心得体会可以让我们更加理性地看待问题，并提炼出经验和智慧。3.参加这次活动，我收获了很多技能和经验，也发现了自己的不足之处，从而得到了一些提高的方向和方法。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇一
声乐技巧训练是声乐学习中至关重要的一环。通过技巧训练，我们可以提高嗓音的稳定性、音域的拓展以及音色的丰富度。在我个人的学习过程中，我积累了一些心得体会，希望与大家分享。本文将从声乐技巧的重要性、呼吸和发声、音准与音域、共鸣与音色、以及训练的坚持与耐心等方面阐述我在声乐技巧训练中的心得体会。
首先，我要强调声乐技巧训练的重要性。声乐技巧训练是我们可以不断提高自己声乐水平的桥梁。通过正确的技巧训练，可以使我们的发声更为稳定，避免音准错误；声音更加宽广，拓展音域范围；音色更为丰富，增加音乐表达能力。技巧训练是声乐学习中不可或缺的一部分。
其次，呼吸和发声是声乐技巧训练的核心。良好的呼吸控制与正确的发声技巧是实现出色演唱的前提。准确而深沉的腹式呼吸可以使我们获得充足的气息，并保障声音的持久。另外，正确的发声位置和使用副歌喉会使声音更加稳定并且具有穿透力。通过不断练习和矫正，我感受到了呼吸和发声对声乐演唱的重要性。
第三，音准与音域是声乐技巧训练的重点内容。唱准是音乐表演的基本要求，只有准确的音高才能使我们的演唱更加精确。我的老师经常通过训练来帮助我提高音准的感知能力，并通过敏感耳朵的锻炼来加强音准的控制。除了音准，音域的拓展也是声乐技巧训练的目标之一。通过合理的练习，我的音域得到了很大的提高，使我能够更自如地唱出高音或低音。音准和音域的不断训练，使我在表演时更加自信。
第四，共鸣和音色是声乐技巧训练中的一项重要任务。共鸣指的是声音在头腔和口腔中的合理反射，使声音更加饱满和有穿透力。良好的共鸣使得音色丰满、明亮并且具有特色。通过合理的共鸣和音色训练，我能够演唱出更具表现力的歌曲，实现对音乐情感的更好传达。
最后，训练的坚持与耐心是实现声乐技巧训练目标的关键。声乐技巧的训练并不是一蹴而就的，需要长时间的积累和耐心的坚持。我在学习声乐时遇到了很多困难，但通过坚持不懈的训练和努力，我逐渐取得了进步。每一次的训练都是对自己的挑战，只有保持耐心和坚持，才能逐渐达到自己心中的目标。
总结起来，声乐技巧训练是声乐学习不可或缺的重要环节。通过正确的呼吸和发声、音准与音域的训练、共鸣和音色的磨练，以及训练的坚持与耐心，我们可以更好地提高自己的声乐水平。尽管在训练过程中可能会遇到困难，但只要保持坚持和耐心，我们一定能够取得进步，并在声乐的道路上不断追求卓越。进一步训练，我相信自己的声乐梦想一定能够实现。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇二
声乐技巧是一门专业的艺术，需要歌手们不断地磨砺和实践。在这个过程中，我积累了许多心得体会。首先，要有正确的呼吸方法和发声技巧。其次，要注意良好的姿势和身体的放松。接下来，理解和诠释音乐的意境和情感是至关重要的。最后，坚持不懈的练习和大胆的表演是提高自己的关键。通过总结这些经验，在今后的表演中能有更好的发挥。
首先，正确的呼吸方法和发声技巧对声乐表演起着决定性的作用。呼吸是声乐的基础，只有掌握了正确方法才能让声音更加自由流畅。在练习时，可以尝试腹式呼吸，即用腹部肌肉控制呼吸。此外，发声时的音量和音调调整也是必不可少的，可以通过声乐老师的指导，运用技巧来提高自己的发声质量。
其次，良好的姿势和身体的放松也是非常重要的。正确的姿势可以提高声音的质量和稳定性。站立时要保持直立，放松双肩和背部肌肉。同时，放松颈部和喉咙，保持自然而不过分张口的状态。这样不仅能更好地发声，还能减少声带压力，防止声带损伤。
了解和诠释音乐的意境和情感是成为一名出色歌手的关键。音乐是通过声音表达情感的艺术形式。了解歌曲的背景和意义，通过触动人心的表演带给观众更深的享受。要做到这一点，需要阅读和学习音乐理论，听取专家的建议和指导，以及不断尝试将自己的情感融入到音乐中。
最后，坚持不懈的练习和大胆的表演是提高自己的关键。练习是准备的基础，只有经过反复的练习，声音才能变得更加稳定和自如。在练习时，可以录下自己的声音并进行反复的听取和分析，找到自己的不足之处并不断改进。此外，要勇敢地展示自己的声音和风格，大胆地去表演，这样才能提高自己的自信和魅力。
总结起来，声乐技巧是一门需要不断学习和磨砺的艺术。正确的呼吸方法和发声技巧，良好的姿势和身体的放松，理解和诠释音乐的意境和情感，以及坚持不懈的练习和大胆的表演都是成为出色歌手的关键。通过不断积累经验和总结心得，我相信在今后的表演中能有更好的发挥。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇三
这学期，我选修了声乐技巧课，通过一系列的学习和练习，我深刻体会到了声乐技巧的重要性和学习的乐趣。这门课程不仅让我了解了声乐技术的原理和基本知识，还提高了我的演唱能力和音乐理解能力。在课堂上的学习和老师的指导下，我逐渐掌握了一些声乐技巧，并在实践中运用起来。本文将从对声乐技巧的理解、对课程的评价以及个人收获等方面进行阐述。
首先，对声乐技巧的理解是进行声乐学习的关键。在声乐技巧课上，我了解了声乐技巧是指通过合理运用身体的器官以及正确的发声方式，使得声音能够达到最佳效果。通过学习呼吸控制、共鸣、舌位等技巧，我逐渐认识到声乐技巧的作用和必要性。在课堂上，老师讲解并示范了许多声乐技巧的运用，让我们更加深入地了解到声乐表演中的各种技巧，这对于我们提高演唱水平非常有帮助。
其次，我对这门课程进行了评价。我认为，声乐技巧课是我大学期间最有意义的音乐课程之一。首先，老师教学内容全面、有条理，能够循序渐进地带领我们学习声乐技巧。其次，课堂氛围积极向上，同学之间相互鼓励，互相学习。再次，老师在授课过程中经常给予我们反馈和指导，使我们能够不断改进和提高。最后，课程设置合理，既有基本原理的讲解，又有实践操作的机会，能够让我们将所学知识运用到实际中。
接下来，我想谈谈在课程学习中我的收获。通过声乐技巧课的学习，我逐渐提高了我的演唱能力和音乐理解能力。首先，在学习呼吸控制技巧后，我能够更好地掌握正确的呼吸方式，并在演唱中实际应用。这使得我的声音更加稳定和舒展。其次，在学习共鸣和舌位等技巧后，我能够更好地理解声音在不同共鸣腔位的变化，并通过调整舌位来改善音质。此外，通过课程中的练习，我对音乐的理解也有了更深层次的认识，能够更好地表达音乐的情感和内涵。
最后，我想强调学习的重要性和持之以恒的努力。声乐技巧是需要不断练习和积累的，只有不断地学习和努力，才能够在演唱时灵活运用各种技巧。在这门课程中，我也明确了练习的重要性，并下定决心在课后不断练习和提高。此外，参加乐队或合唱团等音乐团体也是一个很好的方式，能够锻炼自己的合作能力和舞台表演经验。
综上所述，通过声乐技巧课的学习，我深刻体会到了声乐技巧在演唱中的重要性和学习的乐趣。这门课程不仅让我了解了声乐技巧的原理和基本知识，还提高了我的演唱能力和音乐理解能力。通过课堂学习和不断练习，我掌握了一些声乐技巧，并在实践中运用起来。这门课程对于我个人的音乐发展起到了积极的推动作用，使我对声乐充满了热爱和向往。最后，我希望能够在未来的音乐之路上不断努力和进步，用自己的声音感动更多的人。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇四
作为一名大一新生，第一次接触选修课，而且是声乐欣赏这门人人都喜欢的课程，我本人的内心是极为期待的。
在没有接触声乐这门课之前，我所认识到的音乐差不多只有通俗的流行歌曲，对民族和美声唱法都根本上没有关注过，心理上也比较排斥。现在，接触声乐基础这门艺术课也有半年多时间了，我才了解了：声乐是指用人声演唱的音乐形式。声乐包括：美声唱法民族唱法和通俗唱法，现在中国又出现了原生态唱法。而通常声乐指美声唱法。
