2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）

生活中的心得体会是我们对生活中各种经历和事件的感悟和思考，它能够帮助我们更好地面对困难和挫折。小编为大家搜集了一些优秀的心得体会范文，希望对大家有所启发。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇一

音乐是人类的共同语言，通过音乐可以感受到不同文化背景下的情感交流和艺术表达。学习西方音乐史不仅可以帮助我们更好地欣赏西方音乐作品，还能够拓宽我们的音乐视野和提升我们的审美素养。在学习西方音乐史的过程中，我收获了许多心得体会，这些体会不仅让我对西方音乐有了更深刻的理解，也让我对音乐的意义有了更深入的思考。

首先，在学习西方音乐史的过程中，我意识到音乐作为一种艺术形式，具有丰富的历史和文化背景，每一个作曲家和作品都有其独特的创作背景和风格特点。通过学习西方音乐史，我了解到了许多伟大的作曲家，如巴赫、莫扎特、贝多芬等，以及他们的音乐创作风格和对音乐的影响。我发现，这些作曲家的音乐不仅是他们个人情感和想法的表达，更是历史背景和文化传统的反映。比如，贝多芬的音乐具有浓厚的浪漫主义色彩，反映了当时社会的不平等和人民的追求自由和尊严的心声。这些对作曲家和作品的了解，让我对音乐有了更深刻的认识，每一首音乐作品都有其独特的内涵和魅力。

其次，学习西方音乐史让我明白了音乐的发展不是孤立的，而是与历史、社会和文化有着密切的联系。比如，在中世纪，教会音乐是主导着音乐创作和表演的力量，大部分音乐作品都是以宗教为主题，体现了当时教会的宗教仪式和道德观。而随着文艺复兴和启蒙运动的兴起，音乐开始越来越多地表达个人情感和对人性的探索。在巴洛克时期，音乐开始强调对情感的准确表达和音乐形式的完美。出现了许多魅力的作曲家，如巴赫和亨德尔，他们的音乐充满了激情和表达力。这些历史背景对于音乐的发展和演变起到了重要的影响，通过学习西方音乐史，我深刻地认识到音乐与人类社会和文化的紧密联系。

此外，学习西方音乐史也让我发现了不同音乐风格和形式的美。西方音乐历史上有许多不同的风格和形式，如古典音乐、浪漫音乐和现代音乐等。每一种风格都有其独特的特点和审美价值。古典音乐以其严谨的结构和精巧的创作手法闻名，从巴赫到贝多芬，每一位作曲家都为世人留下了许多不朽的作品。浪漫音乐强调情感的表达和对音乐形式的突破，如肖邦的浪漫主义钢琴曲和柴可夫斯基的浪漫交响曲。现代音乐则更加注重实验和创新，如斯特拉文斯基的现代管弦乐作品和德彪西的印象派音乐。通过欣赏和研究不同风格的音乐，我对音乐的美感有了更全面和深入的体会。

最后，在学习西方音乐史的过程中，我也对音乐的意义有了更深入的思考。音乐不仅是一种艺术形式，更是人类情感和思想的表达。音乐有着独特的力量，可以抚慰心灵、激发激情和传递信息。比如，巴赫的音乐可以让人深入思考生命的意义，贝多芬的音乐可以激发人们对自由和尊严的追求。音乐能够无需语言的沟通，跨越时间和空间的界限，让人们共同感受到美和情感。通过学习西方音乐史，我对音乐的意义有了更加深刻和全面的理解，也更加珍惜音乐给予我的美好体验和情感共鸣。

总之，学习西方音乐史是一次充满收获和体会的旅程。通过学习西方音乐史，我对音乐有了更深刻的认识，对不同音乐风格和形式有了更全面的理解，对音乐与历史、社会和文化的关系有了更深入的思考。音乐是人类的共同语言，通过学习西方音乐史，我更加明白了音乐的力量和意义。无论是创作还是欣赏，音乐都是一种独特的艺术形式，能够带给人们无尽的快乐和心灵的寄托。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇二

音乐是一种丰富多彩的艺术，而西方音乐历史作为世界音乐史上不可缺少的一部分，包括了广泛的古典和流行音乐等。学习西方音乐史是理解这种艺术形式和音乐文化的必要途径，也是提升音乐欣赏能力的重要手段。在本文中，我将分享我的西方音乐史学习心得体会。

第二段：基础知识的重要性。

在学习西方音乐史之前，打好基础知识的重要性不可忽视。音乐基础知识的牢固扎实，则有助于更好地理解音乐形式、音调理论、歌曲结构和曲调选择等方面。因此，在学习西方音乐史之前，我先花费了一些时间加深了对音乐理论和音乐术语的理解。这些基础知识后来在学习大师作品，如贝多芬和巴赫的音乐中，帮助我做出更深层次的分析和欣赏。

第三段：模仿的重要性。

模仿某位大师的作品，也是学习西方音乐史中的一种重要方式。通过模仿古典乐大师的编曲和旋律，我可以更好地掌握复杂的和弦和不同风格的节奏。我在模仿的过程中，也体会到音乐的特定元素和美学特点是如何与情感交融。这种方式可以帮助我提高自己音乐技能，同时增强对音乐理解的深度和广度。

第四段：了解时代背景和文化背景。

在学习西方音乐史的同时，了解作曲家和他们的音乐作品所处的时代和文化背景是非常有益的。例如，浪漫主义时期的音乐是与当时的浪漫主义文学和艺术形式有关联的。对于未被广泛人知的古典作曲家如吉尔伯特·劳伦斯，了解他作曲的时代和他的生活经历，可以剖析他音乐作品的特点和独特性。这也帮助我更加完整和全面地了解音乐。

第五段：创造性的重要性。

学习西方音乐史还包括了探索音乐创造的过程。虽然音乐史的重中之重是深入了解先前的作曲家作品，但是，也要在这个基础上开展自己的音乐创作研究。在这个过程中，我会慢慢认知到在音乐史上不断变化的语言和理论，以及如何将这些变化应用到自己的音乐创作中。学习西方音乐史除了让我更好地欣赏音乐，也激发了我创作音乐的热情和灵感。

结论：

学习西方音乐史对于深入理解音乐、拓展视野并激发创造性是非常有用的。这项学习不仅需要明确目的和计划，增强基础知识、模仿大师和了解背景，而且需要不断尝试和创新，吸取他人的思想并将其转换、整合，以创作出属于自己的音乐作品。在学习西方音乐史的过程中，我学到了很多重要的知识，也在音乐创作过程中获得了更多的灵感和透彻的理解。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇三

第一段：引言（100字）。

学习西方音乐史是对世界音乐发展历程的一次深入了解，对于音乐爱好者而言，它不仅是一次学术的旅程，更是一次心灵的独白。通过学习西方音乐史，我得以更好地理解西方音乐的发展脉络，提升音乐鉴赏能力，拓展音乐思维及创作理念。

第二段：西方音乐史的重要里程碑（250字）。

西方音乐史上有许多重要的里程碑，如巴洛克时期的作曲家巴赫、古典主义时期的贝多芬、浪漫主义时期的肖邦，他们的音乐琳琅满目，影响深远。通过研究他们的作品，我深刻体会到随着时代的演进，音乐风格的多元化和技巧的日臻完善。比如，巴赫的作品体现了巴洛克音乐的复杂和精确，而贝多芬的作品则着重表达情感与人性。肖邦则以其浪漫主义情怀和独特的创新手法，使其作品仍然深受瞩目。

