学生能够逐步地掌握和应用所学知识。

再次，要采用多样化的教学手段。教师应该根据学生的实际情况和学习需求，灵活运用各种教学手段。这包括以讲授为主的教学形式，如直观教学法、师生互动、讲解示范等。同时，也可以引入一些互动性强的教学方法，如小组合作、角色扮演、实地考察等。通过多样化的教学手段，可以激发学生的学习兴趣，提高他们的学习效果。

另外，要进行有效的教学评价。评价是教学过程中的重要环节，能够反映学生对所学知识的理解和掌握程度。在素描全身人像的教学中，教师可以采用多种方式进行评价，如书面测试、作品展示和口头答辩等。这些评价方式既能让学生在实践中检验自己的学习成果，也能让教师及时了解到学生的学习情况，并作出相应的调整和指导。

最后，要进行及时的教学反思。教学反思是教师提高自身教学水平和教学效果的关键环节。在素描全身人像的教学中，教师应该经常进行教学反思，总结教学经验，查找教学不足之处，并进行相应的改进。同时，还可以与同行教师互相交流、共同进步，以提高教学质量。

综上所述，设计一份完善的“素描全身人像心得体会教案”，需要合理选择教材，合理安排知识点，采用多样化的教学手段，进行有效的教学评价，以及进行及时的教学反思。通过这些措施的运用，可以使素描全身人像课程的教学更加高效和有趣，提高学生的艺术水平和艺术欣赏能力。同时，也能够促进学生的创造力和表现力发展，使他们在艺术领域中展现自己的独特风采。

专业素描人像心得大全（20篇）篇十

人像素描是美术课程中重要的一门课程，通过学习这门课程，我对素描技巧有了更深入的了解。在这一学期的学习中，我掌握了绘画人物的基本要领，培养了观察力和创造力，并取得了不可磨灭的进步。以下是我在素描人像课程中的心得体会。

在开始学习素描人像课程之前，我对这门课程并不了解。然而，随着课程的进行，我渐渐地了解到素描人像是描绘人物形象的一种表现方法，通过学习该课程，我将能够更好地理解人物的结构和特征。这对我未来的美术创作起到了重要的指导作用。

第二段：掌握基本技巧。

在学习素描人像课程的过程中，我主要学习了人物的比例关系、线条描绘和阴影处理等基本技巧。比例关系对于描绘人物的准确性非常重要，通过学习和练习，我慢慢地掌握了如何正确判断人物形体的比例关系。线条描绘则是描绘人物的基本手法，我通过不断的实践，逐渐提高了线条的精准度。阴影处理是素描人像中非常重要的部分，通过学习不同的阴影处理方法，我能够使绘画更具有立体感。

第三段：培养观察力和创造力。

素描人像课程中，观察力和创造力是两个不可或缺的要素。我通过素描人像的练习，逐渐培养了观察事物的细致能力。在观察一个人物的时候，我能够更加仔细地观察他们的面部特征和身体轮廓，这使得我的作品更加地真实生动。创造力是素描人像中的另一个重要因素，通过对素材的自由创作，我提高了我的创造能力，使我的作品更具有想象力和艺术性。

第四段：取得的进步。

在素描人像课程中，我付出了很多努力，但也取得了明显的进步。在刚开始学习的时候，我的素描人像作品充满了笨拙和不准确，但通过不断地学习和练习，我能够更自如地掌握素描的技巧，我的人物形象逐渐变得更加准确、细致和立体。我的教师也对我的进步给予了肯定和鼓励，这让我更有动力继续努力。

通过学习素描人像课程，我对绘画技巧和人物形象有了更深入的了解。我体会到了艺术创作的乐趣和挑战，我发现绘画是一种语言，可以表达出自己的情感和思想。未来我将继续努力学习素描人像课程，并在此基础上进一步提高自己的绘画水平。我相信通过不断的学习和实践，我能够创作出更多独特而令人赞叹的作品。

总结：

素描人像课程对于我的美术学习有着重要的意义。通过学习这门课程，我不仅掌握了素描技巧，还培养了观察力和创造力。在努力学习的过程中，我取得了明显的进步，并且对绘画的未来充满了希望。我相信通过持续不断的学习和实践，我能够在素描人像创作中取得更大的成就。

专业素描人像心得大全（20篇）篇十一

专业素描人像心得大全（20篇）篇十二

本教程中我们将一起学习ps将漂亮美女转素描效果的方法，教程难度不大，制作出的效果也很不错，主要是介绍对照片的各项参数的调节，总体难度不大，希望朋友们喜欢本教程！

下面我们先来看看原图和最终制作出的效果对比。

教程原图。

效果。

详细教程。

完成最终效果。

专业素描人像心得大全（20篇）篇十三

素描是绘画的基础，也被誉为绘画的“ABC”。在绘画的研习过程中，我深深体会到了素描的重要性和独特魅力。通过多次的实践和学习，我不仅提高了自己的绘画水平，更深入了解了素描所能表达的丰富内涵。在绘画过程中，我明白了观察力的重要性，懂得了透视的原理，也体会到了线条的生动表现力。总的来说，素描对我来说是学习艺术的必修课，让我更加了解绘画的精髓。

首先，素描让我认识到观察的重要性。在绘画的过程中，准确地观察对象是基础。通过素描的练习，我培养了对物体形状和结构的敏锐观察力。当我开始进行素描时，我会仔细观察物体的轮廓和细节，同时注意光影的变化和质感的表现。我学会了如何通过观察物体的形状和结构来捕捉物体的特点，并将其准确地呈现在纸上。观察的过程不仅让我更加细致入微地了解了物体的构造，更让我在绘画的过程中增加了对现实世界的敏感度。