我们班级的人虽然不是很多，但是听课还是比较认真的，特别是老师让把自己喜欢的音乐展现给他人欣赏时，那种感觉是多么美妙：不仅是声色的交流，而且有神的交流。
上课期间我们也有不认真的时候，那时就玩玩手机。但是，当听到精彩的声乐作品时，我们还是不由得竖起耳朵陶冶其中！
时间匆匆流过，声乐课程的学习已经接近尾声，回想起来，要学习声乐基础这门课，带给我的首先是惊喜，因为我会习惯性的听一些自己喜欢的歌曲，并且会很享受于听音乐的时光。上了声乐课才发现，学习声乐对于我来说真的'是一个不小的挑战，因为此声乐真的不同于我所听的彼歌曲。
尽管只是了解了一些声乐方面很基本的知识，但我对声乐，对歌唱的艺术方面的认识已从心底发生了变化。当那些热情优美的旋律和歌词流动在我耳边的时候，总觉得音乐是是另一种语言，一种让人足以感受生活的美好，一种让人体味革命年代的艰辛与滂湃的热情，一种感动于青春的飞扬，一种充满童真童趣的语言。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇五
声乐技巧课是学习声乐的必修课程，通过此课程的学习，我深刻体会到了声乐训练的重要性。在接下来的五段式文章中，我将分享我在声乐技巧课上的心得体会。
首先，在声乐技巧课上，我学会了正确的呼吸方法。老师教导我们通过腹式呼吸来获得更持久的气息，并有效地运用于歌唱中。我深刻感受到了正确呼吸对歌唱的巨大帮助。以前，我唱歌时总是感到气喘吁吁，声音也容易嘶哑。但是通过声乐技巧课的学习，我学会了如何深吸气息，并用腹部控制呼气，使声音更加稳定和持久。
其次，声乐技巧课还教授了正确的发声方法。老师告诉我们，发声时应该通过控制声音的位置和共鸣来获得更好的效果。经过老师的指导，我发现当我正确地将声音放在头部的共鸣点上时，声音的质量和音色都有了显著提升。以前，我发声时经常觉得声音无力或者浑浊，但现在通过正确的发声方法，我能够发出更加明亮和富有穿透力的声音。
此外，在声乐技巧课上，我还学到了如何正确运用咬字和发音。老师教导我们每个音节应该清楚地发出，并且使文字的含义能够更好地传达给听众。通过反复练习，我意识到咬字和发音对于歌唱的重要性。以前，我唱歌时经常吞字不清，使听众无法理解歌曲的传达意义。但是现在，我通过声乐技巧课的学习，不仅能够清楚地发出每个音节，还能够掌握如何正确地处理复杂的发音问题，使歌曲更加生动有力。
另外，声乐技巧课还帮助我改善了音域的问题。以前，我在唱歌时总是感到音域较为有限，高音和低音都难以把握。但是通过声乐技巧课的学习，我学会了如何通过声音的放大和压缩来扩大音域，并且正确地运用共鸣来增加音域的控制力。现在，我能够更自如地唱出高音和低音，而且能够处理好音域跨度较大的歌曲，让自己的歌声更加丰满和有层次。
最后，在声乐技巧课上，我学到了如何正确演绎歌曲的技巧。老师教导我们如何根据歌曲的情感来调整声音的表现方式，通过细腻的音色和韵律来传达歌曲中的感情。通过反复的练习和老师的指导，我能够更好地理解歌曲的内涵，并通过声音的表达来更好地传达给听众，使得歌曲的演绎更加生动感人。
总的来说，声乐技巧课是一门非常有益的课程，通过此课程的学习，我学到了很多关于声乐技巧的知识和训练方法。通过学习正确的呼吸方法、发声方法、咬字和发音技巧、音域的拓展以及歌曲的演绎技巧，我能够更好地掌握歌唱的要领，让自己的歌声更加美妙动人。声乐技巧课的学习对于提升歌唱水平有着非常重要的作用，我会继续努力学习，不断进步。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇六
声乐是一门需要专业训练和不断实践的艺术，它需要声乐者具备扎实的基础知识和灵活的技能。在我多年的学习和实践中，我逐渐掌握了一些声乐技巧，并深刻体会到其对声乐演唱的重要性。在本文中，我将分享我在声乐技巧中的心得体会，并且探讨其在声乐表演中的作用。
第一段：技巧的学习和训练。
声乐技巧的学习和训练是声乐者必不可少的一部分。首先，掌握正确的呼吸技巧对于声乐表演至关重要。合理的呼吸可以保证声音的质量和稳定性，因此掌握深吸气和腹式呼吸是非常关键的。其次，喉咙的位置和发声技巧也是必须掌握的。正确的喉咙位置可以避免声带的压力和伤害，并产生更加清晰、强大的声音。最后，塑造一个灵活和强健的喉咙以及舌头技巧也是重要的技巧之一。这些技巧都需要长期的练习和指导，只有通过不断的努力和重复训练，方能够使其成为声乐表演的一部分。
第二段：技巧对声乐演唱的影响。
声乐技巧对于声乐演唱的影响是显而易见的。首先，技巧的掌握可以使声音更加饱满和有力。通过正确的呼吸和喉咙的位置调整，可以使得声音更加稳定和持久。其次，技巧还可以使声音更加灵活和多变。通过喉咙和舌头的技巧调整，可以使声音在音域上更加自由流动，从而演唱更加高难度的音符。最后，技巧的掌握还可以改善发声的舒适度。正确的发声技巧和喉咙的位置调整，可以减轻声带的压力和不适感，使声乐者可以更加自如地表达自己的感情。
第三段：个性和技巧的结合。
在声乐表演中，个性和技巧的结合十分重要。技巧是声乐演唱的基础，而个性则是声乐演唱的灵魂。技巧可以帮助我们发声更加准确和稳定，但是只有通过个性的发挥，才能够使声乐表演更加生动和富有感染力。个性包括对音乐的理解、情感的表达和舞台的演绎等方面，只有将技巧与个性相结合，才能够使声乐演唱更加出彩。
第四段：实践是提高技巧的关键。
实践是提高声乐技巧的关键。通过参与各种舞台表演、演出，我们才能够在实践中逐渐完善和提高自己的技巧。不仅如此，实践还可以帮助我们更好地理解音乐和舞台表演，提高自己对音乐作品的理解和表达能力。在实践中，我们还可以通过观摩他人的表演来学习和借鉴，不断扩大自己的艺术视野。因此，实践是声乐技巧提高的关键环节，只有通过实践，我们才能够真正掌握和运用好声乐技巧。
声乐技巧的学习和掌握是一个不断追求的过程。无论是初学者还是资深声乐者，在声乐技巧方面都需要不断学习和探索。声乐技巧是一门艺术，它包含着无尽的可能性和创造力。只有不断进行学习和实践，我们才能够更好地发现和掌握声乐的奥秘，并不断提高自己的水平。
总结起来，声乐技巧的学习和掌握对于声乐演唱的重要性不可忽视。通过学习和掌握声乐技巧，我们可以使声音更加饱满和有力，演唱更加灵活和多变。技巧与个性的结合可以使声乐演唱更加出彩。实践是提高声乐技巧的关键，通过实践我们可以不断完善和提高自己的技巧。最后，声乐技巧的学习是一个不断追求的过程，只有不断学习和实践，我们才能够达到更高的技艺水平。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇七
近日，我参加了一次声乐技巧课，经过一段时间的学习和实践，我的声乐水平得到了明显的提高。在此我想与大家分享我的心得体会。
首先，声乐技巧课让我了解到声音的重要性。在课堂上，老师反复强调声音的表达力，让我们使用不同的声线和音调来传达情感和意义。在之前，我常常忽略自己的声音，只注重歌曲的曲调和旋律。经过课堂的教学与实践，我逐渐意识到声音对于歌曲的表达是至关重要的。通过练习和改进，我不仅在音调的选择上更有自信，而且在表达歌曲情感方面也更加自如。
其次，声乐技巧课教会我正确使用呼吸技巧。在课堂上，老师对我们进行了详细的呼吸训练，教我们如何正确地吸气和呼气。我以前没有意识到，呼吸对于歌唱的重要性。经过训练，我的呼吸能力得到了极大的改善。现在我能够控制气息的流动和稳定，使我的声音更加持久和稳定。这为我在表演中更好地掌控歌曲提供了帮助。
此外，声乐技巧课还让我学会了正确发声的方法。在课堂上，老师重点讲解了喉咙的保护和正确的发声方式。我学会了如何用正确的姿势和声带控制来保护喉咙，避免声带损伤和失声。这对我的声音质量和发声能力提升有着极大的帮助。现在我能够更加自如地掌握高音和低音的发声技巧，使我的歌声更加丰富多样。
值得一提的是，声乐技巧课在舞台表演中也有着重要的作用。在课程的最后阶段，老师组织了一次小型演出，让我们有机会展示自己学到的技巧。在舞台上，我对自己的声音有了更多的信心。通过课程的学习和实践，我改变了以往的表演风格，将更多的情感融入歌曲中。这次演出不仅让我更好地展示了自己的声音，还提高了我的舞台表现能力和自信心。