西方音乐史对于中西音乐交流有着巨大的影响。学习西方音乐史让我明白到，音乐的传播和融合始终是跨文化交流中的重要一环。西方音乐中的和声体系、管弦乐和音乐剧等形式对中国音乐的发展有着深远的影响。人们可以从中西音乐的比较中发掘出音乐艺术的共通之处，拓展视野，开阔思维。

西方音乐史的学习给予了我许多启示。首先，它告诉我音乐的发展是一千条线索、一万个因素交织而成的。我们需要了解脉络，但也需要探索其中的细枝末节，深入研究每一位作曲家的作品，并从中寻找灵感和借鉴。其次，音乐是情感的表达和思想的交流。每一位作曲家都有自己独特的创作风格和音乐理念，这些艺术家们以音乐作为媒介，将他们自己的情感、思想和对世界的理解传递给听众。最后，我深刻认识到音乐是跨越时空的语言。无论时代如何变迁，音乐总能触动人心，以其独特的力量传递和追求真善美的价值。

通过学习西方音乐史，我对音乐的了解更加深刻，对不同音乐流派的发展和特点有了更全面的认识。我将继续保持学习的热情，不断探索新的音乐领域，提升音乐理解力和创作能力。我相信，学习西方音乐史将会给我的音乐之路带来无限的可能性，将使我在音乐创作和演奏中拥有更加丰富的经验和艺术表现力。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇四

西方音乐史是西方音乐文化的宝库，它既记录了音乐的演变历程，也记录了人类文化的发展历程。在学习西方音乐史的过程中，我对西方音乐文化发展的历史脉络有了更加深刻的认识，同时也对西方艺术音乐的魅力和文化底蕴有了更加深刻的体会。本篇文章将基于我个人的学习体验，谈谈对于学习西方音乐史的心得和感悟。

第二段：巴洛克时期的音乐。

学习西方音乐史的第一个部分是巴洛克时期的音乐。在这个时期，音乐作为一种独立的艺术形式得到了极大的发展，出现了许多如巴哈、亨德尔等音乐大师。我认为这个时期的音乐最大的贡献在于其对于声音的运用和处理，如复调和赋格等技巧处理都非常的精细和复杂。同时，巴洛克时期的音乐作品也对人类文化的发展产生了积极的影响，成为了当时欧洲社会中人们交流的一种重要语言。

第三段：古典主义时期的音乐。

古典主义时期的音乐出现在18世纪，此时的音乐更加注重对于旋律和质感的挖掘，同时也更加关注音乐和人类生活的关联。这个时期的音乐作品更加凸显了音乐家对于人类生活和人类情感的表达和描绘。同时，此时的音乐也更加平易近人，成为了更广泛人群喜爱的艺术形式。

第四段：浪漫主义时期的音乐。

19世纪是西方音乐的黄金时期，这个时期的音乐被称为浪漫主义时期的音乐。在这个时期，音乐家们追求表现自我情感和感受，对于音乐的发掘和探索也更加深入。这个时期的音乐成为了西方艺术文化的代表，同时也为今天的音乐创作和研究提供了丰富的资源。

第五段：总结。

综上所述，西方音乐史是一种重要的文化遗产，通过对于它的学习，我们可以更加深入地了解音乐和人类文化的演变历程，同时也可以更加广泛地了解西方音乐文化的盛衰兴衰。在学习过程中，我们需要始终保持对于音乐的热爱和敬畏，同时也需要对于西方文化的其他方面有所了解和掌握。相信这个过程会让我们更加成熟和全面，也会让我们对于音乐的发掘和理解提供更有力的支持。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇五

西方音乐是一个广阔的领域，它包括了古典音乐、流行音乐、摇滚音乐、爵士乐等各种风格。在学习西方音乐史的过程中，我深深地感受到了它的无穷魅力。通过学习西方音乐史，我不仅掌握了西方音乐的发展历程，了解了不同时期的音乐特点，还深入了解了西方文化和历史。

【Bodyparagraph1】。

首先，学习西方音乐史让我更好地了解了音乐的发展。从古希腊时期开始，西方音乐发展历经数个时期，包括了巴洛克、古典、浪漫、现代等等。在不同时期中，音乐不仅仅是简单的乐曲，它代表着社会、历史和文化等多方面的特征。通过学习西方音乐史，我逐渐了解到不同时期的音乐特点、音乐家和音乐流派。这些知识不仅增加了我的文化素养，也帮助我更好地理解音乐作品，欣赏音乐时更能领略其中蕴含的文化和历史背景。

【Bodyparagraph2】。

其次，学习西方音乐史让我意识到了音乐与文化的紧密联系。西方音乐史经历了多个时期、众多的音乐流派，这些都是历史和文化背景的反映。在音乐作品中，我们也能看到音乐家对当时历史和社会的思考和反思。例如，印象派音乐家对法国文化和社会的描述，以及浪漫乐派对个人情感的呈现。从音乐作品中，我们可以深入了解不同文化背景下，音乐家的心路历程，这也让我对西方文化有了更广泛的认识。

【Bodyparagraph3】。

西方音乐史也教给了我如何欣赏音乐。不同的音乐流派和时期都有不同的表现手法和音乐元素，学习西方音乐史不仅提高了我对音乐的聆听理解能力，也拓宽了我的音乐视野。深入了解后，我可以更全面地理解音乐作品中蕴含的情感和思想，从而更好地欣赏音乐。同时，学习西方音乐史也让我学会了欣赏多种风格的音乐，无论是古典音乐还是流行音乐，我都能通过西方音乐史的学习，更好地欣赏和理解。

【Bodyparagraph4】。

除此之外，学习西方音乐史还让我有了更广泛的学习和思考。音乐是人类文化和艺术的一种体现，通过学习西方音乐史，我也学会了从音乐的角度思考不同的文化和社会。这让我能够向更多的方向学习和探究，从而拥有更广泛的视角和思考能力。

【Conclusion】。

总之，学习西方音乐史既丰富了我的知识储备，又提高了我的文化素养和学习能力。通过学习，我不仅拥有了更好的欣赏音乐的能力，更深入了解了不同时期的文化和社会。学习西方音乐史让我从音乐的视角来看待历史和社会，这也让我对人类文化和艺术有了更加深刻的认识。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇六

第一段：引言（150字）。

学习西方音乐史是一项艰巨而有趣的任务。在过去的几个月里，我深入学习了西方音乐的起源、发展和演变，并对其对世界音乐的影响有了更深刻的了解。通过了解西方音乐史，我不仅对西方文化有了更全面的认识，而且还对音乐的发展和演变有了更深入的理解。在这篇文章中，我将分享我学习西方音乐史过程中的心得和体会。

第二段：了解西方音乐的传统（250字）。

在学习西方音乐史的过程中，我了解到它的传统非常丰富多样。从古希腊的音乐起源到巴洛克时期的复杂和精确的作曲技法，再到浪漫主义时期的情感表达和印象主义时期的想象力，每个时期都有其独特的音乐特色。了解这些不同的音乐传统帮助我更好地理解作曲家的创作动机和音乐风格。例如，巴赫的音乐风格精确而有条理，莫扎特的音乐充满了优雅和情感，肖邦的音乐充满了浪漫和诗意。通过研究这些音乐传统，我感受到了西方音乐发展的多样性和变化。

