读后感可以是对书籍中某些观点的质疑和挑战，也可以是对作者所提问题的思考和启示。请大家看看下面这几篇读后感，相信你们会从中受到一些启发和启示。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇一
入门读物，有趣比专业更重要。
记得之前在看ted演讲的时候，听过一个生物学老师说过这样一段话(大意)，“很多人说我教小孩不严谨，常常不严谨忽略个例，但其实并不是我不严谨。倘若和我交流的是个教授，我当然会十分严谨各种特殊情况都考虑上，边边角角，一处不落。但是和我对话的只是一个个刚接触生物的小孩子，要是弯弯绕绕，每说一个大规律后都要加上一个but的话，孩子们就会觉得很难受，兴趣度就没那么强烈了。我作为一个引路人，要做的是帮他们对这门学科产生兴趣，而不是对一个初学者吹毛求疵。”
读这本书的时候我就忽然想起了这位生物老师的这番话，并且深以为然。以前中学美术鉴赏课老师则以兴趣为主，但奈何课时太少，难以形成体系，而市面上其他西方艺术赏析又太专业，很难找到既有趣直白又系统有思考的入门级书籍，好不容易培养起来的兴趣就不得不作罢。
《大话西方艺术史》则很好的平衡了兴趣和知识框架体系，以浅白幽默的话语将知识、框架、见解一一道来。每一节的开头都足以有趣吸引眼球，而每一节的结尾都以“意公子说”的方式向我们传达蛰伏于艺术并高于艺术的闪光品质与价值观。
正如意公子所说，“我们不需要成为艺术界专业的学者，但也不能以纯粹无知的状态去欣赏艺术。”虽然始于兴趣，但总能收获新的知识与观念。这也许就是接触一门全新学科最好的开端吧。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇二
艺术通史阅读对于提升公众的审美素质，引领公众的人文关怀，对于吸收人类文化艺术的优秀成果，激励当代的艺术创造都具有重要的作用。目前，在一般读者层面，需要史料更加翔实的读本以开阔眼界;在专业读者层面，需要了解西方艺术史学新的成果以深化学术研究;在普遍兴起的大学艺术史课程里，更需要一本牢靠的艺术通史著作以资参考。
20世纪80年代，一些西方的艺术通史著作被引进到国内，有的过于专门化，有的又过于简略。同时，我国学者编写的世界艺术史著作，或是艺术部类不全，或是只限于某个地域。而修·昂纳和约翰·弗莱明合著的《世界艺术史》改变了这一状况。此书从1981年第1版问世以来，便以结构的完整、资料的新颖和见解的缜密成为各类艺术史中学术质量上乘的版本，受到西方艺术史学界的普遍好评，被国际学术界誉为资料最新、累集最完整的艺术史通史。
《世界艺术史》全书以“世界史”的视角涵盖全球，以时间的先后顺序为经，宽广的地理全景为纬，将大量的材料予以贯串重组，以求体现艺术作品和现象在历史时空中的原貌，勾勒出艺术历史起承转合的脉络，并在强调艺术创作与社会发展之间指涉关系的同时，注重艺术本身形式内容的变革兴替。内容直到20世纪的录像艺术，书中涉及绘画、雕塑、建筑、摄影等各艺术门类，另外也包括丝织、钱币、陶瓷、镶嵌、印刷、金银器等工艺美术与设计等艺术内容，向读者展示了一个比较完整的世界艺术史的发展历程。
《世界艺术史》与其他版本的世界艺术通史相比，有以下几方面特点值得注意：首先，作者以“世界”为视野的历史写作理想显得更加突出，贯穿在历史叙述中的整体观和有机观更加明确。长期以来，在西方学者的“世界”艺术史著作中，以西方为中心或以“西方”代替“世界”的历史观念往往居于主导地位，西方之外广阔地域的艺术史现象往往未被纳入研究领域或语焉未详。东西方世界都有着悠久的文化，各国的艺术史共同组成了璀璨的世界艺术史。
清醒地认识到这一点，他们在书中对包括中国在内的亚非拉美各国各地区的艺术都给予了一定的笔墨，全书体现出权重平衡的客观性，这是值得充分肯定的。其次，本书作为通史，在时间跨度上做了最大努力，上起人类文明的开端，下至20世纪的尾声，史料中收入了大量的专题、个案和最新的艺术现象，使得此书有了一种贴近现实的姿态。可以说，它既是20世纪艺术史界的掩卷之作，又是艺术史走向新千年的提示之作。再次，在历时的叙述模式中，作者执意营造了读者可知可感的空间，通过背景介绍、概念探析、原典与文献这些烘托“正史”的精彩板块，是历史更加立体起来，让读者能够在阅读中结合图像，获得更为深入的知识，也可以探究阅读中生发的学术命题。这种结构在艺术通史体例中颇见新意。