其次，我在素描中体会到了透视的原理。透视是素描的重要组成部分，通过透视的原理可以使画面看起来更加真实和立体。在绘画过程中，我学到了什么是一点透视，二点透视和三点透视。我知道了平行线在远处会相交，远离观察者的物体会显得较小，远离视线的物体会产生压缩。我利用透视的原理，能够更准确地判断物体的形状和大小，并将其以更立体的效果呈现在纸上。透视让我的画面更加生动有趣，也让我对景深的感知有了更深的理解。

此外，线条在素描中具有重要的表现力。线条是构成素描的基本元素，通过线的运用可以表达出物体的形状、质感和纹理。我发现线条的种类和用法有很多，可以通过不同的线条来表达出不同的效果。例如，通过交叉的直线可以表现出阴影的效果，通过有规律的线可以展示出纹理的质感，通过虚线可以表示出物体的透明感。在素描中，我更加注重线条的运用，通过不同的线条来营造出不同的氛围和效果。线条的运用不仅增加了我的创作灵活性，也丰富了我的绘画作品。

在研习素描的过程中，我最深刻地感受到了绘画的艰辛和挑战。素描需要长时间的观察和仔细的描绘，需要我不断地努力和坚持。在一开始的时候，我经常会懊恼于自己的不足和错误。然而，我在不断的练习中逐渐取得了进步，我发现绘画不再是枯燥乏味的，而是一种享受和放松，我愈发热爱绘画，并为自己带来了一片宁静和纯净的心境。素描不仅仅是一种绘画技巧，更是一种修炼和追求完美的过程。

综上所述，通过学习素描，我全面提高了自己的绘画水平。素描教会了我观察的重要性，让我学会了透视的原理，也体会到了线条的生动表现力。素描的学习过程并不简单，但我深知只有通过不断的练习才能获得进步。我相信素描是每位绘画爱好者都应掌握的基本功，同时，素描也让我在绘画的世界中找到了乐趣和寄托，带给我无穷的心得和体会。

专业素描人像心得大全（20篇）篇十四

在9月12日，我踏进了湖州学院的校门，开始了我的大学生活。而我也迎来了我的新课程——设计素描。

高中时期我们为了应付应试考试学的一直都是传统素描，并未对设计素描有过系统地学习。设计素描，顾名思义是艺术设计类相关专业学习的基础，该课程主要讲授设计素描基础理论以及构图、比例、透视、形体、结构、节奏韵律等素描造型的基本方法。此课程与环境设计、视觉传达设计等设计类专业相关课程相联系，基础素描表现与设计思路启发相联系，既可使我们了解客观物体的变化规律，掌握对比、和谐等常识，又可培养我们的设计思维，为进一步的专业学习打下基础。

在钟安老师的授课中我明白了学会设计素描应平时做好画面积累，首先在构图上要注意画面视角以及光的来源，打破常规的观察与思维模式，可以做一些构图视角上的练习。我们的画面，从整体的构成到构思画面视角，一定是逐一分析，进而学会如何在考试当中灵活运用。同时我们还需要大量的优秀范例作品来进行学习，平时生活要养成细致观察生活场景的习惯。想要得到好的画面必须是自己一步一步汲取经验教训得来的，而不是一味的盲目学习。

在上周的课程中我们进行过一次石膏写生，通过这次写生我明白了我们在日常的学习过程中，应该要注意循序渐进，不能过于急躁，关于画面刻画能力的提升，我们也需要注意由简到繁，循序渐进的在整个绘画学习的过程中不断提高自己对于素描绘画的理解能力，从而将画面表现的更加丰富出彩。而设计素描与素描绘画不同，设计素描是以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面作为重点，给人们以视觉上的冲击。

著名的艺术家德加曾经说过：“素描画的不是形体，而是对形体的观察。”就好比我们在写生纸张、布时我们不能仅仅只是用我们眼睛去观察其表面的东西，更应该思考其内在。比如这张纸的质感是怎样的，是光滑或是粗糙，周边有无褶皱等等。而在观察布是我们应注意这块布是柔软抑或是硬朗，两者中的感觉是非常不一样的，很容易被我们所忽略，因此我们应对其仔细观察，才能充分表达其本身的东西。

“设计素描”这一堂课给了我很大的启发，同时为我的画面也提供了很多的帮助，让我更明白在写生物体时应更注重其质感。不论是玻璃、金属，一张纸或是一块布都有自己的特征，我们应抓住其特征进行刻画、表达，具备了这些质感表现特点，我们的画面才会有足够的张力和表现力。

设计素描可以说是基础素描的进阶，想要自己的画面上升到另一高度那么此课程一定是必不可少的。感谢钟安老师让我认识到了设计素描，我也不会在此课堂上松懈下来，在找回曾经作画感觉时开发新的方法，让自己的画面更上一层楼，将自己在课程中学到的至少更好地表达到自己的作品中。

龚俊栋。

2021年10月5日星期二。

专业素描人像心得大全（20篇）篇十五

：素描教学是美术学习的基础部分，对美术教学的发展能产生重要影响，相应的，素描教学在美术教学中也起到重要作用。高中美术教师要考虑学生的特点及美术学习情况，循序渐进地展开。从基础入手，以宏观的角度带入教学，增强对学生的个性化指导，给予学生正确的鼓励暗示等，是提高素描教学的重要策略。