第三段：西方音乐对世界音乐的影响（250字）。

学习西方音乐史还让我认识到，西方音乐对世界音乐的影响深远而广泛。西方音乐通过交流和传播，对其他文化音乐产生了重要的影响。例如，西方音乐的和声和节奏的概念在许多非西方音乐中得到了吸收和发展。在中国的古典音乐中，我们可以看到一些西方音乐元素的影子，如用琵琶演奏西方音乐的曲目，或是结合中国传统乐器演奏西方古典音乐。这一点使我更加珍惜西方音乐对音乐世界的贡献，并深入思考如何在传统音乐中融入西方音乐元素。

第四段：西方音乐的美学与人生境界（300字）。

学习西方音乐史提升了我对音乐的审美和人生的理解。西方音乐家追求的不仅仅是音乐的表面美，而是用音乐传达情感、表达生活和思考哲学。通过欣赏他们的音乐，我能感受到音乐对人的精神世界以及对生活的诠释。西方古典音乐作曲家如贝多芬通过他们的作品呈现了对人类存在的深刻思考，他们既是艺术家，也是哲学家。随着音乐的进步和演变，西方音乐的美学理念也发生了变化。例如，印象派音乐强调的是感觉和想象力，这与以前的音乐理念形成了鲜明的对比。这些美学理念的转变使我更加深入地思考音乐对人的意义和影响，以及人类审美的多样性。

第五段：结语（250字）。

通过学习西方音乐史，我体会到了西方音乐的多样性和丰富性，以及它在世界音乐中的重要地位。了解音乐的历史和发展有助于更好地理解作曲家的创作动机和音乐风格，也有助于欣赏和理解不同音乐传统之间的联系。此外，西方音乐对世界音乐的影响无处不在，通过音乐交流和融合，不同文化的音乐得以发展和演变。学习西方音乐史还提升了我对音乐的审美和人生的理解，使我深入思考音乐对人的意义和影响。通过学习西方音乐史，我对音乐和世界有了更深刻的认识，也对自己的音乐表达能力有了更高的追求。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇七

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇八

本书共分十六章，一至四章分别论述了古代和中世纪音乐的主要现象，包括古希腊和罗马的音乐；中世纪教与音乐；复调的诞生和发展，以及14世纪新艺术蓬勃兴起。五至七章，文艺复兴时期的音乐，论述了勃艮弟乐派、弗兰德乐派、以及教和反教的各种音乐。八至十章，涉及巴罗克时期，重点在于歌剧的诞生和早期发展、器乐的状况和晚期巴罗克的两位音乐巨人———与亨德尔。十一至十二章，论述了古典主义时期的音乐。首先对古典前期有所论述，然后分别讨论维也纳古典乐派的三位大师，特别是贝多芬给予了较多的篇幅。十三至十六章，对19世纪浪漫主义音乐进行了比较细致的讨论，不仅涉及了众多的音乐大师，也对重要的音乐体裁的发展线索进行了梳理。勿需质疑，这本音乐史概述全面而详细。回顾音乐史学的发展过程，可以知道它是由资料收集和故事记录开始的。

从对音乐史的相关资料我知道，许多音乐史都史以故事的形式记载音乐起源、发展以及伟大的作曲家。萌芽状态的音乐史学最早在出现初形，到18世纪时出现了真正意义上的史学。19世纪音乐史研究进入成熟时期，这时期中世纪的音乐成为研究的重点，作曲家的传记也更加完善。20世纪后音乐史开始有了的研究方法，研究领域的扩展和多样性都是20世纪的音乐史的特点。二次世界大战后，音乐史的研究有了新的进展，史料规模空前庞大，音乐史和相关学科有了更多的交流与融合。这就是音乐史的一个发展过程。当我们现在来回顾音乐史学时，明显可以感受到这项工程的浩大和。整本书注重风格研究这一音乐发展中的重要因素，把音乐风格演变作为音乐发展中的一个重要过程，描述从古代文明到20世纪这一过程中，不同时期出现的不同音乐现象，把风格作为重要话题。

这本书，对于理解不同时期的风格及演变，乃至更多地去理解音乐，有很大的帮助。作者已阐述了自己编史的目的是为了力求在阐明作品意味前提下，概要的勾画出音乐史的.过程。作者在描述音乐的同时，也告诉大家一定要重视音乐作品风格在音乐历史发展这一历程的重要作用。看音乐史必须从音乐的起源看起，而音乐史至今也是一个扑朔迷离的问题，早期音乐史料少，且不能提供一个有效的研究基础，只能凭极少量的记载，辅以一些雕刻、建筑来追溯古代音乐，当然这是难以令人信服的。音乐经过多年的研究，书中把它划分为七个时期：古代时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典时期、浪漫主义时期、20世纪现代时期。这样划分，对于把握每一时期的音乐家和音乐家作品，有很大的帮助。书中对浪漫主义时期音乐进行深入的描述。浪漫主义对于对音乐史来说是一个崭新的时期，它伴着、社会的巨大动荡而产生发展。浪漫主义音乐的一个重要特征既发掘民间艺术。许多国家的作曲家对民族的历史文化及民间音乐产生强烈的兴趣，把丰富的民间音乐作为写作素材。但各学者对浪漫主义音乐史的研究说法不一。因此此问题尚存争议。

在书中，我们可以深刻感受到随着社会不断向前发展，音乐也随之进入20世纪的大潮中。20世纪对科学技术对创作工具、音乐表现手段、方式等方式产生极大的影响，音乐发展与科学技术紧密联系。20世纪音乐对古典音乐的一种反叛。社会上普遍存在一种意识形态，把20世纪音乐作为一种没落的现象来看待。这种也不可避免地反应到专业音乐界中。把20世纪音乐作为一个专门的章节来阐述，这代表了我国对音乐观念的一种进步，从不接受到接受的一个过程，是渐渐以一种正确的观念来看待20世纪的结果。音乐作为人类特有的文化现象，它的艺术的美决定了它的价值之所在，这种价值是可以使全人类接受的。当然也可以为中国人接受，因此音乐史研究必将在中国长期开展下去。也对我们中国音乐的发展产生深远的影响。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇九

西方音乐史主要讲的是欧美音乐的历史，在内容上主要分为四个方面：一、音乐理论的发展史，二、音乐家的发展史，三、音乐作品的发展史，四、音乐美学的发展史。

上述四个方面构成了西方音乐史的重要部分，其中，西方音乐理论的发展史源于古希腊，发展于中世纪、文艺复兴和巴洛克时期，在古典和浪漫时期有了质的飞跃，在20世纪得到了极大的发展，成为最多元化的一个时代。

音乐家的发展史：在古希腊和古罗马时期的音乐家记载在册的很少，从中世纪开始，游吟诗人、恋诗歌手等音乐家财大批涌现，在文艺复兴时期，有著名的约斯坎，帕莱斯特利纳等，巴洛克的巴赫和亨德尔，古典的海顿、莫扎特和贝多芬、浪漫的李斯特勃拉姆斯，20世纪的斯特拉文斯基、肖斯塔科维奇等。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇十