另外，作者在写作此书时尝试引导读者对不同地域、不同时期的艺术现象进行具有启发意义的比较。例如，将公元前5世纪古希腊的“文明”文化与其邻近的“野蛮”文化并置观察，使得读者能够更深刻地理解人类由野蛮走向开化的过程;又将重在写意的中国山水画和重在写实的西方水彩画两相对照，从而看出东西方对于艺术的态度差异。通过这些比较，作者试图在艺术纷繁复杂的“个性”中总结出内在统一的“共性”。
通史之难在于一个“通”字，除却以上优点，书中也存在一些不足之处。作者虽然努力以“世界”为观照对象，在古代部分介绍了很多有关中国艺术的内容，甚至还及时吸收了中国考古发现的新史料，但在现代部分，却忽略了极具特色的20世纪中国艺术，在对当代中国艺术的选取上，也很不尽完备。这种学术局限性需要中外学术界进一步的交流沟通，需要中国艺术史学者下更大的力气向世界推介我国的现代艺术。当然，我们不能求全责备，《世界艺术史》依然是一本具有较高学术价值的艺术通史。通读《世界艺术史》，各国艺术奇葩尽收眼底，大有“一览众山小”的心境，使读者自发地从各种艺术的比较中去思考现象背后的奥秘，更敏锐地感知世界。经海峡两岸学者通力校译，中文版《世界艺术史》已经面世，希望此举能使更多的中国读者读到此书。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇三
绘画问题并不首先、也不独属于画家或美学家。它属于可见性本身，故属于所有人。—d.马里翁(didiermarion)。
当提到“艺术史”的时候，你会想到什么？
是书店里装帧精致的各类艺术史大部头？是美术馆里望尘莫及的艺术作品？还是身边留洋回国的朋友们社交网络里时常出现的中产阶级小资情调？艺术是什么？历史又是什么？当两者结合到一起，更是令人一头雾水。
传统的艺术史研究强调“风格流派”、“图象志”、历史背景和艺术家生平等，在如今艺术的“后现代”时期，欣赏一个作品时，甚至还需要参考大量晦涩且“高级”的欧陆哲学。观者和艺术作品之间的鸿沟变得越来越大，作为起源于艺术家内心情感的艺术作品似乎距离人们真实的“心”越来越远了。
在书中，作者抛开所有先入为主的理论叙述、历史脉络和社会政治背景，运用天马行空的想象力，从“感觉”和“自我内部”出发，引导读者用“心”去“感受”艺术作品。正如徐冰老师在序言中所说，作者借助星体理论对“艺术”做了细致的对比，寻其“法像”与“真像”。这种尝试本身就具有艺术创作的性质，像是给看似有序的文化生态输入了一个新的序列。
看到视觉形式背后的东西。在这样一种观看方式下，观者就由对作品的“鉴赏”转为“感受”，“看”与“感”相连接，“观看”不再是作品的全部，而成为“感知”的起点。
梅洛·庞蒂曾说过，“眼睛不仅仅是眼睛。看，要胜过“看”本身很多。看也是感知，看，就已经在思想。从这个意义上讲，艺术让人思考”。
作者提出的星体云图就引发了观者的思考。艺术作品将人们的眼睛与心灵相连，直至光年外的宇宙星系。在那里，来自不同时空的艺术作品交织缠绕，映照出人们内心共同分享的喜怒哀乐，以及许多无法用语言描述的人类原始情感。
比如，在开篇的月亮美学部分中，作者提到，在星体理论中，月亮通常是“情绪”的代表。“月亮美学”通过阴影，夜晚，镜子，凹陷，子宫，湖面，马，鲸鱼，壳，母亲，有壳的动物，闭眼等，代表隐蔽性、收缩性、封闭性（壳和遮蔽）和保护性结构的形象进行表达。表现出我们生命中重要的情绪状态——“情绪的内观”，也即“心灵的秘流”，包括回忆的过程。常见的意象包括月亮、镜子、潮汐、湖面、茂密植物形成的遮蔽物、窗帘等。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇四
本书讲述的是世界艺术史，分为绘画、雕塑、建筑三个部分，分别从最古老的画、世界上第一座雕像、最古老的房子讲起，一直到现代派画、现代雕塑、当今世界建筑新思想，娓娓道来，每个部分又分为20多个章节，每个章节四五页，适合睡前读给孩子听。