总结起来，参加声乐技巧课给我带来了很多收获。我对声音的重要性、正确的呼吸技巧和发声方法有了更深入的理解。此外，我在舞台表演中的自信心也得到了提升。这次课程不仅让我在声乐方面取得了进步，还给我带来了更多的自信和快乐。我相信，通过不断学习和练习，我会在声乐领域有更大的突破和成功。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇八
声乐是一门综合性极强的艺术形式，要想在声乐领域有所成就，除了要有天赋基础外，更需要进行系统的技巧训练。而我在声乐技巧训练中的心得体会如下。
首先，声乐技巧训练需要良好的体制。良好的体制对声乐训练的重要性不言而喻。我在训练过程中发现，虽然天赋可以帮助我们起步，但只有通过坚持良好的训练体制，才能够将天赋发挥到极致。比如，我每天都会定时进行呼吸训练、声音放松训练和发声练习，这样能够使我在唱歌时保持良好的发声状态，不因疲劳而影响歌唱效果。良好的体制还包括保持健康的生活习惯和提高音乐素养等方面，这些方面的培养都需要时间和耐心。通过保持良好的体制，我能够更好地发挥自己的潜力，达到声乐技巧的训练效果。
其次，声乐技巧训练需要注重均衡发展。在声乐技巧训练中，不仅需要注重发声技巧的培养，还需要注重其他方面的培养，如音准、节奏感、唱法等等。在我的训练经历中，我意识到均衡发展非常重要。只有全面发展各个方面的能力，才能够更好地应对各种唱法和音乐形式的要求。同时，均衡发展也能够提高自己的音乐素养和审美水平。比如，在练习唱法时，我会参考不同流派的歌手演唱风格，借鉴他们的技巧和表达方法，从而拓宽自己的音乐视野，提高自己的艺术表现力。
另外，声乐技巧训练需要注意细节的把握。声乐技巧的训练中，细节是至关重要的。我发现，细节不仅决定了整体的表现效果，还体现了一个人对音乐的细致观察和关注程度。一个小小的音符或一个微妙的音程变化都可能会影响到整首歌曲的呈现效果。因此，我在训练过程中注重细节的把握，仔细研究每一个音符的发声方式和演唱要求，力求将每一个细节做到最好。通过对细节的把握，我能够在演唱时更加准确、精确地表达音乐的情感和表达力，使我的演唱更加细腻入微。
再者，声乐技巧训练需要持之以恒。声乐技巧的培养需要时间和耐心。在训练过程中，可能会遇到很多困难和挫折，但只要坚持下去，不断努力，就一定能够取得进步。我在训练过程中遇到过很多困难，有时感觉进步很慢，甚至想要放弃。但是，我意识到只有坚持下去，才能够突破自我，达到更高的水平。因此，我一直保持着持之以恒的信念，不断努力，不断追求自己的进步。正是因为我的坚持不懈，我逐渐感受到了声乐技巧的提高，也收获了更多的成就。
总的来说，声乐技巧训练对于提高声乐水平至关重要。通过建立良好的体制、注重均衡发展、抓住细节和持之以恒，可以使声乐技巧得到更好的提高。在我的训练过程中，我深刻体会到这一点。我相信，只要坚持不懈，努力提高自己，一定能够在声乐领域有所成就。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇九
声乐是一门需要细致学习和掌握的艺术，只有通过长期的练习和不断的探索，才能将声音发挥到最佳状态。在我多年的学习和实践中，我积累了一些关于声乐技巧的心得体会。以下将从呼吸、发声、演唱力度、表情和舞台表现几个方面进行阐述。
首先是呼吸。呼吸是声乐的基础，直接决定了声音的质量和持久度。我发现通过深呼吸，将空气吸入腹部，可以使声音更加深沉和饱满。而浅呼吸则容易导致声音显得轻薄和无力。此外，掌握呼吸断奏的技巧也是关键，能够在紧张的音乐中灵活呼吸，保持声音的稳定和连贯。
其次是发声。在声乐表演中，正确的发声技巧是非常重要的。我发现通过声带的适当松弛和发声的中央控制，可以使声音更加圆润和具有穿透力。频繁调整音域时，要注意声音的均匀过渡，不能出现明显的切换感。同时，通过调整发音的清晰度和共鸣的位置，可以让声音更具表现力和传递力。
再次是演唱力度。声乐的训练不仅要有威力感，还要有柔和感。在高潮部分要力度十足，而在柔和的部分则需要有恰到好处的减弱和缓慢的呼吸。这种力度的转换需要良好的音乐感知和表达能力。我发现通过认真分析音乐的动态表现，了解曲目所需的不同力度，可以更好地展现出曲目的内涵和情感。
此外，个人的表情也是影响声乐表演效果的重要因素。当我们表演时，面部表情和身体姿态都要贴合音乐的氛围和内容。我发现通过调整面部的表情和眼神的交流，可以让观众更加沉浸在音乐之中，更好地理解曲目的情感。此外，合理的身体姿态和动作也能够增添表演的魅力和艺术感。
最后是舞台表现。在声乐表演中，舞台表现是与声音一样重要的一部分。要想在舞台上展现出自己的风采和与观众的良好互动，需要充分准备和自信。在台上要有丰富的表演意境和舞台感，通过适当地运用肢体语言和舞蹈动作，让观众感受到我们对音乐的热情和对角色的理解。
总之，声乐技巧的掌握需要长期的锻炼和不断的实践。通过掌握呼吸、发声、演唱力度、表情和舞台表现等技巧，我们可以更好地展现我们的音乐情感和表达意境。只有不断地提高和调整，才能成为一名优秀的声乐演员。我希望通过我自己的努力和持续的学习，能够在声乐领域有更多的发展和进步。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇十
即使这样，我对音乐仍然是那样的热爱。所以这一学期我毫不犹豫地报了声乐选修课，我是抱着一颗对它热爱的心而来的。虽然我很喜欢唱歌，但是对于怎样发音，怎样控制气流却一无所知。但是通过这几周选修课的学习，我渐渐地掌握了发音的一些技巧，虽然还是很生疏，但是我已经很欣慰了，因为我相信冰冻三尺，非一日之寒，任何事情都需要经过反复的练习与磨砺方有所作为。我暗暗的'下定决心一定要把它学好，但想要把声乐学好，并且达到一定的艺术高度，不是决心两个字就够了的。我在课余时间，用老师交给我们的技巧来发音，真的不敢相信，经过反复的练习之后音质好多了气流也控制得好了。于是我坚持每天回到宿舍里进行呼吸和发声的训练，渐渐的，我发觉自己的声音更加松弛，更加通畅了，音量更大了，基音和共鸣也有了。我异常兴奋，因为我知道自己在慢慢地进步。
我是学习理工科的，学习理工科的人理性思维都比较强，而感性思维则比较弱。因此让我拿着笔算一道数学题不难，但是让我坐下来好好琢磨感觉声音的松弛，通畅似乎就不是那么容易的事情了。过去自己只知道一门心思的练，而现在似乎明白了，声乐是要讲究方法的，方法错了，练的越多对于嗓子的破坏也就越大。于是我要进行练声之前，先坐下来好好感受一下，声音如何与气息搭上；口腔如何才能得到大限度的打开；声音如何才能获得高的位置；下巴如何才叫做放松；混响和共鸣如何才能够得到等等。我相信通过这些思考，我最终是能够找到正确的成熟的稳定的发声方法的。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇十一
心得体会是在学习、工作或生活中，对经历、感受和思考的总结和领悟。对于每个人来说，心得体会都是一种宝贵的经验和财富。在心得体会的积累和分享中，我们不仅可以巩固自己的知识和技能，还可以对自身进行反思和提升。而心得体会的撰写，则是一个学习和提高的过程，需要一定的技巧和方法。
第二段：明确目的。
撰写心得体会之前，首先需要明确自己的目的和主题。无论是对学习、工作、生活还是其他方面的总结和反思，都需要明确自己写作的目标和主题，以便让读者更清晰地了解和领会你所撰写的心得体会。
第三段：切题入手。
在明确了目的和主题之后，接下来需要切题入手。这就意味着要根据主题和目的，选取一些关键细节，展开论述，把握精华，切勿出现偏题或跑题的现象。此时，可以进行一些思维导图或草稿的练习，有针对性地进行思考，保证文章的清晰度和连贯性。
第四段：突显个人思考。