从大三下学期和大四上学期，虽然只有短短的5个月学习西方音乐史，但是我受益非浅。在还没有上西方音乐史之前，就听大四的学姐和学长们说，西方音乐史这门课，不但知识丰富有意思，更主要的是上西方音乐史的老师知识渊博，上课生动。但是“口说无凭”，我带着疑问来上第一节音乐课，结果真的是名副其实。

杨老师在科隆大学读完博士回来，上他的课斯毫不觉得课的乏味，因为他能为每一阶段或者每个人物讲出一个故事来。西方音乐史读后感。正因为杨老师讲课入胜，治好了我上课打盹的问题，以致能让我更认真地听讲。这一年时间里，我学到了很多我前所未知的知识，更充识了我对西方音乐的认识。接下来我就讲讲在这门课上我到底学到了些什么知识。

在这些时间里，我主要学习了西方音乐的6个时期的知识:古希腊时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期以及浪漫主义时期。这6个时期，每一个时期都会本时期独特的特点。

古希腊时期主要讲的是古希腊音乐和古罗马音乐。古希腊音乐中汲及到音乐形式、音乐思想家、音列体系的产生和主要的器乐，而古罗马继承和发展了古希腊音乐，但是也具有自己的特点。西方音乐史读后感。

中世纪时期音乐主要学到了发展初期的天主教音乐，格里高利圣咏的形成、功能和特征，还了解到了五线谱的发展过程以及产生的时间。世俗音乐的发展和主要的器乐。在没上西方音乐史之前，我真的不知道五线谱是怎么样产生了的？也不知道五线谱是什么时候产生的？这对于一个学音乐的来说无疑是一个失败和耻辱，直到学习了西方音乐史我才知道五线谱的产生时间和发展。

五线谱的前身是生产于8世纪的纽姆谱，大约在10世纪，音乐理论侬、作曲家、僧侣圭多发明了四线谱。记谱法发展到13世纪时，德国音乐理论家弗兰克创作了有量记谱法，到15世纪时，线谱才渐渐定型为五线谱，由引产生了五线谱并一直延续至今，可见，五线谱的历史也算悠久。

文艺复兴时期我学到了和种音乐乐派，每一乐派都有自己独特的特点和标志，了解到了在中世纪发展起来的世俗音乐发展到文艺复兴时期产生了多种声乐体裁，并学习到了这一时期的乐器和器乐的发展。

巴洛克时期我学习到了这一时期歌剧的起源和发展，并产生了大型声乐套曲以及由此产生的各轩具有代表性音乐家，像歌剧之国的意大利，法国、德国，也见识到了器乐的发展。

古曲主义时期对于我来说是最熟悉的，因为在学习钢琴弹奏时，我多数是接触这一时期的钢琴作品，学习了西方音乐史后，让我更加了解了这一时期的音乐发展。这一时期除了产生了伟大的古典乐派三杰:海顿、莫扎特和贝多芬外，歌剧和器乐随着三杰得到了进一步的发展，更产生了一种新器乐体形——奏鸣曲。

浪漫主义时期给我印象最深是这一时期的标题音乐，由产生到完整并拓展让我更了解到了这一时期的作曲家并不是一味地套取古典时期，而最重要的是吸收其精华部分并有自己的新创作，标题音乐就是一个新创作，并且把交响曲摆脱了由原来的四乐章结构，创作出了五乐章交响曲，这并没有使音乐繁琐，而是使音乐更加地完整和生动，加上标题音乐，更能使音乐欣赏者们了解作曲家作曲的心境和音乐所表达的内容，让音乐更加容易融入欣赏者的思想和总识。

但是这六个时期有一个共同的特点，就是在每一个时期里都有器乐和乐器的发展，第一台的古希腊管风琴，1709年制造的第一架钢琴一直到浪漫无边际主义时期的器乐，是一个质的变化也是一种飞跃，所以随着乐器和器乐的发展，各种音乐也随之发展起来了，像一条导火线，贯穿着西方音乐发展的始终。

所以在这一年里所学到了西方音乐史的内容非常丰富。在上学期期末考时，要求我们闭卷考，这就迫使我们去背西方音乐的内容。刚开始时我也觉得很痛苦，因为这内容实在太多了，而且要在5天之内都在记住，实在太困难了。但是后来我发觉给我带来了具大的好处。

经过几天气复习和背诵，我记住了很多内容，比如贝多芬、海顿、勃拉姆斯等音乐家的生平与故事，并运用到了大四实习的三个月时间里，能使我把教学过程和内容变得更生动，能吸引学生生的注意力，也让我对西方音乐有了更深地了解，并能为以后的教学提供了丰富的理论知识。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇十一

近一段时间我读了一本书这本书，它叫《夏日音乐家蝉》，这本书非常的好玩，知识量很丰富。

有一天，蝉妈妈开始了产卵，不过有种叫“蚋”的昆虫会在蝉妈妈产过卵的树木上产下自己的卵，这样蚋的宝宝就会把蝉卵吃掉，不过有些蝉宝宝会侥幸活了下来，因为产卵，蝉妈妈产完了卵就会虚弱的死去，不可能会留下来照顾自己的孩子。

虽然没有人照顾它们，但是，它们有一些仍然坚强的活了下去，在这从中小乐就是这从中一直活下去的蝉宝宝。

开始，小乐对这个世界来说是非常的陌生，也非常胆小、害怕，可是后来，它对这个陌生的世界产生了感情。在大家最困难的时候小乐帮助了大家，大家都会感谢的说句“谢谢”！

而蚂蚁却从来不说一个“谢”字，这让善良的小乐不知所措，可是小乐从来不爱跟别人怄气，因为它也从来都不想跟别人怄气。

小乐的声音很好听，引来了一只母蝉，那一只母蝉和他结婚了，在母蝉产完了卵就十分疲惫，虚弱的死去了，小乐唱完了最后的一首歌，也累的离开了人世。但最后，小乐有了一个不幸的归宿，因为，小乐被那些蚂蚁给吃掉了。

世间万物，都有自己的成活规律，动物之间会形成循环，昆虫也是如此，因此，我们要好好的观察这些生物钟，争取当上想法布尔一样的`学家。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇十二

不知道为什么，听到这个音乐，我想起来的不是枝繁叶茂，藏匿山林的古刹，而是十八相送的梁山泊与祝英台。每走一处，仿佛会有一潭清水映照着那一对痴男怨女，他们不知疲倦的相送，九曲十八弯，或许音乐过于缠绵，每一个音符代表着的不只是微风后的细雨，花枝下的曳舞，夕阳下的蝴蝶，更深层次的是那份生死不离的情意。

也许我妄自菲薄，那只是人的一个幻觉，人们喟叹你为诗痴，诗歌疯子，并非只是言简意赅，那明明是行迹天崖的僧侣，饮一钵清水，行与江南江北，穿梭与古木丛林，就算是踏入人间，也只是微然一笑，本洁还来，本洁还去，纵然是桃花满天，我自岿然不动。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇十三