书中附了大量经典图片，有些图片在希利尔的三部书里重复出现，这些名画、雕塑、建筑在当地应该就好比清明上河图、司母毋大方鼎、长城故宫在中国一样，是人人都知道的吧?它们就是你了解世界的一个窗口。我只能说，读这本书，使我草草地了解了一下这个世界的艺术史，因为实在不懂得欣赏，看不出毕加索的画好在哪儿，看到咱们上海、天津、哈尔滨的那些外国风格的建筑，依然分不清哪些是哥特式、拜占庭式、巴洛克式。
从小到大，我们大人都没有受过艺术的熏陶，如今的孩子忙得很，也不能静下心来去欣赏什么艺术品。小地方对地方文化没有什么系统的教育，我曾经在清风楼碰到一个外地男子，问我“邢台不是殷商古都吗?殷商旧址在哪里呢?”我从没听说过殷商旧址在哪儿，很是尴尬;读后感·对美术音乐就更不重视了，我们大部分人从来没有真正见过一幅名画，见到的只是图片，就跟我们看到印有尼亚加拉大瀑布的明信片，那并不是真正的瀑布。
我所见过的雕塑就是卧牛、三人塑像和郭守敬。第一次去参观博物馆，是一个姐姐带我们去湖北省博物馆，讲解服务已用完，展厅好几个，东西又多，瞎看一气，也没记住什么，出馆时等待的姐姐问我们有没看到三件镇馆之宝，才恍然大悟。以后每逛一个博物馆，能和孩子了解深入一下镇馆之宝，目的就达到了，不要想着件件不落。
这部书是美国人写的，而美国是一个年轻的国家，所以介绍的内容主要是他们的老祖宗所在地--欧洲的，中国的东西一点儿也没有。我想，他们可能不了解中国，如果是介绍中国艺术史，该给孩子说些什么?绘画、书法、诗词、建筑、青铜器?这个问题要交给刘老师。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇五
这个国庆节我了解了许多世界名作和艺术家，不过，我不是去巴黎的卢浮宫或其他博物馆哦!我只是看了一本《希利尔讲艺术史》。其中有三位艺术家令我印象深刻。
第一位是著名画家达·芬奇。他最著名的作品《蒙娜丽莎》是给一个名叫蒙娜丽莎的公爵夫人画的肖像。夫人那带着浅浅的微笑的脸上又有一种让人捉摸不定的神情，仿佛看到了一样让她十分欣慰的作品。达·芬奇不仅是艺术史上第一个懂得运用明暗手法的画家，而且他还能让画中的人物看起来十分饱满，一点也不像硬纸板上画出来的人物扁平。达·芬奇之所以能把人物画得这么逼真，最主要的是因为他懂得如何运用阴影和光线以及如何处理光明部分到阴影部分的过渡。虽然他的作品不多，但一点也不影响他在艺术史上的地位。
命运最悲惨的要数法国画家凡·高了，他最了不起的地方是他能用硬梆梆的油画笔画出柔软的线条，他的画总是色彩艳丽却又在同一个色调，看起来十分协调。
我最崇拜的艺术家要数米开朗基罗了。米开朗基罗一旦着手去做一件事，他总能克服一切困难完成它。比如有一位教皇请他在西斯廷礼拜堂的穹顶绘画，作为一名雕塑家，他拒绝了教皇。但是因为嫉妒他的人开始传播谣言，米开朗基罗决定用真实的绘画水平让这些谣言不攻自破。可是当他真正画起来时才发现在巨大的穹顶上绘画有多么困难：躺在脚手架的顶部只能看见一小片，根本无法建立画面的整体观，而且当他在头顶上绘画时，画笔上的颜料总是滴得他满头满脸。因为其他画师的绘画水平远不能让米开朗基罗满意，他辞退了所有画师，独自一人花了整整四年的时间完成了这项艰巨而繁冗的创作。米开朗基罗留给后人的不仅是西斯廷教堂绚丽多彩的穹顶和很多杰出的雕塑作品，还有一种伟大的精神：一旦着手去做了，就要坚持下去。
读完这本书，我才发现自己了解的艺术作品并不是很多。书中讲述的艺术家们一个个生动有趣的故事和一段段悲惨凄凉的个人经历，使我回味无穷。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇六
我现在已经对西方艺术有了初步的了解。
我非常赞同作者意公子的那句话：“我们不需要成为艺术界专业的学者，但也不能以纯粹无知的状态去欣赏艺术。”透过这本书，与其说是一本书，它倒更像是一本精致的画册，但这本画册里呈现的不仅是一幅幅绝伦的艺术作品，而是透过这些佳作为我们解读蕴涵其中的深层意义。艺术来源于生活，了解了画家们个人经历与所处的社会背景，艺术似乎并不是“高高在上，琢磨不透”了。