写作的过程，不只是把自己的经历或感受简单地呈现出来，还需要注重个人思考的突显。只有突出个人对经历的领悟和思考，才能让文章的价值得到更好地展示和反映。在展示自己思考的同时，需要注意用较为准确的语言和表达方式，保证文章的专业性和可读性。
第五段：总结提高。
写作完成之后，需要对自己的文章进行总结和提高。总结自己文章的亮点和不足，反思自己写作时的经验和体会，检验和提高自己的写作技能。同时，也需要接受他人的反馈和建议，用心聆听他人的意见和建议，不断提高自己文章的水平和价值。
结论：
心得体会的撰写，不仅需要个人的经历和感受，还需要一定的技巧和方法。只有明确目的、切题入手、突显个人思考、总结提高，才能写好一篇内容丰富、价值突出的心得体会。在日常的学习、工作和生活中，不断地积累和分享自己的心得体会，不仅能提高自身素质和水平，还可以推动身边人的成长和发展。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇十二
第一段：引言（200字）。
声乐技巧训练是学习歌唱的重要一环，通过不断的训练和实践，我深刻体会到了声乐技巧的重要性以及对我歌唱水平的提升。在这篇文章中，我将分享我在声乐技巧训练中的体会和心得。
第二段：呼吸和发声技巧的训练（250字）。
呼吸和发声是声乐技巧训练的基础，我通过练习呼吸控制和正确的发声方法，对我的歌唱产生了巨大的影响。在练习呼吸控制时，我学会了深吸一口气后，慢慢呼出，并在发声的同时保持稳定的气流。这使我的声音更加富有力量和持久力。此外，通过正确的发声技巧，我能够感受到声音是如何在我的喉咙和共鸣腔中共振的，使我的音质变得更加明亮和清晰。
第三段：音程和节奏掌控的训练（250字）。
准确的音程和稳定的节奏是一位歌手最关键的能力之一。在声乐技巧训练中，我学会了通过练习音阶、音程跳跃和不同的节奏模式，提高自己的音程和节奏掌控能力。通过练习音程，我不仅可以准确地唱出各个音高，还能够充分发挥自己的音域和歌曲表达能力。在掌握节奏方面，我通过练习不同的节奏模式，提高了自己对歌曲节奏变化的敏感性，使我能够更加自如地演唱各种类型的歌曲。
第四段：修饰和表现技巧的训练（250字）。
修饰和表现是歌曲演唱中的重要部分，通过训练这些技巧，我能够更好地表达歌曲的情感和意境。在修饰技巧的训练中，我利用不同的音色、共鸣区域和咬字方式来丰富我的演唱效果。这些技巧使我的歌声更具个性和表现力。同时，通过表现技巧的训练，我学会了如何正确运用身体语言、眼神和身姿等元素来传达歌曲的情感，使观众更容易被感染和打动。
第五段：总结和展望（250字）。
通过声乐技巧训练，我得以提高自己的歌唱水平，也更加深入地理解了音乐的魅力所在。在今后的学习中，我将继续不断练习和完善声乐技巧，进一步提高自己的演唱能力。我相信，只要保持对音乐的热爱和不断努力，我一定能够实现自己在歌唱领域的梦想。
总结：
通过声乐技巧训练，我对呼吸和发声、音程和节奏掌控、修饰和表现等方面的技巧有了更深入的了解和实践。这些技巧的训练不仅提高了我的歌唱水平，也使我更加热爱和享受音乐。我相信，在未来的日子里，通过不断的努力和实践，我将进一步提高自己的声乐技巧，实现在歌唱领域的突破和成长。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇十三
1.选好一首曲子时，首先多次用闭口用“mi（姆）”哼唱旋律。
2.唱好后改为“ma（吗）”唱旋律时逐渐把嘴张开，发声要自然而不费力。口张开时，声音的感觉位置要保持在哼唱的高度，防止口一开位置就掉了下来。也就是说声音不能脱离呼吸，而应该似乎是把声音叹在气息上，这样唱出来的.声音就有呼吸的支持，声音通畅，宽亮，形成一个整体的歌唱感觉。
3.再改为“啦啦”来唱旋律，注意事项和上边相同，口张开时，声音的感觉位置要保持在哼唱的高度，防止口一开位置就掉了下来。也就是说声音不能脱离呼吸，而应该似乎是把声音叹在气息上，这样唱出来的声音就有呼吸的支持，声音通畅，宽亮，形成一个整体的歌唱感觉。
4.最后加进歌词，注意事项依然相同，口张开时，声音的感觉位置要保持在哼唱的高度，防止口一开位置就掉了下来。也就是说声音不能脱离呼吸，而应该似乎是把声音叹在气息上，这样唱出来的声音就有呼吸的支持，声音通畅，宽亮，形成一个整体的歌唱感觉。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇十四
2.哼鸣练习时，口腔后半部分靠近喉咙的要充分打开，常言说“敞开喉咙来歌唱”就是只这方面说的，口中有含半口水漱口的感觉，嘴唇松闭，舌头自然平放，舌尖轻靠着下牙根，下颚和颈部肌肉放松，上下牙略微分开，不要咬紧，面带微笑。
3.哼唱时，应感觉到声音是集中在鼻腔顶端，眉眼的上方，不论音的高低如何变化，声音的感觉位置至少要保持在这个高度。
4.哼唱时鼻、齿、唇可以感觉到轻微的颤动。
5.注意力要集中在声音的“松”与“通”上。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇十五
歌唱是一门艺术，要想提高儿童表现歌曲的能力，应给予他们唱歌技巧的训练，训练的内容包括：唱歌的姿势、呼吸、发声和咬字等各方面的要求。你知道声乐的演唱技巧有哪些吗?下面是小编为大家带来的声乐的演唱技巧的知识，欢迎阅读。
正确的唱歌姿势，不仅是歌唱者良好的心态的表现，而且还关系到气息的运用，共鸣的调节以及歌唱的效果，在训练时，应让学生养成良好的演唱习惯，做到两眼平视有神，下颌内收，颈直不紧张，脊柱挺直，小腹微收，腰部稳定。
首先是吸气，在做呼吸练习时，先做好正确的演唱姿势，保持腰挺直，胸肩松宽，头自如，眼望远处，从内心到面的表情都充满情意，然后，“痛快地叹一口气”使胸部放松，吸气时，口腔稍打开，硬软腭提起，并与提眉动作配合，很兴奋地以后腰为主，将腰围向外松张，让气自然地，流畅地“流进”使腰、后背都有“气感”，胸部也就自然有了宽阔的感觉，比如用“打呵欠”去感觉以上动作。
但呼气时不准过深，否则使胸、腹部僵硬，影响发声的灵活和音高的准确，吸气时不要有声响，反之不仅影响歌唱的艺术效果，还会使吸气不易深沉，影响气息的支持，所以，在日常生活中要养成两肋扩张，小腹微收的习惯。
1、做获得气息支点的练习，体会吸与声的配合，利用科学的哼唱方法，体会并调节自己的歌唱共鸣。
2、学会张开嘴巴唱歌，上下齿松开，有下巴松松的“掉下来的感觉”舌尖松松地抵下牙。
3、唱八度音程时，从低到高，母音不断裂连起来唱，口咽腔同时从小到大张开。
4、气息通畅的配合，发出圆润通畅自如的声音。
发音练习的.目的，归根到底是为了更完善地演唱歌曲，所以必须要注意咬字、吐字的清晰，正确地掌握语言的回声，明确汉字语言的结构规律，将歌曲曲调与咬字吐字结合起来练习。练唱时，将每个字按照出声引长归韵的咬字方法，先念几遍，再结合发声练习，以字带声，力求做到字正腔圆，声情并茂，演唱时发元音的着力点，应尽量接近声区的集中点，使三个声区的共鸣得到衔接和灵活调整。
歌唱艺术是声音与文学相结合的艺术，我们唱好歌曲，不能只讲声音，不讲感情，反之也不行，我们应对歌曲的思想内容、表现手法以及词曲作者、歌曲的时代背景，有个全面的了解和分析，再进行适当的处理，把歌曲的艺术形象准确完整地再现出来，达到以情带声，声情并茂。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇十六
歌唱中的哼鸣练习同生活中的哼鸣动作原则上没有区别，只是要求“哼鸣”时喉头放松，把“哼”的感觉置于叹气的呼吸状态上，发声时嘴不张开把“m”音加以延长。哼唱的好处是使喉腔自由与放松并防止喉音。
如果整个声音通道不是处于全然放松的状态，就不能把“哼鸣”唱好。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇十七
发声练开始的时候，必然会遇到如何起第一个音的问题，我们称它为歌唱时的“起音”或“起声”。歌唱的起声可分为激起声、软起声、舒起声。