我所读的《名人传》这本书讲述了三个不朽的传奇人物：贝多芬、米开朗琪罗、托尔斯泰，《名人传》读后感450字。而最令我印象深刻的便是贝多芬。

贝多芬出身于一个贫苦人家，父亲是一个不聪明而酗酒如命的男高音歌手，母亲则是位女仆。艰苦的童年，不像莫扎特那般享受过家庭的温暖，一开始，人生于他就显得是一场悲惨而残暴的斗争。父亲想开拓他的音乐天分，把他当作神童一般炫耀，早在四岁，他就被整天钉在钢琴前面，或和一架提琴一起关在家里，几乎被繁重的练习压死，甚至有时父亲还使用暴力逼迫贝多芬学习，读后感《名人传》读后感450字》。

尽管贝多芬的童年如此悲惨，他对于这个时代和消磨这时代的地方却永远保持着一种温柔而凄凉的回忆。

然而在1776年不幸再一次降临在他身上，他的耳朵日夜作响，内脏也遭受着剧烈痛楚的折磨，要知道一位音乐家失去耳朵他便不可能再有没有多大的发展空间。糟糕的是，上帝在给他关上一扇门的同时，却没有为他留下一扇窗。他听觉上越来越衰退之时，他只好瞒着家人，连对自己最心爱的朋友们也保持缄默。他失去了朋友的理解，也失去了家人的相伴。他避免与人见面，使他的残废不被人发觉，他独守着这可怕的秘密直到1801年。

正是这种悲剧的愁苦激发他内心的灵感：《悲怆奏鸣曲》、《七重奏》、《第一交响曲》，也唯有在音乐中他才得以发泄，让原本颓废的他重拾信心，也更让我懂得困境更能锻炼一个人的意志，激发一个人的灵感，创造更多的奇迹。

不经过战斗的舍弃是虚伪的，不经劫难磨练的超脱是轻佻的，逃避现实的明哲是卑怯的，苟且、软弱、小智小慧是我们的致命伤，这一切都是贝多芬给我的启示。

文档为doc格式。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇十四

从大三下学期和大四上学期，虽然只有短短的5个月学习西方音乐史，但是我受益匪浅。在还没有上西方音乐史之前，就听大四的学姐和学长们说，西方音乐史这门课，不但知识丰富有意思，更主要的是上西方音乐史的老师知识渊博，上课生动。但是“口说无凭”，我带着疑问来上第一节音乐课，结果真的是名副其实。

杨老师在科隆大学读完博士回来，上他的课斯毫不觉得课的乏味，因为他能为每一阶段或者每个人物讲出一个故事来。。正因为杨老师讲课入胜，治好了我上课打盹的问题，以致能让我更认真地听讲。这一年时间里，我学到了很多我前所未知的知识，更充识了我对西方音乐的认识。接下来我就讲讲在这门课上我到底学到了些什么知识。

在这些时间里，我主要学习了西方音乐的6个时期的知识：古希腊时期、中世纪时期、文艺复兴时期、巴洛克时期、古典主义时期以及浪漫主义时期。这6个时期，每一个时期都会本时期独特的特点。

古希腊时期主要讲的是古希腊音乐和古罗马音乐。古希腊音乐中汲及到音乐形式、音乐思想家、音列体系的产生和主要的器乐，而古罗马继承和发展了古希腊音乐，但是也具有自己的特点。。

中世纪时期音乐主要学到了发展初期的天主教音乐，格里高利圣咏的形成、功能和特征，还了解到了五线谱的发展过程以及产生的时间。世俗音乐的`发展和主要的器乐。在没上西方音乐史之前，我真的不知道五线谱是怎么样产生了的？也不知道五线谱是什么时候产生的？这对于一个学音乐的来说无疑是一个失败和耻辱，直到学习了西方音乐史我才知道五线谱的产生时间和发展。

五线谱的前身是生产于8世纪的纽姆谱，大约在10世纪，音乐理论侬、作曲家、僧侣圭多发明了四线谱。记谱法发展到13世纪时，德国音乐理论家弗兰克创作了有量记谱法，到15世纪时，线谱才渐渐定型为五线谱，由引产生了五线谱并一直延续至今，可见，五线谱的历史也算悠久。

文艺复兴时期我学到了和种音乐乐派，每一乐派都有自己独特的特点和标志，了解到了在中世纪发展起来的世俗音乐发展到文艺复兴时期产生了多种声乐体裁，并学习到了这一时期的乐器和器乐的发展。

巴洛克时期我学习到了这一时期歌剧的起源和发展，并产生了大型声乐套曲以及由此产生的各轩具有代表性音乐家，像歌剧之国的意大利，法国、德国，也见识到了器乐的发展。

古曲主义时期对于我来说是最熟悉的，因为在学习钢琴弹奏时，我多数是接触这一时期的钢琴作品，学习了西方音乐史后，让我更加了解了这一时期的音乐发展。这一时期除了产生了伟大的古典乐派三杰：海顿、莫扎特和贝多芬外，歌剧和器乐随着三杰得到了进一步的发展，更产生了一种新器乐体形——奏鸣曲。

浪漫主义时期给我印象最深是这一时期的标题音乐，由产生到完整并拓展让我更了解到了这一时期的作曲家并不是一味地套取古典时期，而最重要的是吸收其精华部分并有自己的新创作，标题音乐就是一个新创作，并且把交响曲摆脱了由原来的四乐章结构，创作出了五乐章交响曲，这并没有使音乐繁琐，而是使音乐更加地完整和生动，加上标题音乐，更能使音乐欣赏者们了解作曲家作曲的心境和音乐所表达的内容，让音乐更加容易融入欣赏者的思想和总识。

但是这六个时期有一个共同的特点，就是在每一个时期里都有器乐和乐器的发展，第一台的古希腊管风琴，1709年制造的第一架钢琴一直到浪漫无边际主义时期的器乐，是一个质的变化也是一种飞跃，所以随着乐器和器乐的发展，各种音乐也随之发展起来了，像一条导火线，贯穿着西方音乐发展的始终。

所以在这一年里所学到了西方音乐史的内容非常丰富。在上学期期末考时，要求我们闭卷考，这就迫使我们去背西方音乐的内容。刚开始时我也觉得很痛苦，因为这内容实在太多了，而且要在5天之内都在记住，实在太困难了。但是后来我发觉给我带来了具大的好处。

经过几天气复习和背诵，我记住了很多内容，比如贝多芬、海顿、勃拉姆斯等音乐家的生平与故事，并运用到了大四实习的三个月时间里，能使我把教学过程和内容变得更生动，能吸引学生生的注意力，也让我对西方音乐有了更深地了解，并能为以后的教学提供了丰富的理论知识。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇十五

从音乐的织体的差异看，西方音乐体系在处理多声部关系时，倾向于纵向的立体思维，即特别注意主调旋律与其它声部的和声关系。

音乐作品，中西文化，音乐体系。

1.1音乐本质与社会政治。

中国传统文化博大精深，历史渊源，是人类文化历史上重要的组成部分。讲究人格，把自然理解为生命的统一体，人与自然的关系是天人合一，审美方式和追求重人的心理体验，强调悟性，这都是传统文化所推崇的。中国传统音乐艺术和音乐美学思想生长在中国独有的政治、经济、伦理土壤之上。作为意识形态，它的产生发展及其本质、特征、形态和功能都与中国传统政治、经济、伦理息息相关。在中国的音乐审美标准中，政治需求是不可或缺的重要因素之一。儒家把音乐看做一种完善道德规范的途径，一种获得灵魂内省的把握，一种对社会大众教化的工具，认为音乐的首要功能是教化，所以其美学思想的出发点是音乐服务于政治、礼法等。