在看到高更的画作介绍时，我好像突然对毛姆笔下的《月亮与六便士》里那位以“高更”为原型的银行家多了几分理解。不论是米开朗基罗、拉斐尔还是凡·高、莫奈，亦或是毕加索、弗洛伊德，每一位为艺术奉献的画家，都在以巧妙的心思和精妙的手法震撼着我的心灵。
艺术可以是有形的物体，也可以是无形的观念。世界和生活本身就是艺术。无论是技艺、构图，还是大胆的.想法，达到极致，即为艺术。
我很庆幸这本书丰富了我的生活。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇七
《希利尔讲艺术史》讲述的是世界艺术史，分为绘画、雕塑和建筑三部分。我刚读完绘画部分。这本书的绘画部分介绍了西方，特别是欧洲的美术史。主要内容包括：
·穴居人洞穴里的壁画。
·古埃及陵墓、神殿和两河流域宫殿里的壁画。
·古希腊的绘画故事和花瓶绘画。
·的绘画作品。
·文艺复兴时期的著名画家和作品。
·17~18世纪的几位画家。
·新古典主义和浪漫主义画派。
·印象派画家和作品。
·后印象派、非物象画派、超现实画派和其它现代派画家。
希利尔重点介绍了文艺复兴时期的大师和作品。绘画部分有29章，其中有10章在写文艺复兴时期的绘画。在这些文章中，我最喜欢希腊的愚人画故事和文艺复兴时期的大师介绍。
希利尔认为：描摹出一幅画是很容易的。即使不描摹，看着一个东西描摹出一幅画也难不到哪去。成千上万的人都能画出一篮子水果、一瓶花或一处漂亮的风景，但这些画都只是简单的临摹而已。还有许多人可以临摹出伟大画家的作品，有些甚至临摹得非常像，简直让人辨别不出真假。但很少有人能够全凭自己的画笔创作出一幅画，能够将各种零碎的碎片拼凑成一幅美丽的图画。只有能够做到这一点的人才能够算得上伟大的画家。
我认为：描摹出一幅画也是很不容易的，创作出一幅画就更难了。光和影每一刻都是在变化的，画家在绘画时会加入自己的感受和想象。美术作品的效果往往是摄影作品很难达到的。
法国画家柯罗曾经说过：“假定某一景色使我激动，我一定在潜心表现它时，丝毫不放过使我激动的东西”。你能在柯罗的《蒙特芳丹的回忆》感受到使柯罗激动的东西吗?我觉得这句话也可以用在写作上，我们在写作时应该丝毫不放过使我们激动的东西。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇八
我刚读完绘画部分。这本书的绘画部分介绍了西方，特别是欧洲的美术史。
希利尔重点介绍了文艺复兴时期的大师和作品。绘画部分有29章，其中有10章在写文艺复兴时期的绘画。在这些文章中，我最喜欢希腊的愚人画故事和文艺复兴时期的大师介绍。
希利尔认为：描摹出一幅画是很容易的。即使不描摹，看着一个东西描摹出一幅画也难不到哪去。成千上万的人都能画出一篮子水果、一瓶花或一处漂亮的风景，但这些画都只是简单的临摹而已。还有许多人可以临摹出伟大画家的作品，有些甚至临摹得非常像，简直让人辨别不出真假。但很少有人能够全凭自己的画笔创作出一幅画，能够将各种零碎的碎片拼凑成一幅美丽的图画。只有能够做到这一点的人才能够算得上伟大的画家。
我认为：描摹出一幅画也是很不容易的，创作出一幅画就更难了。光和影每一刻都是在变化的，画家在绘画时会加入自己的感受和想象。美术作品的效果往往是摄影作品很难达到的。
法国画家柯罗曾经说过：“假定某一景色使我激动，我一定在潜心表现它时，丝毫不放过使我激动的东西”。你能在柯罗的《蒙特芳丹的回忆》感受到使柯罗激动的东西吗?我觉得这句话也可以用在写作上，我们在写作时应该丝毫不放过使我们激动的东西。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇九