1、激起声是当吸气完毕后，胸腔保持不动，声带先自然闭合，然后，再以恰当的气息冲击声带使之振动发声，这样发出来的声音结实有力，我们在发声训练如顿音、跳音的练中常常使用，也用这种方法纠正声带漏气的毛病。此时与之相应的呼吸方法往往采用急吸急呼。
2、软起声软起声是声带在开始闭合的动作时，气息也同时往外送，开声门与气息振动声带同时进行声乐器乐。这种方法气息的冲击力比较“激起声”要柔和，发出的声音比较平稳、舒展。我们发声训练中也常常在练连音和长音中采用，同时也用“软起声”的发音方法来纠正喉音的毛病，与之相应的呼吸方法往往采用缓吸缓呼法。
3、舒起声舒起声是声门先开，然后气息再振动声带，它的特点是先出气而后发声，像叹气一样。在劳动号子中，常常用到这种起声法。在发声训练中，这种方法可用来纠正声音过于僵硬的毛病，在通俗唱法中使用较多，较口语化。总之，歌唱的起音首先要精神饱满，全身协调，根据不同类型的练声曲例来确定起音的方法，注意起音的音量不要过分强，以舒适的mf或mp音量为合适。
民族声乐的发展越来越受到人们关注的今天，我们如何认识和把握民族声乐发展的问题。笔者认为，不管是美声还是民族声乐，都是歌唱的艺术，我们若能正确地“洋为中用”，取各家所长，补自家之短，便能更好、更科学地发展民族声乐。
一、要想取得好的声音，必须有好的呼吸支持谈到声音训练，我们就要从声乐最基本的要素即呼吸和发声谈起。呼吸不管在美声唱法，还是在民族唱法中都占有极为重要的地位。有人曾说，呼吸做好了，歌唱问题就解决了一大半，要想取得好的声音，必须有好的呼吸支持。可以说只有具备良好的呼吸，才能使我们的歌唱更出色，表现人物情感时才能得心应手。中外的声乐前辈，当今的著名歌唱家，对呼吸都极为重视，并有许多精辟的见解。著名歌唱家卡鲁索说：“一旦掌握了呼吸的艺术，学生也就算走上了可观的文艺高峰的第一步。
”这也就是美声唱法强调的呼吸是歌唱的动力、关键和支持力。我国音乐界关于呼吸的重要性也有很多论述，正如王福增老师所说：“呼吸是歌唱的生命。呼吸在最自然、最安静、最深部位的时候，也就是一个演员最充满内在活力，感情最激发舒展，想象力最丰富的时候。像找到那最美、最好的声音一样，当找到这种最自然、最深长、安静的呼吸时，就找到了具有丰富表现力的歌唱的物质动力，它会使你毫无顾虑地进入艺术创造的境界。平时那种严格的、经过深思熟虑的排练，这时会变成意味深长的激情和艺术创造，从而达到精神和身体之间的和谐，艺术和技术的一致，声音形象和角色形象的统一。
”唐代段安节在他的著作《东府杂录》中也说：“善歌者，必先调其气。”从古到今，凡是从事歌唱艺术的中外艺术家都很重视呼吸，可见掌握正确的呼吸方法无论对美声唱法还是对民族唱法都是十分重要的。美声唱法要求深呼吸，并有良好的控制力、支持力。民族传统唱法，包括民族唱法、曲艺和戏曲唱法，都强调声能“畅发于地”，气能“发于丹田”，这点与美声唱法的深呼吸不谋而合。在京剧表演中，演员又要唱、又要舞，如果没有气沉丹田的本事，恐怕唱几句就气喘吁吁吃不消了。世界上各种唱法都是建立在深呼吸基础之上的，但深浅程度、具体部位不完全一样，各种唱法在呼吸支持这个问题上就有不同的提法，名称虽不同，但都要有呼吸支持，所有好的唱法都源于深呼吸。相比较而言，美声唱法的呼吸更深入、更松弛，用这种方法唱出的声音通畅、结实、圆润、明亮、纯净、松弛、灵活、柔和，并能获得声音音量和音色变化的最充分展现。
笔者认为，我们民族声乐要更好地借鉴美声的呼吸概念，在一个通畅宽阔的空间里唱。比如演唱《遍插茱萸少一人》的结尾“一家亲”一句，很多人把它唱成“一家，亲”。又如《我爱你，中国》的结尾“我的母亲，我的祖国！”一句，经常听到有人把它唱成“我的母亲，我的祖，国！”把应该连在一起唱的“祖国”一词分开唱，如果严格按照中国汉语的语意要求，“一家亲”“祖国”都应该连在一起唱，但这样演唱难度大大增加，这就要求演唱者具有相当好的气息及支持力。
二、没有不科学的方法，只有不科学的人“哪种发声方法最科学”一直是声乐界争论的话题。笔者认为真正好的歌唱发声法就如明代朱权在《问林须知》中写的那样：“优伶以之，唱若游云之飞太空，上下无碍，悠悠扬扬，出其自然，使人听之，可以顿释烦闷，和悦性情，得者以之，故曰‘一声唱到融神处，毛骨萧然六月寒。’”至于哪种方法最正确，笔者想引用我国著名声乐教育家沈湘先生在《声乐教学艺术》中的一段话来阐明自己的观点，“我看不在哪个行当或哪个剧种科学不科学，而是哪个人的唱法科学不科学，如果你的歌唱内行、外行都喜欢，这种方法就好，就科学。
没有不科学的方法，只有不科学的人，因为方法在人掌握、运用……不在行当好不好，而在这个行当里你这个人的唱法是好的还是不好。要紧的因素是在你用嗓子用得好不好，真假声混合比例程度好不好，这个好与不好决定于你如何用声音，决定于你是不是充分地用了共鸣。如果你充分地用了共鸣，你是否用最小的力量唱出最大的效果，用最小的消耗唱出最大的共鸣，也就是你用最小的本钱（嗓子）得到最大的共鸣。这样的唱法不仅能使歌声传得远，而且歌唱生命持久。”如果我们把这一观念融进我们民族声乐，经过一段时间的训练，就能获得宽阔、松弛、甜美、明亮的声音，可以演唱不同类型、不同风格的作品。
像这样成功的例子很多，我国著名女高音歌唱家才旦卓玛，她原是一名藏族歌手，1958年跟从上海音乐学院声乐教育家王品素学声乐后，音色纯净甜美，发声圆润通畅。王品素在谈到才旦卓玛时说，她由于借鉴了其他民族和西洋发声法，才使得她的嗓音更好更动听，气息更流畅。我国著名男高音歌唱家吴雁泽，在探索“洋为中用”方面取得了突出的成就。他不但刻苦学我国民歌、戏曲、曲艺等优秀演唱技法，同时还研究欧洲的传统唱法。经过反复实践，他的声音结实明亮、气息稳定、音域宽广。他不仅能唱民歌，也能唱欧洲声乐作品，其演唱艺术深受国内外观众的喜爱。
三、民族唱法和美声唱法的不同笔者认为主要是在听觉上的区别，这是由于用共鸣腔部位多少的不同以及咬字部位的不同而产生的不同效果。民族唱法基本上是以口腔共鸣、鼻腔共鸣为主。美声唱法强调声音统一，充分运用头腔共鸣、口腔共鸣、咽腔共鸣、胸腔共鸣的整体共鸣，以获得声音强弱的最大程度的变化和穿透力。中国汉语比西欧各国的语言复杂得多，而发声和语言又有着紧密的联系。我国传统唱法讲究“字是骨头，韵是肉”，甚至说“千斤白、四两唱”。
民族唱法的咬字特别强调“嘴皮子劲”。字头比美声唱法咬得紧些、夸张些，“横”的感觉多些。在所接触的美声唱法中，笔者还未发现哪个流派有如此强调语言的，倒是有“只有到了年老力竭时，才借助于咬字，借助于辅音的力量来发音”的说法。由此可见语言的差别及咬字、吐字、语言在演唱上强调程度的不同，是民族唱法和美声唱法的原则区别。过去我们常遇到这样的情况：唱美声的，外国作品唱得很好，一旦唱中国作品就咬字不清楚，“味儿”也变了；唱民歌的，过去追求明亮的音色，忽略了通畅、柔和。然而近几年来，从声乐比赛和音乐会上，我们看到了这两种方法的交融。学民歌的，向美声学严谨、系统、科学的发声方法；学美声的，学民族传统的咬字方法，尤其学民族说唱艺术。实践证明，美声唱法的训练方法运用于民族唱法后，歌唱者的声音效果、艺术效果都不同于传统的民族唱法，充分注意了人声美学中腔体混合的立体共鸣及声音色彩的发挥。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇十八
对于歌唱者来说，人体是一个绝妙的人体乐器，它对人类音乐艺术的诠释、表达、渲染、体现，是世界上任何乐器都无法比拟的。
在乐器制造中，必须做到全部材料质地上乘、各个部件标准精确、制作工艺细腻精良，才能制造出优质乐器，才能发出最好的声音。同样道理，人体乐器也必须打造成优质精良的歌唱乐器，方能发出最美好的声音。这个“优质精良的乐器”就是整体、统一、松弛、通畅、全方位协调配合的歌唱状态。而这种歌唱状态就是歌唱各部分的最佳配合，以形成协调统一的整体歌唱状态。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇十九
声乐，是指用人声演唱的音乐形式。下面小编来给大家分享学习声乐的技巧大全，希望对大家有帮助!