高中美术教学中素描教学是最基础也是最易被忽视的部分。素描并不是单纯地模仿，而是一种能力、一种心情。只有做好基础练习，才能为日后的学习奠定基础。在当前高中美术教学中，素描练习是基础性练习，需要一定的时间才能达到，本文针对当前高中美术素描教学，结合笔者自身的教学经验谈教学心得，以期为日后教学做出启示。

想要学生认真地学习素描知识，就要让学生对素描产生认识。高中阶段学生已经开始形成自己独特的世界认知，并不是亦步亦趋地跟着教师的要求，而是更多地加入了自己的思考，而艺术创作也是需要素描意识的，在这种情况下，教师就要先让学生明白什么是素描，然后才能引导学生去学习素描。在学习过程中，教师要教学生素描的基本知识，带领学生共同欣赏素描作品，掌握其中的条理、纹路，以及操作的笔法手段等，这些都是基础。让学生在宏观上认识素描，并且清楚素描作品本身的意义所在，以及素描的学习对于整个美术课程学习的意义，进而实现素描能力的培养。

在传统素描教学中，教师往往会陷入到一个教学的误区———让学生描摹作品，也就是说，在学习过程中，教师通常更注重让学生自己进行作品的描摹，而学生对事物或者是画作的观察也仅仅局限于某一细节的像与不像，而忽略了整体的协调性，例如“在某种情况下，这一物体为什么会呈现出这样的状态？”对于这类问题的思考，就是需要学生进行关注，但并未引起学生的注意。教师要让学生知道，在一幅素描作品中，整体、主次、虚实都是需要考虑的，而非单纯的临摹。学生能临摹出来的是形态，却不能临摹出神态以及当时的状态。宏观角度的教学，要求学生能够观察到更多的内容，并且去主动思考，为什么是这样的，而不拘泥于一个形态的模仿。在宏观教学过程中，教师可以从以下几个方面入手展开引导，一是引导学生观察“大关系”，也就是在画面中，不同物体之间存在着怎样的联系，在视野范围内，为什么要这样摆放才能舒服，那样摆放就不舒服。

所谓把握临摹与写生的度，就是指合理分配两者的时间，不能顾此失彼。尽管急于写生会让学生不得要领，陷入一种盲目创作的过程，最终会暴露出更多的问题，但当前高中美术素描教学更多的是限于临摹。经常出现的情况是学生能够很好地临摹，却不能很好地写生，在教学过程中，教师更多地要求学生进行临摹练习，而忽视了写生。事实上，两者之间有很大的区别，临摹时学生只需将作品考虑在内，而写生时要加入更多思考的内容，包括角度、效果、关系、摆放、方位等，这些都是学生需要学习的。素描本身就是美术学习的基础，如果素描基础不能建立，学生日后的美术学习也会举步维艰，因此，教师要准确把握临摹与写生的关系，为学生安排合理的训练。

美术作为艺术门类的一部分，对于主观创作的要求还是很高的，这一点在基础的素描教学中也是有所体现的，因此，教师在教学过程中要照顾学生的思想，与学生进行交流，激发学生主动创作的热情。了解学生的观点，然后从学生角度引导学生进行素描练习，是每位教师的责任所在。在这个过程中，教师要了解学生，与学生形成交流互动，而不是传统课堂中教师讲解、学生听的局面，尽可能多地在课堂上与学生进行交流，听学生对事物的看法，寻找学生感兴趣的话题等，这些都是进行交流的重要方式，并且鼓励学生说出自己的观点。在当前教学过程中，教师要给予学生足够的鼓励，尽管学生在初期创作中会出现一些幼稚的处理方式，但在教学中教师要发现学生的发展与进步，对学生尽可能地以鼓励为主，以激发学生的学习兴趣及参与意识，更好地为日后的学习提供帮助。美术素描是需要时间慢慢练习的，学生的成长也必然需要一个过程，只有给予学生这个过程，并且加以引导与鼓励，才能促使学生的成长。作为美术教师，不能急于求成，而是要循序渐进地对学生进行指导，进而达到教学的目的，只有明确了教学思路，才能在实践中有计划地展开教学。

专业素描人像心得大全（20篇）篇十六

艺术永远是现实的反映。我们这个时代的艺术就是我们这个时代精神观念的反映，有什么样的思想观念就会产生什么样的艺术形式。所以，观念的转变是最重要的！改革开放的过程就是思想观念转变的过程，而艺术是该走在时代的前沿，因为艺术具有其前瞻性，我们的艺术教育怎能脱离这样一个时代？素描教学的观念作为艺术教育的基础，怎样与时代发展相适应？这是我们的教育者应该思考的。

我们从艺术史的角度来看，古典艺术是在封建制度下形成的，艺术家是为皇帝或上帝服务的。进入现代社会，艺术家要通过艺术表现自我，艺术的精神在于创造。艺术家发现了潜藏在生命里自由的欲望以及发现与创造的欢乐，造型艺术再也不仅仅是宗教的图解和宫廷的装饰了，要求艺术和学并列，造型艺术和学是同样崇高的艺术形式。素描的多样性是在人的认识不断发现不断创造的过程中形成的，可以说，是在尊重个体人的创造才使素描的多样性成为可能。素描可以有多种表现形式，素描教学的应更宽泛些，素描不仅是技巧与能力的训练，也应是思想与观念培养。

首先说是该解决认识问题，其次是表现问题。但素描教学的具体问题是什么呢？简单的说是造型问题。复杂了说：素描教学应解决在色彩之外字语言等其他媒介无法表达或表达无力时所需的视觉图形语言。运用视觉图形语言去思考、去表现视觉感受以及引导视觉感受是素描教学的核心问题。