如孔子认为音乐家可以反映人们的痛苦和欢乐，但在感情上必须受到节制，不应该超越中庸之道的论理准则。强调形式与内容要统一“推崇”了“乐而不淫，哀而不伤”的雅乐，不喜热情奔放或具有反抗精神的民间俗乐“郑卫之声”，“恶郑声之乱雅也”，带有封建统治阶级的政治偏见。这种对音乐本质的认定，充分肯定了音乐在社会生活中的作用，尤其在政治生活的作用。荀子也认为音乐可以鼓舞前方将士勇敢征战，而在和平环境中又能合人们温良礼让等。而我国重要的音乐美学文献《乐记》代表儒家的音乐家美学思想论述了音乐的本源：“凡音之起，由人心生也：人心之动，物使之然也，感于物而动，故形于声。”音乐是由音组成，其根源是由于人的思想感情受到外界事物的感动，“物动心态”，是原始唯物主义反映论的观点。但同时《乐记》也提出了音乐艺术相关的许多问题。如：音乐的成因和特征、音乐与国家政治的关系、音乐与现实生活的关系、音乐的审美作用、音乐的教育作用、音乐的社会功能等。这种音乐美学思想，有的内容和审美标准到今天仍还是适用的，如《乐记》写道：“是故德成而上，艺成而下，行成而先，事成而后。”。就是说，作品的思想内容是主要的，技艺是次要的，品德的修养是首要的，事情的完成是次要的。一方面，在音乐内容与艺术形式的批评标准上，内容的“善”、“和”放在第一位，而艺术形式的美，则放在第二位。中国传统的音乐审美以“和”为中心，对我国的音乐发展有着极深远的影响。

1.2音乐与自然科学。

毕达哥拉斯，约公元前588—约公元前500年，把“数”当做音乐的本原；认为音乐的基本法则是“数”的关系；提出音乐的美与和谐只能到“数”的关系去寻找。毕达哥拉斯有着敏锐的音乐耳朵，对于铁匠打铁的声音，人们都习以为常，并不觉得它们彼此之间有什么不同，但他却听出了差别。毕达哥拉斯最先是在路过一家铁匠铺，听到铁锤打击铁砧的声音，辨认出了四度、五度和八度三种和谐音，猜想是由于铁锤重量的不同导致了声音的不同，并通过称量不同铁锤的重量确认了其间的关系，随后，又用不同长度的弦的振动实验发现了弦长与和谐音的关系。他还发现谐声是由长度成整数比的同样绷紧的弦发出的—事实上被拨弦的每一和谐组合可表示成整数比，按整数比增加弦的长度，能产生整个音阶。例如，从产生音符c的弦开始，c的16/15长度给出b，c的6/5长度给出a，c的4/3长度给出g，c的3/2长度给出f，c的8/5长度给出e，c的16/9长度给出d，c的2/1长度给出低音c。他天才地用数学观点研究音乐，并阐明了单弦的乐音与弦长的关系，从而为现代音乐理论奠定了基础。他关于旋律、节奏、调的演说和对音响学的论证对音乐科学地发展起了很大的推动作用。一位研究者所指出的，毕达哥拉斯学派不仅仅关心数字和音乐与宇宙的和谐一致，他们将它们认同。音乐是数字而宇宙是音乐。而且，毕达哥拉斯在他的哲学中区别开三种音乐：用后代的术语来说，器乐——通过拨过琴弦，吹响簧管等创造的平常的音乐；musicahumana(人的音乐)-一由每个人的器官，特别是心灵和身体之间的和谐(或者不和谐)的回响所创造的连续但听不见的音乐：和musicamundane(世界音乐)-一宇宙自身所创造的音乐，被人们称做天体的音乐。

中国传统的音乐，单声部居多，即使有些多声部的，也仅属于支声性(heterophony)或原始性的多声部，这与西方近几百年来高度发展了的多声部音乐大相径庭。西方音乐的最大特征是多声而非单声，但从顺序上，两方的专业音乐却可以说是以单声音乐作为出发点，单声是多声的基础，单声音乐的形式构建原则完全影响到多声音乐，多声音乐的出发点可以推演到严格的平行奥尔加农。严格平行奥尔加农在纵向结合上的“均等”特征，使其表现出单调、缺乏变化，但它的这一特征却是后来复音音乐发展的结构基础。正像圣咏中的装饰风格是通过引入非结构因素而获得变化和丰富一样，多声部音乐也是由非结构因素的插入而突破了严格平行奥尔加农的枯燥和乏味。14世纪以来，西方艺术便沿着中心结构原则发展，无论是建筑中的大厅楼梯还是绘画中的焦点，或是音乐中的终止式，都是这一原则的体现。西方以主音上方三和弦的大小区划调式色彩，是大三和弦的一类调式称大调性色彩，是小三和弦的一类调式称小调性色彩，形成了经纬分明的调式色彩体系。从音乐的织体的差异看，西方音乐体系在处理多声部关系时，倾向于纵向的立体思维，即特别注意主调旋律与其它声部的和声关系。音乐的织体思维主要是以纵向和声为主的网状立体织体思维。复调音乐是具有一定独立性的几个旋律结合为乐曲，旋律伴有定量节奏，文艺复兴和巴罗克时代的西方音乐呈现这种特点。在西方音乐中，.主调音乐体系也有一定的比例，一般说来，它只有一个曲调具有主旋律的意义。

与西方音乐相比，中国音乐更注重旋律美，旋律处于主宰一切的地位，并获得了高度的发展。各种旋律都讲究线条，这些旋律线的神韵可以与书法、绘画、舞蹈、戏曲、园林、建筑等其它艺术形式比美。有的延绵起伏，有的跳动剧烈，有的明显地呈现抛物线型，有的音符密集，有的音符稀疏。旋律中大量的运用“带腔的音”(又称音腔)旋律技巧，有效却不着痕迹的手法把一个不断重复的乐段连接起来而不使人觉得沉闷乏味，或把几个不同来源的乐段连接起来而使全曲具整体性，是中国特有的艺术创造，体现了中华民族的组织思维方式，是构成中国音乐及其美学的重要因素。

[1]大鹏。“中西合璧”在于补短扬长[j]国际音乐交流，2001，(04).

[2]周薇。俯而弹，仰而思—学习《西方钢琴艺术史》[j]钢琴艺术，1997，(01).

[3]张凌飞。中西合璧古今融会—析丁善德《第一新疆舞曲》[j]钢琴艺术，2005，(04).