1.歌唱的姿势很重要。要站直，要平均站在两腿的支持力量上。头的位置比身体的位置更重要。有人唱高音时把头抬起来，似乎唱上去省些劲，事实并非如此。头抬起来高音紧了。喉咙也会发紧，不松。正确的是：头应稍低，但别太低。 头部有很多共鸣，声音在头部产生共鸣，声音就大。头的动作要与旋律相反，越高头略低，声音好象下到胸腔里去。
2.歌唱时，尽量避免用那些与唱无关的肌肉。控制呼吸用横隔膜时尽量不牵扯到其它肌肉，不要象搬东西那样使劲，那样会将所有的腔体关闭起来，把声音也关紧了。唱的时候不要紧张，自然的唱，肩部要放松，不要有小动作，唱时只用横隔膜。
3.打开喉龙。打开喉咙很简单，当你困时，一面讲话一面打呵欠，这时候喉咙就打开了。打开喉咙比打开嘴巴更重要!这样唱起来的声音比只张嘴不打开喉咙的声音更亮些。所以，嘴要与喉咙一起张开，最好后面张得更大些!如同用一个倒立的漏斗，大口一方在颈部喉咙处，漏斗尖在面罩处。如果声音位置已全部进入面罩，声音就能从最轻逐渐唱到最强。
注解：只张嘴不开喉咙： 前嘴 后嘴
嘴不大，但开喉咙： 前嘴 后嘴(倒立的漏斗)
4.焦点。歌唱时声音好象放电影一样，声音要有共鸣，焦点要集中，集中在面罩。太远、太近都不行。每个人都有自己做好的发声焦点，焦点集中了，声音会越来越大;没有焦点的声音就散了。要求声音大，不能一天就摆出一个架子，开始时共鸣点要小，然后扩展开来，越唱越大。 这种发声方法，声音小，好象灯后面有面镜子，可以使光照得更远。头额、鼻窦等处都是空的共鸣腔，要尽量利用。
5.呼吸。歌唱时，要用躺着睡觉时的呼吸方法。在胸式呼吸和腹式呼吸(横隔膜)中，我更倾向于腹式呼吸，这样可以吸得深。且快。但无论哪种呼吸，不可二种同时用!这样是矛盾的，如同一脚踩刹车，一脚踩油门。
6.训练声音。你先找到最好的音以后然后顺着往上、往下去唱，嘴、喉咙位置都不要移动，在唱邻近的音时尽量体会，尽量模仿那个最好的音，这就叫“自我模仿”。每个人都要有“声音的记忆”。要特别注意嗓音、喉部的感觉。歌唱是很抽象的，一定要注意咽喉肌腱等发声器官的技能状态。声音的记忆，不光指音调，而是包括音质、音色、力度。要追求上中下声区的统一。
7.发声的基本东西。首先，喉部肌肉要使喉结稍下来一些，这样在声音的圆润性、音量等方面比往上的好。其次，唱歌时，要保持一个气柱，与自然嗓音相反，在有气柱的基础上，越到高声区声音越宽、越响。 我所说的.打开喉咙，就是让喉咙打开，使声音不受压制、不受干很自由的出入，打开鼻腔、进入头腔，自由地振动起到共鸣。要有呼吸支持，得到最大的共鸣效果，而不是说打开喉咙后压、挤，声音发白。如果我们能找到一个正确的位置，声音就自动的、正确的进入面罩。
8.声带如同橡皮筋，既能拉长也能撑宽。但如果一个人不是正常发挥自己真正的音质，而是故意的撑大中、低声区的声音，这样高音是无法唱上去的。即使唱上去，发出的声音也是大摇大摆的。正确的声音位置是：按高声区声音的宽窄极限与高位置，去定中、低声的声音音量及位置，而不是将中、低声区的声音故意撑大个音的往上练，唱第一个音时，喉结放下，再往上唱第二个音，控制喉结不动，练好了第二个音，再往上练第三个、第四个，逐步增加。
9.打开喉咙、喉结稳定与喉头两侧肌肉用力的关系。喉头两侧颈部肌肉有力，是要求两侧的肌肉帮助喉头打开，而不是将喉咙捏紧。正确的打开喉咙是感到颈部往四周扩张。最简单的办法就是，用自然的打哈欠的感觉去讲话，去唱歌。还有一个办法，就是歌唱发声时的嘴形要呈微笑状。撅嘴、拉下巴使口形成竖椭圆形，喉咙容易发紧。
10.如何解决换声点的问题。中、低声区的声音，要与高声区一样宽，就容易过渡。如果下面搞得太宽，撑得太大，到过渡音就难以过去。在低声、中声区开始往上唱时，要先想好高音的声音位置，按这个声音位置唱，就能顺利过去。因为声音的位置始终保持在面罩共鸣里。唱过渡音时，不要使劲用力，要唱得柔和而顺利完成。
11.唱弱音时仍要有面罩共鸣，要求音质与音色与唱强音时一样。唱高音时，声音在面罩里很响、很亮，唱低音时也要有这种效果，但要柔和的多。
12.唱高音时注意，不要张大嘴。用腹式呼吸唱高音时，上腹部应稍往外一些。
13.应该尽量用方法防止有碰喉咙的声音。用微笑去唱，从高音到低音，每个音都有位置、有支持，保持住，嗓子不要用劲。唱高音一下子打上去，下行时尽量按照那个位置连下来，位置不变。
14.不要怕声音小!我知道很多人在唱中声区时都希望撑大嗓门。不要这样，声音要美，位置要高，音质要高。要保持位置不变是很难的，因为横隔膜总偷懒。
15.唱hc，要弱，点小。不要一张嘴唱，气就跑一半，要感觉把脸都蹩青了!歌唱的艺术就是吸气的艺术，就是要吸得多，唱时尽量慢慢放。用很少的气振动声带。这个诀窍就是要点小一点!唱大了就一下蹩死了。
16.唱低音时不要使劲，简单些，象小锤子一样敲出来;唱高音时，象有个小铃铛在里面，尤其是抒情女高音。在哪里哼就在哪里唱。要的是位置，不要用劲。
17.结尾的那个高音你还可以唱得更好，换好气，一下子打上去，点很小然后延长、放大。
18.呼吸时，横隔膜望四周扩张，尤其前方的隔肌十分坚实。要记住，一定要用横隔膜呼吸!
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇二十
心得体会技巧是指在学习、工作以及生活中，通过总结、反思和思考的过程，对经验和体验进行总结，并从中提炼出有价值的知识与技巧的能力。它不仅能帮助我们增加对自己和周围环境的认识，更能提高我们的工作和生活能力，有助于我们更好地应对各种挑战。在这篇文章中，将为大家介绍一些心得体会技巧，并分享如何实践这些技巧的经验。
心得体会技巧的重要性主要表现在以下三个方面。首先，通过总结和反思，我们能更深入地了解自己的优点与不足，进而在工作和生活中做出更正确的决策。其次，有了心得体会技巧，我们能更快地学习和掌握新的知识和技能，从而不断提高自己的竞争力。最后，当我们掌握了心得体会技巧，我们可以更好地跟进工作中的客户需求，并提供更好的服务和产品。
实践心得体会技巧有三个方面。首先，我们需要积极思考。无论是在做事还是生活中，通过好好思考，能帮助我们更深层次地理解自己和周围的人和事，并总结出有用的经验和体会。其次，我们需要及时总结和反思。在完成一个任务或项目后，我们应该及时总结和反思，分析任务的完成过程中的得失，总结出重要经验和体会。最后，我们需要不断总结经验和体会。把总结当作一种习惯，并将经验和体会积累下来，可以更好地应对未来的挑战。
要有效地实践心得体会技巧，我们还需要掌握以下几个技巧。首先，需要有克服障碍的决心。有时候会遇到困难和挑战，我们应该保持积极的态度，并不断找到方案克服障碍。其次，需要适当调整自己的思维方式。我们应该不断探寻生活中的新领域，学习与尝试新的事物，从而拓宽我们的视野。最后，我们需要充分利用现有资源。在这个信息化时代，各种学习资源十分丰富，我们应该善于利用网络资源，多看书，多听课，多参加培训，从而增强自己的学习和思考能力。
第五段：总结。
心得体会技巧是现代社会要求我们必须掌握的一项重要的技能。我们应该把心得体会技巧作为一种习惯，把总结当作一种态度，不断对自己总结经验和感悟，并在未来的学习、工作和生活中更加灵活和高效地应对各种挑战。同时，我们应该不断拓展自己的视野，开拓自己的技能和能力，以应对未来的各种可能。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇二十一
要想具备协调统一的整体歌唱状态，在发声练习中就应该注重具体技术细节的正确练习。对歌唱各部分的正确要求，就是具体的技术细节。歌唱技术大致分以下几部分：身体姿势、气息运用、歌唱腔体、声音位置、咬字技术、音乐线条。下面将歌唱各部分在练习中如何进行整体协调的具体要求分述如下：
1.站立姿势。
这是一个常常被很多人忽略的问题。在站姿上不讲究，甚至长期形成某种毛病，如低头、仰脸、哈腰、鼓肚、弯腿、伸脖子，手势动作僵硬机械不协调等不好的姿势。这些姿势首先来说不雅观，直接影响表现形象，更主要的是对正确歌唱状态的形成造成很多麻烦，产生诸如歌唱通道不畅，气息控制失调，声音易造成挤、卡等到不良发声状态，成了歌唱状态的错误组成部分。如果强行去改毛病，便会唱出很不习惯的声音甚至基本唱不出声音。可见，没有一个良好的姿势，就不可能组成一个完整的最佳歌唱状态。
那么，在练习中，站姿应该双脚站稳，身体直立，颈椎、胸椎、腰椎在一条直线上，眼睛和面部平视而略仰，自我有一种挺拔、高大、兴奋、自信的感觉。由此也想到，面部表情亦是一个不可忽视的环节，演唱时闭眼、瞪眼、歪嘴、包牙、皱眉头、翘嘴唇等都是一些不良习惯，给人以视觉上的不协调，必须重视起来，严格而认真地去克服掉。
2.气息运用。
气息是歌唱的生命、动力和基础。有人说：“掌握了正确的呼吸方法，也就基本掌握了正确的发声方法。”以本人的学习体验和实际效果来看，感觉气息应吸到后腰的双肾处（当然这只是一种意念和感觉）。这样一是吸得深，二是上胸部处于放松状态，不易引起“端气”的毛病。在用气的时候，正确地说，应保持腰围的扩张状态，但是很多学习者在实际运用过程中总是掌握不好，达不到气息深沉、通畅的效果，关键是未把腰围扩张的原理搞清楚。这里面有个“因果”关系的协调统一问题。比方说，用一个充了气的圆气球，放在上下掌之间，用两手掌上下对气球施加压力，就会看到由于手掌上下的压力，气球变成了扁形，气球的四周向外扩张出来。气球本身是不会扩张的，它的扩张取决于手掌上下的压力。在这里，手掌的压力是“因”，而气球向四周的扩张是“果”。同样的道理，用气时，腰围的扩张状态取决于上下给予气息的压力。上下给气息的压力是“因”，腰围扩张的状态是“果”。只有对气息施以均匀、稳定的压力，才会产生腰围扩张状态的保持。往往我们在用气之前，首先做出腰围扩张的状态，这是主观上用肌肉撑起的一种僵硬扩张状态，“因果”不协调，不但用不上气，而且极易造成往上端气的毛病，自然达不到气息通畅的结果。