１．培养学生独立观察思考的能力是基础教学的出发点。在素描教学中培养学生深入观察、独立思考、有自己的判断力是首位的。

２.人的普遍视觉需求。人的视觉包括生理的和心理的两个方面，研究具体阶层人群对图形的感知能力是素描教学的重要课题。

３.在具体的素描作业中画面的组织结构是第一位的，我们所说的造型离不开特定的画面空间。画面的组织结构与构图经营位置有相通之处，不同的是“组织结构”更强调画面图式内在的有机联系，强调视觉形式具有生命的整体构成。

４.形象感觉的表现与传达。包括形象特征、形体结构、质感与量感给每个人相同或不同的感受。这里既有视、知觉的训练也有表现技巧的训练。

５.工具材料的运用与发现，对材料工具的敏感是当代家的重要特征之一。素描的工具和材料是朴素的、相对简单的，正因为简单才留有发挥我们想象的空间。

６.了解与传统。对中外历史与传统的了解与掌握是素描的重要途径之一古今中外的素描大师是我们学习的，站在巨人的肩膀上可以看得更远。

素描训练是有针对性的。这是由教学的阶段性不同、专业的性质不同、思想观念的不同决定的。

１．针对学生年龄阶段的教学，首先是了解学生的生理年龄及专业年龄特点，以避免重复教学使学生产生厌倦心理浪费有效时间。

２．针对学生个性素质的开发。每一个学生的个性是不同的，为将来的艺术实践打下宽厚坚实的基础，不是先入为主的风格样式的训练，而是在尊重每个学生的个性同时能加以的引导。

３．针对特定课题的训练。不同的课题有不同的要求，将素描艺术的形式因素分解剥离开来，有针对性的分别训练，以强化对视觉形式要素的感受力。

造型艺术语言的经典与素描的关系，以避免学习素描的盲目性。

前面谈了作为基础的素描教学一开始就应介入到艺术的本质——精神的表达。将素描作为人的精神表达方式，就需要涉及到技术性问题，所以“技术性”是素描教学不可回避的问题。我们常说的艺术教学是教技术还是教艺术在教学实践中是要有清醒的认识。

1．看的。视觉艺术离不开“看”，“看”本身并不需要技术，用心去看就可以了。但是，人的知觉在成长的过程中，由于知识的缘故，“看”就发生了变化。能够用“心”去看，也是需要一定方法的。看是人的知觉重要组成部分，人接受信息的80来自视觉，基础教学就是要唤醒人的知觉。

有些人对“色”敏感，有些人对“形”敏感，有些人喜欢粗线条的大关系，不拘小节；而有些人则喜欢细节的罗列，不厌其繁。“整体的看”与“比较的看”，在教学中如何引导既是观念的问题也是个技术性问题。

2．工具材料的运用。一方面要多尝试运用各类干、湿性材料，以便从中选取自己喜欢的、方便的、耐用的、持久的工具和材料，为能充分表达自己做物质的准备。教员就似个大师傅将各种菜谱摆出来，学生可以自由挑选，当然大师傅还应该是个营养师。

3．知识的运用。

是理论与实践相结合，素描教学就是最初的结合点。透视学、解剖学、人体工程学、视觉心等都是造型艺术的基础理论知识。这些知识在素描教学上的运用体现了极复杂的技术性，应分阶段、分层次、分专业开设实践课程，有重点的进行实际操作与演练。

艺术的重要特征之一就是其实验性。在教学中探讨素描表现的可能性是贯彻教学。

开放的社会需要开放的艺术，开放的艺术需要开放的思想。实验性是向未知挑战，是面向未来。在素描教学中我们应该体会的是思想、是创造精神。

总之，在我们这个开放的时代，艺术应该走在时代的前沿，素描教学的观念作为艺术教育的基础一定要与时代发展相适应。

专业素描人像心得大全（20篇）篇十七

当今的高考素描教学中，造型能力的培养很自然地包含了对于绘画要素及艺术规律表现性的训练，学生的绘画语言意识和创新意识也便在这种训练中得以锻炼和培养。本人在具体的教学过程中有意识地进行了一些这方面的实际尝试，其中大部分是建立在课堂写生教学基础上的。

首先进行有单纯灯光或自然光源的一组静物训练，设计要求明暗效果，要求学生完全用明暗色调去描绘对象，只充分展示明暗的美感。

第二步画一组不同固有色且形状、面积不同的静物，只要求学生将各色彩之面变为明暗配置，以使学生取得对调子配置和典型形态的明确概念。

第三步画一组有明暗效果的静物或模特，要求学生作局部或全部的明暗转换练习，以扩展学生对于明暗对比的认识方式并自由运用。

明暗对比是描绘光、阴影和立体的最理想的手段。但传统的写实素描，明暗关系比较被动地依从自然物象，虽然光束射在一个物体上产生了高光、中间色调、深色调、阴影、反射光，但是现代艺术的概念使得它变得同以往有所不同，我们现在用明暗来实现我们的全部愿望，而非单纯地描绘“真实”——明暗之间的对比是造型构成中最富有表现力的重要方法，发展学生自由地使用明暗对比进行画面的空间构成和平面构成的能力是十分必要的，在这里明暗实际上是黑白灰依据结构关系进行量的使用。第三步的练习就在于此；在第一步的练习中，明暗将不是一种累赘，而是一种表现因素，一种审美知觉；第二步的练习训练学生不同程度的明暗调子与形的区域关系并明确清晰地以一种二次元状态表现。