很难想象，在2020年的生活速率中，一本九斤重，封面光滑，纸张娇贵的大厚书会在一个什么样的情境中被一个什么样的人阅读，当然更多的可能是难逃沦为书架装饰的命运，成为了当代（伪）文艺青年在柏拉图理念世界里拗pose的利器——尤其是对于阿纳森所编纂的《现代艺术史》这样一本天生背负辞书功能的大部头来说，即使是本专业的从业者或学生，估计也很难找到与之擦肩而过的契机。最初，正是这种存在与潜在诉求的精神分裂状态，造就了现代艺术出现的时代大环境，继而催生出了近一百五十年来艺术界磅礴的“双百”洪流。
提到现当代艺术、现代主义与后现代主义的作品，大家的第一印象可能是作品比理论还要诘屈聱牙，随便翻开一本现当代的艺术年鉴，其批评用语与内涵阐释的漂浮状态只为正向强化“艺术界”的至尊地位而服务，除了让普罗大众更加望而生畏以外毫无更多建树。然而，在《现代艺术史》这本书里，这种担心是多余的，因为在这种时候，带有美国精神的艺术文献生产中那种纯粹的实用主义优势就凸显出来了，阿纳森在大学艺术系的教学追求中和了他常年在古根海姆博物馆艺术管理层所接触的铅华与浮夸，在一线收藏轨道工作的经验又使其摆脱了学院派学究气质的钳制，所以本书的写作是在“地面”的维度上进行的。
从创作伊始“尽可能去详尽地讨论少数艺术家”的开放态度，开枝散叶到如今中国第六版二十七大章对于新古典主义与浪漫主义以来国际范围内艺术界流变趋势的囊括，本书的创作团队在保证深度与广度的前提下，尽可能地做到了解释的“透明”，唯一标准就在于阿纳森所设立的写作原点在于呈现一种最直观的“观看之道”：只有感官的直观体验才是构建艺术品与艺术接受的唯一桥梁。对于作品的介绍，编者首先要保障的就是用直白的语言去引导读者对于插图的观赏，这也是虽然阿纳森“创业大半而中道崩殂”，而其后继者能继承其精神继续让这本书在后续版本的修订与丰富中保持生命力的原因，“引水于视觉，渠成于风格，终内化于态度”，所以即使像博伊斯《如何向一只死兔子解释画作》这样令人感到歇斯底里的作品，在本书中我们也至少能找到一些确切的语言学方向，顺着“他看上去不像是个艺术家，而更像是一个萨满或者神汉，它能够通过神奇的咒语与动物的精神达到某种一体性”这样的指引去开启一种属于自己的理解——读者很难从《现代艺术史》全篇找出一丝丝的武断。
但阿纳森的高明之处在于，若非是多年了熟于胸的艺术史教学经验，怕是构建不出这么一份兼顾宏观中观微观的现代艺术史纲。阿纳森在结构全书的时候，灵活地采用了流派、风格与运动的流变去切分了现代艺术发展的一百五十年，每章自成一体，除了引用代表性艺术家与作品以外，更是打碎了以往一个帽子扣死一个艺术家的刻板印象，把多位著名艺术家如马蒂斯、毕加索等人的一生分为早期、中期、晚期或者一战时期、二战时期、二战之后，在新历史主义的语境中折射出更为全面的艺术家风格变化。这种对艺术发生阶段老马识途，但并非走马观花的全面采撷，让我们对于历史的脉络有了更为细致的把握。
当然，本书的排版结构与翻译还是存在一些小小的瑕疵，目录结构忽视了语境与艺术家群体的一体性（在美国第七版中已经得到了修正），小字部分“资料”“语境”与“技术”的三级标题缩进缺失问题也拖累了目录透明度的呈现。在某些理论阐释的语句中，在很多超过了三十个字的长句翻译中，译者暴露出了语感与跨文化传播思考上的薄弱，比如“促使惠斯勒面对罗斯金的真正问题牵涉到对现代主义来说至关根本的难题：什么是艺术”，虽然“issue”直译为“问题”并无不妥，但放置在一个因果的语境中，用“因素”或“原因”来进行替代可能在语句上则更为通顺，也更易于理解；包括同章节中“天才是艺术家与生俱来的东西：它既不能被学到，也不能通过后天习得”这样的表述，对于不了解“belearned”与“beacquired”的读者而言怕是也会读得一头雾水。
本书诞生于1968年的美国，那是属于嬉皮士，反战游行，新好莱坞，民权与女权运动蓬勃兴起的年代，打铁泼铅，一地吹散的木屑，孩子的培养记录卡片，你能所想到的一切行为，都在一个小便池先驱的带领下登堂入室，冲杀进了艺术的宇宙，即使激情如斯，还是有一位老头值得我们去怀念，他和他的后继者秉持着最严谨的年鉴派写作方式，沿用着最正宗的艺术史写作思路，冷静记录着一切的艺术开放观念，为我们留下了一部带着“动态历史光晕”的断代编年史。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇十