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇十六

音乐的发展其实是一种文化累积的过程，音乐文化总是随着社会生产力的发展而变化。在千年漫长的中世纪，教会是音乐发展的土壤，教堂是音乐发展的圣地，在中世纪及其前期，西方音乐的发展主要是以教会的音乐为中心。在这一时期，西方音乐是以教堂音乐为主要表现形式。伴随着资本主义萌芽及资本主义生产关系在欧洲的确立与发展，欧州的音乐也逐步从宗教感情转向崇尚理性和追求人性的发展，同时，宗教音乐与世俗音乐在这种发展过程中相互影响，从而创造了巴洛克音乐的辉煌并影响了此后整个欧洲的音乐文化。

公元500年到1500年，基督教开始对西方世界干余年的文化进行彻底扫荡，基督教文化一统欧洲。为了宣扬教义，在基督教宗教仪式中用歌唱的方式赞美上帝是重要且普遍的形式，因此，在漫长的中世纪里，作为宗教圣乐的音乐有着特殊的地位，音乐完全被教会所垄断，中世纪前期的音乐也仅仅只有宗教音乐的声音。

中世纪欧洲教会音乐的发展是以格列高利圣咏作为基础的，整个西方音乐的发展与其有着密不可分的关系。这一时期的主要音乐活动，如记谱法的研究、音乐理论、复音音乐的兴起与发展等都是围绕格列高利圣咏去进行的。中世纪后期，欧洲民俗乐呈递进式发展，城市的复兴使多声部音乐逐渐发展起来，而这种发展与欧洲的资本主义萌芽是密不可分的。

在宗教圣乐笼罩下的欧洲，世俗的歌唱是伴随着城市的兴起而出现的。11世纪起，新兴的城市从欧洲封建统治相对薄弱的意大利兴起，并逐步成为新的政治、经济、文化的中心。意大利各城市共和国的经济水平远远超过了欧洲其他地区。从13世纪起，商业及航海相对发达的意大利和北欧尼德兰出现了资本主义萌芽，社会经济生活的变化直接促进欧洲各地区的民族文化的发展，并在基督教神学的笼罩下逐步积累，西欧内部文化开始高涨。文化的发展变化自然地渗透到音乐领域，艺术也由宗教寺院及封建城堡的垄断中解放出来，进入老百姓的生活中。民族音乐和世俗音乐最初出现在意大利的城市中，并逐渐在西欧普及，民族音乐及世俗音乐在不同国家以不同的形式体现出来，如：意大利牧歌、法国尚松、德国利德等。意大利牧歌原是田园诗，在14世纪时开始有音乐家为之谱曲。当时的为牧歌谱曲的意大利作曲家有乔瓦尼·达·卡夏、达·翡冷翠、弗朗切斯科·兰迪尼等。这一时期意大利的牧歌曲例是：一首诗通常有二或三个诗节，各为三行抑扬顿挫的五音步诗句，配以相同的音乐，最后是过门，配以另外的音乐。同时期，意大利还出现了狩猎曲。狩猎曲是14世纪的一种与狩猎、捕鱼或与普通生活有关的意大利诗歌，配以描绘性的活泼音乐。这个时代的民歌内容非常丰富，既采用神秘的宗教传说，也吟唱骑士的业绩，还歌唱爱情及自然景色，从而使音乐可以充分表达个人的感情，音乐与音乐家逐渐得到解放，音乐开始冲出封闭的教堂，走向更为广阔的世界。

14至16世纪，西欧各国封建社会内部先后产生了资本主义生产关系，新兴的资本主义要求为自己的发展扫清道路，成长之初的资产阶级为了在政治上取得合法地位，首先向教会神学统治和封建意识形态发起了冲击。这种冲击的直接结果是导致了欧洲的文艺复兴。

文艺复兴时代的核心是人文主义。人文主义倡导以人为中心，强调人的尊严和价值，追求现世的幸福，注重尘世的欢乐，这一切逐渐唤醒了人的灵性和潜力，它使得人们对于知识地追求将逐渐超越对于纯粹神学信仰的追求，由原来的纯宗教性逐渐向世俗性方面转化。对于现世享受的追求及对人的尊严与价值的逐渐重视，自然会影响到欧洲的音乐。文艺复兴时期的音乐尽管在体裁、创作和手法上的革新与中世纪的音乐有着一定的承继关系，但由于人文主义所追求的自由平等、关怀人性的价值取向与经院哲学的恰恰相反，因此，文艺复兴时期的音乐艺术，在形式和内容上都发生了质的变化。

首先，这一时期的世俗体裁得到了极大发展。文艺复兴时期所涌现出的大批成就卓著的音乐大师中，有相当一部分对世俗体裁有浓厚的兴趣并丰富了世俗体裁的内容。文艺复兴时代，意大利牧歌作为一种吉乐形式有了很大的发展，16世纪的牧歌歌词为自由体，最早结集出版的牧歌集于1553年问世，音乐风格由弗罗托拉歌派生而来。用这种风格写作的先有韦尔德洛、费斯塔、阿卡代尔特；继起者有维拉尔特及其门生奇普里亚诺·德·罗勒，他们在歌词的表现力和技巧手法的运用方面扩大了牧歌的范围。16世纪后半叶，意大利牧歌又有了新的奉展，它们采用模仿式复调写作，大多为五声部，歌词中建量采用描绘性词汇与象征手法，并逐步从模仿式牧歌过渡到由通奏低音伴奏的独唱；二重唱或三重唱的牧歌(即强调歌唱的戏剧性)。除牧歌外的其它世俗体裁也得到了很大的发展，欧洲音乐史上佛兰德乐派的代表人物迪费创作的主要体裁除经文歌外就是世俗的歌谣曲；若斯坎·德普雷、l·奥布雷赫特和h·伊萨克还运用意大利、德国民间歌曲的形式，使作品更加富有感染力；这些新的体裁体现了人文主义的思想感情，充满了对人性的关怀。此外，在16世纪后期，以歌唱家g·卡奇厄、作曲家蒙v·加利莱伊和业余作曲家p·斯特罗齐为代表，形成了一个自称“佛罗伦萨伙伴”的艺术小组。他们试图恢复古代音乐与戏剧、诗歌结合的形式，主张突出曲调，对位声部只作伴奏，开创了主调声乐和数字低音的风格，为音乐的形成奠定了基础，为文艺复兴音乐与近代音乐的衔接架起了桥梁。

其次，世俗的复调音乐取得了支配性的地位。欧洲的世俗音乐起源于宗教音乐，资本主义生产关系的发展促进了世俗音乐的繁荣，宗教音乐也受到了世俗音乐和人文主义价值观的影响而产生一些变革，从而使欧洲音乐超越了对纯粹神学韵的追求，而宗教音乐与世俗音乐的融合成就了后世西方音乐的辉煌；伴随着世俗音乐的兴起，宗教复调音乐也相应发生了变革。g·p·帕莱斯特里纳的创作受到世俗风格的强烈影响，寻求复调与和声的平衡，形成宁静、明朗、清澈、和谐的新的复调风格，并开创了无伴奏合唱的先例。从14世纪开始，中世纪的单乐章弥撒曲的固定歌调题材有的取材于世俗歌曲。到16世纪，新的经文歌更重视高声部旋律的生动和节奏的流动性，它本身不再被宗教礼仪所束缚。

文艺复兴时期的音乐从精神上承载着人文主义的伟大精神，从技术上进行了巨大革新，题材上的世俗化与写实精神，音乐家承上启下的伟大建树，体现了特殊的历史特征，推动了西方音乐历史的发展。