在结构素描中，上述训练将不适用，因为把形的起伏看成是色的深浅，将妨碍对形的结构本质的研究。

明暗色调训练涉及到对光的研究，光线可以充分发挥作用，如同我们在伦勃朗的画里看到的那种随意使照射手段改变的效果，在印象派的作品里，光线来自被描绘物的内部，物体的最终形象是由其形状和光线相互作用而成，具有很大偶然性，不同条件的照射作用，使物体呈现不同形态，这种不确定性也成为艺术表现的主题。在现代绘画里，阴影不再是由光线操纵，而是画面、人、事物本身构造的一部分，有独立的形象及含义，如勃拉克画里的阴影“形象”。

现在我们不仅仅把明暗色调同光和阴影联系起来，只是“真实”地再现客观物象，而是更积极地运用明暗来组织画面并赋予它活力，使明暗运用有更大的创造性，来达到我们更直接的目的。在研究明暗对比、配置法则及色调表现的素描教学中，命题的创作性素描是十分有益的训练，学生的性格情绪决定了他是明晰而有秩序地运用明暗法，还是单纯地从视觉感受来描绘光与影，或是把它作为一种高度敏感的表现语言，教师应当在具体教学中加以观察并引导。

第一步是画一组肌理质感有明显区别的物体如皮毛、粗石、木头断裂面等，要求学生不择手段地表现对肌理质感的感受。第二步进行人造物、植物、自然生活局部（微观）与整体的自然肌理、纹理效果的刻画。第三步画一组静物，外轮廓写生，然后给予完全相异的肌理质感或肌理互换，以探索肌理的表现与形的关系。第四步，利用写生——默写、触摸——默写的方式，作印象和想象力之中的形与肌理质感关系的素描。

艺术家对现实的也对暗示的肌理的关注，在视觉艺术上一直产生重大影响。在写实素描中，对模仿一个有肌理的物体、形态和表面的真实幻觉而对媒介作巧妙的处理。现代艺术中，肌理质感的运用更加广泛与纯粹，成为重要的绘画与造型手段。在素描教学中，关于肌理质感的训练将促使学生从触觉质感、抽象纹理的角度去看周围的世界，从具象中提取抽象的形式因素，再通过素描手段加以解释。现在发展于肌理的研究，在于扩大学生观察客观世界的思维角度，无论客观还是微观的自然现象都向人们提供了这方面表现的可能。对比要素同肌理形式结合起来应用，是肌理训练的基本法则。

肌理的形态和描绘工具性能有很大关系。应当鼓励学生尝试各种描绘工具的兴趣，不同系别专业的学生在训练中会显示出不同的趋向。在素描教学中发展对材料语言的敏锐感受，在提高技能表现的同时，同样达到审美意识的培养，以期在创作中把肌理作为出色的设计要素。

第一步画一组明显高与水平线的静物（或者相反），要求学生利用透视表现在极大透视状态下的空间形体立体感。第二步画视平线上或下的模特，要求学生必须在仰视或俯视的角度下，尝试寻找并描绘因透视原因而形成的特异造型，激发学生写生时多方位的观察模特的造型意识。第三步，在一幅素描里作各种透视的局部，带创作性的结合成整体，也可通过不断移动视点写生完成。

虽然透视知识对学生而言是枯燥的，但在空间造型中却极为重要。透视造成的结构的点在二维平面上的位置决定了形的立体，要准确描绘它，就必须懂得透视。

但是在表现性素描里，透视则可能是一种束缚。在现代一些素描里，离开透视，仍然可以造出联想的画面空间与立体，依靠材料、肌理、面积等的对比也可以造成联想的空间与立体效果。

然而，更有意义的是透视的主动运用。强烈的透视效果可以使物体扭曲变形，产生戏剧般的造型效果，比如摩尔的《防空地道透视》。当然透视法不是被用于刻板地再现空间，而是被用于表现某种特殊意义的时候，透视法可以被自由地加以运用。契里柯就是为了情绪上的效果而采用透视。

透视知识不应当成为取代视觉想象力的陈规。现代则采取更加广义的透视，正确地改变事物的相互关系，运用色调、肌理、点线面、形状等建立抽象空间的新透视关系。

第一步从写生素描中作一系列不同变体，在局限中改变素描的概念，并不断发现与深化艺术的想法。第二步把标有座标网络的照片作不规则风格的复制素描练习，把多张照片的局部利用网格置换复制进一张素描里。第三通过写生作抽象的明暗、线条、形态的节奏、韵律练习。

虽然在一般的写实素描中很大程度上依据基本视觉中的自然关系加以构图和再现形象，但是系统地研究设计与构成，将给素描带来创造性的新貌。

设计与构成知识涉及到画面的闭锁形式，闭锁形式以有机的和无机的两种形式出现，图解是无机形式的一种表现，而结构主义及其派生物则充分利用了无机形式——几何形来进行画面的创造。我们在设计构成里。则主要训练学生画面联接的设计意识，以及新主意、新方法的创造。座标格的利用是一种最基本的方法，在随意扭曲的放大网络中素描，正规网格的照片肖像会自然产生变形效果。局部的扭曲产生趣味中心，由此素描通过这种方法显示运动时间的四维性。上述训练还培养学生创作素描的意识与能力——把自然视觉的组合变为一种超视觉的组合。外形比例、稳定、对称、均衡、对比、和谐等法则被用于画面设计与构成。

素描构成训练，通过写生与创作结合是比较理想的方式，比如依据写生对象的`外轮廓，过渡到比较自由的构图，然后有意识地安排画面色调，建立画面结构。还可各取静物的一部分，相互穿插，重组画面，感受来自对象，在重建的画面中保持这种感受十分重要。