这个暑假，我读了《希利尔讲艺术史》。它精美的插图和详细有趣的文章让我流连忘返，深深地吸引了我。
《希利尔讲艺术史》以“我”为称呼，在人物希利尔的视角讲述了从对每个人的艺术细胞和最古老的壁画开始，一直讲到现代科技和人类的艺术。
在每一章的开头，“我”总会提出自己的想法或小测试，还有的说些导读，十分有趣。
希利尔，美国杰出教育家，毕生从事中小学教育，酷爱历史和艺术，喜欢旅行。出生于马萨诸塞州韦茅斯。当维吉尔希利尔校长于18到卡尔沃特学校走马上任时，他还是一个年仅二十四岁的毛头小伙儿。然而，他有着一颗教师的心——一种天生的异能，了解孩子们需要什么，知道如何讲孩子才能听明白，以及孩子成长的规律是什么。他所说的地理和艺术读物，就是《希利尔讲世界史》、《希利尔讲世界地理》、《希利尔讲艺术史》。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇十一
每个孩子天生都是一个艺术家，他用最通俗易懂的语言，描绘出艺术最平易近人的面孔。
这本书分为：绘画篇、建筑篇、雕塑篇三大部分。刚开始走进这本书的时候，我习惯性地翻了一下目录，不知是因为自己本身就热爱绘画的原因，还是因为这里面的每一章节的名字都很有吸引力，我一眼就喜欢上了为首的绘画篇，所以开始捧起书津津有味的读了起来。
建筑篇，毫无疑问是介绍美丽的房子。房子也有年龄，会随着时光的流逝苍老。经过一年又一年的风吹雨打、日晒冰冻，斑驳的青苔像一条小蛇爬上了围墙，挂满尘埃的蜘蛛网藏在梁木之间的角落，但是久居其中的主人对老房子的感情却会越来越深。这世界上最古老的房子—金字塔，居然是给死人住的，但它拥有坚固的外壳，不倒的坚韧精神，也许它会让死者再一次感受到家的温暖。
雕塑篇，可能已经把当时的艺术推向了最高潮。令我印象深刻的一个雕塑家是米开朗基罗，他的代表作品是《大卫》，这一作品问世后，反应激烈。大卫因此被堪称为“意大利最完美的男人”。每一个雕塑家都拥有一把神奇的雕塑刀，这把雕塑刀会雕刻出一个个与众不同的作品，同时我也希望雕刻家用手中这把刀雕刻出一个完美的人生。
艺术是史永无止境的，不管是过去，现在，还是未来。我们追求艺术的脚步永远都不会停下。艺术史智慧与美的结晶，是在汗水的浇灌下结出的果实，带给人们的是视觉上震撼与心灵上的享受。
愿艺术，像太阳一样高悬在天空，用灿烂的光辉照亮人们的生活，照亮崭新的明天。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇十二
作者希利尔通过讲述每一件艺术品背后的故事，向我们传递了这样一个信息：艺术来源于最普通的生活，每个孩子天生就是艺术家，而每个真正的艺术家也都永远保留着一颗童心。
我最喜欢读的是〈天才画家达.芬奇〉。奥纳多.达.芬奇出生在文艺复兴时期的意大利，他天生就是个左撇子，能从右到左写字。他是有史以来最了不起的画家。在著名的巴黎卢浮宫艺术博物馆里，保存着达.芬奇的一幅名画，这幅名画就是《蒙娜丽莎》。
《蒙娜丽莎》画的是一位意大利的贵族妇女。她脸上挂着一丝淡淡的微笑，那微笑是如此美妙，仿佛画家的画笔当初稍有一点变动，它就会消失不见了。达.芬奇之所以可以把人物画得这么惟妙惟肖，是因为他知道如何运用阴影和光线，他还懂得怎样处理明暗之间的过渡。他是历史上第一个知道怎么运用这种绘画手法的画家。
达.芬奇创作绘画之前，先进入生活仔细体会，直到有了灵感，构思成功才开始绘画。他这种热爱生活，贴近生活，慎密构思的方法永远值得我们借鉴和学习。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇十三
凡高的“表现主义”在《星空》中体现的十分明显。1889年也就是他自杀的前一年，凡高完成了这幅画。当时凡高生活在圣雷米的圣保罗精神病疗养院里，后来他在那里自杀。这幅画中，艺术家并没有表现天空的样子，而是传达了他对浩瀚宇宙的感受。天空中布满了呈旋涡状爆发的星星，让土地和人类蜷伏其下。