另外，在给气息向下施以压力的同时，会明显感觉到后腰部有一个强有力的用力部位，这个部位就是气息的支持点，这也是气息乃至歌唱练习的协调中心。
3.歌唱腔体。
歌唱时各共鸣腔体应该是充分打开的，如此才能使气息声音通畅。正确的协调方法是首先用“半打哈欠——叹气”的办法把喉头放在最低位，同时用颈部向四周扩张的力量把喉咙打开，再向下做一个深咳气的动作，这时，可以明显地感觉到颈窝（两锁骨之间的坑）下方的'深处有一个着力点，这个着力点就是我们感觉上发出声音的地方。头部两侧的颌关节用向上抬上颌（上口盖）的力量打开，不可用向下拉下巴的办法来打开颌关节，那样将会牵动下巴，容易造成下颌和舌根的紧张，形成卡喉咙的毛病。在主观感觉上，下巴在歌唱中永远处于无重量、无神经的状态，好像不存在一样。就是下巴存在紧张问题，也不要用任何办法去直接放松下巴，那样做，下巴很难放松，甚至越“放松”越紧，因为在意识中仍有下巴的存在。而是要把注意力和用力部位集中在对上口盖的使用上，如此与其它部分的正确状态相配合，问题也就容易解决了。在歌唱的共鸣腔体中，一种是可调节共鸣腔，如口咽腔、喉咽腔；一种是不可调节共鸣腔，如胸腔、鼻腔、头腔。但在我们歌唱主观意识上，都要把它们置于可调节的状态下，在意念上是可以调整控制的。这一点，是要经过长期的整体协调统一练习才能体会到的。
4.声音的位置。
声音的高位置，是指充分的头腔共鸣，也就是我们所强调的面罩共鸣。获得充分头腔共鸣的声音，是一种集中、明亮、松弛且具穿透力的声音。歌唱感觉比较松弛，音色比较明亮优美。运用哼鸣练习，可协调获得高位置声音。
哼鸣时，首先要感觉到所有腔体已全部打开，然后同时用“哼——吸——叹”的办法哼出高位置的声音。
“哼”的感觉是：头部的鼻窦、蝶窦、额窦都从里面撑开，鼻根或眉心有一种向里“绷”的感觉，舌头轻轻堵上后鼻道出口，形成哼鸣状态，哼出来的声音走向是向后向下的。
“吸”的感觉是哼出轻松、明亮的声音之后，把舌头轻轻离开后鼻道出口，这时声音变成一个圆润的半哼半唱的“啊”，用顺着上腭往里吸气的感觉，把声音深深向后向下吸下去。
“叹”的感觉和“半打哈欠——叹气”的感觉一样。
“哼——吸——叹”分解开是三个动作，但要通过练习把这三个动作协调统一成同时发出的一个整体动作，发出来的声音才会有半哼半唱的感觉，明显感觉到自然的明亮、轻松、通畅。
“哼——吸——叹”用力的方向是向后向下的，发出声音的实际走向是向前向后的，这又是一个辩证统一的关系。
另外，哼鸣练习是内部气息与腔体的协调统一。纯哼鸣时，嘴巴无论是轻轻打开，还是轻轻闭上，或是做咀嚼的动作，对发出来声音的音色、通畅与稳定应该毫无影响。
5.歌唱咬字。
发声练习仅仅达到气息、腔体的协调统一是远远不够的。我个人认为，声乐形式表现音乐艺术的最大特点就是语言。声乐的语言表达，主要表现在咬字方面，咬字清晰、语言准确、吐字优美、字声结合完整是歌唱咬字的目的。但要达到这个目的，必须要经过严格的歌唱咬字训练，因为歌唱的咬字和语言的咬字是两回事。语言咬字就是一般的讲话，而歌唱咬字就需要和声音、气息、音色、音乐等歌唱技术密切配合并融为一体，才能达到理想的咬字效果。所以，科学、系统、严格的歌唱咬字练习，是整体协调的发声练习中必须而重要的。
歌唱咬字训练的方法很多，精通“十三辙”，掌握中国语言的咬字规律和吸收意大利美声唱法的“母音连接”、“母音变形”等咬字技术都是很重要的。在我们学习声乐的过程中，正确而协调的歌唱状态尚未形成，理想的声音效果还没有定形与巩固时，咬字是不可能清晰的。我们练习时，往往把字咬得过于清楚（过死），而破坏了声音的统一和音乐的连贯。因此，应做到“松中咬、动中咬、似咬非咬、气中咬、声中咬、清楚为巧”，一定要在行腔的过程中咬字，而不能咬住字以后再行腔。在声音松弛通畅，音乐线条连贯的基础上咬字，把松弛的声音作为语言的载体。尽管可能会出现咬字太松而不清楚的现象，也要循序渐进，慢慢进行协调，待正确的歌唱状态和声音建立起来且巩固以后，再细致讲究的完善咬字，问题就会迎刃而解。
正确的咬字部位不在嘴里，而在胸部的“剑突”周围。我们人体胸部的肋骨像“人”字型，向两边分开，“人”字的夹角处，有一块似三角形的小骨，这就是“剑突”，歌唱咬字和换字的部位应放在这里，就像咬字的嘴长在这里一样，每个字都从这里向前发出。要把气、声、字在这个地方融合在一起，以此达到声音的统一和通畅。
6.音乐连贯。
整体协调突出一点就是连贯。任何的音乐表现形式中，连贯的音乐线条都是极为重要的，可以说连贯的音乐线条是音乐表现的精髓和灵魂。
声乐表现形式中，音乐线条的连贯更为复杂，它要求五个连贯，即气息连贯、声音连贯、咬字连贯、音乐连贯、感情连贯。发声练习中就要把这五个连贯很完善地融合在一起，一定要脑子认识清楚，理解准确，方法得当，并坚持不懈地进行协调统一的练习，以达到理想效果。
综上所述，声乐发声技术的练习，一定要方法正确，从整体出发，各方位协调统一。只有坚持从技术上将各部位最佳状态进行整体协调，才能达成一个良好的歌唱状态。
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇二十二
在声乐艺术中，发声技巧是很重要的，但到底如何去发声呢?下面就和小编一起来看看吧!
如果提出声乐艺术方面这样一个问题：这是怎样做到的?那就需要考虑到，如何才能用最简短的语言来说明在声乐艺术中声音的构成和运用原理，因为在这方面有许许多多不同的观点，多得简直使人不知从何说起。
最普遍的意见是每个大歌唱家都有一套帮助他获得荣誉的、非常明确的方法。但是如果你随便请哪一位歌唱家谈谈自己的方法，有人会觉得困难，有人甚至否认自己有一套特别的方法，因为歌唱时所用的器官是非常细致而且各个不同的。大多数歌唱者，或者更确切地说，所有的歌唱者都是不自觉地或习惯地做某些东西的，做得这样地不知不觉，就连他们自己也说不出是怎样做出来的和为什么这样做，但这些'艺术家'的特点还是有它逻辑上的原因。它们之所以成为某个歌唱者的习惯，是由于它们适合于这个歌唱者的个性，因此也就是这些特点保证了这位歌唱者的高度成就。歌唱者通过练习和积累经验逐渐知道舌头和喉头在怎样的位置上才能把某一个音发得更好。歌唱者并不是通过理论或计算才知道这些，而是通过反复的试验得知的。但是这些知识也许只对他一个人有用;别人也可能唱出同样漂亮的声音，但用的是完全另一种方法。
因此可以大胆地说，有多少个学唱者就有多少种方法，同时，这些方法中的任何一种(即使用得再正确不过)也可能对其它任何人都是不适用的。假如有人想问我这样的问题，那我就要这样回答：即使我事实上是有一套特别的唱法，它或许也只适合于我一个人。
一般说来，关于嗓音这问题可以讲出许多有趣的和有价值的东西。很多年轻的女歌唱者总是为了不知道自己是个女高音还是次女高音或是女低音而苦恼。当然，要分辨出'真正的'男高音和很低的男低音是非常容易的，然而要辨明高男中音和戏剧性男高音之间的差别就不是那么简单的事了。很多年轻人在学习过程中感到非常苦恼，因为他们以为自己是男高音。经常唱对他们说来是音域过高的乐曲，而实际上他们却是男中音。
在教学中时常会发生这样的情况：学生的音域被大大地扩展，声音起剧烈变化，男中音变成了男高音。千万不要勉强扩大应用音域或强行改变嗓音的天生特性。如果天生音域宽的话，嗓音经过适当的发展之后，音域就能往上或往下扩展，但是硬性扩展是永远也达不到这样的结果的。把声音向上或向下硬逼是最容易不过的事，然而，这样硬逼时如果相应地失去了另一方向的声音，那可怎么办呢?如果一个男中音硬要扩展自己的高声区，那末。他必然会逐渐失去低音。如果男高音想要硬挤出几个不在他能力范围之内的低音，那末，他永远也不能把正常的男高音角色唱得很好，而且过了两三年之后，他根本不能再唱了。
人们一般把发声理解为喉头与舌头的位置。以及嗓音的特征。许多歌唱者都有一种最坏的缺点，就是发出喉音或过于靠后的声音。即使体质强壮、最结实的发声器官也经受不住这种声音。这就是许多演员很快就离开舞台或者被迫安于默默无闻的地位的原因。一个歌唱者如果会正确地运用发声方法，那末，四十五岁时应该是他的全盛时时期，并且他可以保持饱满的声音至少到五十岁。到了这个年龄，或者更大一些，就可以准备结束自己的演唱生涯了。一个还具有充沛精力的大艺术家千万不能让观众先觉察出他的能力正在逐渐衰退。为了要求得正确的、固定的发声方法，一必须设法有意识地把咽部打开。不要以为把嘴张得很大就等于打开了咽部。只要稍微懂得一点声乐的人，单靠呼吸就能打开咽部，用不着把嘴明显地张开。但是要正确地打开咽部，必须很自然地张开嘴和放下下巴。当然，在唱高音时必须把嘴张得大一些，但一般说来，它应当保持近似微笑的形状。经常在镜子前练习打开咽邵，并且设法看到口盖，就象让医生检查喉咙时那样，是有好处的。大声发a音时应该感到这个音是在咽的后部形成的，但要注意到在发这个元音之前，咽部必须已经很好地打开。
可以把横隔膜的功能比做风箱，它执行着风箱的任务。声乐的全部艺术就在于善于吸足气和善于正确而节省地使用这些气。歌唱者无论有多么好的听觉和愿望，如果他不会控制气息，那他就唱不准音，或是发出毫无生气的、可怜的声音。所以，当学生懂得了什么是呼吸的艺术之后，他就踏上了走向目的地的正确道路。
用鼻子呼吸可以改进深呼吸的技巧;也可以防止过快地消耗吸进的气。此外，鼻子可以过滤空气和使空气变暖，这就比用嘴呼吸更有益了。唱一切练呼吸的练习时都必须注意这一点：肺部在吐气时要尽可能把余气放出来，因为这样可以推动重新吸气，并使肌肉结实。
人的嗓音自然地分为三个声巨：胸声区、中声区和头声区。头声区又称假声区，但男高音可以发出几乎象假声、而事实上是半声(mezzovoce)的声音。半声对于男声说来是合法的。而纯粹的假声却是不允许的。对男高音说来，最重要的是中声区;这个声区包括他嗓音的大部分，如果中声区利用得正确的话，即使在最高的声区中也还可以运用它。唱高音的时候，不要忘记声音的质量和发声的松弛在很大程度上决定于这个高音前面几个音的唱法.