专业素描人像心得大全（20篇）篇十八

素描是造型艺术表现形式之一，凡以简单的色彩、简单的工具对客观形物做朴素描绘的画种样式皆为素描。同时以锻炼观察和表达物象的形体、结构、动态及明暗关系为目的的素描，又是一切造型艺术的基本功。素描可以是客观写实的，也可以采用象征夸张甚至抽象的形式。

素描在大学四年的艺术教学中起着不容忽视的作用，它既是对前两年造型基础的总结，又为以后的专业设计起着一个铺垫作用。在现代美术教学中，素描作为造型艺术的基础，越来越受到各大美术院校的重视。要让一个学生在较短的时间内学好素描，一是教师自身应具备良好的专业水平，二是应有科学的教学方法，使技法和理论有机地融合在一起。只有教得科学，学得科学，才会有好的结果。教学方法不仅直接影响素描教学的效果，也将影响学生今后的全部艺术实践。

素描大师德加曾经说过：“素描画的不是形体，而是对形体的观察。”意思就是说素描不只是表现形体，更重要的是表现对形体的看法与理解，这给了广大学生以重要启示：不单单注意如何去画，而且必须先解决观察方法的问题。

写实素描是我国造型基础练习的主体，因此尊重具体对象，使主观与客观统一，是素描教学的基本原则。作品应以客观物象为依据，在教师的指导下，让学生根据对物象的认识和感受加以理解，艺术地表现对物象的真实感受。

抽象形式的训练是基础训练中必不可少的一面，它有其自身的规律。抽象与具象的训练相辅相成，写实练习的目的不只在于“应物象形”，而要透过真实外观的再现，掌握规律，发现抽象结构如何合乎形式美的规律。从这点来说，写实的造型训练也是引导学生自觉地研究抽象形式规律的途径。

素描学习是一项艰苦而有意义的工作。素描教学训练要以培养学生对物象的观察能力、思考能力、认识能力、表现能力为目的，即要达到基础训练所必须具备的各项能力，掌握好基础知识和技能。同时，指导学生以客观物象为依据，表现物象的真实，以写实的手法表现对物象的真实感受。在教学过程中，教师的指导作用是主要的，但学生的主观感受在素描作品的表现力方面也具有非常重要的作用。主观感受来源于客观物象，关键是教师要正确引导学生学会正确地观察和处理画面。

造型是素描教学中至关重要的问题，造型似是而非在初学者中是最普遍的，因此要培养学生在学习上严格的作风和求实的态度。在素描训练中，应当要求学生不要迁就造型的错误，那种将错就错的态度是不利于学生发展的。在素描训练中常犯抓形不准的毛病，就不能获得物象结构的知识，就会造成不善于敏锐准确地表达物象特征的缺陷，这对学生是非常有害的。

整体是素描教学的基本原则。所谓整体，就是要注意艺术直觉与基本技法的统一。它既体现在作画过程的始与终，又体现在素描教学的全过程，是否整体直接影响作品的质量高低。对每一课题的训练，应把“整体”摆在研究造型法则的首位。把握整体是揭示对象物质的重要手段，也是克服认识偏颇的关键。在素描教学的程序上也要体现服从整体的原则。但这并不是说只强调整体而忽视局部细节的深入刻画。整体和局部是对立统一的关系，并不存在纯粹的“整体”，整体的丰富性有赖于局部的深入刻画。

“整体-局部-整体”是素描训练的基本程序。即从整体出发，先画整体后画局部，最后又回到整体。也就是说要注意先画整体后画局部，首先把对象当作一个整体来画，而不是一个物体一个物体地画，更不是一个部分一个部分地画。当画到局部时不仅要注意局部关系，而且也要注意到整体的效果，画局部实质也是画整体。

所以，学生在习作的每个阶段都要考虑到整体关系，“整体-局部-整体”多次反复，一次比一次更整体，最后塑造出一个高度概括、完整的艺术形象。

笔者认为在素描教学中，写生、临摹、默写能力的培养很重要：

第一，写生能力。写生通常指对着实物作画的慢写和速写。写生强调观察、体验、分析、研究自然对象，认识并掌握它们的造型规律。如何将眼中所见的现实事物转换成美术的本体样式，转换成绘画的造型语言，或者转化为设计的视觉语言，写生是素描基础训练的主要方式。

第二，临摹能力。临摹是照着别人的作品画。临摹对学生有两点益处：一是向前人的作品学习，以取得写生方法的借鉴；二是练习造型，熟悉造型规律，提高造型能力。要注意针对性，不同学生有不同的需要，每个学习阶段都有其不同的特点。临摹时应注意作品的整体效果，领会原作的真情实意及绘制过程，抓住重点。临摹主要是让学生加深对传统文化中造型观念的理解、认识与学习，提高学生鉴赏能力与艺术表现。

第三，默写能力。默写则是凭记忆作画。通常是对形象有较深入的熟悉和理解，对物体特征、结构及规律有十足把握，再凭记忆将形象画出来。经常默写有助于中、长期作业的整体、深刻的认识，是锻炼理解力、记忆力和概括力的好方法。默写能力是素描教学综合能力的检验，与中国绘画传统要求相符，也与西方绘画传统要求相符，是自由、自如的创作阶段。

素描是认识对象的一种绘画方式，是美术专业与设计专业准备阶段的基础性训练。这种训练既包括对所学专业观念的认识，又是动手能力基本技能的训练。素描教学应随时代的发展而发展，素描教学的体系、方法以及风格流派的发展变化，将给素描教学提出新的问题。现有的认识和成果，仅仅反映今天的水平，笔者相信只要经过不断的实践与探索，素描教学必将开拓出新的天地。