莫奈的系列主题作品体现了他对光纤和色彩的潜心研究——《鲁昂大教堂》系列甚至多达30余幅。在这个系列中，每一张作品都是莫奈从同一视角，在不同阶段或不同气候条件下观察大教堂所得到的。他可以在多达八块画布尚同时作画，在一天中随气候的变化从一块转移到另一块。
莱奥纳多·达·芬奇的《蒙娜丽莎》可能是世界上最著名的一幅肖像画。达芬奇关注的是不管从外表上还是在内在性格上都能描绘出一个令人信服的个人形象。蒙娜丽莎安静地坐着，双手交叉，她嘴角上扬，双目直视观众，微微露出笑容。达芬奇笔下的女性形象并不是通过服饰的华丽，而是通过对心理的精细描绘得以展现。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇十四
《希利尔讲艺术史》这本书是在读书交流会上听一位老师谈读书心得时知道的，当时听了那位老师的介绍就对这本书很感兴趣，回来便也买了一本。本书是一位美国的小学校长作者希利尔写的，他发现传统的历史教科书内容特别枯燥，孩子们很难有兴趣去读去理解，要学好艺术史首先是要对历史产生兴趣。于是，希利尔就自己写了一本给孩子们看的历史书。
这本书描述了世界上的艺术史，分别讲了：绘画、雕塑、和建筑三个点。它的内容丰富多彩，知识层出不穷，不像其他历史书那样枯燥无味，而是十分有趣的。这是因为作者希利尔经常在文中掺杂一些令人捧腹大笑的笑话和自己的趣事所创造的结果。在这里没有伟人，即使是伟人，也是以他是一个有特殊才能的普通人出现的，喜欢这样的叙事方法，还辅助了必要的地图，看得一目了然且十分轻松。
我认为，希利尔先生从不孤立地讲述一件艺术品，他总能在作品中发现生活的气息，并生动地加以讲述，以让我们在身临其境的兴趣中了解艺术的发展历程。如“这件作品大概是这样的，女孩科林斯的墓前有一个花篮，里面装着她生前的心爱之物，有一天一颗毛莨花长在了花篮边，花的茎叶越长越多把篮子包了起来成了个美丽的花篮。后来，一个建筑师看见了，突发奇想，做出了一种立柱，科林斯式柱出现了。”这种梦幻般的文字不禁让人陷入美妙的艺术幻想中。
这里摘抄一段希利尔语录：“最好的老师是能调动起学生的热情，激起他们对知识的渴望，引导他们孜孜不倦地去追求更好的事物，并将自己的真知灼见和真正的文化注入学生灵魂深处的老师。”这句话说得很美地阐述出了一位优秀教师应有的追求。
这本书让我更深入地了解了许多著名的画、雕塑和教堂，更让我用另一种轻松的方式重新认识了许多在各国文艺复兴时期的艺术家，这本《希利尔讲艺术史》让我系统地了解了世界各国的艺术风光。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇十五
这本《希利尔讲艺术史》讲述了从公元前几百年到现代的艺术之路，这是一条又奇妙又美丽、又古怪又漂亮的艺术之路。
谈谈艺术流程——。
先是古画，通常画在古洞的墙上，比如在法国拉。马德冷洞内发现的《猛犸图》。
接着，人们的科技有了发展，开始不在墙上画了，出现了纸、出现了石窟，在埃及就发现了好似图腾一样的画，比如《埃及亡灵书》。
然后，开始有了石雕画，是指在瓦、墙、碑上的画，有巴比伦的《狮形彩釉砖浮雕》、《亚述王国猎狮图》。
再然后，艺术越来越美，有了愚人画这一种可让人误以为真的画，画得栩栩如生，比如有《亚比利斯和鞋匠》。
渐渐地，艺术有了各种好玩的`发展，比如画在瓶瓶罐罐上的画、油画、水彩。
这些都是美丽的符号，在我们的生命中回荡。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇十六
至少对于学习美术，或者爱好艺术，想要真正了解艺术发展重要史实的朋友来说，这本书的重要性是显而易见的。当然讲艺术史的好书很多，比如《詹森艺术史》，比如《艺术的故事》。前者是整个人类从古代艺术开始一直到当代艺术的通识读本，适合有时间细读。而后者的经典性自不必多说，唯一的遗憾在于现代主义之后的当代艺术，很多内容并无提及，而它们却是我们在逛重要的美术馆艺术区画廊的时候，常常会遭遇到的。对于文学、科学、哲学，甚至于对于商业学习，我们都会自然而然的看重他们历史经典文本和传统的价值与必要性，可往往对于美术（或者音乐也包括？）某些人却有一种理论，就是只相信自己赤裸的眼睛和耳朵。这固然也没有错，我们用本能去识别图像和声音，这应该构成艺术欣赏和创作的一个基础。但是正如文学创作是由之前的无数文本和经典，以及传承所支撑，在此基础上创新形成今天的作品的道理一样，画画与看画其实也差不多。