有些歌唱者，主要是男高音，喜欢在唱高音时把头仰得过分地高;这样会产生喉音、压紧的声音。使听者感到很不悦耳。为了避免这点，必须尽可能把气储藏得深一些，使得上呼吸道能够放松。同时必须用全身来感觉声音，否则声音就不会有感情、激动和力量了。有很多歌唱者，尽管他们的嗓音条件很好，也能克服技巧上的种种困难，但是他们唱起来毫无情感，得不到那种能使歌唱家成名的具有魅力的声音，就是因为他们的嗓音不饱满而且缺乏灵感的缘故。
前面已经讲过关于半声唱法的问题了，怎样运用半声唱法是声乐艺术中很重要的一个部分。半声唱法的概念大致可以这样来说明：只用很少的自然嗓音，但有气息的支持。有了正确的气息支点才会使声音具有优美的质量。当然，不能过份地逼紧气息，这样也会影响声音的。因此。半声就好象是饱满的嗓音的集中;半声唱法所需耗费的气息和饱满的嗓音所需的一样多。没有气息支持的音总是微弱无力的。它传不远，甚至在很短的距离内也听不见。相反地，如果最最轻的声音有很深的气息的支持，它就能传得很远，声音动听而且有表现力。
还有一点也很重要。如果轻声是在这位歌唱者的自然声区里发出的，要求唱出一个音上的渐强渐弱时，就不会引起改变喉头位置和声音特点的危险。如果轻声是在对他不适当的声区里发出的，那么遇到必须加强声音的时候，就不得不改变声音的性质和特性了。
应当把嗓音方面的'许多毛病特别提一下：它们是'白声'、'喉音'、'鼻音'和'羊咩声'。鼻音最难纠正，有些教师，特别是法国教师，为了要使声音有共鸣，认为声音应当全部往鼻腔里送。事实上只有用自然的方法才能获得很好的共鸣，用别的方法只会妨碍共鸣。呼吸当然要通过鼻子。但是唱时千万不要把嗓音从鼻孔里送出。
'白声'(vocebianca)就是没有气息支点的头声，是无光采的声音，因此叫做白声。要改掉这个缺点可以闭着嘴唱练习，同时要注意用鼻子来吸气，并要感到有很深的支点。如果唱歌时咽部开得不够大就会产生喉音。
至于说到鼻音，要改正这个缺点最困难。有些人就一辈子没有改掉，唯一的改正方法是把咽部打开，把声音从小腹往软口盖送;假如声音仍从鼻子里出来，那就是说声音的形成太靠前了，这与唱歌的基本规律相违。如果学生有鼻音的习惯。可以让他只用元音来练习a、e、i或la、le、li等，这样能帮助他克服这种带有危害性的习惯。但是谁要是早已花功夫掌握正确的呼吸方法的话，他当然能够避免所有这些缺点。
'羊咩声'是由于强逼嗓音而造成的。有许多歌唱者的嗓音只适宜唱轻歌剧，但却经常在大歌剧中演唱。听这样的演唱是不会给人带来任何愉快的。毫无疑问，这些歌唱家很快就会毁掉自己的嗓音。他们常闹喉咙痛，这是不足为奇的，因为发声器官不能经常处于过度紧张的状态中。谁要是想长久地保持新鲜的嗓音，那他就绝对不能够越过自己嗓音的能力限度。只有一种方法可以纠正'羊咩声'，就是根本停止歌唱，等到有可能重新回到自己的专业时，再求助于'闭口唱法。
这个方法对改正某些嗓音缺点常常是很有用的，但对于另一些嗓音却可能带来危害。一切都决定于嘴和咽部的结构。例如某人是为了咽部压紧而感到苦恼，那他就千万不要闭口唱。而对于那些声音过于开放的人来说，闭口唱法是一种练呼吸的极好的预备练习。
闭口唱法对嗓音的灵活性很有好处。许多歌唱家每天都要闭口练唱。闭口唱法使嗓音增加灵活性，而又使声带得到休息。有些由于过度疲劳而毁坏了的嗓音是通过这种方法而恢复正常的。在这里提一下s孚契托所叙述的卡鲁索的呼吸方法很有意思：卡鲁索站着唱时，身体完全放松，一只脚放在前面，好像要向前迈步一般。重要的是他的身体非常放松，一点也不紧张。然后他也不露痕迹地使腹部肌肉松弛，平静地吸气。由于这样深而慢的呼吸，横隔膜放下了，腹壁和肋骨扩张开来，胸廓也就抬起。卡鲁索总是要求歌唱者以上所说的准备时刻，首先注意横隔膜，他着重指出，如果能做到这一步的话，就可以获得主要的因素来保证发出强声或轻声时肺中有托住的气压(那查连科译自德文)。然而根据现有的唱片听来，卡鲁索本人有时也用纯粹的假声(例如在选自戈尔德马克(goldmark)的歌剧《萨巴的女王》(diekoniginvonsaba)的咏叹调中)
精选声乐技巧课心得体会（模板23篇）篇二十三
声乐教学的特点之一是声乐学的“乐器”是声带与其他发声器官，它们存在于教师与学者的身体内，有些器官是看不见、摸不着的。而大多数发声器官是非随意肌、半随意肌，它们不能完全受人的意愿所支配，不是用脑子想明白就能做到的，这也是声乐学的神秘之处。这一特点是声乐教学中的重大难关。为此，初学者首先要把发声器官在声乐学开始之前作为基础知识学，对这些器官的生理状态要有一个基本的认识和了解，以便在今后的训练过程中便于对发声器官功能的掌握和运用。其次，在学中要重视对教师正确声音示范的模仿，这是声乐学入门的必经之路。教师示范的用意，是告诉学生技术操作的准确性。在技术性、实践性很强的声乐学中，这种示范与模仿显得尤为重要。因为声音的发出是一个很复杂的生理运动过程，它不仅只是靠两条声带就能发出美好、动听的声音的，而是各有关生理器官的有机配合而获得的。为了使学生能抓住对声音的具体感受，只有通过教师自己正确的发声示范。学生只有对教师正确声音示范反复听取、反复感觉，才能使记忆的神经系统对反复示范的声音打上记号，形成固定的感应和反映。当对自己发出的声音(模仿)的感应与客观(示范)的声音相统一的时候，模仿才会正确。模仿开始阶段必然是盲目的。只知其然，不知其所以然，即对发声器官运动的规律全处于茫然，到有意识地模仿时，就已进入第二阶段。此时开始记取自己的发声感觉，对发声器官的运动及采取什么样的状态有了具体感受，但有时还不能运用自如。这个阶段比较长，切不能心急。进入第三阶段时，教师一般就不多示范，只要作一定手势和说出术语，学生就知道教师指的是那个发声的有关部位，并通过调整努力去做到，就可以比较自由地发挥自己声音理智的歌唱了。模仿的三个阶段本身就是实践、认识、再实践、再认识的过程，就是从不自觉到自觉地对发声器官进行掌握和控制的过程，就是必然王国到达自由王国的必由之路，同时也就打破了声乐学的神秘感!