专业素描人像心得大全（20篇）篇十九

素描，是一种用简明的线条、轮廓和阴影来描绘物体形象的绘画方式。它是绘画的基本功，也是培养艺术审美能力的重要手段之一。在我的艺术学习过程中，我开始学习素描，并逐渐体会到了它的魅力和价值。以下是我对素描的心得体会。

第一段：对素描的初次体验。

刚开始学习素描的时候，我对于它并没有太多的了解，只觉得是一种简单的绘画方式。然而，当我真正开始实践的时候，我才发现它并不简单。第一次拿起铅笔，在纸上描绘一个物体的轮廓，我发现自己的手并不听使唤，线条并没有我想象中那么流畅。于是，我明白了素描是需要技巧和训练的。我开始反复练习，希望通过不断地实践来掌握素描的技巧。

第二段：素描的观察与表达。

渐渐地，我发现素描并不仅仅是简单地描绘物体的轮廓，更多的是需要观察和表达。在素描的过程中，我学会了用眼去观察物体的细节，用心去感受物体的形态。我学会了观察物体的比例、构造，以及光线的变化和阴影的形成。通过观察，我逐渐掌握了如何通过线条的长度、粗细和方向来表现物体的形态。我也学会了如何运用阴影来增强物体的立体感。通过表达，我可以用简单的线条勾勒出一个立体的物体，让观者能够感受到物体的形态和质感。

第三段：素描的审美与创作。

素描不仅仅是一种绘画技巧，更是一种审美的体验和创作的手段。通过素描的实践，我开始对艺术产生了更深的兴趣和理解。在进行素描创作的过程中，我会去寻找创作的灵感，并尝试着用线条去表达自己的思想和感受。我发现素描可以让我通过线条的运用来表达自己的情感，让我能够在纸上洋溢出自己的创造力。素描成为了我与艺术对话的媒介，也成为我表达自我和思考世界的方式。

第四段：素描的观察力和耐心的培养。

素描不仅仅是一种艺术表达方式，更是一种训练观察力和耐心的工具。在进行素描实践的过程中，我需要细心观察物体的细节，捕捉光线和阴影的变化，这需要我集中精力和耐心的实践。通过不断观察和实践，我的观察力得到了极大的提升，我开始能够敏锐地察觉到物体的细微之处。同时，我也学会了耐心，明白了只有持之以恒的实践才能取得进步。素描让我学会了如何用心去观察和耐心去实践。

第五段：素描的意义和价值。

通过素描的学习和实践，我逐渐明白了它的意义和价值。素描是一种观察和表达的方式，它让我学会了如何观察物体的细节、感受物体的形态，并通过线条和阴影来表达自己的思想和情感。素描也是一种训练观察力和耐心的工具，它培养了我的观察力和耐心，让我能够更加细致入微地观察和思考。除此之外，素描还让我体验到了创作的快乐和满足感，让我感受到艺术对人生的意义和启发。

通过学习和实践素描，我不仅提高了自己的绘画能力，更锻炼了自己的观察力和耐心。素描不仅是一种绘画技巧，更是一种艺术表达和思考生活的方式。在以后的学习中，我会继续坚持素描的实践，不断提高自己的艺术水平，同时也享受与艺术对话的乐趣。

专业素描人像心得大全（20篇）篇二十

大学的第一个学期进行到一半的时候，我们迎来了设计素描课，迎来了我们的叶老师。叶老师在保存我们自己内心的想法和思想的基础上提高我们的艺术设计与表现能力，并教导我们艺术作品必须有思想，有内涵，有冲击力，画面完整。这些都是我们学习工业设计这一专业的基础。

设计素描作为一门绘画艺术基础课，以质感、明暗调子、空间感、虚实处理等方面为重点，研究造型的基本规律，画面以视觉艺术效果为主要目的。基础素描与设计素描同是艺术基础教学的重要组成部分。基础素描作为一种素描形式，它的雏形和胚胎早在文艺复兴时期就已大体形成，于上个世纪初被引入我国，发展至今基本遵循的规律，可说已相对确立。设计素描则相对年轻，虽说于1919年德国包豪斯学校开创了设计素描教学。但是引入我国也是到了上个世纪80年代，90年代才真正开始深入设计教学体系之中。设计素描注重结构的理解。培养学生对转折点的把握记忆与用线的表现。在学生个有一定认知水平和表现能力的基础上深入培养对物理事物的认识理解。通过各种观察研究。加上大量的变化练习。从而创造出新的事物。并给事物一美感。设计素描的表现力很强。提高表现力的方法就是多观察自然,多理解事物，多做速写练习。提到表现力就不得不说构图重要。经常构图练习的习惯也需要培养。创意想象力也是非常重要的。在生活中多补充各方面的知识。懂得用各种工具。局限住的设计师是创造不出好的作品来的。