资本主义生产关系的发展直接导致了科学技术的进步，15、16世纪工业技术及自然科学的成就给音乐艺术带来了极大的变化。

14世纪初，在意大利的资本主义萌芽也渗透到了乐器制作领域。从文艺复兴时期绘画作品中我们可以看到当时的意大利已有了分工细致的乐器作坊。乐器作坊的出现导致了乐器制作工艺的进步，从而使一些新的乐器被发现并制作出来，增加了供作曲家选择的乐器，为日后配器学的发展奠定了基础。

这一时期出现的最重要的乐器是小提琴。从16世纪后期小提琴作为一种独立的乐器开始定型。小提琴制造业兴起于意大利北部城市克里莫纳，在那里出现了最早的小提琴制造家，他们把小提琴各部分的比例确定下来。到巴洛克时期，克里莫纳已经成为全欧洲最负盛名的小提琴制作中心。伴随小提琴制造业的发展，16世纪后期意大利出现了最早的小提琴演奏家，小提琴演奏技术也随之得到了发展。

伴随手工作坊的出现，印刷术广泛应用于音乐领域。15世纪后期意大利就已结集出版经文歌及弥撒曲，1553年最早结集出版的牧歌集问世。法国出版商阿唐南·皮埃尔（约1494-1552年）采用活字印刷术出版了大量的尚松、经文歌、弥撒曲、琉特曲与管风琴曲；铜版印刷术运用于音乐领域，促进音乐的传播。英国音乐出版商托马斯（约1535-1609年）在16世纪末出版了同时代英国作曲家的重要作品《诗篇、十四行诗和歌曲》、《阿尔卑斯山南音乐》、《拉丁语经文歌集》以及莫利、威尔比和贝特森韵牧欹。特别是在16世纪后期，铜版印刷术应用于音乐领域，以威尼斯为中心，乐谱印刷业产生了，音乐有了更为统一的版本，得以迅速而广泛的传播。

1566年和1640年，资产阶级革命先后在尼德兰与英国爆发。资产阶级的经济实力进一步增强，为了在政治地位上取代封建贵族阶级，发起了强大的思想攻势。同一时期的意大利虽然没有爆发资产阶级革命，但其资本主义的生产关系在同时代的欧洲是最先进的。由于新兴资产阶级和带有小资产阶级性质的市民阶层的积极参与，音乐活动变得空前活跃。世俗音乐活跃的直接结果是导致了歌剧的诞生，歌剧的诞生又促进了公共剧院、音乐厅的广泛建立，随之发展的是酒馆、集市等公共场合的音乐活动也日益频繁起来，这一切又促进了乐谱出版、乐器制造业的繁荣。这些都为新时代新音乐的创作与演出提供了充足的前提条件。

世俗音乐走向繁荣的重要标志是歌剧的诞生，于16世纪末脱胎于牧歌，歌剧出现不久就取代了宗教音乐的主导地位，并从意大利蔓延到整个西方世界。

最早的歌剧出现于1600年。歌剧的诞生具有划时代的意义，它的诞生标志着巴洛克音乐时代的开始。伴随歌剧诞生而出现的是公共剧院。1637年，威尼斯向普通市民开放了圣卡西亚诺剧院，这是历史上第一家公共歌剧院，歌剧从此开始走出王公贵族的宫廷，走向普通市民。17世纪中期，威尼斯便开始进入歌剧的黄金时期。全市共有16家歌剧院全年分几个演出季节上演歌剧，一大批有才华的音乐家和剧作家为之谱曲、写作。此后，法国、英国、德国等其他欧洲国家先后建立了剧院。剧院的出现，为音乐的普及和民间音乐水平的提高起到了相当大的作用，一定程度上满足了新兴的资产阶级市民阶层对音乐的需求，使得高雅音乐不再仅仅为上层社会所垄断。

伴随城市的兴起，欧洲从14世纪出现资本主义的萌芽，欧洲人民开始走出中世纪，迈进近代社会的门槛；欧洲的社会结构，由封建主义逐渐演变为资本主义。这是欧洲历史上前所未有的社会革命。新型的社会关系使原本相互分离隔膜的人们，现在或主动或被动地进入到了共同生产生活的洪流中；原本强制性的人际关系，现在向着自觉自愿的分工协作关系转化。这种人际关系模式的转化，从根本上影响着欧洲的音乐。人性的解放，促进了人们对音乐的需求，在这场社会大变革中欧洲的世俗音乐得到了极大地发挥，单纯的牧歌演变成了牧歌剧，世俗歌谣曲也逐渐演绎成了田园剧。牧歌剧与田园剧发展的直接结果是促成了歌剧的产生。歌剧的产生真正地改变了欧洲的音乐生活，伴随歌剧而出现的剧院、音乐厅开始取代教堂成为音乐活动最重要的场所；歌剧因剧情发展的需要，重视发挥器乐伴奏的烘托作用，促进了器乐的改进与发明；歌剧这一生动活泼的新体裁后来又被教会所利用，产生了清唱剧(亦称圣剧或神剧)。音乐领域里的这一系列变化都是与资本主义生产关系的发展分不开的。

参考文献：

[1][美]亨·房龙，齐植瑜等译，《人类的故事》,湖南教育出版社，1999年版。

[2]高福进。《地球与人类文化编年：文明通史》,上海人民出版社，2003年版。

[3]刘志明。《西洋音乐史与风格》,台北大陆书店出版，1981年版。

[4]叶松荣。《西方音乐史略》,文化艺术出版社，1990年版。

[5]《简明不列颠百科全书》,上海音乐出版社，1981年版。

2023年西方音乐史心得体会（案例17篇）篇十七

《音乐之声》是一本易看、易懂又十分激励人的书。它就像有魔力似的，让你会情不自禁的看了又看。

书中讲的是一位普通的修女玛丽亚，从进入海军上校的家帮他照顾家庭，到渐渐成为他的妻子和七个孩子的母亲，再到经历了许多波折，有了一个幸福家庭的故事。

每当合上这本书，我都会在脑海里瞎想：玛丽亚，她究竟是一个怎样的人呢？竟能一下子接受做七个孩子的母亲！竟能经历波折而并不放弃！后来，我再回头想，是啊！生活中有很多这样的人，如海伦·凯勒。她虽然双目失明，双耳失聪，但她仍不放弃，努力学习。在沙利文老师的指导下，最终考入哈佛大学拉德克利夫女子学院。她这一生先后完成了14部著作，被美国《时代周刊》评选为“二十世纪美国十大偶像”之一。还有音乐家阿炳，他虽然双目失明，但他依旧热爱音乐。8岁便随父在雷尊殿当小道士。12岁已能演奏多种乐器。18岁时被无锡道教音乐界誉为演奏能手。一生共创作和演出了270多首民间乐曲。他一路走来是多么不易啊！

比起他们我就自愧不如了。当时，我在练习舞蹈老师教的新舞时，跳到一半已经累得气喘吁吁了，手臂和腿都十分酸痛，豆大的汗珠已从我的额头流了下来。由于这个舞比较难，而且在课堂上也没几个人会，我就在想，要不要放弃？后来，我还是没有坚持下来。第二天舞蹈课时，我发现三分之二的人都会了，我后悔了，可人生没有后悔药吃。从此，我坚持刻苦练舞，再也不敢半途而废了，终于成为了舞蹈队的佼佼者。

玛丽亚，她是个坚持不懈、不怕困难，勇敢突破自我的人，她是新时代的楷模！