如果我们对于绘画以及其他美术作品的创作实践，是怎样一步一步沿着前人的足迹，踩着巨人的肩膀走到今天来的过程，完全不知情的话，就会有很多的误解，很多的费解，很多都莫名其妙，很多的不尽兴，也就往往离人类所创造的一个优秀的文明的领域渐行渐远，很是遗憾。古典主义还好说一点，因为它其中所描绘塑造的形象往往是通过肉眼就可以识别的。而随着近现代具有更加的前端性与探索性的各种思潮的兴起，艺术变得不再仅仅是为眼睛服务了，它触及与涉及到了人类社会的一些重大的深刻的乃至于深奥和艰深的问题。是的，它们在艺术上都有所反映。这本书的历史断代刚好就是囊括了这样的一个时期，从19世纪中叶开始出现重大革新的艺术，例如象征主义、后印象主义开始，这些今天毕竟还好理解。又一直讲到了现代主义的产生，直到今天最新当代艺术发展的一些重要现象与潮流，而后一部分才是跟我们当下的生活关系最为密切，也最不容易凭空理解的部分。
这本书刚好就接续上了《艺术的故事》所停止的那个部分接着往下讲。我们在美术学院，或各种美术专业里面学习的同学，往往是敏感于形象、感受、甚至想象力，但是对于整体的知识框架、脉络、结构、观念、理性的部分相对而言会较弱一些。更何况很多美术体系的教育者，很多老师本身充满了人格的魅力，以充满了感性和着迷的态度去学习，他们讲出的东西也就难辨真伪，或价值的重要性难以判断。我们真是要凭造化去遇到一个好的老师，可能才会给自己指出，或者帮助自己找到一条真正适合的道路。但与此同时，我们也同样的可以展开自学，不一定非要等着人把现成的答案喂给我们，我们可以自己探寻，通过一些有价值的著作，甚至直接到美术馆、博物馆、画廊里去观看，观察原作，这些都是非常重要的方式。
甚至一桶浆糊很难澄清。但真的如果愿意在艺术和绘画-美术（本书不止绘画雕塑，艺术的概念在今天也已经大大拓展，大家自己去看）这件事情上好好的下点功夫，真的想做好的话，用点心思多研读几遍，多琢磨琢磨，慢慢的脉络就会清晰起来。然后再将当代艺术的一些重要议题加入进来，例如全球化，例如女性主义等等的问题。进一步的结合着作品去理解，慢慢的，整个从现代到当代的艺术发展的路线图也就清晰的在我们脑中形成了。
当我们掌握了有利的工具与武器的时候，就不容易被人欺骗与忽悠，对事情也有了自己的更有力量的判断，也就更能够推动我们的创作欣赏与通过艺术了解人类社会的工作了。感觉这是一本有价值的书，当然任何一本书不可能在短短的篇幅内，就让我们彻底的了解一个艺术家的所有好处，但它提供了一个整体的线索，一个路线图，或者说一个藏宝图。根据它我们可以进一步的去了解自己所喜欢的那些艺术家的生平和作品，相信一定会有巨大的收获与惊喜。
2023年中国艺术史读后感大全（17篇）篇十七
这本书非常有趣，用简单幽默的语言为“我”这种对西方艺术既不了解又看不懂的人开了一扇门。
看到一个人对这本书打了差评，理由是“把百度百科的东西复制粘贴也能称之为书？”但我觉得，这世界上的科普读物里的科普内容，百分之九十九都能在百度百科找到。但关键是，如何把这些琐碎的知识串联起来让人看懂。就是科普读物的存在意义了。
一本好的科普读物，既要内容靠谱，又要让人看的懂，而显然这本书已经远远超过了这一点。
但为什么只有四分呢？我个人认为没有的一分扣在装帧和排版。
除了书设计以外另一个让我非常受不了的就是，内里的排版。书里主要讲名画雕塑，但总出现两种情况：
一：讲解内容在这一页，画或者雕塑配图在后一页，总要人翻页对着看就很不舒服。（有种回到高中做英语阅读题的感觉。）。
二：书里配了一些大图（一整面是一幅画的情况）画主角一般都在正中间。然而，正中间是书装订的位置，人脸啊画面啊总是有褶皱或者干脆就折的看不清细节。（但是主要人物，画面重点都在正中间啊，最重要的部分我根本看不清，我还欣赏什么啊……）。
总而言之，虽然书籍设计和装帧很差，但是内容值得一看。