从学习画画开始到现在已经有了三个年头，但是在设计素描上感觉自己还是像个初学者，好多问题都还没有解决。

绘画素描是通过“再现”对象的具象描绘来反映意识形态的创作；而设计素描是“再造”，是通过计划和想象而进行的审美创造。绘画素描强调画面的整体性，要求大脑对客观对象进行判断、分析以达到对象与表现结果的一致性。设计素描则强调将收集、贮存的“局部”信息进行综合处理后组合成新的整体的造型活动。绘画素描着重于对所绘内容的表现效果以传达对现实的感受，过多地投入了作者的情感因素和展示情怀；设计素描是以绘画素描为基础利用其绘画规律并借助于其表现手段来更好地表达和表现设计意图，着重于对物形及设计思想的结合来使“观众”产生新的感受。设计素描的画面内容不是对生活的“模仿”而是依据作者对生活的不同感受和头脑中不同的理念综合形成画面的形象处理。依据画面自身构成因素与作者的构成理念相结合而进行的一种艺术处理。设计素描要学习的内容很多，所有的学习内容与研究都是为将来的设计提供基本的方式方法及制作手段的拓展来进行的。让学生在进行创新创作时不墨守陈规自由创作出新颖独特、美观的作品来。在教学实践中我们发现，传统素描基础较为扎实地学生在进行设计创意训练时，能够较好地、生动地、艺术地表现设计意图；而素描基础不是太扎实地学生就不能很有效地将自己的创意有效地表达出来，这就说明传统绘画素描的观察、分析客观物象的思维方法，手与脑的协调性上，对画面的控制能力和审美意识还是起着一定的作用。这就说明设计素描是在传统素描的基础上发展起来的，在观察方式、表现形式等方面，既对传统素描予以继承，同时又有别于传统素描。设计素描侧重于全方位的观察，包括平面形观察、立体观察、横断面（剖面）观察以及运动观察，并且强调从结构到材质，借助理性思维能力创造新造型的技能表达。传统素描提倡“看”，设计素描强调“用”。目的的不同造成了思维和表达方式上的差异。

德加说：“素描画的不是形体，而是对形体的观察”。这里的“观察”就传统艺术来讲是一种“分辨差异”。但对于设计艺术范畴来讲是“发现、分解和提炼”。例如观察一辆自行车，就要将车把、车架、轮盘、车座、脚蹬等进行分解然后研究其组装的结合方式。再就是将其不同部位概括提炼成不同的形状，以形体的认知来感觉我们看到的一切，使学生通过发现形式形态，分解组合结构并提炼概括以获得敏锐的捕捉能力和感知能力。

“看”是一种行为，而观察是一种思考，设计素描要求的观察是深入地剖析，剖析的过程就是思考的过程，在思考中将隐蔽的、含蓄的、若隐若现的形体结构明白无误地显现出来。不能浮光掠影式的被动“抄摹”。并且将这种观察思考方式逐步演化成为一种不自觉的潜意识。观察有对生活的观察和对画面的观察，生活是形象语言的源泉，画面是形象具体反映的场所，形象的创造必须有生活的积累，这就要求学生不仅要在生活中注意观察和专业有关的事物，同时也要在画面上进行努力的学习和掌握表现的方法。另外，有很多时候由于没有真正理解观察的含义和正确的观察方法，长期处于懵懂状态即使作画也是看一眼画十笔的“编造”。

正确地观察方式是进行艺术活动首要解决的任务，也直接决定了艺术水平高低、强弱、进步的程度。能够迅速进入绘画的状态和明了的进行表达与思考。不正确的观察方式或常态的观察方式会导致低级、平庸的现象不利于进步与提高，而且相对片面地违背了认识事物、表现事物的客观规律，削弱了对视觉对象直观与敏感的发现、想象、创造能力。

我们学的是工业设计，现在我们在设计中普遍存在两大问题，一是作品形式的空间感差，二是作品缺乏想象力。两个问题都影响到作品的深度和质量，两者的病根都源自素描基础的训练和认识不足。

空间感是素描造型的第一位也是最后一位问题；“形”是造型的第一位，“整体变形”

——透视是造型的终结。客观形状通过视觉变形产生“透视”，规则的透视产生整体。整体的透视变化是完成造型训练的标志，否则就是门外汉。设计者如果解决不了这个问题，其作品必然是平板的，不可能具有深度感和运动感。我们目前的状况正是这样，专业学生或者说专业教师对素描和所谓“平面设计”有误解，他们只热忠于从事相对简单的平面变形，很少能创作出具有空间难度的设计作品，原因主要在于他们没有真正解决素描的透视问题。

作品缺乏空间意识的现象很普遍，看看我们身边的楼房、服装、商标标志，同国外同类作品的差别是明显的，或许可以把这些差距归结到文化意识和工业化程度上面，但有一个事实是不容争辩的，那就是没有空间感的素描，怎会创作出具有空间感的设计？也许有人会说：国外不是已经不搞写实了吗？这种把素描理解成简单的基础和把基础与应用对立起来的观点正是造成设计简单化、平面化的问题所在。

长期以来我们在艺术创作上提倡民族化、中国化，简单的把民族化理解成平面化并与外国的空间化相对立，形成了一股顽固的意识。前一段时间，美术界针对造型上的问题，提出我国美术缺乏一个“理性阶段”的观点，经过一段时间的实践和讨论，美术教学和创作很好的解决了这个问题，使我们的艺术作品在国际上得到了广泛认可。但目前的设计教学和创作却还在民族化的借口下，重复着夜郎的故事。艺术的产生和发展有其自身的规则，任何人也不可能在没有满足规则的前提下搞出符合规则的设计作品。其实我们的书法和大写意国画是非常具有空间感的艺术作品，这些本应成为提高我们设计水平和能力的宝贵财富都被一笔划到“平面”的民族化里去了。也许我们的设计界也存在一个“理性阶段”问题。

在设计素描中，我们要懂得变以前画画的以“像”为标准为以“不像”为标准，画面整体要完整，主体物要有一定的抽象性，并且可以让观众明确地感受到作者想要表达的主体与立意。在某一个物体的表达上，我们必须要从六面体的角度去观察，去想象，世界上的任何物体都可以想象成一个六面体，从而表现出它的立体感，表现出它正确的几何透视关系。

这些，都是在半学期的设计素描课中获得的受益匪浅的知识。在叶老师的指导下，我对素描与设计的认识长进了很多，希望在以后的学习中可以继续和叶老师学习，不断取得进步。